Los Estados Unidos conmemoran los 250 años de su independencia mientras contemplan cómo sus cimientos democráticos están en crisis. Las plataformas también lo celebran con algunas producciones que recuperan la historia de la nación con la voluntad sutil de reivindicar los valores que se están menospreciando. En HBO Max, Barack y Michelle Obama han producido una serie de sketches humorísticos junto con Larry David. El actor, aparte de ser el protagonista principal, es también cocreador, coguionista y productor junto con Jeff Schaffer, colaborador suyo en Curb your enthusiasm. La serie Life, Larry and the pursuit of unhappiness: An almost history of America se puede leer en clave alegórica. El título parodia la fórmula de la Declaración de Independencia: “Life, liberty and the pursuit of happiness”.Larry David introduce su personaje gruñón y aguafiestas en momentos emblemáticos de la historia de los Estados Unidos. La factura es cinematográfica y cuenta con los cameos de un gran elenco de famosos como Jimmy Kimmel, Kaley Cuoco, Jon Hamm, Sarah Silverman o Rob Reiner, a quien se hace una dedicatoria póstuma. Life, Larry and the pursuit of unhappiness homenajea la historia con sentido del humor mientras busca siempre una lectura actual mordaz. No todos los sketches son exitosos, algunos son demasiado largos, pero tiene gracia. Obama hace la presentación inicial recordando los personajes mezquinos que han intentado evitar el progreso de los Estados Unidos, en una alusión al protagonista, pero resulta inevitable pensar también en Trump, que se convertirá en el protagonista ausente e innombrable. El pasado le interpela como un mal futuro que es inconcebible que pueda existir. El sketch en que George Washington decide poner el límite de dos mandatos a los futuros presidentes de los Estados Unidos para garantizar la salud democrática de la nación se vuelve visionario teniendo en cuenta el desafío de Trump de esta semana en que asegura que se quiere presentar a un tercer mandato.Uno de los mejores sketches es el que recrea el episodio de Rosa Parks en el autobús. Viajar al lado de Larry David dinamitará toda la épica de la mujer que se negó a ceder su asiento a un hombre blanco y se convirtió en el símbolo de la lucha por los derechos civiles. Toda la serie resume una historia alternativa de los Estados Unidos donde, por ejemplo, Bob Woodward acabará implorando a la garganta profunda que no le llame más para informarle del caso Watergate, descubriremos el particular sentido de la decencia del senador McCarthy en su caída o el incómodo primer vuelo en avioneta de los hermanos Wright. También el orgullo abrumador de la madre de Jonas Salk, el descubridor de la vacuna contra la polio. El ejercicio televisivo es divertido, y resulta un poco paradójico. Mientras Donald Trump se carga los valores del espíritu fundacional de la nación, los Obama reescriben la historia con humor. Quizás sea aquello de más vale reír que llorar.

Miércoles, finalmente, vimos el especial de final de temporada de Com si fos ahir. Una emisión prevista para el lunes, después de ser anunciada en múltiples promociones. La retransmisión en La 1 de la celebración de la victoria de la selección española en el Mundial provocó un cambio súbito de la programación. TV3 se resignó a supeditarse al espectáculo televisivo galdós de la roja por el miedo a perder audiencia.

Javier Ruiz, con tendencia al desbarajuste y al sensacionalismo, lamentaba indignado las injerencias por la entrevista que estaba a punto de hacer a José Luis Rodríguez Zapatero, el jueves al mediodía en Mañaneros 360: “La presión en este estudio está siendo extraordinaria. [...] Está siendo insoportable la tutela. ¡Ni tutelas ni tutías, en este programa!” Para demostrarlo, emitió unas declaraciones del alcalde de Madrid en las que se anticipaba a calificar de “baño y masaje” la entrevista que le haría el presentador, y advirtiendo que sabía que eran amigos y que habían comido juntos recientemente. El comentario es una prueba del control del PP de las vidas de uno y otro. 

Telecinco ha estrenado un reality para sanar las relaciones familiares de los participantes de una manera bastante esperpéntica. En El camino de la verdad cinco parejas integradas por hijos y progenitores muy desavenidos deben recorrer el Camino de Santiago participando en actividades terapéuticas que se supone que ayudarán a mejorar el vínculo. Es muy posible que el planteamiento os recuerde uno de los sucesos más morbosos de los últimos meses. La presentadora es Luján Argüelles, curtida ya en este tipo de formatos. Disimula el cinismo con un entusiasmo teatral muy eficaz para la cadena. Tiene el tupé de utilizar las miserias de la gente para construir un espectáculo dramático y, encima, asegurar que les está arreglando la vida. Una coach hace de terapeuta y propone una serie de ejercicios de confrontación para que los concursantes se desahoguen y desbloqueen el dolor que llevan dentro. El resultado es un melodrama de reproches, ataques de angustia, lágrimas y gritos insoportable, donde el espectador se traga la acritud de los protagonistas. Un festival de abuelas muertas, hermanos atropellados, padres ausentes, madres irresponsables, hijos desconsolados y criaturas desatendidas. Hay unas historias terribles de abandonos, negligencias, narcisismos y desestructuración familiar. Lo que hace la televisión es convertir toda la basura emocional en una épica de la desgracia. Mientras hacen el recorrido del Camino de Santiago como alegoría de un proceso de transformación, la coach monta un ring de boxeo donde padres e hijos tendrán que vomitar todos los reproches mientras dan golpes a un sparring. También se anuncia la organización de un funeral en vida que ya se ve venir que será el show del obituario. Por el medio aparecen algunos famosos que han salido en la portada de las revistas del corazón por los graves conflictos con sus padres y que darán consejos sobre cómo gestionar las miserias familiares.

