La artista Marisol Escobar (París, 1930-Nueva York, 2016), conocida sencillamente como Marisol, recibe al público de la exposición que le dedica el Centro Botín de Santander hasta el 25 de octubre desde una película de Andy Warhol, quien dijo de ella que era la primera artista "con glamur". En este filme, Marisol aparece inmóvil durante algunos minutos junto a su escultura Mujeres y perro (1963-1964), actualmente propiedad del Whitney Museum, como si fuera una figura de madera más. Esta película sirve para recordar que Marisol triunfó en la escena neoyorquina incluso antes que Warhol, y que la definieron como "la reina del pop art".

Una de las obras maestras del arquitecto Josep Antoni Coderch, la Casa Rozes, en la punta de la Almadrava de Roses, se encuentra atrapada en un laberinto judicial. Se vendió sin el consentimiento de las propietarias y con documentos falsos, y cinco años después el caso aún no está resuelto. Una de las titulares de la casa, Monika Laskowska, vive en Polonia y está muy viva. Sin embargo, según la escritura con la que se vendió el inmueble en marzo de 2021, había muerto en Núremberg.

Un dúo artístico sonoro, un escritor, una editorial, un director de escena, una música, un actor y una dramaturga son los ganadores de los Premios Nacionales de Cultura 2026, los galardones que desde el 2009 otorga el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CoNCA). Los premiados son los Cabosanroque, Pol Guasch, Jande Editorial, Àlex Ollé, Sílvia Pérez Cruz, Oriol Pla y Victoria Szpunberg, tal como se ha anunciado este viernes en un acto celebrado en el Auditorio Pau Casals de El Vendrell, coincidiendo con el 150.º aniversario de Pau Casals. La ceremonia ha sido presentada por la periodista Andrea Gumes, y ha contado con la presencia del presidente de la Generalitat, Salvador Illa, la consejera de Cultura, Sònia Hernández Almodóvar, y la presidenta del CoNCA, Margarida Troguet. Cada galardón está dotado con 20.000 euros, y a partir de este año ya no son cinco los premiados sino siete. En los discursos de agradecimiento, los premiados han coincidido en reivindicar la cultura, los valores colectivos y los servicios públicos como herramientas para hacer frente a fuerzas reaccionarias.

Con el permiso del Museo Guggenheim, el metro es el otro gran icono que un arquitecto contemporáneo ha dejado en Bilbao. Mientras que Frank O. Gehry a menudo hacía edificios espectaculares, Norman Foster se ciñe rigurosamente a la función. Casi cuarenta años después de la inauguración del metro, la nueva obra de Foster en la ciudad, la ampliación del Museo de Bellas Artes de Bilbao, que abre sus puertas este lunes, vuelve a ser una lección de arquitectura silenciosa. Y, aun así, la intervención de Foster –diseñada junto con Luis Maria Uriarte– tiene elementos emblemáticos, como una espectacular sala de exposiciones temporales diáfana de 1.300 m²², que da a unos 700 m²² de terrazas. Otro es el antiguo patio reconvertido en un gran atrio donde se pueden ver esculturas de Eduardo Chillida y Richard Serra, todas ellas alrededor de la fuente monumental que Francisco Durrio hizo al compositor Juan Crisóstomo de Arriaga, muerto prematuramente a los 19 años. Hasta ahora esta escultura estaba en el exterior, y con la nueva ubicación ha recuperado su carácter de monumento sonoro: el ruido del agua evoca los llantos de la escultura de la musa Euterpe que la corona. "Los conductos y las tuberías de la gran sala están escondidos para conseguir un espacio puro para hacer lucir las obras de arte", ha dicho esta mañana Norman Foster. "Cuando Foster y Uriarte ganaron el concurso y Foster vino a explicar el proyecto, nos dijeron que habíamos pedido una buena sala de exposiciones y que nos darían la sala más bonita de cualquier museo europeo", explica el director del museo, Miguel Zugaza, que ha querido cerrar el recorrido con una sala dedicada a Jorge Oteiza, la única monográfica, que tiene aires de santuario.

