Podría parecer que a medida que las sociedades se modernizan tienden a desembarazarse gradualmente de aquellos rituales heredados cargados de cartón. Los tiempos actuales, cada vez más orientados a la practicidad y la inmediatez, han ido afinando muchas ceremonias sociales que hoy parecen excesivamente solemnes: desde el rigor de vestir de luto hasta los protocolos asociados a bautizos o comuniones. Pero, de vez en cuando, emergen rituales que, como salmones obstinados nadando a contracorriente, no solo sobreviven sino que reaparecen hipertrofiados, revestidos de un ceremonial que ni siquiera habían tenido en el pasado. Es el caso de las graduaciones. El giro es tan inesperado que ya hay marcas especializadas en este nicho festivoacadémico y adolescentes capaces de esperar pacientemente cinco horas de cola para conseguir el traje con el que escenificar públicamente que han acabado cuarto de ESO.

Hace justo veinte años, Hollywood estrenaba, sin pretenderlo ni esperarlo, un film que acabaría convirtiéndose en un icono del mundo de la moda, El diablo se viste de Prada. Bajo la apariencia de una comedia ligera, la película escondía un trasfondo mucho más mordaz de lo que podía parecer a primera vista. El relato daba vida a la novela homónima de Lauren Weisberger, que partía de su propia experiencia como asistente de Anna Wintour, editora en jefe de Vogue y una de las figuras más poderosas de la industria. Pero aquello que podría haber quedado en una simple crónica del mundo de la moda se convertía, en realidad, en una reflexión más profunda: no tanto sobre la moda en sí misma como sobre las formas de poder que la sostienen y, en particular, sobre el grado de violencia que nuestra sociedad está dispuesta a aceptar cuando este poder se presenta como excelencia.Hablar de Anna Wintour no es hablar solo de la revista Vogue, sino de una figura que ha redefinido las reglas del juego de la moda contemporánea. Dotada de un olfato especialmente fino para detectar tendencias y nuevos talentos –como los de John Galliano o Alexander McQueen–, ha sido también la artífice de uno de los rasgos que hoy definen el sector: la hibridación entre la alta moda y las estéticas más cotidianas. Y, en paralelo, ha contribuido decisivamente a convertir la inauguración de una exposición de moda en un acontecimiento de alcance global, como la gala del Met, que justo ha tenido lugar el 4 de febrero. Sin embargo, siguiendo el relato de Weisberger y el calificativo con que ella misma la bautizó –demonio–, Wintour encarna también una determinada manera de entender el poder: como un ejercicio de violencia perfectamente normalizada, tanto dentro del sector como en relación con todas las personas que la rodean. Trabajar para ella implica asumir como naturales la vejación constante, la competencia extrema y la renuncia a cualquier forma de vida personal. Al fin y al cabo, como se repite en El diablo viste de Prada, “un millón de chicas matarían por este trabajo”, aunque eso signifique ver reducido un currículum brillante a tareas tan anodinas como llevarle el café, recogerle la ropa de la tintorería o satisfacer los caprichos de sus hijas.

En Andalucía, todo puede cambiar en cuestión de días. Los negros, las capuchas y los rosarios –expresiones visibles de penitencia, renuncia y fe– se disuelven de repente en una explosión de topos, colores, flores y cuerpos que reclaman protagonismo en la Feria de Abril. Los golpes en el pecho y los llantos descarnados de las procesiones de Semana Santa dan paso a la fiesta, el exceso y la desmesura. Si en un caso la estética impone contención y anonimato, en el otro exige exactamente lo contrario: destacar y ocupar espacio bajo la mirada de los demás. No se trata solo de un cambio de ambiente, sino también de un desplazamiento más profundo: de una emoción a otra, de una manera de sentir y de habitar el cuerpo marcada, con una precisión casi ritual, por el calendario a otra. Como si la fe (o su teatralización) también tuviera estaciones. Y es aquí donde entra en juego uno de sus instrumentos más elocuentes. Porque, en la Feria, esta necesidad de ser visto se viste. Y lo hace con una pieza que concentra todas las miradas: el traje de flamenca.A pesar de la percepción actual, este vestido no nació como pieza de lucimiento, sino como indumentaria de las clases populares del siglo XIX. Lo llevaban campesinas y vendedoras que acudían a las ferias ganaderas andaluzas, especialmente a la Feria de Abril, que en sus orígenes era un espacio comercial y no festivo. Su forma respondía a los patrones de la época: cuerpo ajustado y falda con volumen, en este caso resuelto con volantes. Estos volantes, hoy distintivos del vestido, se han interpretado de diversas maneras. Por un lado, se han vinculado a contextos gitanos y andaluces, en los que el movimiento del cuerpo (tanto en el baile como en la gestualidad cotidiana) encontraba su correlato en una vestimenta que no solo lo acompañaba, sino que también lo hacía visible. Por otro lado, hay que situarlos en el marco de la moda femenina del siglo XIX, dominada por faldas voluminosas sostenidas por estructuras internas como miriñaques o crinolinas, que limitaban la movilidad. Sin evidencia de que fueran concebidos como alternativa, los volantes permitían, sin embargo, generar volumen sin inmovilizar el cuerpo.

