El 15 de marzo de 2004 se celebraba la ceremonia anual de ingreso al Rock and Roll Hall of Fame en el Waldorf Astoria de Nueva York. Se aprovechó la fecha para rendir tributo a George Harrison, fallecido pocos años antes, y el acto se cerraba con la interpretación de While my guitar gently weeps a cargo de Tom Petty, Jeff Lynne, Steve Winwood y Dhani Harrison, hijo del ex-Beatle, y Prince, que también ingresaba como artista en la academia y que se uniría a la guitarra. Según explicaba años después a The New York Times Joel Gallen, director de la gala, durante los ensayos de la mañana Prince se mantuvo al margen, tocando acordes básicos, siguiendo el tono. Aunque le animaban a lucirse, estaba a la sombra, en un rincón del escenario, sin destacar. Nadie se esperaba lo que ocurrió horas más tarde. La actuación transcurrió con normalidad hasta que la canción ya se iba cerrando, y entonces Prince hizo uno de los solos de improvisación de guitarra más icónicos de la historia de la música popular. Son tres minutos de virtuosismo, genialidad y ritmo. Y pasión, entrega y entusiasmo. Las caras de asombro de los compañeros de escenario hablan por sí solas. Finalmente, el show terminó, Prince lanzó el instrumento al aire y se marchó del escenario.

Zara lo ha vuelto a hacer. Sin ningún pudor ni vergüenza, se ha paseado por el supermercado de las luchas sociales, las culturas underground y las identidades simbólicas con el carrito bien abierto: un poco de marginalidad que dé pedigrí, alguna figura incómoda de esas que en vida estorbaban y, sobre todo, una buena dosis de rebeldía. Eso sí: todo bien domesticado. Todo ello, pasado por el hervor rápido del fast fashion, retráctil y listo para ser consumido en forma de identidad prefabricada. ¿Y esta vez, a quién le ha tocado entrar en la trituradora del turbocapitalismo? A Camarón de la Isla.Y esto en pleno año Camarón, coincidiendo con los 75 años del nacimiento del icónico cantaor, una figura que no solo fue una voz excepcional del flamenco, sino también uno de sus grandes renovadores. A partir de La leyenda del tiempo, abrió el género a nuevas sonoridades y sensibilidades, y lo desplazó de un espacio casi fosilizado hacia un territorio vivo y en tensión con el presente. Pero, además, contribuyó a desbordar la imagen social de la cultura gitana más allá del cliché al que había estado sometida durante el franquismo, atrapada entre el folclorismo y la marginalidad. Junto con figuras capitales como Paco de Lucía, amplió los imaginarios alrededor de la identidad gitana, tanto desde dentro como en su proyección pública.

La humanidad regresa a la Luna 50 años después. El programa Artemis de la NASA, que este abril ha hecho historia al batir el récord de viaje tripulado más lejano al espacio, responde a un objetivo declarado abiertamente por el mismo Donald Trump: “Llegar a la Luna antes que China”.

Un elemento omnipresente en el concierto de Rosalía es un gran lienzo blanco que sirve de telón del escenario, como si estuviera tensado por unos bastidores de madera. Es el reverso de una tela inmensa, como si vieras la parte posterior de un cuadro imponente. Con un Palau Sant Jordi todavía con las luces encendidas y con el público llenando la grada con prisa, el dorso de este lienzo espera paciente el inicio del espectáculo hasta que, cuando todo queda a oscuras, se abre por la mitad, como si accediéramos al interior de la obra de arte. Es una manera de decirnos que aquello que estamos viendo no es solo un espectáculo musical, sino también un proceso artístico que se expandirá ante nosotros. Es mucho más que un concierto, es una obra de arte total, en movimiento, llena de vida, de referentes y en constante evolución y transformación. Rosalía es la artista que va completando su obra durante las dos horas de espectáculo.

“Salvador Espriu Castelló, escritor, soltero, de sesenta años, natural de Santa Coloma de Farners [...]. Declara que de ningún modo quiere ser enterrado en el cementerio de Arenys de Mar. Declara además su expreso deseo de que su cuerpo sea incinerado, si las leyes lo permiten”. Son palabras textuales, escritas a mano por Salvador Espriu en lo que es un documento de últimas voluntades, un borrador de testamento, escrito en algún momento entre el verano de 1973 y el de 1974 –nació el 10 de julio de 1913–, redactado en castellano –la ley no preveía otra opción– y dirigido a su gran amigo y abogado Josep Ferrer i Rius.