Mediaset ya ha confirmado el fichaje de Josep Pedrerol, que deja Atresmedia después de trece años practicando el periodismo de más baja estofa. Como se dedica a los deportes parece inocuo, pero la carga ideológica siempre está ahí. El traspaso de grupo mediático es significativo: pasa después de que, durante la campaña electoral del Real Madrid, a Florentino le diera un ataque de cuernos con Atresmedia por haber entrevistado a Enrique Riquelme, y eligió Cuatro porque Iker Jiménez le hiciera la pelota. Curiosamente, ahora, Pedrerol va detrás.Pedrerol se ha hecho célebre por sus tertulias circenses, primero en Intereconomía con el Punto pelota y después en Atresmedia con El chiringuito. Siempre repletas de gritos y broncas, con peleas e intervenciones vulgares y machistas. Lo han bautizado como un ejemplo de periodismo de bufanda, pero ha sido mucho más que eso. La evolución social le ha obligado a pulir un poco las formas más lamentables, y el paso del tiempo ha hecho olvidar algunos de los despropósitos y planteamientos más patéticos.El chiringuito se ha podido percibir como un show de señores alterados discutiéndose, un espectáculo grotesco que podía parecer blanco e inocente. Pero Pedrerol ha disfrazado de farsa y teatro mucha carga ideológica. La fábrica informativa de Pedrerol ha sido una fuente de campañas contra jugadores y entrenadores, y ha conseguido marcar la agenda del resto de medios. Tertulias enteras dedicadas a señalar estrellas del Barça y repeticiones en bucle de imágenes para sacarlas de contexto y manipular la opinión pública. La lectura de la actualidad deportiva siempre se ha hecho desde los intereses del Real Madrid. Pedrerol ha mantenido una actitud servil con Florentino Pérez. Es el periodista que ha crispado el lenguaje informativo, y ha normalizado en la televisión expresiones más propias de aficionados exaltados. “Le ha pintado la cara” y el famoso “retratado” han buscado siempre la excitación de la audiencia a través del menosprecio. Las habituales exclusivas, con mayúsculas y sonido de rayos y truenos de fondo, han sido de risa la mayoría de las veces. También ha cultivado el género de la exclusinda, donde cedía la tribuna a Eduardo Inda para intoxicar el panorama futbolístico.Pedrerol es el rey de la proclama de no mezclar política y deporte, pero ha sido en Jugones y en Elchiringuito donde más se ha puesto en práctica este cóctel. Pedrerol orquestó desde sus tertulias que se criticara a Guardiola por haber hecho discursos en catalán ante un público internacional, hizo listas de deportistas que se habían manifestado a favor de la independencia, señaló al Barça durante el Procés y fiscalizó con lupa la grada del Camp Nou. Pedrerol es quien más ha hecho por politizar el deporte, aunque fuera desde el esperpento. Su risa maléfica y artificial la oiremos ahora en Mediaset. El heredero de Sálvame en versión deportiva ahora se instalará en el grupo que siempre se ha alimentado del conflicto y de la falta de escrúpulos para continuar haciendo lo mismo que ha hecho hasta ahora.

Lunes al mediodía la onda expansiva de la victoria de la selección española en el Mundial llegaba a los informativos deportivos. El sentimiento de euforia colectiva era un punto en común en todos los programas. Pero donde más énfasis se ponía en la idea de unanimidad era en Jugones, el espacio de Josep Pedrerol en las sobremesas de La Sexta. “España entera vibró con la selección. Así se vivió el gol de Ferran en... Barcelona, por ejemplo”. El "por ejemplo" intentaba fingir que era una ciudad escogida al azar, pero la intención era clara. Barcelona era la primera postal de un estallido de celebración en toda España, a la que después se añadían imágenes de Madrid y de Sevilla. El programa también ponía énfasis en el espíritu de españolidad que había invadido el País Vasco: “Esto se cantaba en Bilbao. También allí se desató la euforia”, decían. Y enseñaban las imágenes de un grupo de chicos abrazados coreando el tradicional “¡Yoooo sooooy español, español, españooool!” Pedrerol insistía en esta idea de absoluta unanimidad: “En las grandes ciudades y en los pueblos. Niños y mayores. Toda España unida por la selección”. La locución posterior del vídeo insistía en esta idea de “país unido”, empezando siempre por Barcelona, con una chica sacando medio cuerpo de dentro del coche para hacer ondear una gran bandera española. Después se mostraban imágenes de Madrid, Valencia y Badajoz, y Mataró y Tarrasa se incorporaban en medio de localidades como Jerez de la Frontera, El Cuervo y Sanlúcar de Barrameda. El efecto mancha de aceite del orgullo español. Es lógico que, desde el punto de vista estatal, se busque esta idea de mosaico homogéneo que no tiene en cuenta disidencias, reticencias ni otras sensibilidades. Pero de una manera sibilina se apreciaba esta voluntad de subrayar y exhibir el furor español en Cataluña en un programa que en tiempos del Procés traslucía desprecio ante cualquier reivindicación, no ya independentista, sino de catalanidad.En el Telediario de La 1 usaron el titular "Un país, un grito: campeones", que también parecía aludir a esa unidad de sentimiento. En cambio, incorporaron en la escaleta la noticia sobre los ataques violentos que se habían producido en Bilbao y Navarra en zonas donde los aficionados se habían reunido ante una gran pantalla para animar a la selección española. Otro hecho diferencial de la televisión pública española era la imagen de la presencia de Pedro Sánchez en el partido. En el Telediario mostraban la fotografía del presidente español saludando a Donald Trump en el palco. El resto de programas deportivos evitaron la escena y Sánchez fue invisibilizado. Trump se llevó todo el protagonismo, siguiendo su voluntad de aparecer en la foto de los campeones levantando la copa. Luego dicen aquello de separar la política del fútbol, pero solo a conveniencia y siempre que no afecte su ideología ni su concepción de lo que debe ser España.