Una alfombra muy floral y con reminiscencias de Van Gogh ha visto pasar este lunes por la noche a la plana mayor de las celebrities de todo el mundo, que se han reunido en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York para recaudar fondos para el Instituto de la Moda. La tradicional Met Gala se ha celebrado no exenta de polémica a causa de la participación de Jeff Bezos, propietario de Amazon, y su mujer, Lauren Sanchez, como principales financiadores del acto, un hecho que ha provocado llamamientos al boicot. Con todo, la gala continúa siendo la gran fiesta de la moda y este año la temática elegida –La moda es arte– ha dado pie a interpretaciones de lo más diversas: sobre la alfombra hemos visto vestidos sobrios pero también opciones bien estrafalarias, la vía más directa para causar impacto.

Un hecho fascinante del funcionamiento de las tendencias es que, por muchos expertos y agencias que se dediquen a predecirlas, siempre conservan un componente de imprevisibilidad. Sería como el vuelo de los estorninos, que podemos observar cómo se mueven, pero nunca sabremos quién decide el giro, la dirección o el momento en que se detienen. Y es que la moda, lejos de ser la suma de decisiones individuales, responde a dinámicas inscritas en un entramado social complejo. Es por esto que, mientras las grandes marcas invierten tiempo, dinero y equipos enteros para producir el it-bag de la temporada, de pronto aparece uno completamente anodino que, incomprensiblemente, concentra todo el deseo: el tote bag del supermercado de Trader Joe's.Por un lado, podríamos creer que se han arrinconado las aspiraciones ostentosas de escalada social en favor de una cierta practicidad democrática. Pero este consuelo dura poco: ¿por qué no ha pasado lo mismo con la bolsa del supermercado Bon Preu (Esclat) o de Condis? Es en este desajuste donde se hace evidente que la distinción no ha desaparecido, sino que se ha sofisticado. Ya no opera solamente a través del precio o de la ostentación, sino mediante códigos sutiles, en que el valor de un objeto depende tanto del contexto cultural como de su coste material.

La Barcelona Bridal Fashion Week (BBFW) ha vuelto a convertir Barcelona en el epicentro mundial de la moda nupcial, con una edición que aún alargará la parte comercial hasta este domingo, 26 de abril, y que ha reunido a diseñadores, marcas y compradores de todo el mundo. En el evento, que combina pasarela y trade show, hemos visto las tendencias de novias y vestidos de gala de la temporada 2027, lo que refuerza el papel de Barcelona como plataforma global del sector. Con 34 diseñadores en la pasarela, el 60% internacionales y procedentes de 12 países diferentes, y más de 1.000 vestidos presentados, la BBFW evidencia su crecimiento tanto en calidad como en diversidad.

Cuando llega el buen tiempo no solo cambia la ropa, también el calzado se adapta a las nuevas temperaturas. Es por eso que las marcas comienzan a presentar sus modelos estrella antes de que llegue el calor, para todos aquellos y aquellas a quienes les gusta tener el trabajo hecho antes de que sea completamente obligatorio. Estos son 4 modelos de zapatos de mujer que se verán mucho este verano.

