¿Por qué una familia continúa trabajando con telas centenarias cuando todo el mundo consume ropa nueva que quizás no durará ni un año en el armario? En una época dominada por Shein y Temu –entre otros gigantes de la moda ultrarrápida–, hay una tienda en el Barrio Gótico de Barcelona que desafía esta lógica y trabaja justo en la dirección contraria. En L’Arca, sábanas, colchas y cortinas de finales del siglo XIX y comienzos del XX se transforman en vestidos de novia o piezas de prêt-à-porter. Su materia prima no es solo algodón, seda o lino de calidad: es tiempo. “Es parte de una historia y nosotros solo escribimos un nuevo capítulo”, resume Carmina Pairet, una de las actuales responsables del espacio que comparte con su hermana Nina Balmes.Esta manera de entender la moda no es una tendencia reciente, sino el resultado de dos linajes familiares –una con raíces en el Maresme y la otra en la Garrotxa– que hace casi dos siglos que giran alrededor de la puntilla. La exposición Tesoros del Arca, que este año acoge el Museo de Arenys de Mar, recupera esta historia y muestra cómo las puntillas fueron mucho más que un elemento decorativo: también constituyeron una industria potente, un negocio con proyección internacional y un patrimonio que ha sabido reinventarse. Pero para entender por qué una familia continúa trabajando hoy con telas centenarias hay que remontarse a la Cataluña de mediados de siglo XIX.Cuando la punta era lujo, cultura y mercancía

En el año 1856, en plena eclosión de la Barcelona industrial, nació Casa Vives, una de las empresas que mejor entendió el potencial comercial de la puntilla catalana. Más allá del imaginario romántico que la rodea, la puntilla era mucho más que un adorno: era una industria próspera, un negocio con vocación exportadora y un producto capaz de competir en los grandes escaparates internacionales. La participación de la firma en las Exposiciones Universales de Barcelona (1888) y Chicago (1893) es una buena muestra de ello. “La puntilla era lujo, cultura y mercancía”, resume Carmina Pairet.

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¿Qué es la moda urbana? También conocida como street wear o como moda street? Es aquella estética de vestimenta venida de los Estados Unidos en los años ochenta, de las tribus urbanas de aquel tiempo, de la moda del breakdance. Consiste en llevar vaqueros combinados con chaqueta de chándal, gorra de béisbol, sudadera con logotipo de equipos de béisbol o baloncesto, zapatillas Puma, y marcas de ropa como Lois. Muy influido por el cine, por películas como Porky’s y Teen Wolf –la chaqueta que luce Michael J. Fox es puro street wear–, por Boy George, por George Michael. Los vaqueros Wrangler que Freddy Mercury lucía en la mítica actuación de Queen en el concierto Live Aids de 1985 en el estadio de Wembley. O la camiseta Champion de color amarillo que él mismo puso muchísimo de moda. O cuando lucía zapatillas Puma y lo fichó Adidas. ¿Quién vestía Lois y puso la marca en lo más alto? Pues Abba, Rod Stewart, John Lennon y Johan Cruyff.

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Estamos inmersos en la Semana de la Alta Costura de París. Las colecciones presentadas estos días han dejado piezas absolutamente espectaculares, especialmente de la mano de Daniel Roseberry para Schiaparelli y de Jonathan Anderson en su debut en la alta costura de Dior. Pero, a pesar del despliegue creativo que estos días acapara todas las miradas, hay un vestido que los está eclipsando a todos. Un vestido bien singular porque, en realidad, todavía nadie lo ha visto. Y cuanto más tiempo pasa sin saber cómo es, más conversaciones, especulaciones y expectativas genera. Me refiero al que llevaba Taylor Swift en su boda con el jugador de fútbol americano Travis Kelce, celebrada el pasado 3 de julio.Más allá de la posibilidad de que las imágenes se reserven para una futura exclusiva, esta situación encaja perfectamente con la lógica de la economía de la atención. De hecho, buena parte del mundo de la moda gira en torno a un concepto que se ha convertido en habitual dentro del sector: el hype. Más que promocionar un producto, el hype consiste en construir el deseo antes de que exista –o antes de que sea accesible– alimentando rumores, filtraciones, pequeñas pistas y períodos de espera que mantienen viva la conversación. En definitiva, el hype es el arte de convertir la espera en deseo, porque quien controla el tiempo también controla el relato y decide cuándo, cómo y quién tendrá acceso a aquello que todos esperan ver. Precisamente en una época en la que nos hemos acostumbrado a obtener casi cualquier cosa de manera inmediata, es aquí donde las estrategias de marketing consiguen atraparnos. El deseo, al fin y al cabo, acostumbra a alcanzar la máxima intensidad cuando todavía no tenemos aquello que queremos, pero se disuelve con una rapidez sorprendente tan pronto como lo conseguimos.

