¿Cómo logra el hijo de unos campesinos mallorquines desfilar en la Semana de la Moda de Nueva York y ser considerado el sucesor de John Galliano? ¿Por qué este protegido de la prensa especializada acaba arrojado a los leones? Estas mismas preguntas nos las hicimos en este mismo diario hace exactamente once años a raíz de Call it a balance in the unbalance (2011). Una historia épica con un final dramático en el que Regine Lettner se adentraba, a través de las vivencias del diseñador Miguel Adrover, en una industria capaz de destruir mitos a la misma velocidad que los construye. Este documental formó parte de la primera edición del Moritz Feed Doc, el festival internacional de cine y moda de Barcelona que cumple este año diez años recuperando, casualmente, la figura tan fascinante y enigmática de Adrover. En esta ocasión lo hace a través de The designer is dead (2025), un documental de Gonzalo Hergueta centrado en la trayectoria vital y artística de una de las personalidades más congruentes y radicales de la moda contemporánea. Este Adrover es el propio Adrover que hace más de dos décadas ya hablaba de sostenibilidad y multiculturalidad, cuando estos conceptos no eran mainstream. También es lo mismo que hace unos meses renunció a vestir a la Rosalía de Lux porque la cantante no utilizaba su altavoz para denunciar el genocidio palestino. Y es que para Adrover la moda debe entenderse no sólo como un artefacto cultural sino político.

En Montevideo hay una tradición sagrada: ir al Mercado del Puerto a comer uno asado. En las playas de Batangas, en Filipinas, cualquier hora del día y cualquier día del año es bueno para tomar un lomi, una sopa de fideos de origen chino. En todos los pueblos y ciudades de Armenia, nunca falta el khorovat, la barbacoa de carne. Y en la isla de Java, en Indonesia, el desayuno más popular es soto ayam, una sopa caliente con propiedades medicinales. No es necesario tomar ningún avión para disfrutar de estos pequeños placeres, sólo hay que dar una oportunidad a las cocinas minoritarias, bien presentes en Barcelona. Más allá de un descubrimiento gastronómico, también son un legado cultural que fusiona memoria y paisaje. Os proponemos un recorrido por cuatro restaurantes que le harán viajar a través de recetas y sabores sin salir de Barcelona.

3, 2, 1! ¡Empieza la función! En el escenario sólo hay una taquilla en la que se venden las entradas del Palacio de las Ilusiones, donde un abuelo bondadoso de barba blanca pasará una tarde llena de emociones con sus limpias. Éste es el punto de partida deILU, el nuevo espectáculo de Cirque du Soleil concebido expresamente para Andorra, una colaboración que ya dura doce veranos y que se ha convertido en un imán turístico por el Principado donde el espectáculo podrá verse hasta principios de agosto. Más allá de un espectacular número de circo –con trapecistas, acróbatas y funámbulos en estado de gracia–, ILU es un homenaje a la infancia, esa etapa de la vida en la que los límites entre la realidad y la ficción se desdibujan. En este mundo de fantasía dirigido por Lydia Bouchard deambulan personajes extravagantes, monstruos de caramelo, caballos que relinchan e, incluso, un parsimonioso oso polar. En la puesta en escena, el vestuario desempeña un papel fundamental. No sólo ayuda a construir los personajes, sino que refuerza su relato.

Si no fuera por una fotografía sensual en gran formato de una novia submarina a punto de picar un anzuelo, el estudio de Philippe Shangti (Tolosa, 1983) pasaría desapercibido para los peatones. Sería una más de las construcciones de piedra y pizarra que inundan Andorra. allí se celebra un acontecimiento: el fotógrafo francés –residente en el Principado desde hace una década– presenta una nueva colección. de No judgement here, una colección que trata sobre los prejuicios físicos y que sigue la estética provocadora de sus trabajos previos. Shangti siempre ha tenido tendencia a decir las cosas por su nombre y hablar de temas polémicos, como las drogas, el sexo y la prostitución, a través de sus fotografías. Y es que antes de poder dedicarse a esta disciplina artística, trabajó en el sector de la alta hostelería de Saint-Tropez y pudo observar el mundo de la jet set de puertas adentro.