Zara lo ha vuelto a hacer. Sin ningún pudor ni vergüenza, se ha paseado por el supermercado de las luchas sociales, las culturas underground y las identidades simbólicas con el carrito bien abierto: un poco de marginalidad que dé pedigrí, alguna figura incómoda de esas que en vida estorbaban y, sobre todo, una buena dosis de rebeldía. Eso sí: todo bien domesticado. Todo ello, pasado por el hervor rápido del fast fashion, retráctil y listo para ser consumido en forma de identidad prefabricada. ¿Y esta vez, a quién le ha tocado entrar en la trituradora del turbocapitalismo? A Camarón de la Isla.Y esto en pleno año Camarón, coincidiendo con los 75 años del nacimiento del icónico cantaor, una figura que no solo fue una voz excepcional del flamenco, sino también uno de sus grandes renovadores. A partir de La leyenda del tiempo, abrió el género a nuevas sonoridades y sensibilidades, y lo desplazó de un espacio casi fosilizado hacia un territorio vivo y en tensión con el presente. Pero, además, contribuyó a desbordar la imagen social de la cultura gitana más allá del cliché al que había estado sometida durante el franquismo, atrapada entre el folclorismo y la marginalidad. Junto con figuras capitales como Paco de Lucía, amplió los imaginarios alrededor de la identidad gitana, tanto desde dentro como en su proyección pública.

El blanco nupcial vuelve a la Barcelona Bridal Fashion Week, pero también el rojo vivo, el azul eléctrico, el verde esmeralda, el fucsia, el amarillo llamativo, los lentejuelas o los satinados de gala y todos los colores intensos de la alfombra roja. Un año más, la Bridal se convertirá en un punto de encuentro imprescindible para conocer el mercado y las tendencias que marcarán la temporada 2027, y no solo de la moda nupcial, sino también de la de fiesta, gala y accesorios.

La 080 Barcelona Fashion cierra su 37ª edición con las propuestas de 26 marcas, una clara apuesta internacional y su clásica suma de diseñadores consolidados y jóvenes emergentes. El traslado al Port Vell se ha vivido con cierta dualidad, ya que la espectacularidad del nuevo emplazamiento no se ha podido disfrutar al cien por cien dado que el espacio de desfiles quedaba cerrado por unas grandes cortinas negras que impedían las vistas al mar. Con todo, hemos seleccionado algunas de las tendencias más destacadas que hemos visto a lo largo de estos cuatro días de moda.

La nueva edición de la 080 Barcelona Fashion comienza este martes cargada de novedades: la primera y más evidente es el cambio de ubicación, ya que después de años en el recinto modernista de Sant Pau la pasarela catalana se traslada al Port Vell, concretamente al paseo del Trencaones, donde se instalará una estructura efímera de más de 50 metros de largo que acogerá las diferentes propuestas de los diseñadores participantes. El cambio de ubicación hacía tiempo que se planteaba desde la organización porque Sant Pau había quedado pequeño para una pasarela que ha ido creciendo en los últimos años. La entrada del Ayuntamiento de Barcelona en la organización de la cita –otra de las novedades–, que se concreta con una aportación de 500.000 euros, ha sido determinante para escoger el nuevo lugar, junto al mar, que tal como explica Moisès Rodríguez, director del Consorci de Comerç, Artesania i Moda, convierte Barcelona "en la única pasarela que está en el mar". Para Rodríguez, esta nueva ubicación tiene también un mensaje vinculado con el pasado de la ciudad, ya que "el mar es fundamental para la historia de la Revolución Industrial en Cataluña y el desarrollo de la industria textil". "El puerto fue un lugar estratégico para el transporte del algodón y este pasado nos conecta con el presente de la industria y de la moda", destaca. Con la aportación del Ayuntamiento, y el apoyo de la Diputació de Barcelona, que en esta edición se ha sumado al proyecto para impulsar el sector de la moda, el presupuesto total de la 080 Barcelona Fashion es de 2,8 millones de euros.