Hace cuatro años, Netflix estrenó una serie para adolescentes que rompió los códigos preestablecidos del género para explorar relaciones más saludables. En un mercado audiovisual saturado de melodramas que romantizaban las conductas de riesgo, los trastornos mentales, las adicciones y los traumas, apareció Heartstopper. Influenciada por la estética naíf tomada prestada del cómic de donde es original la trama, nos explicaba la historia de amor entre Charlie y Nick, dos estudiantes de un instituto británico. La serie proporcionaba unos referentes LGBTQI+ a los que no habían tenido acceso una pila de generaciones anteriores, con la voluntad de reflejar un entorno seguro para todos los protagonistas. A pesar de los clichés y el positivismo que trasudaba la serie, no caía en el error de dibujar un mundo idílico. Reflejaba las fobias y hostilidades que lamentablemente persisten en la sociedad, pero demostraba cómo la creación de vínculos afectivos pueden devenir núcleos de protección que ayudan a la reivindicación y al activismo. Los protagonistas no son unos parias obligados a un drama de superación y lucha solitaria, sino un grupo de adolescentes que cuentan con una red de apoyo de amigos, familiares y algunos profesores que les ayudan a salir adelante como necesita cualquier chico y chica de esta edad. Aunque ni la segunda ni la tercera temporada fueron mejores que la primera, la serie supo sostenerse más o menos según las características iniciales. Pero Heartstopper ha muerto de éxito por culpa del virus Netflix, que inyecta criterios comerciales y hace olvidar singularidades y autorías. La plataforma ha rematado la serie con una película final de dos horas. Heartstopper forever es un drama farragoso y alargado sin sentido. Lo que explican lo podrían encajar en un episodio de veinte minutos. Han estirado tanto el chicle que, lógicamente, las criaturas se les han hecho mayores en cuatro días. Ya pasa aquello tan ridículo de tener un grupo de adultos fingiendo ser menores de edad. Una película sin trama ni conflicto más allá de una crisis de pareja absurda. Heartstopper tenía la virtud de evitar los tópicos y los malentendidos propios de las comedias románticas defendiendo la inteligencia de unos personajes que sabían expresar bien sus sentimientos. Esto ha desaparecido en beneficio del drama. De unos traumas que aparecen a conveniencia para construir conflictos sin esfuerzo. De un malestar indefinido que ensombrece a los protagonistas cuando hace falta un poco de suspense. Se ha potenciado la sexualización de Charlie y Nick, con cinco escenas de sexo a medio a oscuras distribuidas con cronómetro a lo largo de la película. El clásico manual televisivo con adolescentes quitándose la camiseta cada veinte minutos y utilizando el sexo como bálsamo para recuperarse de las lágrimas. Un tira y afloja que provocaba un bucle de mocosos que no paran de sollozar. Un ejemplo claro de cómo cargarse una serie entrañable y convertirla en un producto anodino para exprimir la teta del éxito de Heartstopper.