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Una conversación con el profesor Joan Alberich (Reus, 1944) es un torrente de conocimientos y curiosidades inacabable. Es catedrático de griego de secundaria, profesor universitario, miembro de la Fundació Bernat Metge y traductor de diversas obras en griego, desde Homero a Marco Aurelio –actualmente tiene entre manos uno de los libros de viajes de Pausanias–. Hablamos de lenguas y civilizaciones y saltamos a lo largo de los siglos siguiendo el rastro del griego con motivo de la publicación de la segunda edición revisada del Diccionario griego-catalán de Enciclopèdia Catalana, un pilar fundamental de la cultura occidental en nuestra lengua que han dirigido y coescrito Alberich y Francesc J. Cuartero, con diversos autores.

El Día de Sant Jordi es tradicional regalar rosas, una flor que ya era apreciada en la antigüedad por sus valores simbólicos. Su cultivo se pierde en las culturas clásicas, parece que ya existía en Mesopotamia, y tanto griegos como romanos le tenían gran afición. Además de su función ornamental, esta planta era muy apreciada por sus propiedades curativas y aromáticas, y se usaba en perfumería. En Roma el rosetum era un tipo de jardín formado casi exclusivamente por rosales. Y cada mayo celebraban las Rosalia, una festividad en la que se llevaban rosas a las tumbas de los difuntos. En la cultura latina, la rosa roja tenía una consideración especial, estaba vinculada a la pasión amorosa y a los enamorados gracias a su relación con la diosa Venus. Por lo tanto, podríamos decir que regalar rosas rojas es una costumbre de origen romano.

Una lista como la que sale de la encuesta sobre cine catalán a 200 expertos que ha impulsado el ARA no sirve solo para poner o quitar medallas a películas o directores, sino también para estudiar y analizar la fotografía que dejan las votaciones. Si tomamos las 25 películas más votadas como muestra representativa, una primera conclusión es que este canon del cine catalán camina hacia la paridad. Hay nueve películas dirigidas por mujeres en el top 25 de la lista, es decir, un 36%; pero si nos fijamos solo en las películas de esta lista producidas en los últimos quince años, que son los de la gran llegada de las mujeres al cine, el porcentaje de dirección femenina sube al 50%. Vale la pena señalar que entre las cinco películas más votadas solo hay una dirigida por una mujer, y entre las diez más votadas solo tres, pero este desequilibrio en la parte más alta de la lista se ve compensado, en parte, por la significativa primera posición de Estiu 1993, dirigida por Carla Simón.

Para celebrar que Verano 1993 ha sido elegida por 200 expertos como la película más importante del cine catalán del siglo XXI, ARA reunió hace unos días, en los Cines Verdi, a dos de sus actores: David Verdaguer y Laia Artigas. Ella era la niña que aún no sabe gestionar las emociones por la muerte de sus padres, y él el tío que la acoge en su familia como una hija más. Los dos actores comparten representante, pero hacía tiempo que no se veían. Artigas, que pronto cumplirá los 18 años, recuerda con una sonrisa la relación tan “especial” que tenía con Verdaguer. “Era como un tío guay; me encantaba”, dice. "Yo hacía el imbécil, jugábamos mucho", recuerda él.

Durante el lanzamiento del Artemis II en la misión lunar de la NASA, la CNN entrevistó a William Shatner, el actor que interpretó al capitán Kirk en la serie Star Trek. Shatner no solo navegó por el Universo en la ficción. En 2021, con noventa años, viajó al espacio con Blue Origin. Cuando le preguntaron por la experiencia de ver la Tierra desde tan lejos confesó que sintió una tristeza inmensa. En sus memorias explicó que no podía parar de llorar: “Mi viaje al espacio tenía que ser una celebración y, en cambio, fue un funeral. Fue una de las sensaciones más intensas que he experimentado nunca. El contraste entre la frialdad despiadada del espacio y el cálido abrazo protector de la Tierra, allá abajo, me llenó de una tristeza abrumadora. Cada día conocemos nuevas destrucciones de la Tierra causadas por nosotros mismos: la extinción de especies animales, de la flora y la fauna... cosas que han tardado cinco mil millones de años en evolucionar y que, de repente, no volveremos a ver nunca más por culpa de la interferencia de la humanidad. Me llenó de espanto”.

El sureste de España, una de las zonas más áridas de Europa, se ha consolidado como uno de los principales polos agrícolas del continente. A pesar de tener un clima marcado por precipitaciones mínimas y largos períodos de sequía, esta región se ha convertido en el corazón del llamado “huerto de Europa”. Gracias a políticas estatales, se han construido plantas desalinizadoras, embalses artificiales y complejos sistemas de trasvase de agua entre cuencas fluviales, lo que ha permitido irrigar vastas superficies que antes eran improductivas.