La humanidad, con la misión Artemis, vuelve a mirar hacia la Luna y, con ella, desentierra del baúl de los recuerdos la antigua carrera espacial que marcó la Guerra Fría. Entonces, en medio de las peligrosas tensiones entre los Estados Unidos y la Unión Soviética, el mundo se fracturó en dos bloques irreconciliables y la conquista del espacio se convirtió en un escenario más de competición geopolítica. No se trataba solo de llegar más lejos, sino de demostrar quién tenía la capacidad de imponerse sobre el otro. En este contexto, los medios de comunicación inundaron durante años el imaginario colectivo con imágenes de cohetes, astronautas y planetas lejanos. Una iconografía persistente que no solo informaba, sino que modelaba la manera como la sociedad pensaba el mañana. Porque, en el fondo, toda sociedad se construye también a partir de esta pregunta inevitable: ¿qué nos espera en el futuro?Imaginar la vida en el espacio implicó especular sobre cómo sería este día a día, y el diseño se puso en marcha para repensar mobiliario, automóviles y viviendas para este futuro proyectado. Entre butacas que evocaban cápsulas y residencias que parecían estaciones orbitales, nació la moda space age, concebida para facilitar una hipotética vida interplanetaria. Creadores como André Courrèges o Pierre Cardin apostaron por vestidos rígidos, despegados del cuerpo, casi como carcasas. El blanco, asociado al universo aeroespacial, se impuso como color dominante, acompañado de cascos y botas metálicas. Paralelamente, las propuestas de Paco Rabanne llevaron la moda hacia el terreno de la ingeniería, con piezas hechas de placas metálicas que tensionaban los límites mismos de la disciplina.Lo que resulta revelador, visto con perspectiva, es hasta qué punto estas especulaciones sobre el futuro desbordaron la realidad. Si hubiéramos hecho caso a Stanley Kubrick con 2001: A Space Odyssey, a Star Trek o incluso a The Jetsons, hoy ya viviríamos entre coches voladores, fuera del planeta Tierra y en condiciones de gravedad cero. Pero quizás todavía es más significativo constatar que, si la imaginación tecnológica a menudo se pasa de frenada, acostumbra, en cambio, a quedarse corta en otros ámbitos: como los derechos de las mujeres. En estos imaginarios, ellas continúan ocupando posiciones subalternas, incluso en futuros donde la humanidad ya habita otros planetas. Y esto obliga a preguntarse si realmente estamos ante especulaciones o, más bien, ante deseos masculinos proyectados.Sin embargo, más allá del impacto televisivo de la primera pisada lunar –un momento altamente coreografiado desde el punto de vista propagandístico por los Estados Unidos–, la imagen más transformadora no fue la de la Luna, sino la de la Tierra. La fotografía del Blue Marble, convertida en la primera selfie de la humanidad, evidenció una paradoja: después de años de división y confrontación, aquello que veíamos era, en realidad, una única unidad compartida. Y fue precisamente esta imagen compacta la que activó, en una parte de la población, una nueva conciencia pacifista y ecológica.A diferencia de la Guerra Fría, hoy los Estados Unidos no compiten en un mundo estrictamente bipolar, a pesar de que la carrera espacial continúa siendo un duelo, esta vez con China, que también se ha propuesto pisar la Luna en los próximos años. Resulta, sin embargo, inevitable señalar la paradoja: en un momento en que el mundo parece fragmentarse y la humanidad atraviesa una profunda crisis de valores, volvemos a mirar hacia afuera. Quizás, como pasaba en Solaris de Andrei Tarkovski, este viaje no habla tanto del futuro como del pasado. O quizás –y aquí reside la cuestión– debería servirnos, precisamente, para mirarnos mejor al espejo y repensar en qué punto nos encontramos como humanidad. Pero quizás, viendo las imágenes recientes de los astronautas de Artemis felicitando la Pascua desde el espacio y buscando huevos por la nave, lo que queda en duda no es el futuro, sino si todavía nos queda alguna pizca de autoconciencia.

Con la llegada del buen tiempo, hay que sacar del cajón las gafas de sol, que han estado escondidas de la luz durante este invierno que se ha hecho tan largo. Precisamente porque ya ha llegado la época de lucirlas, son muchas las marcas que han presentado nuevas colecciones para que todo el mundo pueda encontrar algunas que le queden bien y le hagan gracia. Repasamos algunas de las más destacadas.

