Después de medio siglo largo de prolífica carrera, las adaptaciones en película o serie de los libros de Stephen King se acercan vertiginosamente al centenar. Seleccionamos los más destacados de cada plataforma para quienes quieran, aprovechando la proximidad de Halloween, ponerse al día con las adaptaciones televisivas (y cinematográficas) de este referente del género del terror.

El periodista Pere Bosch ha compartido en las redes un mensaje que le llegó al WhatsApp procedente del servicio de prensa del ministerio de Transportes. Versaba sobre el último ciberataque sufrido por Renfe y era la clásica ensalada de argumentos insustanciales y frases vacías y lo investigaremos todo y circulen, circulen. Pero el último párrafo era revelador: “Esta segunda versión tiene un tono más institucional y firme, orientado a medios de comunicación y opinión pública, manteniendo a la vez cierta prudencia jurídica (…) que protege a Renfe ante posibles conclusiones diferentes de la investigación final”. Es obvio lo que ha pasado y la única duda es si el nombre del autor se llama Claude, Copilot, Gemini o Gepeté.

Es muy posible que algunos recordéis Super size me, aquel documental del 2004 donde Morgan Spurlock asumió el reto de pasarse treinta días atiborrándose de comida de McDonald’s. Quería demostrar cómo perjudicaba la salud y hacer evidente la baja calidad de la alimentación en los Estados Unidos. Engordó once kilos, desarrolló alteraciones hepáticas y el colesterol le incrementó de manera drástica. En 2017 dirigió una segunda parte que pasó más desapercibida: Super size me 2: Holy chicken!. Spurlock abrió su propio establecimiento de pollo frito para enseñar cómo funcionaban estos negocios que crean una falsa imagen de comida natural y saludable.Netflix tiene ahora en su catálogo una nueva producción que emula el trabajo de Spurlock. En Big chicken: A fast food conspiracy (Pollo a lo grande), el humorista Mo Gillighan se fija el objetivo de comer únicamente pollo frito durante veintiocho días para comprobar cómo afecta a su salud. Paralelamente, explora el negocio del pollo tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos ante la descomunal expansión de este alimento en todo el mundo. Investiga cómo la industria lo manipula y lo procesa para darle una apariencia apetitosa. El pollo es el animal terrestre más criado en el planeta. En el Reino Unido han desaparecido los tradicionales negocios de fish & chips, engullidos por una plaga de negocios de fried chicken: más de seis mil establecimientos en todo el país. Cada día se gastan doce millones de libras en consumo de pollo.Gillighan intenta mantener el sentido del humor durante su investigación, pero después de la primera semana su estado de ánimo decae y se encuentra mal. Lo mismo que le pasó a Spurlock en Super size me. En el proceso de investigación, el humorista entrevista a diferentes expertos en nutrición, en la química de los alimentos y científicos sensoriales que le explican cómo funciona toda la industria de cría del pollo y del ultraprocesado de su carne. Debéis saber que si os decidís a ver el documental, pasarán unos cuantos días antes de que volváis a comer pollo, porque hay secuencias que dan mucho asco. Gillighan muestra granjas de engorde terribles. Hacen una comparación contundente: si un bebé humano creciera con la misma rapidez que se hace crecer a los pollitos, un bebé tendría el tamaño de una cerda al cabo de dos meses. Big chicken es un documental que funciona sobre todo por la curiosidad de las aberraciones que nos encontraremos. Pero los datos son demoledores. Hace que después de ver el documental miremos de otra manera estos locales de pollo frito instalados en nuestras ciudades. Les damos un nuevo significado, tanto desde un punto de vista económico, como social y cultural.Ahora bien, veinte años después del documental Super size me, la repetición del experimento nos obliga a preguntarnos cuántas veces tendremos que mostrar las consecuencias de este modelo alimentario para que algo cambie. Se van haciendo documentales para denunciar esta industria, que se va transformando para subsistir haciendo lo de siempre.