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Pocas personas marcan tanta tendencia en Hollywood como Zendaya, que siempre hace elecciones estilísticas arriesgadas y con personalidad. La actriz ha vuelto a demostrar que es imbatible en las alfombras rojas apareciendo en la premiere de La Odisea con un vestido que no ha dejado a nadie indiferente. En la película interpreta a la diosa Atenea, y Zendaya ha decidido vestirse en consonancia con su papel: ha elegido un escultural diseño de la firma Schiaparelli que sorprende por un cuerpo superior que es una coraza blanca que remarca pechos y costillas. El corsé, de hecho, puede recordar una antigua escultura griega, sin duda un guiño al film en el que participa, una adaptación del poema épico de Homero.

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Teyana Taylor, actriz y cantante norteamericana, presentó en enero el mítico programa Saturday night live vestida con una pieza inesperada: una camiseta blanca, completamente bordada con lentejuelas, presidida por uno de los logotipos más icónicos del siglo XX: "I❤️NY". La pieza formaba parte de la colección Métiers d'Art 2025/26 de Chanel, la línea con la que la casa francesa exhibe cada año su máximo virtuosismo artesanal. Esta vez, sin embargo, el lujo más exquisito se había aliado con uno de los objetos más kitsch de la cultura turística: la camiseta souvenir. El episodio habría podido quedar en una anécdota si no fuera porque, desde entonces, otras celebridades –especialmente de la generación Z– también han recuperado este mismo símbolo.

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Existe una idea que hemos normalizado hasta el punto de no verla: que la felicidad se puede comprar. Y no hablamos de aquella adquisición puntual de un objeto largamente deseado, sino de una felicidad construida a base de un goteo constante de pequeñas compras, aparentemente intranscendentes pero que, en perspectiva, dibujan un patrón de comportamiento y casi un horizonte de sentido. A través del consumo nos construimos, nos relacionamos, articulamos nuestro tiempo libre y, en definitiva, damos forma a nuestras vidas. Esta manera de habitar el mundo se consolida especialmente a partir de la Segunda Guerra Mundial, cuando en los Estados Unidos el consumo se proyecta más allá del ámbito estrictamente económico para devenir un factor identitario, incluso patriótico, y un mecanismo de estabilización social que acabará exportándose a escala global. Y, entre los ámbitos que más intensamente participan de esta lógica, encontramos, de manera paradigmática, la moda. Pero, ¿por qué nos produce felicidad comprar un jersey nuevo o adquirir los zapatos de temporada?La clave de este sentimiento no se encuentra tanto en la adquisición en sí, ni siquiera en el momento en que estrenamos aquella falda que tanto nos había gustado en la tienda. El momento decisivo —aquel en que se activa la dopamina, más vinculada al deseo y a la expectativa que no a la satisfacción— se produce justo antes de la compra: cuando buscamos la prenda, la perseguimos, nos la imaginamos puesta o la dejamos en espera dentro de la cesta digital. Es en este intervalo, en esta tensión entre lo que aún no tenemos y lo que proyectamos, donde se concentra el pico más intenso del placer. La compra, en cambio, no lo cierra: lo reactiva. El ciclo se reanuda inmediatamente, y con él la necesidad de un nuevo objeto, de un nuevo impulso.Pero, si bien el imaginario colectivo ha asociado casi indisolublemente la adicción a las compras con las mujeres, conviene entender que se trata de un comportamiento transversal, inscrito en la lógica misma de las economías capitalistas. La idea de que las mujeres no pueden contenerse ante un par de zapatos se construye a lo largo del siglo XIX, en un contexto de profundo menosprecio que utiliza este estereotipo para cuestionar su capacidad moral y justificar su exclusión de los derechos y libertades derivados de las revoluciones liberales. El consumo aparece así como una prueba de una supuesta debilidad, de una incapacidad para gobernar los propios impulsos, en contraposición a una masculinidad definida por el autocontrol.