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La humanidad, con la misión Artemis, vuelve a mirar hacia la Luna y, con ella, desentierra del baúl de los recuerdos la antigua carrera espacial que marcó la Guerra Fría. Entonces, en medio de las peligrosas tensiones entre los Estados Unidos y la Unión Soviética, el mundo se fracturó en dos bloques irreconciliables y la conquista del espacio se convirtió en un escenario más de competición geopolítica. No se trataba solo de llegar más lejos, sino de demostrar quién tenía la capacidad de imponerse sobre el otro. En este contexto, los medios de comunicación inundaron durante años el imaginario colectivo con imágenes de cohetes, astronautas y planetas lejanos. Una iconografía persistente que no solo informaba, sino que modelaba la manera como la sociedad pensaba el mañana. Porque, en el fondo, toda sociedad se construye también a partir de esta pregunta inevitable: ¿qué nos espera en el futuro?Imaginar la vida en el espacio implicó especular sobre cómo sería este día a día, y el diseño se puso en marcha para repensar mobiliario, automóviles y viviendas para este futuro proyectado. Entre butacas que evocaban cápsulas y residencias que parecían estaciones orbitales, nació la moda space age, concebida para facilitar una hipotética vida interplanetaria. Creadores como André Courrèges o Pierre Cardin apostaron por vestidos rígidos, despegados del cuerpo, casi como carcasas. El blanco, asociado al universo aeroespacial, se impuso como color dominante, acompañado de cascos y botas metálicas. Paralelamente, las propuestas de Paco Rabanne llevaron la moda hacia el terreno de la ingeniería, con piezas hechas de placas metálicas que tensionaban los límites mismos de la disciplina.Lo que resulta revelador, visto con perspectiva, es hasta qué punto estas especulaciones sobre el futuro desbordaron la realidad. Si hubiéramos hecho caso a Stanley Kubrick con 2001: A Space Odyssey, a Star Trek o incluso a The Jetsons, hoy ya viviríamos entre coches voladores, fuera del planeta Tierra y en condiciones de gravedad cero. Pero quizás todavía es más significativo constatar que, si la imaginación tecnológica a menudo se pasa de frenada, acostumbra, en cambio, a quedarse corta en otros ámbitos: como los derechos de las mujeres. En estos imaginarios, ellas continúan ocupando posiciones subalternas, incluso en futuros donde la humanidad ya habita otros planetas. Y esto obliga a preguntarse si realmente estamos ante especulaciones o, más bien, ante deseos masculinos proyectados.Sin embargo, más allá del impacto televisivo de la primera pisada lunar –un momento altamente coreografiado desde el punto de vista propagandístico por los Estados Unidos–, la imagen más transformadora no fue la de la Luna, sino la de la Tierra. La fotografía del Blue Marble, convertida en la primera selfie de la humanidad, evidenció una paradoja: después de años de división y confrontación, aquello que veíamos era, en realidad, una única unidad compartida. Y fue precisamente esta imagen compacta la que activó, en una parte de la población, una nueva conciencia pacifista y ecológica.A diferencia de la Guerra Fría, hoy los Estados Unidos no compiten en un mundo estrictamente bipolar, a pesar de que la carrera espacial continúa siendo un duelo, esta vez con China, que también se ha propuesto pisar la Luna en los próximos años. Resulta, sin embargo, inevitable señalar la paradoja: en un momento en que el mundo parece fragmentarse y la humanidad atraviesa una profunda crisis de valores, volvemos a mirar hacia afuera. Quizás, como pasaba en Solaris de Andrei Tarkovski, este viaje no habla tanto del futuro como del pasado. O quizás –y aquí reside la cuestión– debería servirnos, precisamente, para mirarnos mejor al espejo y repensar en qué punto nos encontramos como humanidad. Pero quizás, viendo las imágenes recientes de los astronautas de Artemis felicitando la Pascua desde el espacio y buscando huevos por la nave, lo que queda en duda no es el futuro, sino si todavía nos queda alguna pizca de autoconciencia.

Arantxa Marenyà estudió traducció e interpretación y trabajaba de profesora de inglés en secundaria, pero hace años que se ha formado en comunicación no violenta, una disciplina que propone un enfoque empático para gestionar conflictos y mejorar las relaciones. Ahora se dedica a hacer formación sobre este método que se basa en hablar desde las necesidades y no desde la crítica y que, según dice, podría conseguir que el mundo fuera más amable.

La pausa de la Semana Santa ha multiplicado las fotografías en las redes sociales. Los días extra de descanso y las actividades de ocio que se derivan provocan una avalancha de postales de exhibición del bienestar para dejar constancia de su poder transformador. Como la sonrisa es una manera de demostrarlo, en las redes sociales han aparecido expertos que dan consejos para gestionar la expresión facial para garantizar su éxito. Se debe evitar la media sonrisa de compromiso o la mueca tensa con la finalidad de resultar convincente o conseguir cierta fotogenia. Gritar a Lluís alargando la “i”, cambiar al inglés para decir “cheese” o silabear “pa-ta-ta” ya no se estila.