Para el artista alemán Anselm Kiefer (Donaueschingen, 1945), considerado como uno de los grandes creadores de la segunda mitad del siglo XX, el arte es como una tabla de salvación. "Solo tengo fe en el arte, sin él estoy perdido", dice Kiefer, tal como se puede leer en un texto de pared al final de la gran exposición que le dedica la Fundació Catalunya La Pedrera a partir de este viernes y hasta el 24 de enero, titulada La vida secreta de las plantas. Anselm Kiefer en la Colección Grothe. Con una afirmación como esta puede parecer que Kiefer tiene un momento de debilidad, pero en realidad es un artista titánico que, desde los últimos años 60, ha abordado con todos los medios que ha tenido al alcance el trauma del nazismo; y, más allá del Holocausto, ha forjado una cosmogonía muy amplia donde confluyen los mitos germánicos de los Nibelungos y el wagnerismo, el Antiguo Testamento y la mística judía de la Cábala. También la alquimia, las cosmologías sumeria y egipcia, la filosofía de Heidegger, el romanticismo de Hölderlin y Goethe y la poesía de Celan y Bachmann. "Kiefer dice de sí mismo que mira, a la vez, hacia el pasado y hacia el futuro, y eso solo lo puede hacer el arte", afirma el comisario de la muestra, Walter Smerling.

Una mujer blanca europea llegó con su cámara a un complejo de viviendas sociales en el sur de Los Ángeles, Imperial Courts, cuya población era sobre todo hispana y estadounidense. El momento no podía ser peor: tras los disturbios de 1992 a raíz del linchamiento de Rodney King a manos de la policía, el barrio y sus habitantes estaban en el punto de mira. Las bandas habían acordado una tregua, pero todavía había mucha violencia. Lo más probable era que todo aquello hubiera salido mal, pero poco a poco esta mujer, la fotógrafa Dana Lixenberg (Ámsterdam, 1964), se ganó la confianza de la gente y consiguió hacer una serie magnífica de retratos. Habla con la gente y les regala retratos que les hace con una Polaroid. Muy pronto empezó a ser conocida en el barrio como "la mujer de las fotos".

La pintura de Renoir no admite medias tintas: o lo odias o te encanta. Los detractores lo consideran el súmmum de la cursilería. Hace unos diez años surgió en Instagram el movimiento Renoir es un pintor pésimo, y unas decenas de personas se manifestaron en la puerta del Museo de Bellas Artes de Boston reclamando que sacaran sus obras del museo. El lema de las pancartas no podía ser más contundente: "Dios odia a Renoir". Hoy en día este grupo tiene 17.800 seguidores. Por el momento, sin embargo, los seguidores de uno de los pioneros del impresionismo les dan mil vueltas. La exposición Renoir y el amor abrirá sus puertas en la National Gallery de Londres el 3 de octubre con la cifra récord de venta anticipada: de 32.000 entradas, por delante de Van Gogh.

En Cataluña el arquitecto Josep Lluís Sert (Barcelona, 1902-1983) es recordado sobre todo por ser el autor de la Fundación Joan Miró. Pero su legado es mucho más amplio, desde las obras pioneras del racionalismo en Cataluña, entre las cuales están la Casa Bloc y el Dispensario Antituberculoso, desarrolladas junto con Josep Torres Clavé y Joan Baptista Subirana, hasta las más emblemáticas de su etapa en los Estados Unidos, donde destaca el Peabody Terrace, es decir, el complejo residencial para los estudiantes casados de la Universidad Harvard.

André Breton ejerció el papel de Papa del surrealismo con mucha contundencia: no toleraba que ninguno de los miembros del movimiento se desviara del camino de radicalidad estética y política que había marcado. Y cuando lo hacían, los excluía, o los sometía a escarnio público, como le pasó a Joan Miró el año 1926 con los decorados y vestuario del espectáculo de los ballets rusos Romeo y Julieta, hechos a cuatro manos con Max Ernst. André Breton y Louis Aragon lideraron un grupo de surrealistas que irrumpieron en el estreno con silbidos y gritos y repartieron un panfleto titulado Protesta, en el que acusaban a Miró y Ernst de haber traicionado los principios del surrealismo haciendo un arte comercial. "No es admisible que el pensamiento esté al servicio del dinero", decían los autores, para quienes aquella colaboración significaba "domesticar los sueños en beneficio de la aristocracia internacional".