Sigfrid Gras, director de TV3, admitió en la comisión de control de la CCMA que tuvo lugar este viernes que la eliminación de una mención a RAC1 en la emisión de la obra de teatro Dones de ràdio fue un error interno. "Fue un error nuestro", dijo. Con todo, remarcó que la dirección de 3Cat no tenía conocimiento de la alteración de la obra y que en ningún momento dieron ninguna instrucción al respecto. El 17 de septiembre Jordi Basté denunció durante el Davantal de El món a RAC1 que durante la emisión de Dones de ràdio en TV3 se había eliminado una mención a RAC1 que hacía el personaje interpretado por Àngels Gonyalons. En concreto, en una escena el personaje de Gonyalons dice: "Presento un programa de radio en una de las principales emisoras del país. Es RAC1, no sé por qué lo escondo. Es un magacín de tarde, donde puedo hacer bastante la mía... y tener mucha audiencia. Quiero decir que en la radio también soy la reina". Pero la frase "Es RAC1, no sé por qué lo escondo" no se escuchó en la grabación que emitió TV3.

Después de El minuto heroico, la serie documental que denunciaba los abusos del Opus Dei contra las mujeres que formaban parte de la organización, ahora Mònica Terribas repite el ejercicio con los hombres en El buen espíritu (HBO Max). Esta segunda producción es, en buena parte, consecuencia de la primera. En el arranque algunos de los testimonios hacen referencia al impacto que les provocó escucharla. El buen espíritu funciona, formalmente, de la misma manera. Las víctimas del Opus Dei se sientan ante la cámara. Hombres de diferentes generaciones, nacionalidades y estatus. Esta característica permite observar el enorme alcance del Opus y la perfecta sincronía con la que ejerce su poder. El patrón sectario se reproduce en todos de una manera casi exacta. También se incluye la voz de expertos en religión y en psicología para explicar con rigor los mecanismos de opresión y manipulación. Se utilizan las recreaciones para representar de una manera más explícita la vida pasada de los testigos, cuando estaban bajo el control de la organización. La posibilidad de que los mismos protagonistas presencien y participen en la construcción de las secuencias de ficción, ayudando a los actores, tiene un componente catártico y emocional muy interesante. Las recreaciones no tienen solo una función explicativa para el espectador, sino que tienen un valor terapéutico para los protagonistas. Recuperan un espejo de su pasado sobre el cual han podido construir una distancia psicológica.Igual que en El minuto heroico, los dos primeros episodios se centran en la captación y el proceso de manipulación. Es un relato devastador que evidencia la degradación del individuo, su deshumanización, la aniquilación de la personalidad y las emociones. Seguramente, esta capacidad para aislar y bloquear psicológicamente a sus miembros y castrar cualquier empatía tiene que ver con el poder de la secta para mantener cautivos a los integrantes que no se reconocen en estos testimonios. El tercer capítulo es el que está deseando el espectador después de unas historias tan crudas: el momento de abandonar la institución y el proceso de rehacer sus vidas. Llegados a este punto es inevitable comparar las dos series. Teniendo en cuenta el machismo descarnado del Opus Dei, la atrocidad de El minuto heroico en lo que respecta a los maltratos, la explotación y el secuestro físico de las mujeres es mucho más angustiante. Se hace evidente, sobre todo, en el contraste de las historias sobre el momento de abandonar la institución. Por otra parte, El buen espíritu, aunque no produce el mismo impacto porque ya has visto la primera parte, puede afinar más a la hora de explicar los mecanismos jerárquicos y económicos que sostienen al Opus Dei. La serie aprovecha la influencia indiscutible que ha tenido dentro del ámbito religioso y eclesiástico para dar un toque de alerta al Vaticano y al papa León XIV. El problema es que el espectador constata una estructura tan consolidada y poderosa que se acaba conformando con su capacidad para interpelar y ayudar a más víctimas.

Control Resonant es la continuación de Control, un videojuego de 2019 que sorprendió por su universo paranormal, una jugabilidad impactante y una trama enrevesada que atrapaba a los jugadores. El título fue todo un éxito y superó los 6 millones de copias vendidas, pero la realidad es que Control no es un juego aislado. El estudio finlandés detrás de estas obras, Remedy Entertainment, es reconocido por construir un universo narrativo conectado en el que sus sagas comparten un lenguaje visual y temático muy característico. Esta atmósfera también se respira en el terror de Alan Wake, que triunfó con su secuela en 2023, o en la acción del icónico Max Payne, del cual ya se está desarrollando un remake de las dos primeras entregas.

