Para el artista alemán Anselm Kiefer (Donaueschingen, 1945), considerado como uno de los grandes creadores de la segunda mitad del siglo XX, el arte es como una tabla de salvación. "Solo tengo fe en el arte, sin él estoy perdido", dice Kiefer, tal como se puede leer en un texto de pared al final de la gran exposición que le dedica la Fundació Catalunya La Pedrera a partir de este viernes y hasta el 24 de enero, titulada La vida secreta de las plantas. Anselm Kiefer en la Colección Grothe. Con una afirmación como esta puede parecer que Kiefer tiene un momento de debilidad, pero en realidad es un artista titánico que, desde los últimos años 60, ha abordado con todos los medios que ha tenido al alcance el trauma del nazismo; y, más allá del Holocausto, ha forjado una cosmogonía muy amplia donde confluyen los mitos germánicos de los Nibelungos y el wagnerismo, el Antiguo Testamento y la mística judía de la Cábala. También la alquimia, las cosmologías sumeria y egipcia, la filosofía de Heidegger, el romanticismo de Hölderlin y Goethe y la poesía de Celan y Bachmann. "Kiefer dice de sí mismo que mira, a la vez, hacia el pasado y hacia el futuro, y eso solo lo puede hacer el arte", afirma el comisario de la muestra, Walter Smerling.

La pintura de Renoir no admite medias tintas: o lo odias o te encanta. Los detractores lo consideran el súmmum de la cursilería. Hace unos diez años surgió en Instagram el movimiento Renoir es un pintor pésimo, y unas decenas de personas se manifestaron en la puerta del Museo de Bellas Artes de Boston reclamando que sacaran sus obras del museo. El lema de las pancartas no podía ser más contundente: "Dios odia a Renoir". Hoy en día este grupo tiene 17.800 seguidores. Por el momento, sin embargo, los seguidores de uno de los pioneros del impresionismo les dan mil vueltas. La exposición Renoir y el amor abrirá sus puertas en la National Gallery de Londres el 3 de octubre con la cifra récord de venta anticipada: de 32.000 entradas, por delante de Van Gogh.

André Breton ejerció el papel de Papa del surrealismo con mucha contundencia: no toleraba que ninguno de los miembros del movimiento se desviara del camino de radicalidad estética y política que había marcado. Y cuando lo hacían, los excluía, o los sometía a escarnio público, como le pasó a Joan Miró el año 1926 con los decorados y vestuario del espectáculo de los ballets rusos Romeo y Julieta, hechos a cuatro manos con Max Ernst. André Breton y Louis Aragon lideraron un grupo de surrealistas que irrumpieron en el estreno con silbidos y gritos y repartieron un panfleto titulado Protesta, en el que acusaban a Miró y Ernst de haber traicionado los principios del surrealismo haciendo un arte comercial. "No es admisible que el pensamiento esté al servicio del dinero", decían los autores, para quienes aquella colaboración significaba "domesticar los sueños en beneficio de la aristocracia internacional".

El cambio de etapa en el Macba se hace realidad. Este martes, el primer discurso de Valentín Roma como director ha sonado redondo: entre las novedades que ha avanzado hay un plan director de tres años y la voluntad de cambiar los contenidos, para pasar de los 200.000 visitantes del año pasado a los 320.000 de antes de la pandemia de la covid. "En 2025 el Macba ha sido visitado por 200.000 personas y esto es claramente insuficiente. No miraremos hacia otro lado sobre esta cuestión. Afrontaremos un proceso de crecimiento que ni será fácil ni será inmediato, pero que sí estará entre nuestros objetivos prioritarios", ha dicho Roma. Además, quiere desarrollar "planes patrimoniales específicos" para exhibir los fondos más allá de los parámetros del "inventario", y un plan de archivos.