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La Semana Santa, más allá de procesiones, misas, palmas y monas, despliega un repertorio de vestimentas que hemos aprendido a mirar sin ver. Piezas que, de tan familiares, han dejado de parecernos extrañas, pero que, si nos detenemos un momento, resultan profundamente insólitas y alejadas de cualquier forma de vestir cotidiana. Y entre las mantillas con peinetas, las túnicas de nazareno, los cíngulos o los mantos de las vírgenes, hay un elemento que se impone por su potencia formal y sus connotaciones simbólicas: la caperuza. Se abren las puertas de la catedral de Sevilla y comienzan a salir, en fila, los primeros nazarenos, rodeados por un olor intenso a cera e incienso. Túnicas, velas, y unos capirotes que se alzan, puntiagudos, por encima de todo. Los tambores marcan un ritmo seco y constante y los asistentes quedan expectantes, en un silencio contenido. A los nazarenos no se les ve la cara, solo los ojos, y la calle, por un momento, deja de ser un espacio cotidiano para devenir escenografía. El capirote ha cumplido su función: hacer desaparecer la identidad individual para ceder el protagonismo al santo que se adora. De esta manera, asegura a quien lo lleva ser visto sin ser reconocido y le permite entrar en la estructura del ritual, asumiendo una actitud de disciplina y entrega. Pero, ¿cuál es el origen de este sombrero tan extraño, que ha sobrevivido a siglos de historia?Su origen no es, en ningún caso, procesional, sino que nace como instrumento de penitencia pública entre los siglos XV y XVII, en el contexto de la Santa Inquisición. Los condenados eran exhibidos con sambenitos —una especie de túnica— y corozas —unos sombreros a menudo cónicos o puntiagudos—. Su función era claramente punitiva y ejemplarizante: hacer visible el pecado y humillar al pecador. Lejos de perseguir el anonimato, como ocurre hoy, se trataba de marcar el cuerpo y exponerlo públicamente.Será entre los siglos XVII y XVIII cuando se institucionalicen las procesiones de Semana Santa y la penitencia deje de ser impuesta para devenir voluntaria. En este nuevo contexto, la capa se resignifica: pasa a simbolizar la aspiración espiritual —con su proyección hacia el cielo—, la asunción de la disciplina religiosa y la centralidad del ritual por encima de la persona. Pero más allá de su morfología, hay una cuestión que aún incomoda más y que a menudo desconcierta a muchos visitantes: \u00b¿qué relación mantiene esta pieza con el Ku Klux Klan (KKK)?El KKK se fundó en 1865, después de la Guerra de Secesión, como reacción violenta contra la abolición de la esclavitud y con el objetivo de restaurar la supremacía blanca. Desplegó un régimen de terror e intimidación contra la población afroamericana, y para ello se dotó de una estética deliberada de autoridad y amenaza. Su iconografía —túnica blanca y caperuza puntiaguda— bebe de una mezcla de imaginarios, entre los que hay referencias fantasmagóricas, rituales y religiosas europeas. La coincidencia formal con la caperuza es evidente, pero su sentido es radicalmente opuesto. Si en el contexto de la Semana Santa el anonimato expresa humildad, penitencia y disolución del yo, en el caso del KKK sirve para garantizar la impunidad y ejercer la violencia colectiva. Una misma operación, la de ocultar la identidad, que puede servir tanto para someterse como para dominar.El Domingo de Pascua pone fin a la Semana Santa y, con ella, al tiempo de penitencia. El recogimiento se desvanece con la misma facilidad con que el nazareno se quita la caperuza. Pocos días después, en Andalucía, el calendario gira y se abre paso el jolgorio de la Feria de Abril: colores, volantes, lunas, cuerpos expuestos, flores en la cabeza, mantones de Manila... El contraste es tan inmediato que resulta difícil no preguntarse hasta qué punto aquello que hemos visto era una vivencia profunda o una teatralización compartida. Unas vestimentas que se activan y se desactivan como formas de organizar los cuerpos, el tiempo y el deseo.

A Charlie Pee, una de las cómicas más destacadas de su generación, conocida por sus espectáculos en vivo y por su colaboración con el programa La resistencia, le gusta hacer reír a la gente, pero lo que más le gusta es hacerse reír a sí misma. Esto, dice, le ayuda a digerir mejor las experiencias difíciles. Hablamos con ella sobre la conexión entre la risa y la felicidad y cómo las personas que nos hacen reír desde un escenario también buscan esta alegría a través de las risas de los demás.