Netflix ya ha estrenado una película que pasó bastante desapercibida en la cartelera de los cines y que vale la pena que recuperéis si no la visteis. September 5, dirigida por Tim Fehlbaum, relata el secuestro de los deportistas israelíes durante los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972. Lo hace, sin embargo, desde un punto de vista muy singular: todo se explica desde la sala de control de realización de la cadena norteamericana ABC, que estaba allí para retransmitir el gran acontecimiento deportivo. El film, por tanto, no quiere hacer una simple recreación del secuestro, sino explicar de qué manera se cubrió televisivamente una tragedia con implicaciones políticas e históricas.Lo que propone la película es un ejercicio narrativo muy interesante, porque combina las imágenes reales de la retransmisión de ABC de hace cincuenta y cuatro años con las recreaciones de las interioridades de la cobertura televisiva. Prácticamente todo el film se desarrolla en la sala de realización: un espacio de trabajo oscuro, lleno de monitores y ocupado por periodistas, productores y técnicos especializados en retransmisiones deportivas. La realidad, sin embargo, les obligó a todos a adaptarse a los dilemas y las dificultades informativas de un acontecimiento mucho más dramático. Se trataba de explicar lo que pasaba dentro de la Villa Olímpica mientras las competiciones seguían en marcha.Una de las obsesiones de Fehlbaum era el rigor y la fidelidad a los acontecimientos, y por lo tanto el trabajo en lo que respecta a la edición es acuradísimo. Gran parte de las imágenes que vemos a través de los monitores de la sala de control son las filmaciones reales, lo que exige una sincronización extraordinaria con toda la recreación que se construye alrededor. Incluso se han respetado las imágenes reales de la emisión con el emblemático presentador Jim McKay, que retransmitió los hechos en pantalla. Las interpretaciones y el montaje consiguen la interacción y el diálogo constante entre realidad y ficción.Pero September 5 va más allá del secuestro, que pasa a ser el motor de fondo. Aquella retransmisión supuso un punto de inflexión en las narraciones en directo de las tragedias. La película retrata el contexto social que rodeaba los hechos, con una Alemania acomplejada que aún no sabía cómo gestionar su pasado. Y también plantea los dilemas televisivos propios de una emisión de estas características: el equilibrio entre la información y el espectáculo, la responsabilidad mediática ante la tragedia y el dolor de los protagonistas, la misma influencia del medio en el transcurso de los acontecimientos y las filigranas técnicas que se debían superar en una época en que las retransmisiones por satélite en directo eran aún incipientes. Es apasionante ver cómo el ingenio compensaba todo lo que la tecnología ha puesto después a nuestro alcance. Y cómo, a pesar del paso de los años, las decisiones periodísticas más difíciles continúan siendo las mismas.September 5 provoca el desasosiego propio de un thriller y la emoción que proporciona el relato de unos hechos reales. Una buena película que nos recuerda que el mundo quizás ha cambiado menos de lo que pensamos.

A media mañana, los medios de comunicación se hacían eco de la sentencia del TJUE que avalaba la ley de amnistía. En las televisiones privadas españolas, la noticia les provocaba un cierto desconcierto. La resolución les rompía el relato condenatorio de los últimos nueve años y no sabían cómo gestionar este nuevo rumbo informativo. La contrariedad se hizo evidente en el tiempo que dedicaron a la noticia. Puigdemont ha sido uno de los protagonistas contra el cual han invertido más horas y, esta vez, no se recrearon mucho en el análisis. En Espejo público, con Griso de vacaciones, optaron por preguntarse: “¿Vuelve Puigdemont?” y “¿Está más cerca el regreso de Carles Puigdemont a España?” Más allá de especular con la respuesta, la presentadora Lorena García giró página con bastante rapidez del tema para abordar nuevas cuestiones. Ana Terradillos hizo lo mismo en La mirada crítica de Telecinco. Tan pronto como la redactora, situada delante de la Audiencia Nacional, comunicó la sentencia, la presentadora fue directa a la hora de dar paso a nuevos asuntos matinales: “Bueno, pues este es el titular. Y ahora les dejamos con otras imágenes de la mañana”. En Vamos a ver, el programa de después, no dijeron ni mú sobre la noticia. En Cuatro también se preguntaban por el regreso de Puigdemont con rótulos en la pantalla. En En boca de todos, el sensacionalista Nacho Abad pidió la valoración en directo de la portavoz del PP, Esther Muñoz, que relativizó el interés de su partido sobre las decisiones de los jueces. Mientras tanto, Pilar Rahola lo escuchaba riendo desde otro recuadro de la pantalla. Rahola hizo notar las evasivas de la portavoz y, después de plantear el nuevo paisaje judicial que se vislumbraba a partir de ahora, lanzó una pregunta desafiante al presentador: “¿A quién le interesa más que venga ahora Puigdemont? ¡Te aseguro que al PSOE no es!” Nacho Abad, en lugar de responder, dio el tema por acabado de manera abrupta: “¡Lo dejamos ahí! ¡Lo dejamos ahí! ¡Perdonad!”, y cortó la conexión para tratar otra cuestión de la actualidad sobre Vox. 

En la última edición de los Oscars, el premio a la mejor película documental se lo llevó Mr. Nobody contra Putin. El impacto de la historia de este profesor de instituto en la Rusia profunda eclipsó otro documental espléndido, nominado a la misma categoría, que Movistar+ acaba de estrenar: Cutting through rocks, dirigido por Sara Khaki y Mohammadreza Eyni. Deben conocer a su protagonista, Sara Shahverdi. Les fascinará por su personalidad y empuje. Sara se convierte en la primera mujer elegida concejal en su pueblo rural del noroeste de Irán. Es matrona, activista por los derechos de las mujeres y una trabajadora incansable. El documental comienza enseñando cómo, ella sola, arregla una gran puerta de hierro utilizando una radial. También usa el tronco de un árbol para nivelar el portal y hacer que la cerradura encaje. La determinación con la que solucionará este problema se mantendrá durante toda la película. Shahverdi no para nunca: asesora a las mujeres para reclamar sus derechos sucesorios, coordina las obras de mejora del pueblo, da charlas en las escuelas para animar a las niñas a continuar estudiando, cuida a su madre, arregla averías, repara su moto... Incluso el espectador percibe una cierta sensación de agotamiento físico solo de ver la energía que deposita en mejorar la vida de los demás. El documental se contagia de su fuerza.