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Victor von Schwarz (su apellido en alemán significa "de negro"; Sabadell, 1988) es el nombre artístico del diseñador de moda que ha vestido a algunos de los artistas más populares del panorama musical, como Aitana, Lola Índigo o Rosalía, y que forma parte del programa Shein X. El diseñador ha madurado un estilo andrógino —influenciado por su paso por Taiwán—, con una presencia constante del rosa y de la estética cute, que quedó plasmada en el jersey-top rosa que llevó Rosalía en el videoclip de Milionària. Para el vino, Von Schwarz es fiel a su marca: cuando puede elegir, elige negro.

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Érase una vez que los futbolistas parecían tener una sola dimensión: cuando no sudaban la camiseta en el campo se dejaban ver siempre enfundados en chándales. Personas programadas únicamente para rendir deportivamente, como si no existiera frontera entre el atleta y la persona. Y cuando aparecían con ropa de calle transmitían la misma incomodidad de los hombres que solo se visten para las bodas: trajes que parecen llevarlos a ellos y no a la inversa. Unos tiempos que, viendo las llegadas de las selecciones al Mundial, parecen absolutamente pretéritos. Pero esta transformación ha necesitado varios Mundiales para cristalizar.

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El Lux Tour es seguramente la gira más ambiciosa de Rosalía hasta ahora. Todo está pensado al milímetro, también el vestuario. Ahora que la cantante ha comenzado la etapa norteamericana del tour, ha decidido hacer cambios en algunos de los vestidos que lleva y las novedades han llegado de la mano de Jonathan Anderson, director creativo de Dior, que le ha confeccionado cuatro looks exclusivos que ya se pudieron ver en el concierto que ofreció en Boston. La casa francesa ha compartido en Instagram varios vídeos que muestran el proceso creativo y que permiten ver a Rosalía probándose los vestidos que llevará en los conciertos que aún le quedan por hacer. Hay que recordar que desde 2024 Rosalía es embajadora mundial de Dior.

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El martes 2 de junio la presentadora del programa de TVE Al cielo con ella, Henar Álvarez, protagonizó una escena insólita que muy pronto se hizo viral. Durante su habitual monólogo de apertura, se quejaba de que no pasa semana sin que algún espectador le pregunte por qué presenta el programa "vestida de hombre". La pregunta no es anecdótica.

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Tules, lazos, lentejuelas, perlas, corsés... podrían ser los ingredientes de un desfile de alta costura parisina, pero estos días forman parte de uno de los grandes escenarios del deporte mundial: Roland Garros. La tenista Naomi Osaka ha vuelto a convertir su entrada a pista en un acontecimiento visual, con una serie de vestidos diseñados por el creador suizo Kevin Germanier que han generado tanta conversación como algunos de los partidos del torneo. No era la primera vez. El año pasado ya había sorprendido con un espectacular vestido de Robert Wun inspirado en una medusa. Este año, Osaka ha accedido a la pista vestida de gala, con una falda de tul transparente y un corpiño confeccionado con piezas recicladas. Una vez en su sitio, sin embargo, se desprende de esta primera capa para revelar otra de color cobre que se confunde con la tierra batida, pero que al mismo tiempo emite reflejos metálicos inspirados, según el mismo Germanier, en la iluminación nocturna de la Torre Eiffel. Se produce así una auténtica transformación escénica: primero aparece la Naomi-celebridad, casi como si desfilara por una alfombra roja; después emerge la Naomi-deportista preparada para competir. Esta estructura de revelación pertenece tradicionalmente al lenguaje de la moda y del espectáculo más que al del deporte. No es de extrañar que algunos comentaristas hayan acuñado el término court-ure, fusión de court (pista) y couture (alta costura), para describir este fenómeno. Y todo ello adquiere una curiosa resonancia histórica si tenemos en cuenta que la escena tiene lugar en la pista Suzanne Lenglen, la gran tenista francesa que, a principios del siglo XX, comprendió antes que nadie que transformar la ropa de las jugadoras significaba transformar también su lugar en sociedad.