Según un estudio del ministerio de Igualdad de 2024, al menos 114.576 mujeres ejercen la prostitución en España, un tercio de las cuales en Cataluña, que sería la región con más prostitutas de Europa. En el Festival de San Sebastián se ha presentado este viernes en la sección oficial El castillo, una serie de Movistar+ que trata de explicar la realidad de la prostitución a partir del boom que se produjo a finales del siglo pasado con el tráfico de personas para la explotación sexual cuando, coincidiendo con el crecimiento económico y el aumento de la inmigración, los proxenetas españoles pasaron de explotar a dos o tres mujeres a la importación masiva y salvaje de inmigrantes de países más pobres y a controlarlas a través de una deuda que se iba incrementando de manera perversa.

Si cada vez que un medio escribe la palabra estalla en un titular de forma hiperbólica un euro aterrizara en mi hucha, escribiría ya estos artículos desde mi mansión en Arabia Saudí, por decir un lugar completamente al azar. “El PSOE estalla por el «vergonzoso» origen de las joyas de Zapatero”, escribe el Abc en portada. Me enfango en la hemeroteca para descubrir que, en los últimos tiempos, el partido socialista ha estallado “contra Aldama”, “contra el PP”, “contra Page” o “contra el «basurazo» de Pelayo”. Más allá de la fórmula sudada, que dibuja la caricatura de un partido en continua explosión mientras suma ya 3.307 días de gobierno con Sánchez, lo que hay aquí es el típico titular con unas comillas no atribuidas a raíz de la llamada a un crítico. Claro, si en portada escribieran “Un resentido del PSOE critica al PSOE” la cosa bajaría.

Hace diez años, Zuckerberg anunciaba que el futuro de Facebook eran los bots de Messenger; en un año la apuesta ya se había desplomado. Después fue el turno de la criptomoneda Libra, que tampoco tuvo éxito, y hace poco más de un lustro la empresa se rebautizó como Meta y prometió un metaverso lleno de avatares sin piernas. El miércoles, en Menlo Park, el individuo volvió a subir al escenario con una novedad que, dijo, es "el centro de nuestra visión": Muse, un agente de inteligencia artificial que apenas tiene tres semanas de vida.

El miércoles es el día de la autoestima catalana en la parrilla de TV3. En prime time emite el concurso Soc i seré, que evalúa los conocimientos de catalanidad de los participantes, y, a continuación, emite País d’altura. El formato documental es una especie de Catalunya des de l’aire que ha evolucionado de acuerdo con los tiempos que corren. Ya no hace falta contratar un helicóptero para ver el país a vista de pájaro porque ahora tenemos los drones, que abaratan su coste. Hoy en día, ver el paisaje desde el cielo ya no nos sorprende tanto como hace treinta años porque la tecnología ha democratizado la posibilidad de observar el territorio como si fuéramos una entidad celestial. Tanto las series de ficción como los true-crimes y los documentales han generalizado este recurso visual para aportar espectacularidad. Siempre tiene un componente de fascinación, de mirada privilegiada. Ajustándose al título del programa, la imagen incluye pequeños rótulos en el paisaje que indican los metros de altura sobre el nivel del mar, un dato que provoca más indiferencia que curiosidad. Para romper el vuelo aéreo se incluyen entrevistas a personajes vinculados a la zona. La música de fondo es de publirreportaje barato y hay instantes en los que el montaje deja respirar poco la imagen y se fragmenta el paisaje con demasiada precipitación.El hecho diferencial de País d’altura es el guion. Si hace treinta años la voz del actor Jesús Ferrer se limitaba a hacer una descripción informativa con una épica moderada, ahora se ha incorporado el humor. El actor David Verdaguer es el encargado de leer un texto que le obliga a ser gracioso en cada comentario y, por supuesto, en primera persona del singular. Si las historias no se explican desde el yo ahora parece que ya no tengan valor. Mirarse el ombligo es la nueva proximidad. Ante un paisaje extraordinario, la entonación un punto fanfarrona de Verdaguer proclama: “Si yo viera esto desde el lavabo no miraría el móvil mientras voy de vientre”. Justo la imagen que necesitábamos imaginar. O cuando se sobrevuela los humedales del Ampurdán, nos aclara: “Son una de las principales zonas húmedas de Cataluña, junto con el delta del Ebro, el del Llobregat y la almohada de mi padre, que se le cae la baba cada siesta que tela”. Para destacar la belleza de la zona, la sentencia es contundente: “El Bajo Ampurdán y yo tenemos el mismo problema: somos muy atractivos”. Qué gracia. Somos un país de altura y de graciosos. El guion nos obsequia con chistes de nivel como “Joan de Serrallonga es el Robin Hood chungo” o “Se han hecho más tapones en la Selva que en la NBA”. El paisaje deja de ser el protagonista y quien conquista el territorio es este yo del narrador simpático. Es un aspecto muy sintomático de la televisión actual y el concepto que se tiene de la audiencia. Es esta tiranía del humor ante el terror a que todo resulte pesado o aburrido. Esta necesidad de amenizarlo todo con la tontería infantil como la única alternativa para que el espectador pueda tragarse el contenido.

