En febrero de 2024, el escritor y periodista Patrick Radden Keefe publicó un artículo en The New Yorker –escribe allí desde 2006– titulado A teen's fatal plunge into the London Underworld (La caída mortal de un adolescente en los bajos fondos de Londres). Con su estilo habitual, que mezcla el rigor de la mejor investigación periodística con una escritura que atrapa al lector, Radden Keefe abordaba la muerte, en noviembre de 2019, de un chico de 19 años, Zac Brettler, segundo hijo de una familia acomodada del oeste de Londres.

Dúo de estrellas literarias en el Paral·lel 62, que se está convirtiendo en un nuevo escenario para grandes eventos editoriales —este miércoles incluso pagando un precio módico de 6 euros—. Kae Tempest (Londres, 1985) presenta Tota la vida buscant (Random House / L’Altra, traducido por Maria-Arboç Terrades), que le devuelve a la novela casi diez años después de Cuando la vida te da un martillo (Sexto Piso). Y lo hace de la mano de otra institución de la literatura disidente como es Virginie Despentes (Nancy, 1969). En la puerta se venden libros de ambos.

Hace tiempo hablé con la escritora Elisenda Solsona de una sensación compartida: la disociación que a veces tenemos los escritores cuando leemos un texto propio escrito tiempo atrás. Es una sensación extraña porque sabes que lo has escrito tú, pero no te reconoces en él, como si lo hubiera escrito alguien otro. Esta disociación también aparece cuando un lector te habla de algún libro o artículo, o te descubre una intención que no recuerdas, o de la que no eras consciente de haber puesto.Esta semana he leído Intermezzo, la última novela de Sally Rooney. La edición en catalán de Periscopi (con traducción de Ferran Ràfols) incluye unas cuantas críticas elogiosas sobre la obra y la autora. A pesar de que el libro me ha gustado mucho, leyéndolas he sentido de nuevo la disociación, como si yo hubiera leído un libro y ellos otro. Zadie Smith, una de las autoras del listado, lo describe bien: pocos imitadores se acercan al nivel de Rooney, y aún menos críticos entienden qué ocurre de verdad en sus novelas. Me pregunto si Rooney debe vivir esta disociación amplificada: miles de lectores construyendo un libro que no acaba de parecerse a lo que ella tiene en la cabeza.En 1981, la artista francesa Sophie Calle creó la obra La filature. Calle pidió a su madre que contratara a un detective privado para que la siguiera un día entero. Ella, mientras tanto, escribía un diario con todas las impresiones del día. Cuando puso en común las fotos y observaciones del detective con su propio material, le impactó la discrepancia entre la mirada externa y la vivencia íntima. Calle se preguntaba quiénes somos y cómo casan estas dos experiencias en la propia identidad. Quienes escribimos, quizás, hacemos esta filatura pero al revés: dejamos rastros para que alguien (un lector o nosotros mismos en el futuro) nos siga y nos devuelva una versión nuestra que ya no reconocemos.La disociación, ¿problema u oportunidad?

El filósofo británico Derek Parfit defendía que la identidad personal no es absoluta sino cuestión de grados: no somos la misma persona que éramos, sino alguien conectado con aquella persona, más o menos según cuánto hayamos cambiado. La regeneración de las células del cuerpo acompañaría esta idea: la piel, los huesos o la sangre se renuevan continuamente, pero la mayoría de neuronas nos acompañan toda la vida. Así que el cerebro que pensó aquel texto continúa siendo el mismo, pero el cuerpo que lo escribió, no. Quizás es la condición de toda escritura publicada, y la disociación no es un problema sino una oportunidad de encuentro. El texto es el lugar donde dos lectores coinciden sin haber leído del todo el mismo libro, y donde los escritores saludan a un yo pretérito, un cuerpo que ya no existe, desde el otro lado del tiempo. Quizás escribir consiste precisamente en esto: aceptar que nuestra identidad acaba siempre en manos de alguien otro, incluso cuando ese alguien somos nosotros mismos.

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Donde Dios invita, todos tienen lugar. Patti Smith, que aún canta que Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los de ella, ahora glosa la virginidad de la Virgen María en un poema que se puede escuchar en el pabellón vaticano de la Bienal de Arte de Venecia. Para escuchar a Smith, y a una veintena de artistas más, entre los que se encuentran Brian Eno, FKA Twigs, Dev Hynes, Terry Riley y Jim Jarmusch, hay que alejarse del centro de Venecia e ir al paradisíaco Jardín Místico de los carmelitas de Venecia, uno de los rincones menos concurridos de la ciudad, justo detrás de la estación de tren. El viaje, a pesar de la lluvia de estos días, vale la pena. La propuesta es del comisario estrella Hans Ulrich Obrist, lleva por título El oído es el ojo del alma yestá inspirada en Hildegarda de Bingen, la gran mística, científica, compositora del siglo XII. El personal del pabellón reparte auriculares en la entrada, y la visita consiste en recorrer el jardín en silencio escuchando la veintena de obras, entre las cuales hay también de músicos que profundizan en la espiritualidad como Meredith Monk, Kali Malone y Charlemagne Palestine.

