El comisario, escritor, músico e investigador Lluís Nacenta (1976) asumió la dirección del Museo del Diseño en marzo, después de que José Luis de Vicente abandonara el cargo prematuramente. Nacenta fue el director de Hangar, colaboró con la Fundación Mies van der Rohe desde 2012 y es patrón de la Fundación COAC. En el campo de la docencia, ha sido profesor de varias escuelas de diseño y arquitectura de Barcelona, entre las que se encuentran Eina y Bau. Antes de llegar al Museo del Diseño era jefe de eventos y experiencias expositivas de la productora La Manchester. Y entre las exposiciones que ha comisariado destacan IA: inteligencia artificial, en el CCCB.

Es poco habitual que Judit Carrera, directora del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), aparezca en las páginas de economía. La gobernanza del turismo y el acceso a la vivienda son dos retos tan ingentes y transversales que repercuten, también, en la definición de Barcelona como ciudad y en sus dinámicas culturales. Desde el CCCB ha puesto estos temas en el centro de muchas de sus actividades, desde la Bienal de Pensamiento que se celebra estos días hasta el ciclo Ciudades y turismo, del cual hay precisamente dos nuevas actividades esta misma semana. El tema, sin embargo, también afecta al funcionamiento mismo del centro. Carrera, por un lado, defiende que hay que poner límites al turismo y, por otro, apuesta por que el CCCB llegue a más visitantes extranjeros. Cuando la búsqueda de un nuevo modelo turístico se ha convertido en el Santo Grial, Carrera erige la cultura en vector de cambio.

La artista Marisol Escobar (París, 1930-Nueva York, 2016), conocida sencillamente como Marisol, recibe al público de la exposición que le dedica el Centro Botín de Santander hasta el 25 de octubre desde una película de Andy Warhol, quien dijo de ella que era la primera artista "con glamur". En este filme, Marisol aparece inmóvil durante algunos minutos junto a su escultura Mujeres y perro (1963-1964), actualmente propiedad del Whitney Museum, como si fuera una figura de madera más. Esta película sirve para recordar que Marisol triunfó en la escena neoyorquina incluso antes que Warhol, y que la definieron como "la reina del pop art".

El gobierno de Aragón ha autorizado al Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) el traslado de las pinturas profanas de Sijena hacia el monasterio. En julio el MNAC detuvo el desmontaje de las obras porque todavía no disponía del visto bueno de la Comisión de Patrimonio de Huesca, que lo ha aprobado este viernes.

La primera obra, directa y desafiante, ya marca el tono de la exposición. Es una gran fotografía de Antoni Muntadas de un anuncio de Titanlux donde se puede leer: "¡Pintar es fácil. Hágalo usted mismo!" Era 1989 y el artista barcelonés, provocadoramente, ya colocaba al pintor artístico al mismo nivel que el pintor industrial para criticar la deriva consumista de la sociedad y plantear un conflicto: ¿qué será del arte, cuando la cultura ensancha sus fronteras hasta la futilidad y la capacidad de reproducción del arte devalúa el valor de la originalidad?

Con el permiso del Museo Guggenheim, el metro es el otro gran icono que un arquitecto contemporáneo ha dejado en Bilbao. Mientras que Frank O. Gehry a menudo hacía edificios espectaculares, Norman Foster se ciñe rigurosamente a la función. Casi cuarenta años después de la inauguración del metro, la nueva obra de Foster en la ciudad, la ampliación del Museo de Bellas Artes de Bilbao, que abre sus puertas este lunes, vuelve a ser una lección de arquitectura silenciosa. Y, aun así, la intervención de Foster –diseñada junto con Luis Maria Uriarte– tiene elementos emblemáticos, como una espectacular sala de exposiciones temporales diáfana de 1.300 m²², que da a unos 700 m²² de terrazas. Otro es el antiguo patio reconvertido en un gran atrio donde se pueden ver esculturas de Eduardo Chillida y Richard Serra, todas ellas alrededor de la fuente monumental que Francisco Durrio hizo al compositor Juan Crisóstomo de Arriaga, muerto prematuramente a los 19 años. Hasta ahora esta escultura estaba en el exterior, y con la nueva ubicación ha recuperado su carácter de monumento sonoro: el ruido del agua evoca los llantos de la escultura de la musa Euterpe que la corona. "Los conductos y las tuberías de la gran sala están escondidos para conseguir un espacio puro para hacer lucir las obras de arte", ha dicho esta mañana Norman Foster. "Cuando Foster y Uriarte ganaron el concurso y Foster vino a explicar el proyecto, nos dijeron que habíamos pedido una buena sala de exposiciones y que nos darían la sala más bonita de cualquier museo europeo", explica el director del museo, Miguel Zugaza, que ha querido cerrar el recorrido con una sala dedicada a Jorge Oteiza, la única monográfica, que tiene aires de santuario.