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Lola Casademunt, una de las firmas de moda catalana de referencia, ha celebrado este miércoles el 45 aniversario con un desfile en La Llotja de Mar de Barcelona en el que ha presentado la colección primavera-verano 2027, una propuesta muy inspirada por el espíritu de la ciudad. "La Joya [nombre de la colección] quiere rendir homenaje a Barcelona, la ciudad que forma parte de nuestro ADN y que nos inspira desde hace 45 años. La arquitectura, la luz, los colores y esta mezcla única entre tradición, arte y modernidad ha guiado toda la colección", explica Maite Casademunt, presidenta y directora creativa de Lola Casademunt.

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Cuando hablamos de cuerpos bellos, tendemos a imaginar una especie de gracia natural o unos atributos físicos excepcionales que solo una minoría de personas tiene la suerte de haber recibido al nacer. Pero lo que consideramos belleza no es una realidad universal ni inmutable, sino una construcción cultural que cada sociedad define según sus valores, imaginarios y formas de mirar. Una belleza que, lejos de buscarse para el goce personal de habitar el propio cuerpo, necesita la mirada externa para existir y adquirir sentido a través de la aprobación ajena. No es casual, pues, que a lo largo del siglo XX y a medida que se multiplicaban los medios de reproducción y difusión de la imagen, los ideales de belleza quedaran cada vez más condicionados por las tecnologías de la visibilidad.

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Jonathan Andic, hijo del fundador de Mango y hasta ahora vicepresidente de la multinacional catalana de moda, abandona temporalmente sus cargos en la empresa para centrarse en su defensa. La retirada temporal de Andic se produce una semana después de que los Mossos d'Esquadra lo detuvieran, acusado del homicidio de su padre, Isak Andic, fallecido en Collbató en diciembre de 2024. El hijo mayor del fundador de Mango, que ha evitado la prisión provisional tras pagar una fianza de un millón de euros, ha enviado una carta abierta a la plantilla en la que defiende su inocencia y expresa su "frustración" por la situación en la que se encuentra.

