En plena era del streaming y de las pantallas omnipresentes, una parte creciente de la juventud está mirando atrás. Vinilos, casetes, cámaras de carrete o cintas VHS, formatos que hace solo unos años parecían condenados a la desaparición, vuelven a circular entre los jóvenes como objetos de consumo cultural y símbolos de identidad. Lejos de ser una moda pasajera, el fenómeno refleja una relación cada vez más compleja entre la generación digital y la tecnología que domina su día a día.

Una espiral que despega, como parte de una creación artística. El humo –y fumar– forma parte de la estética de la fotografía. Durante todo el siglo XX se utilizó fumar como elemento creativo y narrativo, para hacer imágenes más convincentes, transgresoras, modernas. El humo y el fumador sirven para mostrarnos personas más complejas o ambiguas. El humo expresa la fugacidad del momento. A través del humo la fotografía se torna una instantánea y se eleva como un hilo invisible en la cultura popular. Aunque se conozcan sus peligros, el ritual resiste, cargado de simbolismo. Hacemos un recorrido a través de las imágenes por la historia que une el humo con la fotografía, que enlaza ese hábito con las imágenes en blanco y negro que nos remiten a otra época ya una estética de otro tiempo.

Caroline de Bendern, una aristócrata inglesa ligeramente rebelde, bohemia, joven y cuya belleza parecía una síntesis de la sensualidad de Jane Birkin y la androginia de Twiggy, apenas pasaba por allí y entró en la historia sin quererlo.

Marina Ginestà (1919-2014) nació en Toulouse en una familia de larga tradición izquierdista. La abuela, Micaela Chalmeta, feminista y pionera del movimiento cooperativista catalán, tradujo The Power of the Market Basket, de Honora Enfield. El padre, Bruno, era sindicalista, y la madre, Empar, encabezó en 1935 la delegación española en el congreso internacional del movimiento de mujeres, en Moscú. Marina y su hermano, Albert, pertenecían a las juventudes comunistas.

Como tantas cosas, la afición por la fotografía y los aviones de Juan Carlos Lacruz empezó por casualidad. Hoy, ya jubilado, va a El Prat día sí día no, y es el presidente de la Associació Spotters Barcelona.

Periferia_ Del ll. td. peripherīa, y éste, del gr. periférea. Extremos o márgenes de cualquier entidad. Antropología f. Disciplina que estudia el ser humano desde la perspectiva social y cultural, la esencia de lo humano y su lugar en el mundo. Frontera f. Límite entre dos cosas cercanas. La frontera difusa entre creencia y superstición. Limítrofe_ adj. Adyacente, territorio que está tocando a los límites o fronteras de otro territorio. Satélite_ m. Que depende de una influencia exterior. Ciudad satélite. Umbral_ m. Valor extremo de una magnitud que al ser traspasado hace cambiar las características del sistema establecido. Extraradio_ m. Periferia de una ciudad. Metrópolis_ Ciudad principal de una región, de un estado. Anarquismo_ m. Teoría social que, en base al principio de la libertad individual, preconiza la abolición de toda forma de poder político. Libertaria_ Partidaria del ideario y las actitudes que propone el anarquismo. Emma Goldman_ f. Anarquista fundamental en el desarrollo de la filosofía anarquista de la primera mitad del siglo XX. Regreso_ m. Acción de volver al lugar de donde se había partido.

El fotógrafo Ramon Dimas (Pont d'Armentera, 1919 - Santes Creus, 1965) murió prematuramente a los 46 años. Entonces ya era uno de los fotógrafos más importantes del país. "Ramon Dimas constituye, junto a Francesc Català-Roca y Eugeni Forcano, el trío de fotógrafos más destacado de los años cincuenta", dijo de él el periodista Josep Maria Huertas Claveria (1939-2007), que también fue comisario de una exposición de Dimas que pudo verse en el Colegio de Period. Dimas fue uno de los grandes fotógrafos deportivos del Estado, cuya trayectoria pasa por el Mundo Deportivo y, más adelante, Vida Deportiva, el semanario deportivo de Ediciones Destino. También era conocido por los reportajes que hizo para la revista Destino y por las fotografías de las guías turísticas de la misma editorial, entre ellas la Guía de Cataluña de Josep Pla.

Era la merecida despedida por jubilación de Pepe Font de Mora, que fue durante más de veintitrés años el director de la Fundación Foto Colectania, una de las instituciones fotográficas privadas —con vocación pública— más prestigiosas del país, fundada y presidida, desde 2002, por Mario Rotllant. Además de las exposiciones que pueden contemplarse en su sede del paseo Picasso de Barcelona, ​​Foto Colectania cuenta con una muy destacada colección: unas 3.500 imágenes de más de 80 autores españoles y portugueses.