Un temporal puso en peligro el cuadro del Baco de Caravaggio este jueves en la Galleria degli Uffizi, en Florencia. El museo sufrió filtraciones de agua bajo la claraboya de la sala 90, donde también hay siete cuadros del siglo XVIII. El museo asegura que el agua solo mojó el cristal, y las comprobaciones posteriores han descartado daños en la obra. "Las intensas lluvias salpicaron la vitrina del Baco, pero no hemos encontrado afectaciones en ninguna obra de la sala”, explicaba la dirección del museo italiano.

La artista Mariaelena Roqué (Tarragona, 1952) habla alto y claro: "No soy una prostituta ni lo he sido, pero, sin embargo, he sido tratada como una prostituta y negada como una prostituta por ser una mujer libre que defiende su propio lenguaje", afirma Roqué en la galería Rocío Santa Cruz de Barcelona. Roqué es conocida por ser la cofundadora de la Compañía Carles Santos, y ahora, coincidiendo con la 12a edición del Gallery Weekend, expone por primera vez en una galería. Habla de la prostitución ante las fotografías de una performance donde se la puede ver desnuda corriendo por un bosque por la noche, un recuerdo de las prostitutas que "los cazadores se llevan a sus fiestones". Ella alza la voz por estas mujeres y por las que se sientan al borde de una carretera esperando clientes.

El caso de Salvador Dalí refleja las reservas históricas de las autoridades a la hora de rendirle homenaje con un espacio público en Barcelona. Desde que murió en 1989 y hasta 2021, todos los intentos de dedicarle una calle o una plaza quedaron en el cajón. Una de las ideas recurrentes fue dedicarle un espacio en torno a la futura estación de La Sagrera, pero no se concretó. Dalí no está en el nomenclátor, pero, en cambio, a partir de este miércoles tendrá una casa en el paseo de Gracia, concretamente en la Casa Amatller, que acogerá de manera permanente una nueva versión, actualizada y ampliada, de Dalí cibernético, la experiencia inmersiva que Layers of Reality y la Fundación Gala-Salvador Dalí estrenaron en el Centro de Artes Digitales Ideal en 2022. "Cuatro años después tocaba dar un paso adelante", afirma el fundador y director de Layers of Reality, Jordi Sellas.

El empresario neerlandés Joop van Caldenborgh (La Haya, 1940), cuando tenía dieciséis años, compró su primera obra de arte, un grabado que le costó unos 25 florines que había reunido repartiendo periódicos. A lo largo de los años, como fundador de la empresa química Caldic, se ha convertido en uno de los coleccionistas privados de arte moderno y contemporáneo más importantes de Europa. Como se puede ver en el museo que abrió el año 2016 en la ciudad de Wassenaar, el Museo Voorlinden, Van Caldenborgh ha reunido miles de obras, entre las cuales hay de muchos de los artistas de los siglos XX y XXI más conocidos, como Damien Hirst, Richard Serra, Louise Bourgeois, Anish Kapoor, James Turrell (que tiene allí una instalación permanente), Maurizio Cattelan, Pipilotti Rist, Anselm Kiefer y Yayoi Kusama.

Entre los arquitectos estrella, el británico David Chipperfield (Londres, 1953) es uno de los que han rehabilitado más edificios históricos icónicos. Antes de ganar el Pritzker –el Nobel de los arquitectos– en 2023, Chipperfield recibió el premio Mies van der Rohe por la restauración del Neues Museum de Berlín, y después volvió a hacer historia en la misma ciudad con la recuperación de la Neue Galerie, de Mies van der Rohe. En las rehabilitaciones, Chipperfield es delicado, minucioso y, cuando es necesario, contundente, como se puede ver en su trabajo más reciente, el centro cultural Faro Santander, que abre sus puertas este martes en Santander.

Hay objetos que explican una época y otros que explican un país, o al menos la visión que los vencedores de la historia tienen del país. El Tapiz de Bayeux pertenece a la segunda categoría. Con casi setenta metros de longitud y cerca de un milenio de historia, es a la vez una obra de arte excepcional, una herramienta de propaganda política y el relato visual del momento que cambió para siempre el destino de Inglaterra. Desde el 10 de septiembre, por primera vez en casi 950 años, se podrá ver en Londres, después de que Francia haya autorizado el préstamo en el marco de un acuerdo diplomático sin precedentes entre el presidente francés Emmanuel Macron y el gobierno del entonces primer ministro británico, Keir Starmer.