La Semana Santa, más allá de procesiones, misas, palmas y monas, despliega un repertorio de vestimentas que hemos aprendido a mirar sin ver. Piezas que, de tan familiares, han dejado de parecernos extrañas, pero que, si nos detenemos un momento, resultan profundamente insólitas y alejadas de cualquier forma de vestir cotidiana. Y entre las mantillas con peinetas, las túnicas de nazareno, los cíngulos o los mantos de las vírgenes, hay un elemento que se impone por su potencia formal y sus connotaciones simbólicas: la caperuza. Se abren las puertas de la catedral de Sevilla y comienzan a salir, en fila, los primeros nazarenos, rodeados por un olor intenso a cera e incienso. Túnicas, velas, y unos capirotes que se alzan, puntiagudos, por encima de todo. Los tambores marcan un ritmo seco y constante y los asistentes quedan expectantes, en un silencio contenido. A los nazarenos no se les ve la cara, solo los ojos, y la calle, por un momento, deja de ser un espacio cotidiano para devenir escenografía. El capirote ha cumplido su función: hacer desaparecer la identidad individual para ceder el protagonismo al santo que se adora. De esta manera, asegura a quien lo lleva ser visto sin ser reconocido y le permite entrar en la estructura del ritual, asumiendo una actitud de disciplina y entrega. Pero, ¿cuál es el origen de este sombrero tan extraño, que ha sobrevivido a siglos de historia?Su origen no es, en ningún caso, procesional, sino que nace como instrumento de penitencia pública entre los siglos XV y XVII, en el contexto de la Santa Inquisición. Los condenados eran exhibidos con sambenitos —una especie de túnica— y corozas —unos sombreros a menudo cónicos o puntiagudos—. Su función era claramente punitiva y ejemplarizante: hacer visible el pecado y humillar al pecador. Lejos de perseguir el anonimato, como ocurre hoy, se trataba de marcar el cuerpo y exponerlo públicamente.Será entre los siglos XVII y XVIII cuando se institucionalicen las procesiones de Semana Santa y la penitencia deje de ser impuesta para devenir voluntaria. En este nuevo contexto, la capa se resignifica: pasa a simbolizar la aspiración espiritual —con su proyección hacia el cielo—, la asunción de la disciplina religiosa y la centralidad del ritual por encima de la persona. Pero más allá de su morfología, hay una cuestión que aún incomoda más y que a menudo desconcierta a muchos visitantes: \u00b¿qué relación mantiene esta pieza con el Ku Klux Klan (KKK)?El KKK se fundó en 1865, después de la Guerra de Secesión, como reacción violenta contra la abolición de la esclavitud y con el objetivo de restaurar la supremacía blanca. Desplegó un régimen de terror e intimidación contra la población afroamericana, y para ello se dotó de una estética deliberada de autoridad y amenaza. Su iconografía —túnica blanca y caperuza puntiaguda— bebe de una mezcla de imaginarios, entre los que hay referencias fantasmagóricas, rituales y religiosas europeas. La coincidencia formal con la caperuza es evidente, pero su sentido es radicalmente opuesto. Si en el contexto de la Semana Santa el anonimato expresa humildad, penitencia y disolución del yo, en el caso del KKK sirve para garantizar la impunidad y ejercer la violencia colectiva. Una misma operación, la de ocultar la identidad, que puede servir tanto para someterse como para dominar.El Domingo de Pascua pone fin a la Semana Santa y, con ella, al tiempo de penitencia. El recogimiento se desvanece con la misma facilidad con que el nazareno se quita la caperuza. Pocos días después, en Andalucía, el calendario gira y se abre paso el jolgorio de la Feria de Abril: colores, volantes, lunas, cuerpos expuestos, flores en la cabeza, mantones de Manila... El contraste es tan inmediato que resulta difícil no preguntarse hasta qué punto aquello que hemos visto era una vivencia profunda o una teatralización compartida. Unas vestimentas que se activan y se desactivan como formas de organizar los cuerpos, el tiempo y el deseo.