Desde hace unos tres años los medios van publicando noticias sobre una práctica macabra: turistas italianos habrían ido a Sarajevo durante la Guerra de los Balcanes para, previo pago de algunas decenas de miles de euros, ocupar el lugar de un francotirador y disparar a humanos para satisfacer su espíritu sádico. La historia se vende sola, pero conviene tener en cuenta que el hilo que la sostiene es muy fino: un documental y un libro que se apoyan sobre todo en testimonios débiles e indirectos: “Yo oí que”. Como la Fiscalía de Milán ha abierto una investigación, se puede justificar que la prensa se haga eco. Pero entre las docenas de titulares sobre el asunto hay responsables –que se limitan a consignar la acusación del periodista y escritor italiano o bien la apertura de diligencias– y otros que juegan al sensacionalismo más irresponsable. “Dentro de los safaris humanos de Sarajevo: «Los niños y las mujeres eran las piezas más cotizadas, a los tiradores se les hacía la boca agua»” (El Mundo) o “Niños cazados como ciervos por 15.000 euros. La investigación que indaga en los safaris humanos de Sarajevo” (El Español). Nadie pudo probar este rumor que ya circulaba en los años 90, a pesar de que entonces había cientos de periodistas sobre el terreno. (También los había que pagaban para que los milicianos dispararan a la nada cuando entraban en directo sus crónicas, pero eso es otra historia.) En este caso, sin fotografías, pruebas, confesiones o imputados, haría falta más prudencia de la que han predicado algunas cabeceras que quieren jugar la liga del prestigio.

