Para el escritor y profesor Rafael Argullol (Barcelona, 1949) el arte "completa la vida", tal como dice él mismo con motivo de la publicación en la editorial Acantilado del libro Pinacoteca soñada, la recopilación de los artículos semanales que publicó en el ARA entre 2014 y 2017 traducidos al castellano por Maite Madinabeitia. "La vida humana es siempre imperfecta, incompleta y, aunque a veces hablemos de la plenitud de la vida, nunca es plena. La virtud que el arte tuvo desde el comienzo es la búsqueda de llenar eso que es incompleto a través de la imaginación", dice Argullol. "Y, por otra parte, me interesa el arte que es interrogativo. El arte no nos da respuestas, sino que nos plantea interrogantes. Todo arte es actual, independientemente de su cronología, si tiene esa capacidad de interrogar. Por eso, las pinturas de Altamira y las de Lascaux son tan actuales como las de Rothko", añade el autor.

Las pinturas de madurez de Edvard Munch (1863-1944) a menudo son electrizantes: parece que, cuanto más profunda es la angustia que le remueve, más se aferra a los colores vivos y más enérgicas son las pinceladas. Así se puede ver hasta el 28 de febrero en la magnífica exposición Munch-Picasso, en el Museo Picasso de Málaga. Munch nació dieciocho años antes que Picasso. No revolucionó el arte del siglo XX, pero, a veces, sus obras más académicas son más impactantes que las vanguardistas del malagueño, como es el caso de un desnudo femenino de rodillas sobre una cama que parece un fotograma de una escena amorosa. Sin salir de la desnudez, en el terreno personal, Munch se desnudaba en la playa y pintaba grupos de hombres desnudos. Parece que, aunque no era un hombre pudoroso, esta intimidad masculina queda lejos del universo de Picasso.

París fue decisivo para que Joan Miró se convirtiera en uno de los artistas más importantes del siglo XX. Pero no tuvo las cosas nada fáciles. En una carta fechada en septiembre de 1923 explica a su amigo Josep Francesc Ràfols que trabajaba "muchísimo, con una regularidad y un método absolutos". "He conseguido liberarme completamente de la naturaleza, y los paisajes ya no tienen nada que ver con la realidad exterior", le decía a Ràfols. Todo esto, Miró lo hacía en completa pobreza; a veces solo se podía permitir un puñado de higos secos para pasar todo el día. "Durante aquel periodo, el hambre me provocaba alucinaciones, y las alucinaciones me daban ideas para pintar", explicó más adelante Miró en una entrevista.

Si se quiere hacer una colección privada de objetos diseñados por André Ricard (Barcelona, 1929), no hace falta gastarse una fortuna: algunos todavía se pueden encontrar en los supermercados. Por ejemplo, el envase del detergente para ropa delicada Norit y las pinzas antipolilla Orion. Otros, como el interruptor Ibiza y un exprimidor de naranjas Moulinex con la jarra transparente, también forman parte de la vida cotidiana de mucha gente. La colección podría continuar con las pinzas de hielo Tong, el botijo de la Fiesta del Botijo de Argentona del año 2020, y las botellas de perfumes para la casa Puig, con la famosa Agua de Lavanda a la cabeza. Y con algunos otros objetos, como la vajilla Compact, el cenicero Copenhague y la lámpara Tatu.

Laia Estruch (Barcelona, 1981) es una de las artistas más singulares de la escena catalana actual. Como se pudo ver en la monumental Trena inflable que presentó en la Sala Oval del MNAC el año 2023, el trabajo de Estruch se caracteriza por cómo utiliza unos espacios creados con un fuerte carácter escultórico y de colores vivos. Y este miércoles ha ganado por unanimidad la cuarta edición del premio Bosch Aymerich, dotado con 30.000 euros, con otra de estas estructuras: Carrau, una obra creada este año que transformaba los accesos a la galería que la representa, la madrileña Ehrhardt Flórez, en una experiencia artística. El premio Bosch Aymerich, que es de carácter bienal, tiene como objetivo impulsar la creación artística y reconocer especialmente las obras que establecen un diálogo con la arquitectura.

