¿Qué más se puede decir de Robin Hood? De Kevin Costner a Russell Crowe, de Errol Flynn a Sean Connery, o del zorro de Disney a la parodia de Mel Brooks, el legendario bandolero de los bosques de Sherwood ha tenido tantas vidas que resulta difícil encontrarle algo nuevo. Quizás por eso la relectura que ofrece el cineasta Michael Sarnoski con La muerte de Robin Hood resulta irremediablemente crepuscular. El director de Pig (2021) y Un lugar tranquilo. Día 1 (2024) desmitifica al héroe y hace que el personaje, en una etapa avanzada de su vida, cuestione su pasado: "Contaba mentiras para que los necios me siguieran en las tinieblas", dice en un momento del film. Sarnoski explora la culpa de Robin Hood a través de una narración que acierta al reflexionar sobre la ambigüedad entre verdad y falsedad en los relatos de heroísmo popular, con un Hugh Jackman entregado pero con un tono demasiado cercano al que ya interpretó en Logan (2017), de James Mangold. La apuesta del film es, en todo caso, valiente: la acción (sucia, ultraviolenta) solo tiene lugar al inicio, para después dar paso a un relato más íntimo en un sanatorio donde el personaje llega malherido. Sarnoski apunta una falsa ilusión de expiación al hacer entrever la posibilidad de una vida compartida entre el protagonista, la priora que interpreta Jodie Comer y la hija de Little John, pero no consigue desarrollar la idea más allá de ciertos convencionalismos. El film es en buena parte disruptivo, pero también pomposo y solemne.

No es frecuente que un director especializado en la animación se reoriente a la acción real de manera convincente. Y todavía es más raro que el salto resulte incluso más exitoso que su obra previa. Sorpresa notable, pues, la de Las ovejas detectives, donde Kyle Balda, uno de los barones de la franquicia de Gru y los Minions, lleva a la pantalla la novela homónima de Leonie Swann (publicada en castellano por Salamandra), protagonizada por un rebaño lanudo que se propone resolver un asesinato. Se podría argumentar que el hecho de que los animales hablen y se muevan gracias a los efectos digitales sitúa el film en un terreno limítrofe con las experiencias anteriores de Balda, pero lejos de recurrir a la caricatura, el cineasta optimiza una tecnología hiperrealista para que devenga el pilar humorístico de la propuesta, reservando la excentricidad para detalles que enriquecen el segundo plano, como la abundancia de neones que iluminan incongruentemente el pueblecito británico donde transcurre la historia.

Entre reuniones de alcohólicos, casinos y restaurantes tailandeses, el gran showman Hugh Jackman vuelve a los escenarios con Song sung blue (2025) para meterse en la piel de Mike Sardina, mitad creativa de un grupo de homenaje a Neil Diamond que comparte con su esposa Claire, interpretada por una sufrida Kate Hudson. El director Craig Brewer cambia, pues, los códigos del biopic musical para acercarse a esos artistas desconocidos escondidos tras la imitación. Pero en el intento por dignificar el oficio, el resultado vuelve a poner el acento en un drama demasiado azucarado, tan conmovedor como irónicamente idéntico a cualquier otra producción similar.

La puerta de la habitación del hotel Bowery de Nueva York, donde tendrá lugar nuestra entrevista, está sólo un dedo abierta, cuñada por el baldón. Mientras esperamos nuestro turno, por el agujerito se escapa un concierto de risas y los flashes de la cámara del Los Angeles Times que tiene a Kate Hudson y Hugh Jackman secuestrados para una sesión de fotos. Cuando finalmente se abre la puerta, la pareja, sin dejar de reír, viene a encontrarnos genuinamente curiosa por nuestra llegada y dispuesta a saber todos los detalles.

Hugh Jackman y Deborra-Lee Furness formaban uno de los matrimonios más consolidados de Hollywood. Pero además de longeva, su unión también era discreta. Eran de esos matrimonios que no hacen ruido, como si supieran que en la falta de revuelo mediático hay un pasaporte directo al éxito. Quizás fue por eso que cuando a finales del 2023 anunciaron que habían decidido que harían vidas separadas, nos quedamos todos con unos ojos como naranjas, porque después de casi 30 años juntos pocos habríamos apostado por este desenlace.

Cuando X-Men se estrenó en 2000, el cine de superhéroes aún no existía. Se habían hecho –y con mucho éxito– películas de Superman y Batman –y otras menos relevantes–, pero eran películas de Batman y de Superman, con reglas propias y un mundo estanco. El cine superheroico como género moderno y hegemónico del Hollywood del siglo XXI nace, en realidad, con la película de Bryan Singer sobre los X-Men, que encontró el equilibrio justo entre la identidad de los cómics que adaptaba y los códigos del blockbuster digital de la era post-Matrix. El impacto deX-Men en el estudio que la producía, 20th Century Fox, se tradujo en cerca de una veintena de títulos superheroicos a lo largo de los veinte años siguientes, la mayoría enmarcados en la franquicia mutante. Pero con la venta de Fox a Disney en 2019 estas historias fueron reabsorbidas por Marvel, digeridas y transformadas en elementos esenciales; es decir, propiedades intelectuales con alto valor de mercado.