En este reportaje presentamos una selección de las imágenes premiadas en la décima edición del concurso Bioimágenes, el certamen de fotografía biológica que el Colegio de Biólogos de Cataluña impulsa cada dos años. Este año, el certamen ha reunido 396 fotografías de una calidad sorprendente, repartidas en seis categorías que abarcan desde estudiantes de todas las etapas -primaria, ESO, bachillerato, ciclos y universidad-, además de profesores y otros ciudadanos. Cada categoría tiene dos premios, a los que se suman galardones especiales para microfotografía y fotografía de investigación, fotografía subacuática y el premio del diario ARA, dedicado a las imágenes con mirada fotoperiodística y valor documental. Con esta muestra, el Colegio quiere reconocer el talento y curiosidad de todos los participantes, así como el trabajo del jurado y el apoyo de los colaboradores. Una celebración de la vida vista de cerca, a través de objetivos que capturan lo que a menudo se nos escapa. La imagen ganadora del premio especial del diario ARA –que se puede ver encabezando el reportaje– ha sido para una escena mínima y, al mismo tiempo, poderosa, con la mirada personal de la autora y la capacidad de plasmar la plasticidad y belleza del animal, sin perder el sentido documental y de reportaje.

"Si una se decide a ser mujer debe escoger el camino de la responsabilidad o el de la sumisión. Antes no era así, antes a una mujer le daban todo hecho. Ahora no. Ahora debe escoger cuál será su actitud ante la vida". Esta frase de la escritora y política Maria Aurèlia Capmany sorprende. ¿Qué significa si decides ser mujer? Alerta. Debemos ponernos en el contexto del momento, no en el de ahora. Cuando Capmany escribe este texto en 1977 por el fotolibro Antifemina –el origen de la exposición en el Disseny Hub Barcelona (Dhub) abierta hasta el 25 de enero que motiva este artículo–, las mujeres apenas empezaban a creerse que tenían derechos, es decir, que eran personas que podían decidir por sí mismas lo que querían hacer en la vida. El adulterio estaba penado, como el aborto, y el feminismo reivindicaba cosas tan básicas que ahora nos harían avergonzar.

Cristina de Middel es una de nuestras fotógrafas más internacionales. Precoz Premio Nacional de Fotografía a los 42 años, actualmente presenta en la galería Seltz de Barcelona, ​​en el 15 de noviembre, una selección del trabajo que ha llevado a cabo durante aproximadamente quince años en el continente africano. Las obras cuelgan de las paredes de la galería en secuencias murales dispuestas como grandes páginas que podrían leerse como las viñetas de un cómic. Cataratas, el título de la exposición, es polisémico. Se refiere a la enfermedad ocular que se produce por el desgaste, como una cortina que oscurece la visión. Desgaste de la mirada por haber visto tanto. También alude a la cascada de imágenes y reeles que caen por internet y las redes sociales, eternamente, sin interrupción. Cascada que desgasta y vela. Desinformación o exceso de información, que acaba perturbando la capacidad de ver con claridad, de comprender qué está pasando en el mundo contemporáneo y por qué.

Weegee es uno de los grandes maestros de la fotografía. Nacido en 1899 en la actual Ucrania, Arthur Usher Fellig escogió este pseudónimo, cuando empezó a trabajar como fotógrafo en Nueva York, donde emigró en 1909. Destacado fotógrafo, con un estilo muy personal, sus fotografías callejeras, con bastante contraste, lo acabaron en la cosecha. Lower East Side de la ciudad norteamericana de los años 30 y 40. Gran parte de su trabajo documenta escenas realistas de vida urbana, delitos, lesiones y muertes. Este trabajo es una muestra de su talento documental. Utilizando película negativa infrarroja fotografió al público de varias sesiones en cines de la ciudad. Éstas son algunas de las fotografías que la Agencia Getty distribuye de su catálogo del International Center of Photography de Nueva York.

En pedazos de papel, que el chef Paco Pérez recoge de aquí y de allá y que reaprovecha, es donde se empiezan a cocer los platos que se sirven en el restaurante Miramar de Llançà. Pequeñas obras de arte que acaban saliendo del papel para transformarse en esculturas comestibles, con sabor, aroma y, sobre todo, alma. Paco Pérez, con cinco estrellas Michelin, dos de ellas por la cocina que elabora en el Miramar, es considerado el cocinero artista por excelencia. "Siempre dibuja. En un proceso de creatividad cotidiana, cada idea la plasma en un esbozo en papel para que sea interpretada y transformada por su equipo en un plato que muy a menudo transmite al comensal la esencia de la Mar de Amunt", explica el hijo del chef, el poeta Guillem Pérez. Crear a partir de la materia prima que le brinda el territorio que tanto ama y tanto le inspira es una de las obsesiones de Paco Pérez, y así lo demuestra con propuestas gastronómicas como el Arroz en la Barca, inspirado en los arroces que se cocinaban "en alta mar, sin ver tierra firme, respirando el aire salino que me lo hacen. Paco Pérez reivindica la presencia en la alta cocina de la humilde alga que se encuentra en las aguas del Mar de Amunt, que abrazan el cabo de Creus hasta Cervera.