Ahora que, lamentablemente, los incendios vuelven a ocupar buena parte de los informativos y el debate sobre la gestión de los bosques y las tareas de prevención se recupera es oportuno recomendar una serie documental de Arte France que emite el Canal 33 los lunes por la noche. También la encontraréis en la plataforma 3Cat (no muy bien etiquetada). Se titula L’arbre qui cache la forêt y se ha traducido al catalán como El árbol que esconde el bosque. En francés juega con la expresión equivalente a la nuestra de “los árboles que no dejan ver el bosque”.La serie parte de un planteamiento muy atractivo, que afecta más a la manera de narrar que al contenido global. Cada capítulo tiene como punto de partida un árbol histórico y emblemático de un territorio: el abedul del Gran Norte, la tuya del Gran Bosque Húmedo de los Osos, el eucalipto gigante de Australia, el baobab de Madagascar, el roble europeo o la ceiba del Amazonas. El árbol es la excusa para explicar todo el ecosistema forestal que se articula alrededor de aquel ejemplar majestuoso y centenario que se ha escogido como protagonista. Como ocurre a menudo en este tipo de producciones, es una ventana relajante y privilegiada para observar el mundo. Con la tuya gigante viajamos hasta la costa oeste de Canadá, a una superficie boscosa de sesenta y cuatro mil kilómetros cuadrados. Con el abedul, descubrimos la superficie de más de mil millones de hectáreas de bosque boreal que ocupa el extremo norte del planeta.El árbol que esconde el bosque es fascinante. Pasa de hacernos observar los detalles más minúsculos, poniendo el objetivo sobre las esporas más imperceptibles o los insectos que habitan en el tronco, al contraste del plano general, mostrando el tapiz que dibujan las copas de los árboles o el papel del río lleno de salmones a la hora de nutrir la vegetación. El trabajo de realización y fotografía es tan cuidadoso (y quizás un poco demasiado retocado de color) que la imagen acaba pareciendo una de aquellas postales de ahorro de pantalla que ofrecen los ordenadores por defecto y que parecen casi mágicas de tan espectaculares. Localizaciones que, por la vegetación imponente y la soledad del lugar, tienen también algo de sublime, de misterio oculto. El doblaje al catalán es de una gran riqueza lingüística y aporta a la locución un tono un poco afectado para forzar la poética. Te acostumbras fácilmente a pesar de que la intensidad narrativa sea un pelín exagerada. Al relato se añade el testimonio de expertos en aquel rincón del mundo: biólogos, ecólogos, activistas, escultores, micólogos y especialistas en las disciplinas más inauditas que pueda plantear aquel paisaje. De cualquier detalle casi invisible al ojo humano crece todo un pozo de conocimiento. Es apasionante descubrir la influencia que tienen las huellas de millones de renos en la forma de un bosque y el impacto que tienen en la captación de carbono. La serie trasciende los árboles en concreto y los bosques que retrata para recordarnos la complejidad e importancia de estos ecosistemas. Ver estos documentales te hace entender el alcance trágico de los incendios y la poca importancia que damos a los bosques.

Si le apetece una serie documental de aquellas que le hacen apartar la mirada de la pantalla para dejar de sufrir, esta es, sin lugar a dudas, El mago oscuro (The dark wizard), en la plataforma HBO Max. Es tan angustiosa como adictiva. Muy posiblemente se tragará los cuatro capítulos de una sentada. Es la historia del alpinista Dean Potter, experto en escalada sin cuerdas y vuelo con el traje de alas. Revolucionó el highline –caminar sobre una cinta suspendida entre acantilados– y fue el principal impulsor del free BASE –una disciplina que combina la escalada sin ninguna seguridad y el salto al vacío con paracaídas–. Potter necesitaba el riesgo y la adrenalina. Su historia, explicada por sus amigos íntimos, divaga constantemente entre la motivación y la temeridad.La serie está dirigida por dos expertos en documentales de alpinismo: Peter Mortimer y Nick Rosen. Más allá de su talento para explicar relatos que penden de un hilo a miles de metros de altura, tienen la capacidad de ser muy exigentes con la calidad y con la intensidad dramática de las historias. Dosifican muy bien la información y la evolución emocional de los protagonistas.El mago oscuro tiene, además, la virtud de descubrirnos una intrahistoria vinculada con otro documental de alpinismo muy famoso que ganó un Oscar en el año 2019. Se trata de Free solo, la película que relataba el ascenso de Alex Honnold a El Capitán, una pared vertical del Parque Nacional de Yosemite, sin cuerdas ni ningún sistema de seguridad. Aquel documental mostraba sobre todo la dimensión psicológica de un protagonista que, en cualquier momento, podía precipitarse a la muerte ante las cámaras. Lo que no se explicaba en aquel documental emerge ahora en la serie de HBO Max. De hecho, Honnold es uno de los testimonios que revelan, con un frialdad sorprendente, su relación con Dean Potter. En El mago oscuro se pone de manifiesto la competencia, no siempre honesta, entre ambos alpinistas y cómo su rivalidad influyó en los riesgos que Potter estaba dispuesto a asumir para no perder protagonismo.La serie documental nos explica la personalidad extrema de Dean Potter y lleva al espectador a plantearse cuáles son las motivaciones de estos escaladores que flirtean constantemente con la posibilidad de caer al vacío. Experiencias traumáticas de infancia, la falta de límites, la salud mental y el narcisismo son aspectos que atraviesan la historia y que provocan emociones contradictorias en el espectador. La recopilación de imágenes de archivo es magnífica, sobre todo para reconstruir la personalidad de Potter, y los recursos metafóricos de los pájaros dan una dimensión más simbólica y mística a la historia. Desde el inicio hay una inquietud que parece advertir el final. Una serie documental adrenalínica y vertiginosa que, cuando la acabas, te reconcilia con las rutinas diarias y la paz del aburrimiento.