The Konrads, The Riot Squad, el folk psicodélico, el glam rock, el soul, el funk, The Thin White Duke, Berlín, los años pop, Tin Machine, la música electrónica... La cronología musical de David Bowie (1947-2016), que abraza casi seis décadas, muestra una pocos mortales. En junio de 1972, en plena eclosión del glam rock, Bowie se sacó de la manga un alter ego: Ziggy Stardust, el rockero alienígena que le propició fama eterna con el álbum Rice y fallo de Ziggy Stardust and Spiders from Mars. Aquel look tan extravagante y andrógino de Bowie –que fue uno de los primeros en romper las barreras de género– cautivó al público. También un fotógrafo japonés que estaba de paso en Londres, donde había ido a tomar una sesión de fotos con Marc Bolan, el cantante de T-Rex. Pero Masayoshi Sukita (Nogata, 1938) no podía quitarse de la cabeza un póster que había visto por la calle. "En ese momento yo no sabía quién era. Así que pregunté en el conserje del hotel donde me alojaba quién era Bowie. Me quedé tan impresionado por esa imagen que supe que debía asistir a uno de sus conciertos", explica Sukita, de 87 años, vía e-mail desde Japón. Lo que entonces todavía no sabía era que ese póster le cambiaría la vida.

Nueva York. 1967. Aeropuerto JFK. Un enjambre de fotógrafos espera a una chica de pelo corto, pestañas infinitas y figura escuálida que acaba de bajar de un avión proveniente de Londres. "Twiggy!" "Twiggy!", gritan los fotógrafos cuando la ven llegar. Todos quieren capturar el rostro del momento. Un periodista le pregunta: "¿Eres hermosa?" Y ella, que apenas llega a los diecisiete años, le responde confundida y con cara de circunstancias: "Realmente, no". Con esta escena arranca Twiggy (2024), un documental de Sadie Frost que recorre la vida de Lesley Hornby (1949), la chica de las afueras de Londres que se convirtió en el icono del Swinging London. A través de un valioso material de archivo y el testimonio de una larga lista de famosos, Frost reconstruye la carrera de la mujer que revolucionó en los años sesenta y que, más tarde, se reinventó como diseñadora de moda, actriz (ganó dos Globos de Oro por su primera película) y la nominaron a un Tony. De hecho, pronto saldrá a la luz su último álbum.

Quien rebusque por los archivos de RTVE encontrará material en blanco y negro de un desfile de alta costura que Paco Rabanne hizo en París en 1966. Fue la primera y ya le catapultó al éxito por su acercamiento tan innovador a la moda, a los materiales y al papel que debía jugar la mujer en la sociedad. Aún no había estallado en Mayo del 68, pero Rabanne ya había leído qué pasaba en la calle y, con su peculiar estilo futurista, lo subió a la pasarela. No en vano le llamaban el Visionario. Pero, más allá del diseñador que hacía vestidos ensamblando piezas metálicas, que fue pionero en poner banda sonora en los desfiles y en contratar modelos negros, que lanzaba perfumes mediáticos... ¿quién era Paco Rabanne? Para empezar, no era ni su nombre real, sólo la etiqueta tras la que se escondía Francisco Rabaneda Cuervo (Pasaia, 1934), un niño vasco que por culpa de la Guerra Civil Española malvivió en campos de refugiados del sur de Francia y que, contra todo pronóstico, acabó tocando la gloria en París.

Cualquier periodista espabilado podía intuir por dónde irían los disparos durante la presentación del equipamiento de la selección de fútbol de Bélgica que se hizo esta primavera en el Museo Hergé de Lovaina. Una ilustración en gran formato de Tintín y una réplica del famoso cohete rojiblanco ya daban pistas suficientes. Pero es que el chico encargado de lucir el segundo equipamiento para la Eurocopa 2024 –camiseta azul con el cuello blanco y pantalón marrón– parecía un sosia del intrépido reportero. Y más aún cuando ponía rodeado de los dobles del capitán Haddock, Bianca Castafiore, Silvestre Tornasol y Dupond y Dupont. Solo faltaba su inseparable Milú. Esta teatral mise-en-scène para presentar el nuevo equipamiento europeo de los diablos rojos también es sintomática: las camisetas de fútbol son la puerta de entrada a un negocio que mueve muchos millones tanto dentro como fuera del campo. Y Adidas lo sabe tan bien que no le ha importado volver a repetir la jugada: el segundo equipamiento belga para la UEFA Euro 2016 rendía homenaje al ciclismo –un deporte nacional– y el de la Copa del Mundo FIFA 2022 a los fuegos artificiales de Tomorrowland , un mítico festival de música electrónica. ¿Cómo no tenían que guiñarle un ojo a Tintín y seguir impulsando la venta de camisetas haciendo vibrar el orgullo patrio?