Cuando la cámara de Antoni Bernad ha hablado, es como si hubiera pasado un ángel. Se ha producido la magia, algo ha transformado etéreamente la realidad, siempre tan subjetiva. Antoni Bernad actúa sobre nosotros como un mago seductor. Primero te envuelve con una capa de estrambóticos halagos y cuando te tiene desarmado, desnudo, hace el clic. Entonces emerge el ángel que a todos nos acompaña, el instante esencial e íntimo que cargamos escondido, el tesoro oculto que a menudo ni siquiera sabemos que guardamos. Muchas de las sonrisas que verá en este reportaje son robadas, son arrancadas con la varita fotográfica de un artista con un don: la de la simpatía provocadora.

Acaba de llegar al valle de la Llémena, a caballo del Gironès y la Garrotxa, después de un largo viaje desde Alemania en furgoneta. No hace ni diez minutos que ha aparcado. Es el trayecto que hace acompañado de dos bicicletas y su perro Omali –que en suajili significa “tesoro” o “algo valioso”– cada vez que busca unos días de descanso entre semanas de viaje por trabajo. "La Llémena es mi refugio entre guerras", admite. Este año ha estado en Líbano, Siria, Acapulco (México) y pronto volverá a Mosul (Irak). Casi ni lo recuerda, debe consultar el móvil para enumerarlo. "Y el 2025 ha sido tranquilo respecto a lo anterior", suelta.

Oriol Alamany (1958) ha recorrido paisajes árticos, montañas y desiertos de todo el mundo para fotografiar la naturaleza más salvaje, a menudo en condiciones extremas. Sus trabajos, que han ayudado a describir la vida de animales como el leopardo de las nieves, los elefantes de Etosha, el oso pardo y los halcones urbanos, se han publicado en revistas tan prestigiosas como National Geographic y BBC Wildlife.

Don Pettit pasó –recientemente– siete meses a bordo de la Estación Espacial Internacional. Durante su estancia, Pettit contribuyó a las investigaciones por las futuras misiones espaciales. Pettit también compartió lo que él llama "ciencia de la oportunidad" para demostrar cómo experimentar con nuestro entorno puede ayudar a comprender mejor cómo funcionan las cosas. Según su forma de entender la ciencia, esta comprensión se ve reforzada cuando el arte y la ciencia se unen.

La ciudad se despierta. El sol se cuela por las avenidas, entre los grandes rascacielos que esculpen la ciudad. Parece que todo el mundo duerme, pero los cuerpos se mueven. La mayoría ya ha salido de su casa para llegar al trabajo. Poco a poco, la ciudad se pone en marcha y los cafés se llenan de gente: están los que compran y los que sirven.

Oasis exige a los fotógrafos que renuncien a los derechos de sus fotos al año. Gracie Abrams en el Cruïlla no deja que los profesionales le hagan fotos. Al Primavera, Charlie XCX y Sabrina Carpenter también les tenían vetados: si querías una foto, debía ser suministrada por su equipo. Guns N' Roses? Lo mismo. The Offspring, pese a venir del punk, exigían por contrato que sólo se les fotografiara en plan general, no fuera que se les viera alguna arruga. Como si Iggy Pop no siguiera haciendo la iguana magnífica sobre el escenario con casi ochenta años y más pliegues en la piel que una pasa. Robbie Williams les hace firmar un contrato según el cual automáticamente ceden las fotografías que hagan de sus conciertos por una libra: si le gusta una imagen para merchandising, es suya por esa compensación que es un insulto. Ben Harper va más allá y también por contrato obliga a cederlas gratis. Además, antes de publicar debe aprobarlas el mánager.

Resistencia. Implacable. Economía de guerra. Éste era el panorama de la tienda de fotografía Joma, todo un clásico del barrio de Gràcia de Barcelona, ​​con la llegada en tromba de las tecnologías digitales a un mundo, el nuestro, tan sometido a la evolución tecnológica. Pero hubo un clic, nunca mejor dicho, como el clic que hacen los viejos disparadores de las cámaras analógicas. Y el clic está 100% relacionado con los nuevos tiempos, los cambios de tendencias, la aparición de las redes sociales. Toda una paradoja, sí: la tecnología analógica ha resurgido con fuerza precisamente gracias al avance de los tiempos, a la dictadura de las redes sociales, a las ganas de experimentar, de contar cosas diferentes, de posicionarse en este mundo con afán y personalidad vintage.