Manon Lescaut siempre funciona si se apuesta por esta ópera en un espectáculo que rellene el clavo de lo que es: apoteosis del melodrama, como la práctica totalidad del catálogo pucciniano. En los últimos veinte años, el Liceu ha presentado tres producciones distintas de la tercera ópera de Puccini, basada en la novela El historial du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut delabad Prévost. Un relato objeto igualmente de las óperas de Auber, Massenet y Henze. Ahora ha vuelto a la Rambla la versión pucciniana en una producción de la Ópera de Frankfurt, con dirección escénica de Àlex Ollé y parte de su equipo habitual: el escenógrafo Alfons Flores, el vestuario de Lluc Castells y la iluminación de Joachim Klein.

El reciente anuncio de la retirada de Juanjo Mena de los auditorios y las salas de concierto a causa de una cruel e irreversible enfermedad añadía interés al concierto del fin de semana de la OBC. Porque asistir a ella como despedida de uno de los grandes directores del momento era una obligación moral. Y estuvimos allí.

Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel tenían muchas cosas en común: eran alemanes, protestantes, nacieron el mismo año y ambos se quedaron ciegos al final de sus vidas, operados de cataratas... por el propio cirujano.

Lo confieso: este recital de Juan Diego Flórez me daba mucha pereza. Pero, poco a poco, el tenor peruano me convenció de dos cosas: tenía muchas ganas de cantar y que lo hizo dándolo todo. Eso sí, el tenor peruano tiene un truco infalible: nunca salir del guión. Dicho esto, es perfectamente comprensible que la primera parte, de dificultad técnica incuestionable, fuera lo mejor de la velada.

El nuestro es un mundo cada vez más ruidoso. Llueven bombas informativas y bombas de metralla. Altos mandatarios del todo inoperantes se contradicen sobre el viejo orden mundial y el sometimiento a gobiernos directamente psicópatas, cuando lo necesario es paz, silencio, reposo y, sobre todo, música que simule que el tiempo se detiene. Va ilusión, partiendo de la base de que la música es un arte, precisamente, del tiempo.

La temporada BCN Clàssics avanza, flota y sobresale con velocidad de crucero. La apuesta por el gran repertorio asegura un público fiel, los solistas son de altura y las formaciones orquestales y las batutas respectivas más o menos lo mismo. Y el concierto del lunes lo reafirma, con colores eslavos de la mano de Mussorgski y Khatxaturian y con dos obras archiconocidas, en medio de las cuales descubrimos lo maravilloso Concierto para violín de Khatxaturian.

Sobre el papel, el programa del concierto del fin de semana en L'Auditori resultaba interesante. Y vistos los resultados, el interés ha sido total. Empecemos, sin embargo, por la segunda parte: como lo del valor presupuestado al antiguo servicio militar, era obvio que la OBC debía tener mucho por la mano una obra como la Sinfonía núm. 1 en sí b, op. 38 de Schumann. Y es cierto que el rendimiento general tuvo nivel, pero es en ese repertorio donde —pienso— nuestra orquesta revela a veces una inercia que sólo las batutas más autoritarias pueden romper. Y éste no es el caso de la lituana Giedre Slekyte, una directora de oficio pero que parecía plegarse al estado de la cuestión sin mover los cimientos rutinarios de la formación orquestal. Nada que decir. Pero nada que destacar de una segunda parte de pasa-que-te he visto.

La ópera más conocida de Amilcare Ponchielli es difícilmente defendible. Dejando a un lado la intensidad de algunas arias, La Gioconda no cuenta con atractivos dramáticos que permitan una escenificación que vaya más allá del historicismo más tronado. El pretencioso libreto de Arrigo Boito, camuflado bajo el anagrama de Tobia Gorrio, no da para más.

No, en efecto, esto no es una crítica. O sí. ¿Podría serlo dado el contexto del homenajeado? Vamos a palmos.

El 23 de octubre del año pasado, Philippe Herreweghe ofreció un concierto beethoveniano frente al Orchestre des Champs-Élysées. Entonces escribí que una de las estrategias que un servidor utiliza para escribir críticas desde el Palau de la Música era observar el rictus de Beethoven, parapetado a un lado del escenario: si sonríe, significa que el concierto ha ido bien o muy bien. Y en aquella ocasión comenté que había sonreído a medias.

La presencia de Teodoro Currentzis es habitual en Barcelona, ​​especialmente gracias a Ibercamera. Bienvenido sea, pues, cualquier evento musical en el que intervenga una de las batutas más solicitadas del panorama internacional. Sin embargo, el concierto del lunes ha sido quizás el más "fácil" de los que ha ofrecido el director de origen griego, frente a esta formación de lujo que es MusicaAeterna. "Fácil" porque, aunque Richard Wagner es un compositor de gran complejidad, sus pasajes orquestales (preludios, vanos o números que enlazan las escenas de muchos de sus dramas musicales) tienen un inmenso atractivo para el gran público.

Los misterios de la voz humana son caminos sin fin, que se pierden en mil y un senderos de lo que Gerard Mortier llamaba "sensualización del alma". Pensaba el lunes, mientras Bruno de Sá cantaba en el escenario del Palau de la Música varias arias de ópera barroca, junto al Ensemble 1700 que dirige Dorothee Oberlinger. Conjunto y directora bastante versátiles, tanto en las piezas instrumentales como en el acompañamiento vocal, incluyendo el virtuosismo de Oberlinger con la flauta de pico.