A los 96 años, el norteamericano Jasper Johns (Augusta, Georgia, 1930) permanece como uno de los artistas contemporáneos más importantes. Fue uno de los precursores del pop art, con las pinturas de banderas de los Estados Unidos y la escultura en bronce de dos latas de cerveza, pero también es recordado por Pintura con dos pelotas, burla de los excesos testosterónicos de los artistas del expresionismo abstracto, como Pollock, De Kooning y Rothko. Estas obras son solo la punta del iceberg de Night driver, la gran retrospectiva que el museo Guggenheim de Bilbao le dedica hasta el 12 de octubre.

La artista japonesa norteamericana Ruth Asawa (1926-2013) lo tenía todo en contra para salir adelante. Pero lo consiguió, y se convirtió en una de las escultoras norteamericanas más importantes de la segunda mitad del siglo XX, tal como se puede ver en la retrospectiva que le dedica el museo Guggenheim de Bilbao hasta el 13 de septiembre, organizada por el MoMA de San Francisco y el MoMA de Nueva York, en colaboración con el Guggenheim de Nueva York. Asawa se hizo un lugar propio con unas esculturas ingrávidas hechas con alambre tejido, evocadoras de formas vegetales y marinas. Se trata de unos trabajos transparentes, porosos. Muy a menudo están colgados del techo. Y un rasgo extraordinario de su manera de trabajar es que la integró en la vida familiar.

La artista y mecenas Teresa Vall Palou, considerada un referente de la pintura abstracta, falleció el domingo a los 75 años, según informó la Fundació Vallpalou, de la cual era la presidenta. La muerte de la artista se ha producido solo unos meses después de varias muestras de reconocimiento: la galería Miguel Marcos de Barcelona le dedicó en mayo la exposición El vitalismo del color, y en marzo, esta misma galería, Bonart Cultural y el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada (Madrid) habían organizado conjuntamente la exposición sobre la artista Atmósferas cromáticas.La pintura de Vall Palou se caracteriza por el carácter introspectivo y experimental. "Su pintura, a la vez rigurosa e instintiva, se inscribe en una línea de abstracción orgánica en la que la naturaleza, la biología y el color constituyen elementos fundamentales", se podía leer en el texto de presentación deEl vitalismo del color. En las composiciones de Vall Palou son claves el color, el gesto y la materia, con los cuales quiso expresar las emociones y tensiones íntimas. “No me gusta el arte fácil. Creo en la dificultad, hay que arriesgarse”, decía el artista, que participó en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Cataluña y el resto del Estado, en Francia y en Alemania. Su obra está presente en instituciones como la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, la Biblioteca Pública de Lleida y Acción Cultural del País Valenciano.

El historiador del arte, crítico y comisario de exposiciones Joan Maria Minguet Batllori (Cornellà de Llobregat, 1958), profesor retirado de la UAB, es una mente inquieta y punzante. Asegura que su nuevo libro "Contra la obediencia. Para acabar con los consensos del arte" (Raig Verd) es un resumen de su trayectoria y de cómo empezó a replantearla hace unos quince años. "Voy muy en contra de cosas que yo mismo había dicho", afirma.

Dolor en el sector del arte contemporáneo. Vicente Matallana, el director de la NEWART Foundation y el NEWART Centre de Reus, falleció el sábado a los 58 años, tal como ha hecho público la misma institución. "Matallana era una figura de referencia en el ámbito del arte tecnológico y de la preservación del arte digital", dice el comunicado de la NEWART Foundation.