Movimientos en el sector de la belleza, la cosmética y la perfumería. La catalana Puig Brands ha confirmado esta noche la existencia de conversaciones con la estadounidense Estée Lauder, también de capital de mayoría familiar. A través de una comunicación a la Comisión Nacional del Mercado de Valores (CNMV), el grupo controlado por la familia Puig admite que existen estas negociaciones, tal y como ha avanzado el Financial Times.

Una de las últimas bombas informativas en moda ha sido el anuncio de la nueva colaboración de Zara. El gigante mundial de la moda rápida ha incorporado, por un período de dos años, al diseñador John Galliano, una de las figuras más singulares de la creación contemporánea. Se trata de una asociación difícil de haber previsto, pero que a su vez resulta profundamente reveladora del momento actual que vivimos como sociedad.

Zara ha anunciado una colaboración creativa de dos años con el diseñador John Galliano cuyo objetivo es reinterpretar el archivo de la marca en diversas colecciones con un enfoque innovador y contemporáneo. Galliano trabajará a partir de piezas de temporadas pasadas de Zara para deconstruirlas y transformarlas para dar lugar así a creaciones completamente nuevas. Según ha explicado el buque insignia de Inditex en un comunicado en sus redes sociales, el fichaje del creador es una apuesta firme por la reinterpretación del legado y de la identidad de la marca, que tiene ya más de 50 años de historia.

Han estado unos meses de alfombras rojas. Un exceso de pasarela y un exceso de incomodidad. No sólo la que generan algunos de los discursos de ganadores de premios, sino por los trajes que las mujeres eligen y que siguen dando unas imágenes inauditas en pleno siglo XXI. Pero si nos ponemos estrictos, en pleno siglo XXI también gobiernan el mundo unos narcisistas ultraviolentos que están dejando un panorama que no ha variado en muchos siglos. Y como se puede decir poco más de lo que ya se ha dicho sobre la brutalidad de un sistema que permite bombardear a placer lo que a unos desgraciados les apetezca, y como parece que debemos aceptar la violencia como un mal necesario en este mundo podrido de intereses, giremos el calcetín y fijémonos en lo que aparentemente es, aparentemente es permanente, y que mucha gente considera elegida libremente. Y tienen razón. Porque la vestimenta femenina de gala es el símbolo perfecto para explicar dónde estamos todavía. Y el daño que hace no es comparable a una guerra, pero sigue dejando muchos cadáveres. Es la prisión del cuerpo. De los cánones de belleza. Del escándalo disfrazado de glamour.

La multinacional catalana de fragancias Puig ha nombrado a un nuevo consejero delegado. El directivo José Manuel Albesa, actualmente subconsejero delegado la empresa, asumirá este cargo, que ahora ostenta –junto a la presidencia del grupo– Marc Puig, según ha informado este martes la empresa en un comunicado. Con el nombramiento, Marc Puig deja ese cargo pero se mantendrá como presidente ejecutivo.

¿Cómo logra el hijo de unos campesinos mallorquines desfilar en la Semana de la Moda de Nueva York y ser considerado el sucesor de John Galliano? ¿Por qué este protegido de la prensa especializada acaba arrojado a los leones? Estas mismas preguntas nos las hicimos en este mismo diario hace exactamente once años a raíz de Call it a balance in the unbalance (2011). Una historia épica con un final dramático en el que Regine Lettner se adentraba, a través de las vivencias del diseñador Miguel Adrover, en una industria capaz de destruir mitos a la misma velocidad que los construye. Este documental formó parte de la primera edición del Moritz Feed Doc, el festival internacional de cine y moda de Barcelona que cumple este año diez años recuperando, casualmente, la figura tan fascinante y enigmática de Adrover. En esta ocasión lo hace a través de The designer is dead (2025), un documental de Gonzalo Hergueta centrado en la trayectoria vital y artística de una de las personalidades más congruentes y radicales de la moda contemporánea. Este Adrover es el propio Adrover que hace más de dos décadas ya hablaba de sostenibilidad y multiculturalidad, cuando estos conceptos no eran mainstream. También es lo mismo que hace unos meses renunció a vestir a la Rosalía de Lux porque la cantante no utilizaba su altavoz para denunciar el genocidio palestino. Y es que para Adrover la moda debe entenderse no sólo como un artefacto cultural sino político.