Para el artista alemán Anselm Kiefer (Donaueschingen, 1945), considerado como uno de los grandes creadores de la segunda mitad del siglo XX, el arte es como una tabla de salvación. "Solo tengo fe en el arte, sin él estoy perdido", dice Kiefer, tal como se puede leer en un texto de pared al final de la gran exposición que le dedica la Fundació Catalunya La Pedrera a partir de este viernes y hasta el 24 de enero, titulada La vida secreta de las plantas. Anselm Kiefer en la Colección Grothe. Con una afirmación como esta puede parecer que Kiefer tiene un momento de debilidad, pero en realidad es un artista titánico que, desde los últimos años 60, ha abordado con todos los medios que ha tenido al alcance el trauma del nazismo; y, más allá del Holocausto, ha forjado una cosmogonía muy amplia donde confluyen los mitos germánicos de los Nibelungos y el wagnerismo, el Antiguo Testamento y la mística judía de la Cábala. También la alquimia, las cosmologías sumeria y egipcia, la filosofía de Heidegger, el romanticismo de Hölderlin y Goethe y la poesía de Celan y Bachmann. "Kiefer dice de sí mismo que mira, a la vez, hacia el pasado y hacia el futuro, y eso solo lo puede hacer el arte", afirma el comisario de la muestra, Walter Smerling.

La pintura de Renoir no admite medias tintas: o lo odias o te encanta. Los detractores lo consideran el súmmum de la cursilería. Hace unos diez años surgió en Instagram el movimiento Renoir es un pintor pésimo, y unas decenas de personas se manifestaron en la puerta del Museo de Bellas Artes de Boston reclamando que sacaran sus obras del museo. El lema de las pancartas no podía ser más contundente: "Dios odia a Renoir". Hoy en día este grupo tiene 17.800 seguidores. Por el momento, sin embargo, los seguidores de uno de los pioneros del impresionismo les dan mil vueltas. La exposición Renoir y el amor abrirá sus puertas en la National Gallery de Londres el 3 de octubre con la cifra récord de venta anticipada: de 32.000 entradas, por delante de Van Gogh.

André Breton ejerció el papel de Papa del surrealismo con mucha contundencia: no toleraba que ninguno de los miembros del movimiento se desviara del camino de radicalidad estética y política que había marcado. Y cuando lo hacían, los excluía, o los sometía a escarnio público, como le pasó a Joan Miró el año 1926 con los decorados y vestuario del espectáculo de los ballets rusos Romeo y Julieta, hechos a cuatro manos con Max Ernst. André Breton y Louis Aragon lideraron un grupo de surrealistas que irrumpieron en el estreno con silbidos y gritos y repartieron un panfleto titulado Protesta, en el que acusaban a Miró y Ernst de haber traicionado los principios del surrealismo haciendo un arte comercial. "No es admisible que el pensamiento esté al servicio del dinero", decían los autores, para quienes aquella colaboración significaba "domesticar los sueños en beneficio de la aristocracia internacional".