Cuando a finales de los años ochenta Wim Wenders recibió el encargo del Centro Pompidou de París para realizar un short film sobre el mundo de la moda, la primera reacción fue de desecho. "Yo no tengo nada que ver. Me interesa el mundo, no la moda", les soltó. Pero cuando masticó la propuesta pensó que no había que menospreciarla tan apresuradamente y que quizá podía explicar la moda desde otra rendija. Además, había alguien que vivía en Tokio que hacía tiempo que le tenía intrigado por culpa de una chaqueta que se había comprado años atrás. Cuando se la ponía se sentía distinto. No era tanto una cuestión formal como emocional: esa pieza le hacía viajar a su propia infancia como si alguien hubiera sido capaz de entretejer la esencia de un recuerdo. Estrenada en 1989, Notebook on cities and clothes es una inmersión fascinante en el proceso creativo del creador japonés Yohji Yamamoto y también un diario personal de Wenders sobre la identidad. ¿Qué dicen de nosotros las ciudades en las que vivimos? ¿Qué dice de nosotros la ropa que traemos?

Durante una milésima de segundo, el ambiente se derrite a negro y luego estalla en mil pedazos de luz mientras la música ya retumba. Empieza el show. La dopamina se dispara y el corazón se acelera. De las modelos y del diseñador, seguro. Quizá también le ocurra al público, que permanece expectante con el móvil en la mano. Dependerá de su capacidad de conectar con lo que verá sobre la pasarela. Es sólo un viaje de diez o doce minutos, pero puede hacerte volar a otra dimensión. Esta capacidad no está al alcance de todos. De Custo Barcelona, sí. Más allá de que te guste o no su ropa, más allá de si te la pondrías o no. ¿Juega a otra liga? Sí (y no sólo para que esa marca catalana también desfile a la semana de la moda de Nueva York y de Madrid). Cuando tu objetivo es vestir a mujeres que ya tienen el armario desbordado de ropa, sólo puedes apelar a la emoción, y esta es la tecla que ha sabido apretar el diseñador Custo Dalmau para iluminar la segunda jornada del 080 Barcelona Fashion.

Entre la emergencia climática, las guerras y las crisis económicas permanentes, parece que el mundo se asoma a un final apocalíptico. Pero todavía lo miramos desde la distancia, como si la fiesta no fuera con nosotros. La industria de la moda -una de las más contaminantes- tampoco es una excepción y sigue su calendario al pie de la letra y con la maquinaria bien engrasada. La 080 Barcelona Fashion también. Como estaba previsto, ha levantado el telón este martes en el Recinto Modernista del Hospital de Sant Pau. Ya suma 32 ediciones. ¿Es frívolo hablar de moda en los tiempos que corren? Quizás, pero también es hora de sacarnos los complejos. La moda es también una herramienta de denuncia muy potente. Ya lo ha dicho el diseñador Miguel Adrover en más de una ocasión: ¿de qué sirve, si no se utiliza para abrir los ojos al personal, para explicar qué ocurre en el mundo con su propia narrativa? ¿No es ésta la misión del arte?

París. Enero de 1928. Pablo Picasso se encapricha de una jovencita que se está probando sombreros en las Galerías Lafayette. Es Marie-Thérèse Walker, que poco tiempo después se convirtió en musa y amante del pintor malagueño mientras éste todavía estaba casado con la bailarina rusa Olga Koklova. El coup de fue con Walker también se haría extensible a los sombreros, un accesorio que cultivó obsesivamente hasta el final de su carrera. Lo atestiguan retratos de Marie-Thérèse y la pequeña Maya, así como de las mujeres que la sucedieron en una vida sentimental intensa: Dora Maar, Françoise Gilot –con quien tuvo Paloma– y Jacqueline Roque, segunda esposa y última compañera de Picasso.

Sumergirse en la relación del deporte y la moda, escudriñar la aportación de la comunidad negra a la moda británica, disfrutar de la fotografía publicitaria de alto voltaje, entender quién está detrás de los espectaculares looks de los artistas, concienciarse de la necesidad de una moda que no pierda el pulso de la realidad, sorprenderse de cómo la buena teca inspira a los creadores de una manera tanto literal como irónica, descubrir porqué ciertos couturiers y marcas siguen despertando pasiones... Este otoño, las exposiciones que abordan la moda con una mirada poliédrica y transversal son también la excusa ideal para hacer la maleta. Esta es nuestra elección.