Disney+ ha estrenado Alice & Steve, una serie de seis capítulos que pone a prueba la amistad entre los dos protagonistas. La etapa vital de los personajes es esencial en la historia, porque los matices ayudan a hacerlos crecer y entender sus reacciones. Alice se enfrenta a las incomodidades de la menopausia mientras trabaja en un empleo poco motivador y sobrevive a las rutinas familiares con suficiente dignidad. Steve es peluquero de famosas y, por tanto, su existencia puede parecer un poco más glamurosa. Pero después de un mal divorcio y compartir la custodia del perrito, su cotidianidad ha quedado atascada entre la soledad y el egoísmo. La complicidad entre ambos amigos, sin embargo, llena sus vidas. De jóvenes fueron pareja, pero es una etapa anecdótica que de vez en cuando mencionan con sentido del humor. Pero lo que parece una amistad indestructible solo aguantará el primer capítulo, cuando Alice descubrirá que su hija se ha liado con Steve, que le dobla la edad. Izzy tiene veintiséis años y acaba de sufrir un desengaño amoroso, y en la figura de Steve ve una estabilidad y una protección que no ha encontrado en los chicos de su generación.

Netflix acaba de estrenar Miguel Ángel Blanco: las 48 horas que lo cambiaron todo, un documental de Jon Sistiaga y Juanjo López que profundiza en la cuenta atrás que fijó ETA para matar al concejal del PP de Ermua tras secuestrarlo, en julio de 1997. La emisión ha coincidido con la efeméride, a pesar de no tratarse de un aniversario redondo: este verano se cumplen 29 años de aquel asesinato. El documental ha coincidido, con pocas semanas de diferencia, con el estreno en Movistar+ de Gregorio Ordóñez, el asesinato que despertó la rebelión contra ETA. La producción de El Diario Vasco conmemora el atentado contra el concejal del PP del Ayuntamiento de San Sebastián en 1995.

En el proceso de La revuelta para cerrar la temporada, el miércoles por la noche conectaron por videollamada con Shakira. Una entrevista típicamente promocional para anunciar los conciertos de septiembre y octubre en Madrid. Una conversación absolutamente anodina e intranscendente para poder decir que has tenido a la cantante en el programa. Shakira estaba en Boston, en plena gira y pendiente de la actuación en la final del Mundial. Conectaba desde un salón elegante, decorada con la típica frialdad e impersonalidad de un hotel de lujo o de un apartamento para gente adinerada. David Broncano, a pesar de su tono desenfadado, procuraba aparentar cierta normalidad eliminando cualquier trascendencia al momento. Con todo, se le notaba la prudencia que suelen exigir las grandes estrellas internacionales, donde todo debe ser sumamente educado y se debe insinuar una actitud más bien reverencial. El presentador siguió todos los protocolos del elogio, el reconocimiento a la labor artística de la cantante y la mención de los conciertos, con las hipérboles justas. Shakira correspondía con unas risas de cortesía, la generosidad de invitarle a sus espectáculos y aquella alegría de los famosos para demostrar que, a pesar de la fama, continúan siendo personas normales y corrientes.

La realización del Mundial es impecable. Ojalá siempre fuera así. No hay repeticiones mientras el partido está en juego. Aprovechan los momentos de parada para repetir los goles, las buenas ocasiones, las jugadas espectaculares o las acciones polémicas. Partidos de fútbol bien retransmitidos con una singularidad: la aparición casi sagrada de Gianni Infantino. En un buen puñado de partidos, al minuto diez de cada parte, el presidente de la FIFA aparece en el palco, en plano centrado y ligero contrapicado. Como un emperador romano observando su fiesta. La consigna para los realizadores es muy clara. Ni Leni Riefenstahl era tan explícita ni tenía órdenes tan obvias a la hora de subrayar quién tiene el poder.