El cambio de etapa en el Macba se hace realidad. Este martes, el primer discurso de Valentín Roma como director ha sonado redondo: entre las novedades que ha avanzado hay un plan director de tres años y la voluntad de cambiar los contenidos, para pasar de los 200.000 visitantes del año pasado a los 320.000 de antes de la pandemia de la covid. "En 2025 el Macba ha sido visitado por 200.000 personas y esto es claramente insuficiente. No miraremos hacia otro lado sobre esta cuestión. Afrontaremos un proceso de crecimiento que ni será fácil ni será inmediato, pero que sí estará entre nuestros objetivos prioritarios", ha dicho Roma. Además, quiere desarrollar "planes patrimoniales específicos" para exhibir los fondos más allá de los parámetros del "inventario", y un plan de archivos.

Un temporal puso en peligro el cuadro del Baco de Caravaggio este jueves en la Galleria degli Uffizi, en Florencia. El museo sufrió filtraciones de agua bajo la claraboya de la sala 90, donde también hay siete cuadros del siglo XVIII. El museo asegura que el agua solo mojó el cristal, y las comprobaciones posteriores han descartado daños en la obra. "Las intensas lluvias salpicaron la vitrina del Baco, pero no hemos encontrado afectaciones en ninguna obra de la sala”, explicaba la dirección del museo italiano.

La artista Mariaelena Roqué (Tarragona, 1952) habla alto y claro: "No soy una prostituta ni lo he sido, pero, sin embargo, he sido tratada como una prostituta y negada como una prostituta por ser una mujer libre que defiende su propio lenguaje", afirma Roqué en la galería Rocío Santa Cruz de Barcelona. Roqué es conocida por ser la cofundadora de la Compañía Carles Santos, y ahora, coincidiendo con la 12a edición del Gallery Weekend, expone por primera vez en una galería. Habla de la prostitución ante las fotografías de una performance donde se la puede ver desnuda corriendo por un bosque por la noche, un recuerdo de las prostitutas que "los cazadores se llevan a sus fiestones". Ella alza la voz por estas mujeres y por las que se sientan al borde de una carretera esperando clientes.

El caso de Salvador Dalí refleja las reservas históricas de las autoridades a la hora de rendirle homenaje con un espacio público en Barcelona. Desde que murió en 1989 y hasta 2021, todos los intentos de dedicarle una calle o una plaza quedaron en el cajón. Una de las ideas recurrentes fue dedicarle un espacio en torno a la futura estación de La Sagrera, pero no se concretó. Dalí no está en el nomenclátor, pero, en cambio, a partir de este miércoles tendrá una casa en el paseo de Gracia, concretamente en la Casa Amatller, que acogerá de manera permanente una nueva versión, actualizada y ampliada, de Dalí cibernético, la experiencia inmersiva que Layers of Reality y la Fundación Gala-Salvador Dalí estrenaron en el Centro de Artes Digitales Ideal en 2022. "Cuatro años después tocaba dar un paso adelante", afirma el fundador y director de Layers of Reality, Jordi Sellas.

El empresario neerlandés Joop van Caldenborgh (La Haya, 1940), cuando tenía dieciséis años, compró su primera obra de arte, un grabado que le costó unos 25 florines que había reunido repartiendo periódicos. A lo largo de los años, como fundador de la empresa química Caldic, se ha convertido en uno de los coleccionistas privados de arte moderno y contemporáneo más importantes de Europa. Como se puede ver en el museo que abrió el año 2016 en la ciudad de Wassenaar, el Museo Voorlinden, Van Caldenborgh ha reunido miles de obras, entre las cuales hay de muchos de los artistas de los siglos XX y XXI más conocidos, como Damien Hirst, Richard Serra, Louise Bourgeois, Anish Kapoor, James Turrell (que tiene allí una instalación permanente), Maurizio Cattelan, Pipilotti Rist, Anselm Kiefer y Yayoi Kusama.

Entre los arquitectos estrella, el británico David Chipperfield (Londres, 1953) es uno de los que han rehabilitado más edificios históricos icónicos. Antes de ganar el Pritzker –el Nobel de los arquitectos– en 2023, Chipperfield recibió el premio Mies van der Rohe por la restauración del Neues Museum de Berlín, y después volvió a hacer historia en la misma ciudad con la recuperación de la Neue Galerie, de Mies van der Rohe. En las rehabilitaciones, Chipperfield es delicado, minucioso y, cuando es necesario, contundente, como se puede ver en su trabajo más reciente, el centro cultural Faro Santander, que abre sus puertas este martes en Santander.