El Sense ficció de este martes en TV3 era un buen ejercicio comparativo de los modelos económicos de Cataluña y Madrid. No pretendía nada más y el título no engañaba. Un documental valiente porque en prime time se atrevía a adentrarse en un ámbito que puede resultar denso y pesado para la audiencia. En cambio, tenía la virtud de ser claro y ameno a pesar de la atención a la pantalla que requería. En una época en la que la televisión cada vez adiestra más a la audiencia en la infantilización y en unos contenidos basados en mensajes cortos, Cataluña-Madrid: la verdad de los dos modelos económicos subía el listón. Todavía quedan profesionales que confían en los espectadores. Con todo, el título tenía una pátina pretenciosa. Vender la tesis de "la verdad" como el logro definitivo de un hecho absoluto es un poco osado. El Sense ficció también era ambicioso, y la prueba es que al día siguiente los programas informativos recuperaron fragmentos de la emisión. En un sentido metafórico, el documental era una especie de Barça-Madrid trasladado al ámbito económico. Teniendo en cuenta la rivalidad histórica y política de las dos comunidades, los modelos económicos de Cataluña y Madrid planteaban un relato goloso y con tensión narrativa. La participación de los dos presidentes, Salvador Illa e Isabel Díaz Ayuso, lo acentuaba, sobre todo teniendo en cuenta que el cinismo de Ayuso siempre es morboso de escuchar. Más aún si se pone por primera vez ante los micrófonos de TV3. Su condescendencia y superioridad moral en el análisis la mostraron en su esencia. La confrontación Illa-Ayuso también enfatizaba otra dicotomía: la de izquierdas y derechas. El eje PSOE-PP construía el marco mental del bipartidismo que siempre limita la reflexión. Por otra parte, los testimonios estaban bien elegidos y la selección de expertos en economía añadía un argumentario más coral. Los dossieres llenos de datos que compartían sobre la mesa servían para acotar los temas y el rigor.Otro punto fuerte de Sense ficció era la realización, el montaje y la postproducción. Era lo que daba estructura a la narración, y lo hacía, además, con una factura visual exquisita. Una producción audiovisual de referencia gracias al cuidado por el detalle y el tratamiento de la imagen que se notaba en simbiosis con el análisis. La imagen escuchaba el contenido. En un momento en el que la televisión funciona por inercia y con los recursos más convencionales, este Sense ficció demostraba mucha más exigencia. El documental tenía la virtud de desarrollar un discurso sereno, pero que no confundió el buen tono con la equidistancia. Planteaba preguntas concretas y ofrecía argumentos con respuestas muy claras. Eso sí, donde fueron más ambiguos fue a la hora de resolver si el Procés había perjudicado la economía de Cataluña. La comparación entre Madrid y Cataluña siempre ha generado mucho ruido y crispación. Pero, por una vez, los argumentos y las cifras pasaron por delante de la demagogia y el cuñadismo.

Desde hace un par de años, Prime Video ha decidido centrar buena parte de su oferta en contenido juvenil, y la estrategia le está saliendo muy bien. Dentro de este plan, uno de los platos fuertes de este 2026 era el estreno del telefilme La hipótesis del amor, que ya se puede ver en la plataforma desde este miércoles. La película es una adaptación de un libro del mismo título que ha hecho furor dentro de la comunidad BookTok, los usuarios de TikTok que comparten reseñas y recomendaciones de libros, muy a menudo de género romántico o de fantasía romántica.

En WhatsApp tiene una foto con su hijo Marc, que le da un beso. "Me recuerda que es él quien me ayuda a mí, a mantener el rumbo, y no al revés -explica-. Desde que nació Marc, todas las decisiones relevantes las ha marcado él y ha seguido, con paciencia y comprensión, mis decisiones profesionales y las de su padre. Triángulo isométrico de vida". La periodista acaba de estrenar El buen espíritu (HBO Max), una investigación sobre el papel de los hombres en el Opus Dei, después de narrar el año pasado la perspectiva femenina en El minuto heroico.

“Delcy exhibe su acceso a Sánchez y lo compromete en plena ONU”, exclama en portada El Mundo. “Más de 40 metros en busca de la complicidad de Sánchez”, escribe el Abc. A ver, analicémoslo con menos pasión y más números. He contado los pasos que da la interesada. Son setenta y cinco. Difícilmente cuentan como una odisea. Son, de hecho, menos del 1% de los 10.000 pasos diarios que se recomiendan para sacudirse el sedentarismo. Delcy completa, en todo caso, su heroica travesía y, antes de dar los arduos setenta y cinco pasos de vuelta, consigue hablar 29 segundos con Sánchez, que en aquel momento estaba hablando por teléfono. Cuelga con una mirada de compromiso y se hace evidente que despacha la conversación tan pronto como puede. No sé si en la caverna se esperaban que se taparía las orejas con los dedos y diría “Na-na-ná, ¡no oigo nada!” o algún exabrupto similar. Al fin y al cabo, en aquella misma sesión vimos cosas pintorescas como el presidente de Haití intentando beber directamente de la jarra y vertiéndose más agua en la americana que dentro de la boca.