Miquel Barceló es un pintor voraz con la tradición. A lo largo de los años ha actualizado el legado de los grandes maestros con unas pinturas matéricas que a menudo evocan la carne en descomposición. En Mapa de carne, una de las obras destacadas de la nueva exposición del CaixaForum, Una fuerza del pasado; Barceló evocó el Guernica, de Pablo Picasso, con una escena llena de "animales, cuerpos, ojos y criaturas deformadas", como afirman los comisarios de la muestra, Nimfa Bisbe, la directora de la colección de arte contemporáneo de la Caixa; y el historiador del arte Carlos Martín. El objetivo de la muestra es revelar "cómo la historia del arte continúa siendo un terreno muy fértil para los artistas actuales", tal como dice Bisbe. En Mapa de carne, Barceló también utilizó unos ojos repetidos que remiten a las icónicas pinturas románicas de San Clemente de Tahull. "Barceló no representa solo la guerra o lo espiritual, sino un mundo visto como descuartizamiento, víscera y materia. La obra se puede leer como una actualización brutal de las antiguas imágenes de sufrimiento", dicen los comisarios.

El cambio de etapa en el Macba se hace realidad. Este martes, el primer discurso de Valentín Roma como director ha sonado redondo: entre las novedades que ha avanzado hay un plan director de tres años y la voluntad de cambiar los contenidos, para pasar de los 200.000 visitantes del año pasado a los 320.000 de antes de la pandemia de la covid. "En 2025 el Macba ha sido visitado por 200.000 personas y esto es claramente insuficiente. No miraremos hacia otro lado sobre esta cuestión. Afrontaremos un proceso de crecimiento que ni será fácil ni será inmediato, pero que sí estará entre nuestros objetivos prioritarios", ha dicho Roma. Además, quiere desarrollar "planes patrimoniales específicos" para exhibir los fondos más allá de los parámetros del "inventario", y un plan de archivos.

La exposición Una arquitectura premiada: 125 años de premios propone un recorrido por la relación intensa entre Barcelona y la arquitectura a través de las obras y los galardones que han contribuido a definir su fisonomía. Comisariada por los arquitectos Pau de Solà-Morales e Ignasi Bonet, la muestra conecta los antecedentes del Concurso Anual de Edificios Artísticos –impulsado a finales del siglo XIX– con las 67 ediciones de los Premios FAD de Arquitectura e Interiorismo, creados en 1958 y considerados los galardones arquitectónicos con más trayectoria de Europa.

La artista Mariaelena Roqué (Tarragona, 1952) habla alto y claro: "No soy una prostituta ni lo he sido, pero, sin embargo, he sido tratada como una prostituta y negada como una prostituta por ser una mujer libre que defiende su propio lenguaje", afirma Roqué en la galería Rocío Santa Cruz de Barcelona. Roqué es conocida por ser la cofundadora de la Compañía Carles Santos, y ahora, coincidiendo con la 12a edición del Gallery Weekend, expone por primera vez en una galería. Habla de la prostitución ante las fotografías de una performance donde se la puede ver desnuda corriendo por un bosque por la noche, un recuerdo de las prostitutas que "los cazadores se llevan a sus fiestones". Ella alza la voz por estas mujeres y por las que se sientan al borde de una carretera esperando clientes.

La Casa Rozes es una de las grandes obras del arquitecto Josep Antoni Coderch. También es una de las casas unifamiliares más excepcionales de la arquitectura catalana, por cómo se integra en un acantilado frente al mar en la punta de la Almadrava de Roses. Su historia estuvo marcada por años de abandono, pero desde finales del año pasado todo son buenas noticias. El cambio de propiedad ha permitido recuperarla, y las obras de rehabilitación comenzaron hace pocos días. La empresa encargada de las obras es la inmobiliaria y constructora Procasa, según un proyecto del estudio Collgorgot. Como la Casa Rozes está catalogada como bien cultural de interés nacional (BCIN), el objetivo principal de las intervenciones es devolverla a su aspecto original.