Hay objetos que explican una época y otros que explican un país, o al menos la visión que los vencedores de la historia tienen del país. El Tapiz de Bayeux pertenece a la segunda categoría. Con casi setenta metros de longitud y cerca de un milenio de historia, es a la vez una obra de arte excepcional, una herramienta de propaganda política y el relato visual del momento que cambió para siempre el destino de Inglaterra. Desde el 10 de septiembre, por primera vez en casi 950 años, se podrá ver en Londres, después de que Francia haya autorizado el préstamo en el marco de un acuerdo diplomático sin precedentes entre el presidente francés Emmanuel Macron y el gobierno del entonces primer ministro británico, Keir Starmer.

A los 96 años, el norteamericano Jasper Johns (Augusta, Georgia, 1930) permanece como uno de los artistas contemporáneos más importantes. Fue uno de los precursores del pop art, con las pinturas de banderas de los Estados Unidos y la escultura en bronce de dos latas de cerveza, pero también es recordado por Pintura con dos pelotas, burla de los excesos testosterónicos de los artistas del expresionismo abstracto, como Pollock, De Kooning y Rothko. Estas obras son solo la punta del iceberg de Night driver, la gran retrospectiva que el museo Guggenheim de Bilbao le dedica hasta el 12 de octubre.

La artista japonesa norteamericana Ruth Asawa (1926-2013) lo tenía todo en contra para salir adelante. Pero lo consiguió, y se convirtió en una de las escultoras norteamericanas más importantes de la segunda mitad del siglo XX, tal como se puede ver en la retrospectiva que le dedica el museo Guggenheim de Bilbao hasta el 13 de septiembre, organizada por el MoMA de San Francisco y el MoMA de Nueva York, en colaboración con el Guggenheim de Nueva York. Asawa se hizo un lugar propio con unas esculturas ingrávidas hechas con alambre tejido, evocadoras de formas vegetales y marinas. Se trata de unos trabajos transparentes, porosos. Muy a menudo están colgados del techo. Y un rasgo extraordinario de su manera de trabajar es que la integró en la vida familiar.

La artista y mecenas Teresa Vall Palou, considerada un referente de la pintura abstracta, falleció el domingo a los 75 años, según informó la Fundació Vallpalou, de la cual era la presidenta. La muerte de la artista se ha producido solo unos meses después de varias muestras de reconocimiento: la galería Miguel Marcos de Barcelona le dedicó en mayo la exposición El vitalismo del color, y en marzo, esta misma galería, Bonart Cultural y el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada (Madrid) habían organizado conjuntamente la exposición sobre la artista Atmósferas cromáticas.La pintura de Vall Palou se caracteriza por el carácter introspectivo y experimental. "Su pintura, a la vez rigurosa e instintiva, se inscribe en una línea de abstracción orgánica en la que la naturaleza, la biología y el color constituyen elementos fundamentales", se podía leer en el texto de presentación deEl vitalismo del color. En las composiciones de Vall Palou son claves el color, el gesto y la materia, con los cuales quiso expresar las emociones y tensiones íntimas. “No me gusta el arte fácil. Creo en la dificultad, hay que arriesgarse”, decía el artista, que participó en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Cataluña y el resto del Estado, en Francia y en Alemania. Su obra está presente en instituciones como la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, la Biblioteca Pública de Lleida y Acción Cultural del País Valenciano.

El historiador del arte, crítico y comisario de exposiciones Joan Maria Minguet Batllori (Cornellà de Llobregat, 1958), profesor retirado de la UAB, es una mente inquieta y punzante. Asegura que su nuevo libro "Contra la obediencia. Para acabar con los consensos del arte" (Raig Verd) es un resumen de su trayectoria y de cómo empezó a replantearla hace unos quince años. "Voy muy en contra de cosas que yo mismo había dicho", afirma.