La historiadora del arte italiana Barbara Jatta dirige desde hace diez años los Museos Vaticanos. Con 43.000 metros cuadrados de exposición y siete kilómetros de largo, es el sexto equipamiento museístico más grande del mundo, por detrás de gigantes como el Louvre, el Museo Británico y el Hermitage. Jatta estuvo en Barcelona este lunes con motivo de una muestra monográfica en el Museo Diocesano de su fondo de arte sacro italiano del siglo XX. "Los Museos Vaticanos no son solo la Capilla Sixtina", explica Jatta. "Hace muchos años que tengo esta batalla: la Capilla Sixtina es una atracción, pero los Museos Vaticanos están formados por una veintena de museos que son igual de atractivos e increíbles. Tenemos colecciones de antigüedades grecorromanas en centros como el Museo Gregoriano Profano, el Museo Pío Clementino, la Galería Chiaramonti o el Braccio Nuovo. Pero no solo tenemos antigüedades, también están las Estancias de Rafael y las obras de la Pinacoteca Vaticana, ¡en todas hay obras realmente fascinantes!".

El pintor y escultor Robert Llimós falleció el lunes a los 83 años, según han confirmado fuentes de la familia al ARA. Hijo del pintor Camil Llimós, Robert Llimós estudió en la Escuela Massana y en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, en Barcelona. Durante los años sesenta se inició en el movimiento de la nueva figuración, junto a artistas reconocidos como Eduard Arranz-Bravo, Rafael Bartolozzi y Gerard Sala. Más adelante, entre 1969 y 1973, experimentó con el arte conceptual, las formas abstractas y las acciones artísticas. De hecho, el museo Can Framis de la Fundación Vila Casas inaugurará el 10 de noviembre una exposición de esta etapa de su trayectoria, la más representada en los museos, como en el Macba y en el Museo Reina Sofía. "Robert Llimós ha sido un artista fundamental, que tuvo un papel decisivo en la década de los setenta a la hora de introducir y consolidar las corrientes conceptuales desde la práctica pictórica y de la acción. Abrió caminos visionarios que hoy son referente para las nuevas generaciones, que han adoptado y reinterpretado prácticas similares a las que él ya había explorado entonces", afirma el director artístico de la Fundación Vila Casas, Bernat Puigdollers. "A lo largo de su trayectoria ha sido siempre un artista infatigable -dice Puigdollers-, que ha querido experimentar con multiplicidad de técnicas y dejándose influir por las últimas tendencias artísticas con el propósito constante de abrir nuevos caminos". "Tal como demuestra Blanca Arias en la exposición que inauguraremos en el Museo Can Framis, esta era su principal preocupación, buscar y encontrar una imagen nueva", remacha Puigdollers.

Con el montaje de Macbeth, de Verdi, Jaume Plensa pudo cumplir un sueño. Plensa estrenó la ópera en febrero de 2023 en el Liceu, y este lunes ha vuelto al teatro para presentar un libro de artista: Plensa · Macbeth · Verdi, publicado por Enciclopèdia Catalana, es un testimonio privilegiado de todo su proceso creativo, desde los primeros dibujos hasta los ensayos. "Siempre se dice que la energía la deben dar los cantantes de cara al público, y nunca se habla de la energía que da el público de cara a los cantantes", afirma el artista. "En Macbeth intenté que el público quedara integrado en el montaje".

La arquitecta estadounidense de origen polaco Elizabeth Diller (Łódź, 1954) es una de las profesionales más influyentes de la escena internacional, al frente del estudio que fundó junto con su marido, Ricardo Scofidio (1935-2025), y Charles Renfro. Diller está este sábado en Barcelona para participar en la primera jornada del ciclo del Museo Nacional de Arte de Cataluña Pensar el museo, imaginar futuros, organizado para hablar de los retos arquitectónicos de los museos con motivo de la ampliación del centro. Una de las primeras obras del estudio fue el Instituto de Arte contemporáneo de Boston. También han hecho una ampliación del MoMA, The Broad, en Los Ángeles –actualmente en proceso de ampliación– y el V&A East Storehouse, en Londres. "Hoy en día los museos intentan atraer a un público muy amplio –afirma Elizabeth Diller–. Por eso tienen una gran variedad de exposiciones y una cafetería agradable, espacios donde la gente se pueda relajar, ciclos de conferencias, zonas al aire libre y espacios para eventos que, a fin de cuentas, sirven para recaudar fondos. La cuestión financiera es clave: en Europa, la cultura siempre ha recibido apoyo estatal, mientras que en los Estados Unidos no ha sido así. Por eso, allí hemos tenido que depender de la filantropía. En Europa, el patrocinio está ganando cada vez más peso".

A veces, detrás de una puerta que no tiene nada de especial, se esconde un tesoro arquitectónico inesperado. Uno debe ir hasta el número 81 de la calle Costa de Barcelona y atravesar la puerta del interior de la manzana para encontrarse con la casita del Putxet, una pequeña vivienda recubierta de "trencadís" con mucha historia detrás. Ahora vuelve a estar de actualidad porque abrirá sus puertas este fin de semana dentro de la nueva edición del 48h Open House Barcelona, después de la restauración llevada a cabo por los arquitectos Jordi Planelles y Mariona Genís por encargo del Instituto Municipal de Paisaje Urbano del Ayuntamiento de Barcelona.