Atención a estas palabras de hace más de un siglo: "Mallas completas para el baño. Bañadores de jersey. Lectoras en los alrededores de Boston. Venid y examinadlos. 109, Kingston St., Boston, Mass. Enviad un sello para conseguir el catálogo". Este anuncio de la compañía Holmes & Co apareció publicado en el semanario Harper’s Bazaar de finales de junio del 1898, acompañado de la ilustración de una señora equipada para ir a la playa. En la época victoriana, esto significaba llevar un vestido oscuro, de cuello cerrado y manga tres cuartos, que tapaba las rodillas. Y, debajo de la falda, unas mallas de baño que cubrían incluso los pies, y que representaban una mejora respecto a los tradicionales pantalones de lana. Los hombres también tenían que ser decorosos a la hora de disfrutar de jornadas marítimas mixtas. La doble moral victoriana ya no permitía que se bañaran desnudos, una costumbre que Thomas Eakins había retratado magistralmente en el cuadro The swimming hole (1885). El uniforme playero de los hombres era casi tan farragoso como el de las mujeres, pero pronto mutó en uno más ligero: una camiseta de manga corta y unos shorts por encima de la rodilla, los dos de algodón y bastante ajustados, como muestran los catálogos de los grandes almacenes Sears de principios del siglo XX.

En la orilla norte del lago Walden, situado cerca de Concord, un pueblecito de Massachusetts, está la réplica de la cabaña de madera que el escritor y pensador Henry David Thoreau construyó con sus propias manos. Vivió allí dos años, dos meses y dos días entre 1845 y 1847. De este roce muy cerca con la naturaleza en estado salvaje surgieron los fundamentos de Walden o la vida en los bosques (1954), unas memorias donde Thoreau disecciona aquella experiencia vital al ritmo de las cuatro estaciones y que todavía hoy inspira a arquitectos, diseñadores y urbanistas. En estas páginas, también dejó escrita una frase visionaria. ¿O tendríamos que decir lapidaria?: “Para qué sirve una casa si no tienes un planeta tolerable donde colocarla”. En el siglo XIX, Thoreau ya era testigo de cómo –en nombre del progreso– el mundo se estaba transformando y esto implicaba desvincularse cada vez más de la naturaleza, un proceso que con el avance tecnológico se ha precipitado.

Una pareja de franceses pasan unos días de vacaciones en Barcelona, probablemente a mediados de los años 50. En el paseo de Sant Joan entran en la relojería que regenta el señor Coll. Allí también trabaja su hijo Albert, que no quiere seguir el oficio familiar y se quiere dedicar a la joyería. Su padre le ha dado permiso para hacer algunas piezas y él no ha dejado pasar la oportunidad. Una de las primeras que diseña es un crucifijo para colgar del cuello muy conceptual. La pareja compra uno. Ya tienen su souvenir de Barcelona. Lo que no sabían en aquel momento padre e hijo, es que el hombre que se llevó la pieza era primo de Jacqueline Roque, una joven francesa que en aquella época era la compañera de Picasso y que, años más tarde, se convertiría en su segunda y última esposa.

Piel ligeramente bronceada, ojos cristalinos y una media sonrisa que deja entrever una dentadura perfecta. Belleza y poder: esto es lo mínimo que necesita un anuncio de cosmética convencional para seducir a sus clientas. Ahora bien, este anuncio en cuestión no está protagonizado por una top model, sino por un ex jugador profesional de béisbol de 45 años y ex prometido de la cantante Jennifer Lopez. Se llama Alex Rodriguez, es toda una celebridad en los Estados Unidos, tiene casi 3 millones de seguidores en Instagram y este verano acaba de lanzar su propia de marca de cosmética masculina: Hims x ARod. Obviamente, la cara del ex jugador de los New York Yankees es el protagonista de la campaña de publicidad de un corrector de maquillaje –disponible en ocho tonos– que promete a los hombres un rostro libre de manchas, de bolsas oscuras bajo los ojos y, incluso, de los sarpullidos causados por el sacapuntas de afeitar. Y todo esto lo pueden conseguir mirándose al espejo mientras se aplican The Blur Stick con un solo dedo. Más fácil, imposible.