El lunes por la noche TV3 estrenaba Gènesi, la serie de seis capítulos que, a través de un biopic del cocinero Ferran Adrià, explica la revolución gastronómica que representó El Bulli. De momento solo hemos visto dos episodios, y lo que más impacta es la interpretación del actor Miquel Fernández poniéndose en la piel del chef. Encuentra el equilibrio óptimo del personaje sin hacer de él una parodia ni caer en una reinterpretación libre que nos aleje del protagonista. Le imita tan bien que no le entendemos cuando habla, como ha pasado siempre con Adrià. Pero también consigue una expresión facial con la que no le hace falta abrir la boca para que reconozcamos en él al genio de la cocina. Las interpretaciones del resto del elenco son desiguales, pero resulta encomiable el parecido físico con los originales. Las imágenes de los créditos finales son una idea maravillosa.La serie se contagia de la ambición de Ferran Adrià. Obliga a la producción televisiva a estar a la altura. Hay un aspecto en el que Génesis no podía fallar: a la hora de enseñar la comida y las creaciones gastronómicas. Es difícil que la comida sea apetitosa en la televisión, que las cajas llenas de pescado parezcan tesoros atractivos y que cada plato parezca magistral. Requiere una minuciosidad publicitaria que la serie logra con éxito. Al espectador le tiene que apetecer probar aquello que ve, tiene que sentirse tentado y seducido por las propuestas culinarias. Todo ello pide también un rigor en la documentación para ser fieles a la historia de El Bulli. Las localizaciones están en sintonía con este planteamiento. No solo se recrean muy bien los espacios, sino que se consigue una elegancia visual en la factura. Lugares y ambientaciones bonitos con voluntad de establecer una poética entre el paisaje, el producto y el estado de ánimo. Es la materialización de la experiencia gastronómica que va más allá del paladar para producir sensaciones. Representarlo a través de la imagen demuestra la importancia que quiere dar la serie al acto de pensar, que tiene mucho que ver con la esencia que se quiere destacar de Ferran Adrià. Hay un momento en que Juli Soler le reprocha al protagonista que no hable mucho. Y aquí es donde, quizá, esta ambición psicológica se pasa un poco de rosca. La intelectualidad suprema y la genialidad del chef se potencian tanto que en algunos momentos la serie peca de pretenciosa. La dirección es muy afectada y repercute en los encuadres y el ritmo. Se fuerza tanto la lírica y el mensaje entre líneas que te distancias del relato y recuerdas que estás viendo una recreación. La intención emocional de la música es tan explícita y descarada que la banda sonora parece más fabricada que compuesta.La trama secundaria de los Canabach pierde interés por imaginaria y por simple contraste con el poder que tiene el deseo de verdad que atrae al espectador. El gran atractivo de la serie es, a la vez, su principal defecto: estar basada en hechos reales (con una dosis importante de edulcorante). Esto tiene un problema muy elemental: no hay un conflicto argumental a resolver. Que esté basada en una historia real despierta el interés de la audiencia. Si fuera pura ficción, difícilmente nos engancharía.

Coinciden en un solo día dos noticias que se pueden relacionar. Trump ha vetado a periodistas de la CNN, Politico y MS Now de los terrenos de la Casa Blanca y el Congreso le ha retirado la acreditación a Vito Quiles. Supongo que todos tenemos claro que el primer caso resulta inaceptable y que el motivo esgrimido por el presidente americano según el cual la medida se toma porque estos medios publicaban demasiadas historias negativas sobre él desprende un tufo dictatorial penetrante. Y, en cambio, en el segundo caso lo que había era un abuso y usurpación de alguien que invocaba de manera espuria los derechos de los periodistas para ejercer su pintoresco activismo político basado en un acoso constante intolerable.

El periodista Jofre Llombart, que fue coordinador de El matí de Catalunya Ràdio, ha explicado en el pódcast Focus que Manel Fuentes, que fue presentador del matinal de la radio pública entre 2009 y 2013, le acosó en el trabajo. "En 2009-2010 sufrí un caso de acoso laboral por parte de Manel Fuentes", afirma el periodista. En la entrevista, Llombart ha explicado cómo era el comportamiento de Fuentes durante el tiempo que trabajaron juntos: "Hoy me enfrento contigo, mañana no puedo vivir sin ti. Hoy te abronco, mañana te doy las gracias. Hoy te felicito, mañana te critico de manera descarnada. Hoy no puedo vivir sin ti, mañana te amenazo con que no volverás a encontrar trabajo en este sector si depende de mí. Esta montaña rusa no la sabes gestionar bien si no tienes herramientas. El maltrato es toda la montaña rusa, cuando sube y cuando baja".