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Una larga cola de personas han acampado pacientemente durante días –y las correspondientes noches– en el paseo de Gracia de Barcelona. En el mejor de los casos, equipadas con sillas y muebles de camping para hacer la espera más soportable. La concentración obligó a intervenir a los Mossos d’Esquadra ante el riesgo de disturbios. Una escena que se ha repetido en múltiples ciudades del mundo, aún con situaciones más extremas. En Nueva York llegaron a esperar casi una semana, mientras proliferaban también los intentos de especular con la cola. En París, donde se congregaron más de 300 personas, la policía intervino con gases lacrimógenos para dispersar la multitud. En Milán, las autoridades tuvieron que acordonar la zona después de carreras, disturbios y peleas.¿Pero cuál es el motivo de este fenómeno? ¿Estamos ante una nueva acampada urbana como la del 15-M para reclamar una democracia de más calidad? ¿Quizá el genocidio de Gaza ha empujado a cientos de personas a ocupar el espacio público? ¿O quizá la huelga de maestros y la lucha por la educación pública se han convertido en un clamor global. Pues no. El motivo de esta penitencia colectiva no es otro que el tributo que el turbocapitalismo exige a sus adeptos más fieles: las colas eran para conseguir la última colaboración de Swatch con la emblemática casa suiza de alta relojería Audemars Piguet. Todo ello, tan absurdo como revelador.Lo más fácil –y también lo más goloso– sería ridiculizar a estas personas y tildarlas de descerebradas, tontas o superficiales. Incluso resultaría reconfortante convertirlas en el chivo expiatorio de los males de un mundo que cada vez reconocemos y entendemos menos. Pero hacerlo significaría matar al mensajero. Porque, más que condenar a los individuos, lo que deberíamos exigir es identificar la raíz del problema.Lo que empuja a unas personas a dormir a la intemperie durante días no es la voluntad de hacerse con un simple reloj –por más atractivo que pueda ser–, sino la recompensa simbólica que el capitalismo hace décadas que promete: la ilusión de una vida mejor a través del consumo. Porque hoy los relojes, mucho más que objetos destinados a medir el paso del tiempo, se han convertido en uno de los marcadores sociales más deseados, especialmente entre los hombres. Y aún más si hablamos de Audemars Piguet, una firma situada en el mismo Olimpo del lujo que Rolex y reservada, prácticamente, a aquella minoría privilegiada que concentra el poder económico.

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Desde hace unos años la expectación por las alfombras rojas se ha trasladado a los festivales de cine. Más allá de las grandes galas de premios, espacios como el festival de Cannes se han convertido en grandes escaparates de moda. La Croissete cierra este sábado su 79ª edición y, en cuanto a la moda, será recordada por su atrevimiento y sobre todo por un nombre, Demi Moore. La actriz norteamericana, que este año ha formado parte del jurado del festival, ha marcado perfil mostrándose juguetona con todos los looks que ha lucido en las diferentes premières. Moore ha demostrado tanta personalidad estética que se hace difícil elegir solo uno de los vestidos que ha llevado, pero sin duda el voluminoso vestido rosa Barbie con un lazo gigantesco en el escote está muy arriba en el ránking.

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El mercado castiga a Puig por las conversaciones rotas para la fusión con Estée Lauder. La multinacional catalana de la belleza prémium se ha hundido más de un 13% en la jornada posterior a la finalización de las conversaciones sin acuerdo. Al cierre del mercado del viernes, la acción ha retrocedido hasta los 15,18 euros, después de haber cerrado la noche del jueves rozando los 18 euros. Con este movimiento, los títulos de la multinacional del perfume se alejan aún más del precio de la salida a bolsa que tomó en 2024, unos 24,5 euros. Las acciones de Estée Lauder, al contrario, muestran una recuperación fuerte: alrededor de las 12 del mediodía de Nueva York, dos horas después del inicio de la sesión, subían un 9,4%, hasta los 86,3 dólares.

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Podría parecer que a medida que las sociedades se modernizan tienden a desembarazarse gradualmente de aquellos rituales heredados cargados de cartón. Los tiempos actuales, cada vez más orientados a la practicidad y la inmediatez, han ido afinando muchas ceremonias sociales que hoy parecen excesivamente solemnes: desde el rigor de vestir de luto hasta los protocolos asociados a bautizos o comuniones. Pero, de vez en cuando, emergen rituales que, como salmones obstinados nadando a contracorriente, no solo sobreviven sino que reaparecen hipertrofiados, revestidos de un ceremonial que ni siquiera habían tenido en el pasado. Es el caso de las graduaciones. El giro es tan inesperado que ya hay marcas especializadas en este nicho festivoacadémico y adolescentes capaces de esperar pacientemente cinco horas de cola para conseguir el traje con el que escenificar públicamente que han acabado cuarto de ESO.