Toda una estrella de la flauta como Emmanuel Pahud (discípulo de Jean-Pierre Rampal) al servicio del primer concierto –y, de hecho, el único original escrito para este instrumento– de Mozart. El músico suizo explora el discurso de la pieza y se le hace suyo con perfectos acabados, con un admirable tratamiento cantabile del segundo movimiento gracias a las frases bien ligadas y con una sensibilidad desnuda de amaneramientos y sensiblerías. Puro discurso mozartiano, sin afectaciones pero sin aspavientos filológicos que a veces pueden convertir las piezas originales en algo irreconocible. Bien arropado por la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart dirigida con oficio por François-Xavier Roth, Pahud cerraba la primera parte del concierto dejando el listón bien alto.

Gran Teatre del Liceu, Barcelona, 12 de enero de 2026. 23.05 h. Lise Davidsen aborda los primeros compases de Mild und leise, el Liebestod con el que Wagner cierra la ópera Tristan und Isolde. Es el broche de oro de una noche musicalmente histórica en el teatro de la Rambla: la del nacimiento de una nueva Isolda, después de la generación de Flagstad, Nilsson, Behrens o Meier. El trono de soprano wagneriana lo ocupa ahora y sin lugar a dudas una joven noruega (38 años), que vuelve a subir por primera vez a un escenario tras dar a luz gemelos. Un honor y un privilegio que haya escogido nuestro teatro para esa reaparición y para el debut de un papel que próximamente cantará en el Metropolitan. La expectación era obvia, con un grupo extraordinario de periodistas y críticos musicales de todo el mundo presentes en el Liceu. Y Davidsen no solo no decepcionó, sino que lo dio todo: la suya es una Isolda expresiva, implicada, musicalmente perfecta, técnicamente inmaculada y además de voz redonda, compacta y bellísima. Frases como Der Mutter Rat gemahnt mi recht en el primer acto o lo hace sostenido en pianísimo sobre el Lust! conclusivo del número que cierra la ópera permanecerá en la memoria de muchos, especialmente de quienes, de pie, jalearon repetidamente una interpretación de ensueño.

Conseguir que los conciertos de El estro armónico de Vivaldi correspondientes al ciclo de Las cuatro estaciones suenen a algo nuevo significa muchas cosas. En primer lugar, que las piezas del músico veneciano son inmarcescibles y permiten muchas lecturas y relecturas. Y, en segundo lugar, que para que esto ocurra hace falta talento, imaginación, grandes capacidades técnicas y ganas de trabajar. La conjunción se dio en manos de Vísperas de Arnadí, una vez más ante el liderazgo entusiasta de Dani Espasa. Y también, claro, con el prodigioso papel de la solista, la violinista Farran Sylvan James.

Hay personajes que se cree que no morirán nunca. Sencillamente, porque uno los ha visto toda su vida. Es el caso de Jordi Roch, que ha muerto este lunes a los 94 años. Lo recuerdo desde los primerísimos conciertos a los que asistí, ya de niño. Sabía quién era por haberlo visto retratado en periódicos y revistas. Y porque el doctor Roch (era licenciado en medicina y ejerció como médico hasta la jubilación) se hacía notar. No por vanidad o por aparentar, sino porque su presencia como espectador denotaba una pasión por la música que se contagiaba. Y más adelante, vinieron el conocimiento y la amistad personales de un hombre socarrón, inteligente y curioso, excelente conversador y que siempre estaba dispuesto a descubrir o redescubrir cosas que le interesaban sobre modo, y que sabía compartir con la bonhomía y generosidad que siempre le caracterizaban.

Estaba en boca de todo el mundo que la Fundación Ópera de Cataluña hacía historia incorporando a su amplio listado de títulos programados a lo largo de más de cuarenta años su primer Wagner. Y, aunque Der fliegende Holländer bebe mucho del romanticismo alemán del primer tercio del siglo XIX, y que los nibelungos quedan todavía lejos, Wagner siempre pide un sobreesfuerzo artístico que en este caso no ha terminado de lograr. Y no es que este espectáculo haya naufragado, pero tristemente no ha llegado a buen puerto, si se nos permiten los símiles marineros que proceden a la cuarta ópera del catálogo wagneriano.

Por quinta vez, el Gran Teatre del Liceu repone la producción de Mario Gas sobre El elisir de amore, de Gaetano Donizetti, uno de los espectáculos más icónicos de la casa. Cuando se representó por primera vez –en pleno exilio postincendio y en el Teatre Victòria–, el montaje ya se había visto en el Grec (1983) y, diez años más tarde, en el Festival de Peralada, hasta que en el 2005 subió al escenario de la Rambla.

Tengo que confesar mi escepticismo en el momento de poner los pies en el Palau el jueves por la noche. Porque llegaba con el prejuicio de pensar que escucharía un buen concierto, gracias al buen nivel técnico, incluso al excelente nivel técnico, de la Filarmónica de Tokio. Y poco más: lo tan tópico de la frialdad asiática.

Asistir a un concierto oa un recital de Martha Argerich es como visitar a un amigo con el que te ves de vez en cuando. Y que, además, sabes que nunca te va a defraudar, porque es del tipo de personas que van siempre con la verdad artística por delante.