Matthew McConaughey y Woody Harrelson llevan casi treinta años siendo mejores amigos. Se conocieron a finales de los años 90, cuando ambos coincidieron en la película EdTV, donde interpretaban a una pareja de hermanos. Después de aquella cinta volvieron a trabajar juntos dos veces más: en 2008 en Surfer, dude y en 2014 en True detective, serie que fue un éxito de crítica. Los dos actores se llevan nueve años –Harrelson es el mayor– y ambos nacieron en Texas. Desde hace años, sin embargo, hay una pregunta que planea sobre la cabeza de ambos actores: ¿podría ser que, además de mejores amigos, también fueran hermanos? Esta incógnita, basada en una sospecha real, está en el origen del nuevo proyecto televisivo de la pareja, Brothers, que se estrena este miércoles en Apple TV.

Este domingo el 30 minuts analizaba la nueva generación de incendios forestales en plena emergencia climática: más fuegos activos, de una virulencia extrema, que se propagan a mayor velocidad y con comportamientos cada vez más difíciles de prever. Unas circunstancias que los convierten en más devastadores para el territorio y que desbordan los dispositivos de extinción.El reportaje lo trataba a partir de los grandes incendios que se han declarado este verano en Cataluña y en la Cataluña del Norte, cosa que demuestra una buena reacción periodística. El equipo del 30 minuts volvía a las zonas quemadas cuando la tierra y los árboles todavía humeaban, y recorría el terreno con algunas de las personas afectadas. Impactaba el testimonio de la pareja que vivía en el macizo de las Gavarres y distinguía entre las cenizas los vestigios de su hogar. El contraste entre el antes y el después, con una fotografía de la casa, era desolador. También hacía estremecer el recorrido con el coche acompañando al concejal de Seguridad de San Miguel de Llotes para comprobar que la evacuación de la localidad se había completado, con la sorpresa añadida de encontrar a un anciano solo en medio del pueblo desierto.El programa dejaba de lado las causas de los incendios, un tema delicado en el caso del del Ampurdán. En algún momento se tendrán que aclarar las responsabilidades. El objetivo del reportaje tenía más que ver con las medidas de prevención y con la manera de minimizar la potencia destructiva de estos incendios. Por supuesto, el testimonio de los bomberos expertos aclaraba muchos aspectos técnicos. Las imágenes grabadas desde el cielo, con los helicópteros, que mostraban el paisaje quemado eran muy reveladoras. Había momentos que parecían grabadas en blanco y negro a causa de la grisura de la ceniza y de tantas hectáreas arrasadas por el fuego. Distinguir una pequeña mancha de color en medio del paisaje te hacía tomar conciencia del enorme alcance del fuego.La familia Molla, campesinos de Calonge, fueron unos testimonios determinantes en el reportaje, por la claridad con la que exponían los argumentos. En especial las declaraciones de Núria, una de las hijas, que la noche del 3 de julio, con las llamas en el horizonte, lloraba ante el micrófono de TV3: “¡El mundo arde! ¡La tierra arde! ¡Tenemos que cambiar la manera de vivir, la manera de hacer! ¡Tenemos que hacer como nuestros abuelos! ¡La tierra habla! ¡Es increíble! ¡Es que el ambiente está caliente!” Su desesperación se hizo viral. Y el 30 minuts, unos días más tarde, recuperaba su voz y la de toda la familia con más calma. Magnífica también la contundencia de su hermana Montserrat. Sus explicaciones sobre la conducta del fuego y la importancia del trabajo agrícola eran más aclaratorias que las de cualquier bombero. Lo mejor del 30 minuts era cómo sus palabras se combinaban con las imágenes aéreas de la zona, de tal manera que el espectador entendía a la perfección el auténtico potencial de la prevención. Existe aquella letanía que se dice cada año en medio de la catástrofe: “Los fuegos del verano se apagan en invierno”. A ver si los que se tienen que encargar de ello se miran el reportaje.