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Hace justo veinte años, Hollywood estrenaba, sin pretenderlo ni esperarlo, un film que acabaría convirtiéndose en un icono del mundo de la moda, El diablo se viste de Prada. Bajo la apariencia de una comedia ligera, la película escondía un trasfondo mucho más mordaz de lo que podía parecer a primera vista. El relato daba vida a la novela homónima de Lauren Weisberger, que partía de su propia experiencia como asistente de Anna Wintour, editora en jefe de Vogue y una de las figuras más poderosas de la industria. Pero aquello que podría haber quedado en una simple crónica del mundo de la moda se convertía, en realidad, en una reflexión más profunda: no tanto sobre la moda en sí misma como sobre las formas de poder que la sostienen y, en particular, sobre el grado de violencia que nuestra sociedad está dispuesta a aceptar cuando este poder se presenta como excelencia.Hablar de Anna Wintour no es hablar solo de la revista Vogue, sino de una figura que ha redefinido las reglas del juego de la moda contemporánea. Dotada de un olfato especialmente fino para detectar tendencias y nuevos talentos –como los de John Galliano o Alexander McQueen–, ha sido también la artífice de uno de los rasgos que hoy definen el sector: la hibridación entre la alta moda y las estéticas más cotidianas. Y, en paralelo, ha contribuido decisivamente a convertir la inauguración de una exposición de moda en un acontecimiento de alcance global, como la gala del Met, que justo ha tenido lugar el 4 de febrero. Sin embargo, siguiendo el relato de Weisberger y el calificativo con que ella misma la bautizó –demonio–, Wintour encarna también una determinada manera de entender el poder: como un ejercicio de violencia perfectamente normalizada, tanto dentro del sector como en relación con todas las personas que la rodean. Trabajar para ella implica asumir como naturales la vejación constante, la competencia extrema y la renuncia a cualquier forma de vida personal. Al fin y al cabo, como se repite en El diablo viste de Prada, “un millón de chicas matarían por este trabajo”, aunque eso signifique ver reducido un currículum brillante a tareas tan anodinas como llevarle el café, recogerle la ropa de la tintorería o satisfacer los caprichos de sus hijas.

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En Andalucía, todo puede cambiar en cuestión de días. Los negros, las capuchas y los rosarios –expresiones visibles de penitencia, renuncia y fe– se disuelven de repente en una explosión de topos, colores, flores y cuerpos que reclaman protagonismo en la Feria de Abril. Los golpes en el pecho y los llantos descarnados de las procesiones de Semana Santa dan paso a la fiesta, el exceso y la desmesura. Si en un caso la estética impone contención y anonimato, en el otro exige exactamente lo contrario: destacar y ocupar espacio bajo la mirada de los demás. No se trata solo de un cambio de ambiente, sino también de un desplazamiento más profundo: de una emoción a otra, de una manera de sentir y de habitar el cuerpo marcada, con una precisión casi ritual, por el calendario a otra. Como si la fe (o su teatralización) también tuviera estaciones. Y es aquí donde entra en juego uno de sus instrumentos más elocuentes. Porque, en la Feria, esta necesidad de ser visto se viste. Y lo hace con una pieza que concentra todas las miradas: el traje de flamenca.A pesar de la percepción actual, este vestido no nació como pieza de lucimiento, sino como indumentaria de las clases populares del siglo XIX. Lo llevaban campesinas y vendedoras que acudían a las ferias ganaderas andaluzas, especialmente a la Feria de Abril, que en sus orígenes era un espacio comercial y no festivo. Su forma respondía a los patrones de la época: cuerpo ajustado y falda con volumen, en este caso resuelto con volantes. Estos volantes, hoy distintivos del vestido, se han interpretado de diversas maneras. Por un lado, se han vinculado a contextos gitanos y andaluces, en los que el movimiento del cuerpo (tanto en el baile como en la gestualidad cotidiana) encontraba su correlato en una vestimenta que no solo lo acompañaba, sino que también lo hacía visible. Por otro lado, hay que situarlos en el marco de la moda femenina del siglo XIX, dominada por faldas voluminosas sostenidas por estructuras internas como miriñaques o crinolinas, que limitaban la movilidad. Sin evidencia de que fueran concebidos como alternativa, los volantes permitían, sin embargo, generar volumen sin inmovilizar el cuerpo.

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