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La 61ª Bienal de Arte de Venecia continúa con furia. Este miércoles las protestas contra la presencia de Rusia e Israel han sido más contundentes. Como habían advertido, más de 50 personas vinculadas a las activistas Pussy Riot, con la cara tapada con un pasamontañas rosa, han ocupado el pabellón ruso, junto con una retahíla de miembros del colectivo Femen. La policía italiana se ha visto obligada a cerrar el pabellón mientras agentes y guardias de seguridad reducían a las activistas que habían conseguido entrar. Afuera, la tensión continuaba: las manifestantes cantaban la canción Desobedece entre una nube de humo rosa y las miembros de Femen avanzaban gritando consignas entre una nube azul y amarilla, los colores de la bandera de Ucrania.

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«La cultura es viva en la medida en que es conflictiva», escribía Manuel de Pedrolo en su diario. De esta idea parte la quinta edición de Perifèria Cultural, el ciclo de música, tierra y gastronomía que desde 2021 recorre los Países Catalanes llevando propuestas artísticas fuera de los grandes circuitos comerciales a espacios igualmente periféricos: pueblos y rincones del país que quedan fuera de los radares turísticos y culturales. Durante seis meses, del 23 de mayo al 15 de noviembre, el ciclo desplegará más de 100 espectáculos en cuarenta y cinco municipios.

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No es frecuente que un director especializado en la animación se reoriente a la acción real de manera convincente. Y todavía es más raro que el salto resulte incluso más exitoso que su obra previa. Sorpresa notable, pues, la de Las ovejas detectives, donde Kyle Balda, uno de los barones de la franquicia de Gru y los Minions, lleva a la pantalla la novela homónima de Leonie Swann (publicada en castellano por Salamandra), protagonizada por un rebaño lanudo que se propone resolver un asesinato. Se podría argumentar que el hecho de que los animales hablen y se muevan gracias a los efectos digitales sitúa el film en un terreno limítrofe con las experiencias anteriores de Balda, pero lejos de recurrir a la caricatura, el cineasta optimiza una tecnología hiperrealista para que devenga el pilar humorístico de la propuesta, reservando la excentricidad para detalles que enriquecen el segundo plano, como la abundancia de neones que iluminan incongruentemente el pueblecito británico donde transcurre la historia.

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El Gremio de Libreros de Cataluña ha confirmado este miércoles, dos semanas después de Sant Jordi, los datos de récord que se avanzaron al final de la diada: se facturaron 26,7 millones de euros, una cifra que supone un ligero incremento respecto de los 26,1 millones de 2025. Para la diada se vendieron 2 millones de ejemplares, correspondientes a 71.000 títulos diferentes.

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"Soy un maníaco de las islas", confiesa el veneciano de adopción Enric Bou en Venecia. Ciudad de pérdidas (Editorial UB). La ciudad lacunar está formada por ciento diecinueve islas. Los primeros habitantes, surgidos de los despojos del Imperio Romano, se refugiaron de los invasores hunos y germánicos en la laguna, entre otras en la isla de Torcello, donde está la iglesia más antigua, y en la de Rialto (Rivoalto, ribera alta), donde hoy luce el famoso puente (en toda la ciudad hay más de 500).

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Quien tuvo la oportunidad de ver el monólogo representado en el Teatre Gaudí titulado Coses que només saps quan estàs morta, ya sabe de sobra quién es Irene Polo (Barcelona, 1908 - Buenos Aires, 1942), la periodista más audaz de la Cataluña de la Segunda República y una de las piezas clave de aquella generación de letradas que aportó una mirada renovada tanto a la prensa como a la literatura. Se da la circunstancia de que Francesc Salgado, autor del monólogo, está publicando también su periodismo completo en Renacimiento y que ya disponemos del primer volumen, Una intrusa en la prensa. Periodismo y república (1927-1931).

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Cuando la directora Marta Matute (Madrid, 1988) tenía 18 años, a su madre le diagnosticaron una demencia frontotemporal. Durante nueve años, toda la familia se volcó en cuidar de la madre, y aquella enfermedad degenerativa se convirtió en el centro de sus vidas. A efectos prácticos, Matute dejó de ser una chica normal de su edad. “Yo quería estar con mis amigos, hacer mi vida, pero la enfermedad lo arrasó todo –recuerda–. De alguna manera continúas con tu vida, pero disociada”. Matute no hablaba con sus amigos de la situación e incluso lo ocultaba, pero ya intuía que tarde o temprano acabaría “haciendo algo” con aquella experiencia. Y así ha sido: Yo no moriré de amor, su ópera prima, que llega a los cines este viernes después de triunfar en el Festival de Málaga con tres premios (Biznaga de Oro a la mejor película, mejor actriz y mejor actor de reparto) que la perfilan como primera gran sorpresa del cine español del 2026.