El martes por la noche, Marine Le Pen fue entrevistada en el informativo de noche de TF1, la cadena generalista de mayor audiencia en Francia. Quería lanzar el gran titular: “Esta noche soy la candidata a las elecciones presidenciales”. A pesar de la contundencia de su anuncio, el presentador Gilles Bouleau no se lo puso fácil. Quince minutos de conversación en los que la presión del periodista se hizo evidente. Mucha persistencia sin agresividad. Bouleau fue insólitamente exigente en la demanda de explicaciones a la nueva candidata. Cabe destacar un aspecto importante de aquella emisión. Hacia las dos menos cuarto del mediodía, el Tribunal de Apelación de París hacía pública la resolución de la sentencia y confirmaba la culpabilidad de Le Pen en un desvío de fondos del Parlamento Europeo. Eso sí, le rebajaba la pena de inhabilitación y le permitía presentarse a las presidenciales del 2027. Solo habían pasado seis horas cuando Marine Le Pen se sentaba a la mesa del informativo ante millones de espectadores. Bouleau empezó preguntando a Le Pen por su primera reacción al conocer la sentencia. “J’étais heureuse”, respondió ella. “Me he puesto contenta”, contestó sin más. La respuesta provocaba perplejidad teniendo en cuenta la confirmación de su culpabilidad. El presentador hizo notar la contradicción. Le Pen utilizaba un matiz discursivo nada inocente: “Estoy contenta de que el tribunal haya restablecido mi elegibilidad”. Ella modificaba el marco mental como si la justicia le restaurase una especie de derecho legítimo que le había sido retirado indebidamente. Lo transformaba para que la sentencia pareciera favorable. Mientras el periodista luchaba por separar la condena de la elegibilidad, Le Pen se esforzaba en reducir el discurso al segundo aspecto. Bouleau le recordaba los dos órganos judiciales diferentes que coincidían en el veredicto de culpabilidad. Cuestionaba siempre los presupuestos de Le Pen: cuando ella hablaba del recurso por tener que llevar brazalete electrónico como si fuera a prosperar favorablemente, él le señalaba que eso solo era una hipótesis. El periodista siempre remarcaba los hechos confirmados para diferenciarlos de las aspiraciones de ella. También la obligaba a concretar los argumentos con la voluntad de comprometerla ante la audiencia. No le pedía opiniones y siempre compensaba su optimismo con la realidad más pragmática. Era una manera irrefutable de evidenciar las contradicciones de la candidata. Bouleau se esforzaba por no caer en el marco narrativo de la invitada. Ejercía de contrapeso sin discutir. Obligaba a Le Pen a confrontar el coste político y judicial, le repitió dos veces que valorase los pros y contras de su candidatura ante las evasivas. Le exigía un ejercicio de reflexión política que fuera más allá del simple anuncio de la candidatura. Lo que hacía el presentador entre líneas era hacer emerger los intereses personales de la invitada, y, sobre todo, señalar a la audiencia las implicaciones de la decisión de Le Pen para que los espectadores interpretasen las consecuencias políticas a medio y largo plazo. Un gran duelo por simple responsabilidad profesional.

El lanzamiento de este año del chupinazo ha tenido un nuevo reclamo para dar un enfoque más sibilino a los Sanfermines. Han pasado diez años de la violación grupal a una chica de 18 años por parte de cinco individuos que se autodenominaban La Manada. Los medios de comunicación usamos el nombre para etiquetar el caso. El juicio, con la primera sentencia en abril de 2018, marcó un punto de inflexión en la legislación de los delitos sexuales en España. La reacción ciudadana ante la calificación inicial de los hechos como "abuso sexual" contribuyó a una reforma legislativa en 2022 con la ley del solo sí es sí, basada en el principio del consentimiento explícito.En Antena 3 noticias hacían notar la efeméride para preguntarse si había cambiado algo a la hora de celebrar esta fiesta. El planteamiento ya dice muy poco de las costumbres asociadas a los Sanfermines. Hasta el escándalo de la violación de 2016, el machismo y los abusos a las mujeres incluso estaban normalizados en la televisión. La mayoría de los programas enviaban reporteras jóvenes, sabiendo que parte del espectáculo consistía en ver cómo eran acosadas por parte de un público pasado de rosca y de alcohol. Las imágenes de mujeres sin camiseta manoseadas por la multitud también eran una postal típica de la época. Y se habían normalizado como si fueran inevitables casos de violencia machista terribles, como el asesinato de Nagore Laffage en Pamplona el 7 de julio de 2008. La noticia de esta semana hablaba de puntos violeta para denunciar y de declaraciones en una encuesta callejera en la que algunas personas recordaban la importancia de la precaución de ir acompañadas. Un síntoma evidente de que la responsabilidad continúa recayendo en las mujeres y de que no ha habido un cambio social en la conducta machista de determinados individuos ni en los peligros asociados al ocio nocturno.La realidad mediática respecto a los Sanfermines, sin embargo, no ha cambiado tanto. Lo vimos el mismo día en el programa reaccionario y sensacionalista En boca de todos, de Cuatro. El presentador, Nacho Abad (que en su día tuvo la desfachatez de preguntar por redes si el caso de la Manada había sido una violación o sexo consentido), envió al epicentro de la fiesta a una reportera para que se mezclara con la multitud de la plaza. En la primera conexión ya había un individuo ebrio acercándose a ella, con una actitud que demostraba que la tradición de acosar a periodistas en aquel contexto no se ha perdido. Abad, con unos aspavientos inútiles, riñó al individuo “por molestar a una mujer”, y aprovechaba el conflicto para exhibirse como justiciero de la moral y hacerse viral en las redes. También se dedicaron a contar pancartas que pedían el retorno de los presos de ETA.En Espejo público estos diez años servían para cargar contra el gobierno socialista y la ley del solo sí es sí. Una tertuliana de Griso afirmaba: “Yo creo que la Manada inauguró el feminismo mainstream, este feminismo hecho de memes, de lemas vacíos, que yo creo que está de capa caída”. La Manada y el feminismo como cómplices es lo que faltaba por oír. Una década después, se utiliza una violación atroz como pretexto para ir más atrás en vez de progresar.