El comisario, escritor, músico e investigador Lluís Nacenta (1976) asumió la dirección del Museo del Diseño en marzo, después de que José Luis de Vicente abandonara el cargo prematuramente. Nacenta fue el director de Hangar, colaboró con la Fundación Mies van der Rohe desde 2012 y es patrón de la Fundación COAC. En el campo de la docencia, ha sido profesor de varias escuelas de diseño y arquitectura de Barcelona, entre las que se encuentran Eina y Bau. Antes de llegar al Museo del Diseño era jefe de eventos y experiencias expositivas de la productora La Manchester. Y entre las exposiciones que ha comisariado destacan IA: inteligencia artificial, en el CCCB.

La 17.ª edición del festival de arquitectura 48 h Open House BCN se celebrará el sábado 24 y el domingo 25 de octubre en Barcelona y en cinco poblaciones más: Badalona, San Juan Despí, Hospitalet de Llobregat, Vilasar de Dalt y Sitges. En Barcelona se podrán visitar 155 edificios, dentro de un total de 224 actividades programadas entre todas las ciudades participantes y siete itinerarios. Un 28% de los edificios se abrirán por primera vez dentro del festival, lo cual ofrece una oportunidad excepcional para descubrir espacios habitualmente cerrados al público. Estas son 10 visitas recomendadas entre las novedades del 48 h Open House Barcelona 2026.

El arquitecto Rafael Moneo pasó diez años muy importantes de su vida académica en la UPC, y ha construido en Barcelona algunas de sus obras más destacadas, como L'Illa Diagonal y L'Auditori. También es profunda la estima que le tienen sus colegas catalanes, como se ha podido ver en el lleno absoluto en la presentación de la ambiciosa biografía intelectual de Moneo, obra de la también arquitecta Carmen Díez, en el Patio de las Mujeres del CCCB, dentro de la Bienal de Pensamiento. La editora de Acantilado, Sandra Ollo, ha señalado que el acto no era la presentación de Rafael Moneo, construir las ideas (1954-2024),sino la "celebración" del libro. La lista de arquitectos consagrados que no se lo han querido perder también es deslumbrante. Entre el público estaban Beth Galí, Esteve Bonell, Elías Torres, Ramon Sanabria, Francesc Pernas, Lluís Domènech Girbau, Juli Capella, Jaume Bach y Joan Busquets. También el cineasta Poldo Pomés, autor de un documental sobre el arquitecto navarro.

Josep Aparici i Fins es uno de los geógrafos más importantes de la Cataluña del siglo XVIII, y al mismo tiempo está rodeado de polémica. Durante la Guerra de Sucesión, las autoridades austriacistas le encargaron el mapa de Cataluña y, después de la guerra, se puso al servicio del rey Felipe V, que le concedió el título de geógrafo de Su Majestad. Además, fue uno de los principales colaboradores en la implantación del catastro, una medida que fue perjudicial para la economía catalana. Pero, a pesar de todo, su trayectoria ha sido considerada ambigua.

Angélica Liddell no quiere que la entierren, sino que la devoren: "Si me muero ahora mismo, láncenme para que me descuarticen y se me coman", ha dicho esta tarde en la conversación que ha cerrado la primera jornada de la Bienal de Pensamiento. "Me gustaría ser víctima de canibalismo. En el fondo el erotismo tiene mucho de canibalismo. Que no quedara nada por enterrar, que quedara en los estómagos, que pasara a la sangre, a las células", ha remachado Liddell, que ha conversado con la escritora Luna Miguel para presentar su primera novela, El silk road (Malas Tierras), y el poemario Pido el fin de la vida (La bella Varsovia). Si no, le gustaría acabar en el cementerio de Montparnasse, donde visita referentes como Marguerite Duras, Samuel Beckett, Baudelaire y Cioran, "con una lápida que no diga nada". "Aunque da igual: aunque ponga el nombre, nadie sabrá quién soy", suelta.