El caso de Salvador Dalí refleja las reservas históricas de las autoridades a la hora de rendirle homenaje con un espacio público en Barcelona. Desde que murió en 1989 y hasta 2021, todos los intentos de dedicarle una calle o una plaza quedaron en el cajón. Una de las ideas recurrentes fue dedicarle un espacio en torno a la futura estación de La Sagrera, pero no se concretó. Dalí no está en el nomenclátor, pero, en cambio, a partir de este miércoles tendrá una casa en el paseo de Gracia, concretamente en la Casa Amatller, que acogerá de manera permanente una nueva versión, actualizada y ampliada, de Dalí cibernético, la experiencia inmersiva que Layers of Reality y la Fundación Gala-Salvador Dalí estrenaron en el Centro de Artes Digitales Ideal en 2022. "Cuatro años después tocaba dar un paso adelante", afirma el fundador y director de Layers of Reality, Jordi Sellas.

El empresario neerlandés Joop van Caldenborgh (La Haya, 1940), cuando tenía dieciséis años, compró su primera obra de arte, un grabado que le costó unos 25 florines que había reunido repartiendo periódicos. A lo largo de los años, como fundador de la empresa química Caldic, se ha convertido en uno de los coleccionistas privados de arte moderno y contemporáneo más importantes de Europa. Como se puede ver en el museo que abrió el año 2016 en la ciudad de Wassenaar, el Museo Voorlinden, Van Caldenborgh ha reunido miles de obras, entre las cuales hay de muchos de los artistas de los siglos XX y XXI más conocidos, como Damien Hirst, Richard Serra, Louise Bourgeois, Anish Kapoor, James Turrell (que tiene allí una instalación permanente), Maurizio Cattelan, Pipilotti Rist, Anselm Kiefer y Yayoi Kusama.

La arquitecta Carmen Torres (Barcelona, 1986) –fundadora del estudio Sarquella Torres junto con Pau Sarquella– hace justicia a la idea expresada por Josep Pla de que en lo ultralocal está lo universal. Concretamente, Torres empezó por la parte internacional: comenzó sus estudios en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (Etsab), y continuó su formación en la escuela ENSA-Paris Malaquais. Así que su trayectoria profesional se inicia en la capital francesa, como colaboradora en diversos estudios en proyectos de equipamiento y vivienda públicos. Y desde la capital francesa, Torres y Sarquella se trasladaron a Bangkok para ejercer de profesores en el International Program in Design and Architecture (INDA) de la Chulalongkorn University.

El dramaturgo Joan Yago (Barcelona, 1987), uno de los fundadores de la compañía La Calòrica, es el ganador del Premio Nacional de literatura dramática por La brama del cérvol (una experiencia única en un marco incomparable), publicada en la colección Llum de Guàrdia que coeditan Comanegra y el Teatre Lliure.El jurado ha seleccionado su obra por "la potencia de un texto sorprendente, arriesgado y deliberadamente delirante que dialoga con nuestro presente desde una profunda crisis existencial y política". Este galardón lo concede el ministerio de Cultura español y está dotado con 30.000 euros.

Entre los arquitectos estrella, el británico David Chipperfield (Londres, 1953) es uno de los que han rehabilitado más edificios históricos icónicos. Antes de ganar el Pritzker –el Nobel de los arquitectos– en 2023, Chipperfield recibió el premio Mies van der Rohe por la restauración del Neues Museum de Berlín, y después volvió a hacer historia en la misma ciudad con la recuperación de la Neue Galerie, de Mies van der Rohe. En las rehabilitaciones, Chipperfield es delicado, minucioso y, cuando es necesario, contundente, como se puede ver en su trabajo más reciente, el centro cultural Faro Santander, que abre sus puertas este martes en Santander.

Muchas veces el afán de los artistas de mantener la libertad creativa puede desbordar las expectativas de un encargo oficial. Cuando el comisariado general de Turismo francés, Charles Duprat, invitó a once fotógrafos catalanes y españoles a realizar una estancia en París, tenía el objetivo de conseguir unas "imágenes de artista", pero el tiro le salió por la culata. Aquellos artistas, entre los cuales había Joan Colom, Gabriel Cualladó, Eugeni Forcano, Paco Gómez, Ramon Masats, Oriol Maspons y Xavier Miserachs, hicieron la suya y no las fotografías amables que él se esperaba. En pleno franquismo, aquellos artistas quedaron cautivados por la vida con las libertades de los parisinos, que se podían besar en público, algo que cautivó a Joan Colom, y manifestarse, una actividad soberana que atrajo la atención de Ramon Masats.