El domingo las etapas iniciales del Tour de Francia atravesando Cataluña nos ofrecieron unas imágenes magníficas del país. Más allá de la competición deportiva y el gusano de bicicletas circulando a toda velocidad por las carreteras, el Tour tiene una vertiente turística muy atractiva. Desde siempre, los paisajes adyacentes a la carrera, sobre todo los que nos muestra la televisión a vista de pájaro, son cautivadores. Se descubren campanarios, castillos, iglesitas y pequeños pueblos, trazando un recorrido tentador de visitar. Todo parece más bonito. Esta vez, excepcionalmente, eran nuestros pueblos y ciudades. Vimos la iglesia de Cubelles, las playas de Calafell y Vilanova, el castillo de Olèrdola y una Sitges espectacular, con las casas del paseo y el Cau Ferrat. Magnífica la iniciativa de Viladecans de dibujar sobre un campo labrado una gran bicicleta con el nombre de la localidad para reivindicarse internacionalmente. La catedral de Sant Feliu de Llobregat, desde el aire, gana en presencia. Impresionante el Walden de Sant Just con la gente en los balcones. Vimos el castillo de Cervelló, la Colònia Güell y el monasterio de Pedralbes. Barcelona se desplegaba ante unas vistas del Tibidabo, y enseguida los grandes hits más turísticos de la ciudad: el Camp Nou, La Pedrera, la catedral de Barcelona y el Mercado de Santa Caterina. Con la entrega de galardones nos mostraban las vistas esplendorosas desde el Observatorio Fabra con la cuadrícula emblemática del Eixample y el Mediterráneo en el horizonte. Desde el cielo el punto de vista es tan épico que todo parece mejor. Incluso los polígonos industriales del Baix Llobregat no tienen una apariencia tan inhóspita. La realización del Tour es delicada y sensible al entorno. Se nota la voluntad de dejar contento al anfitrión que paga. El ritmo vertiginoso del Tour ha podido mostrarnos una especie de Cataluña en miniatura, donde repasas parte del país de un vistazo, que se puede cruzar a una velocidad a la que el tren no nos tiene acostumbrados. El verde de la vegetación y los colores de los cultivos en verano disimulaban un calor que en la televisión no se nota. Collserola se veía frondosa y fresca sobre la ciudad.Pero en el Telenoticias vespertino el panorama cambiaba. La Cataluña vista desde el aire se volvía trágica y angustiosa. Un equipo de TV3 subió a un helicóptero de los Agentes Rurales para sobrevolar el rastro del incendio del macizo de las Gavarres. Un paisaje gris. El tapiz verde se volvía negro, mostrando a los espectadores el alcance y el perímetro del fuego. También se veían algunas de las casas quemadas y las manchas de terreno que, de forma inaudita, resistieron a las llamas. Desde el aire se entiende mejor todo el lenguaje técnico de los bomberos a la hora de explicar la evolución geográfica del fuego.La distancia que nos da la mirada desde el cielo muestra el país de una manera mucho más clara, más sencilla. La perspectiva también deviene mucho más épica y emocionante. Debe ser por eso que las imágenes, por majestuosas o por trágicas, se convierten en hipnóticas.

El viernes por la noche, Pepa Bueno cerraba el Telediario con una dedicatoria a la compañera y periodista Anna Bosch, histórica corresponsal de la televisión pública. Una todoterreno de la profesión que, después de treinta y seis años, se jubila. Como regalo de despedida, una crónica firmada por Carlos del Amor recogía parte de su trayectoria y, sobre todo, condensaba su personalidad a la hora de informar. El vídeo comenzaba de una manera muy acertada para resaltar el talante de la corresponsal. Eran unas imágenes de archivo de Anna Bosch en una de sus crónicas internacionales, donde relataba los enfrentamientos violentos entre la policía y los manifestantes. Bosch llevaba un casco y una máscara integral que le cubría toda la cara, con filtro antigás para evitar el contacto con las sustancias irritantes que se esparcían por la plaza. Del Amor comenzaba diciendo: “Hay algo que pocos tienen, que es ser reconocible aunque sea imposible reconocerle”. No se puede expresar mejor la personalidad televisiva de Bosch: desde el lugar de los hechos, recorriendo el espacio y moviendo los brazos para señalar al espectador aquello con lo que se tiene que fijar. Una simbiosis perfecta con el entorno que no podría sustituir ninguna nota de agencia. Sus crónicas son historia de la televisión.