El cuadro Miliciano herido, de Francisco Mateos, conservado en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), está en un estado irrecuperable. ¿Qué le pasó? ¿Su estado se ha agravado a lo largo del tiempo? ¿El pintor tuvo algo que ver? Todas las respuestas se pueden encontrar en el episodio correspondiente de la serie La ciencia del arte, una producción del museo y Cábala Films, con la producción asociada de CaixaForum+. La reconstrucción del 'Miliciano herido' es uno de los seis episodios que ya están disponibles en CaixaForum+. Excepcionalmente, la realización del documental hizo que, a pesar del mal estado de conservación, el cuadro se exponga, acompañado de una reconstrucción hecha por la artista Pilar Rosado con la ayuda de la IA.

La Virreina acoge desde este sábado y hasta el 1 de noviembre a una extraña pareja formada por la dramaturga y actriz Juana Dolores Romero y por el artista Frederic Amat. Ella presenta su primera exposición, "Declaración de amor a Lenin", y él "Ocho", una antológica de sus colaboraciones con grandes autores. El comisario de ambas es Valentín Roma, el director del centro hasta que hace pocas semanas fue elegido como nuevo director del Macba. Por eso la presentación ha sido un recital de emociones, con algunas de las colegas de Roma en la Virreina dándole las gracias por diez años de trabajo fantásticos. Frederic Amat ha puesto poesía: asegura que si Roma fuera un animal, sería un perro, porque tiene "ojo, olfato y colmillo". Y Juana Dolores le ha dado las gracias por haberle permitido trabajar con unas condiciones inéditas. "No estoy acostumbrada a compartir clase con los directores que me programan en festivales o teatros y creo aquí ha quedado muy claro que, cuando se comparte clase, se trabaja desde otro lugar, y con otra confianza", ha dicho Romero. "La insolencia ya no está en las clases populares. El fascismo es insolente, y quizás lo que debemos hacer es recuperar el uso popular de la insolencia", ha pedido Roma.

Más de cuarenta años después de su muerte, el artista José Pérez Ocaña, el gran Ocaña, continúa siendo un referente libertario. Se luce en una actuación grabada por el colectivo Vídeo-Nou/Servei de Vídeo Comunitari que se puede ver en el Macba a partir de este jueves en la exposición Contrainformación: Video-Nou / Servei de Vídeo Comunitari. En este vídeo, Ocaña y otro artista, Camilo, hacen todos los papeles de la auca: interpretan una copla en playback, y también canciones francesas y la mítica Lili Marlene en la versión de Marlene Dietrich. En el tramo final, el vídeo da un giro, el espacio donde están los artistas se llena de gente, y todo ello recuerda a lo que podría ser una orgía. Además, este vídeo tiene un valor añadido, ya que la actuación fue grabada el mismo día que se celebró en 1977 una manifestación de gais y lesbianas contra la ley de peligrosidad social.

Descubrimiento excepcional en el legado de Diego de Velázquez: ha aparecido en una colección particular un retrato inédito del conde duque de Olivares con armadura. El hallazgo lo ha hecho el director del Museo de Arte de Detroit, Salvador Salort-Pons, como explica él mismo en el número de julio de la revista ARS Magazine. Este sería el primer retrato que Velázquez hizo cuando llegó a Madrid desde Sevilla. Salort-Pons tiene previsto exponerlo en su museo en otoño. En el artículo no especifica la localización del cuadro, que alcanzaría precios astronómicos en el mercado del arte, ni si está catalogado.

El Museo Tàpies ha presentado la tercera edición del proyecto Extramurs, que este año contará con la artista Dora García (Valladolid, 1965). Presentará Líneas de tiempo / resurrección, una propuesta que ocupará el espacio público con performances, debate público, paseos de memoria, carteles, películas y una intervención en la fachada del museo. García, que vive entre Oslo y Barcelona, se propone reinterpretar el concepto de resurrección convirtiéndolo en una herramienta política y crítica. Todo ello, para dar voz a las personas silenciadas y repensar cuestiones vinculadas al género, la violencia o la memoria en una acción colectiva de lucha y resistencia.