"El éxito práctico de un proyecto teórico": así definió el arquitecto y urbanista Manuel de Solà-Morales el Ensanche de Ildefonso Cerdá. Ahora esta sentencia se puede leer dentro de Modélicas. Ciudades y utopías 1859-1958, la exposición que el COAC acoge hasta el 18 de octubre dentro del Año Ildefonso Cerdá. "Sobre Cerdá ya se habló muchísimo durante el Año Cerdá del año 2009. Lo que nos había quedado en el tintero era colocarlo al lado de Le Corbusier, de Frank Lloyd Wright, de los grandes", afirma Fernando Marzá, el comisario de la muestra, junto con el urbanista de la UPC Carles Crosas y la arquitecta de la Generalitat Beth Tuà. "Cerdá no solo planificó una ciudad; escribió un tratado de urbanismo, casi el primero", remacha Marzá. Antes de dibujar el Ensanche, Cerdá hizo un gran levantamiento topográfico y un estudio estadístico de cómo vivía la clase obrera. "Engels lo había hecho en Londres cinco años antes", recuerda el comisario.

La artista Marisol Escobar (París, 1930-Nueva York, 2016), conocida sencillamente como Marisol, recibe al público de la exposición que le dedica el Centro Botín de Santander hasta el 25 de octubre desde una película de Andy Warhol, quien dijo de ella que era la primera artista "con glamur". En este filme, Marisol aparece inmóvil durante algunos minutos junto a su escultura Mujeres y perro (1963-1964), actualmente propiedad del Whitney Museum, como si fuera una figura de madera más. Esta película sirve para recordar que Marisol triunfó en la escena neoyorquina incluso antes que Warhol, y que la definieron como "la reina del pop art".

Una de las obras maestras del arquitecto Josep Antoni Coderch, la Casa Rozes, en la punta de la Almadrava de Roses, se encuentra atrapada en un laberinto judicial. Se vendió sin el consentimiento de las propietarias y con documentos falsos, y cinco años después el caso aún no está resuelto. Una de las titulares de la casa, Monika Laskowska, vive en Polonia y está muy viva. Sin embargo, según la escritura con la que se vendió el inmueble en marzo de 2021, había muerto en Núremberg.

Un dúo artístico sonoro, un escritor, una editorial, un director de escena, una música, un actor y una dramaturga son los ganadores de los Premios Nacionales de Cultura 2026, los galardones que desde el 2009 otorga el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CoNCA). Los premiados son los Cabosanroque, Pol Guasch, Jande Editorial, Àlex Ollé, Sílvia Pérez Cruz, Oriol Pla y Victoria Szpunberg, tal como se ha anunciado este viernes en un acto celebrado en el Auditorio Pau Casals de El Vendrell, coincidiendo con el 150.º aniversario de Pau Casals. La ceremonia ha sido presentada por la periodista Andrea Gumes, y ha contado con la presencia del presidente de la Generalitat, Salvador Illa, la consejera de Cultura, Sònia Hernández Almodóvar, y la presidenta del CoNCA, Margarida Troguet. Cada galardón está dotado con 20.000 euros, y a partir de este año ya no son cinco los premiados sino siete. En los discursos de agradecimiento, los premiados han coincidido en reivindicar la cultura, los valores colectivos y los servicios públicos como herramientas para hacer frente a fuerzas reaccionarias.

Con el permiso del Museo Guggenheim, el metro es el otro gran icono que un arquitecto contemporáneo ha dejado en Bilbao. Mientras que Frank O. Gehry a menudo hacía edificios espectaculares, Norman Foster se ciñe rigurosamente a la función. Casi cuarenta años después de la inauguración del metro, la nueva obra de Foster en la ciudad, la ampliación del Museo de Bellas Artes de Bilbao, que abre sus puertas este lunes, vuelve a ser una lección de arquitectura silenciosa. Y, aun así, la intervención de Foster –diseñada junto con Luis Maria Uriarte– tiene elementos emblemáticos, como una espectacular sala de exposiciones temporales diáfana de 1.300 m²², que da a unos 700 m²² de terrazas. Otro es el antiguo patio reconvertido en un gran atrio donde se pueden ver esculturas de Eduardo Chillida y Richard Serra, todas ellas alrededor de la fuente monumental que Francisco Durrio hizo al compositor Juan Crisóstomo de Arriaga, muerto prematuramente a los 19 años. Hasta ahora esta escultura estaba en el exterior, y con la nueva ubicación ha recuperado su carácter de monumento sonoro: el ruido del agua evoca los llantos de la escultura de la musa Euterpe que la corona. "Los conductos y las tuberías de la gran sala están escondidos para conseguir un espacio puro para hacer lucir las obras de arte", ha dicho esta mañana Norman Foster. "Cuando Foster y Uriarte ganaron el concurso y Foster vino a explicar el proyecto, nos dijeron que habíamos pedido una buena sala de exposiciones y que nos darían la sala más bonita de cualquier museo europeo", explica el director del museo, Miguel Zugaza, que ha querido cerrar el recorrido con una sala dedicada a Jorge Oteiza, la única monográfica, que tiene aires de santuario.