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Hace unos días el diario alemán Die Zeit ponía al alcance de sus lectores un buscador en línea que permite encontrar en cuestión de segundos si hay algún nazi en la familia. En el estado español se está muy lejos de poder hacer algo semejante. Desde hace años, diferentes investigadores, historiadores y familiares de víctimas del franquismo han hecho instancias y denuncias porque el ministerio del Interior se ha convertido en un muro insalvable para acceder a la documentación. Algunos, incluso, han tirado la toalla y han tenido que dejar de lado la tesis doctoral.

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Hacía tiempo que se querían y ahora han decidido dar el paso. T de Teatre y La Calòrica, dos de las compañías catalanas más relevantes del presente, se unirán con un espectáculo conjunto que se estrenará en el Teatre Poliorama el 3 de febrero de 2027. "Desde los inicios somos admiradores de La Calòrica. Hace un año les propusimos casarnos y nos dijeron que sí enseguida", explica Àgata Roca, de T de Teatre. El enlace ya tiene una creación en camino titulada Les dones Piñeiro, escrita por el dramaturgo calórico Joan Yago y dirigida por el también calórico Israel Solà. "Somos fans de T de Teatre desde muy pequeños, para nosotros han sido un referente toda la vida. Es un auténtico lujo estar aquí", afirma Júlia Truyol, de La Calòrica, durante una ceremonia que han organizado en la Nau Bostik para oficializar la unión, con sardinada popular incluida.

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Con el Werther de Jules Massenet hay que ir con pies de plomo, porque un exceso de azúcar puede producir diabetes crónica en los oyentes. Pero demasiado frialdad también puede serle contraproducente, porque los arrebatados motivos que atraviesan la ópera deben tener la justa fuerza emocional y expresiva para transmitir las desdichas del personaje titular, inspirado en la novela epistolar de Goethe. El director musical Henrik Nánási opta en el Liceo por una lectura amorfa, sin una visión clara de la partitura y con resultados desiguales, a pesar del buen papel de la orquesta titular y de los miembros del Cor Vivaldi Petits Cantors de Catalunya.Vocalmente, la ópera también es de máxima exigencia para los tres protagonistas: Werther, Charlotte y Sophie. Había expectación por ver en el teatro de la Rambla el debut de Xabier Anduaga al servicio del papel que da nombre a la obra y que resolvió con medios sobrados: fraseo sinuoso, bien trabajado, emisión generosa y pronunciación impecable. Sin embargo, el tenor vasco va todavía con pies de plomo. Y es normal que así sea, cosa que nos hace pensar que después de dos o tres producciones más acabará siendo un Werther de referencia.La mezzosoprano alemana Kristina Stanek abordó el papel de Charlotte desde el dominio absoluto de la situación dramática y musical. El aria de las cartas fue uno de los momentos culminantes de la noche, aparte de la escena final con Werther moribundo. A su lado, la Sophie de Sofía Esparza repartió belleza por los cuatro costados, sin caer en el retrato de la lechuga soleada con que algunas sopranos resuelven este rol tan significativo y que la producción de Christoph Loy refuerza de manera muy inteligente.Insuficiente el Albert de David Oller, con un timbre y un color impersonales y una emisión deshilachada. Veteranía sobrada la de Stefano Palatchi al servicio del alcalde y buena química y sentido justo de la comicidad la de dos cantantes bregados en el Liceo y que deberían tener más presencia en el escenario de la Rambla como son Josep Fadó (Schmidt) y Enric Martínez-Castignani (Johann).El espectáculo que firma Christoph Loy y estrenado hace un año en La Scala milanesa trabaja muy bien el retrato de personajes y refuerza su angulosa psicología, con escenas bien resueltas, como el enlace entre el tercer y el cuarto actos: no muere tan solo Werther, porque también se hunde el mundo de Albert, cosa que se muestra en un genial golpe de teatro. La fría pero eficiente escenografía de Johannes Leiacker con el muro que separa dos mundos juega un papel fundamental en un escenario bien iluminado por Roland Edrich y con vestuario funcional de Robby Duiveman. No es el mejor espectáculo de Loy, pero se apuntan buenas ideas y se dejan de lado los clichés asociados a la ópera y al trasfondo de la novela original. Se agradece.

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Los artistas tienen la capacidad de revelar las historias ocultas en los objetos más cotidianos y en detalles casi invisibles. Así, Claudia Pagès representa Cataluña y las Islas Baleares en la 61ª Bienal de Arte de Venecia con Paper tears [Lágrimas de papel], una macroinstalación forjada a partir de unas marcas de agua del siglo XV encontradas en el Museo Molino Papelero de Capellades. Las marcas de agua, también conocidas como filigranas, se usan para señalar al artífice de un papel y a quien lo encarga. A lo largo de la historia las ha habido tan sencillas como una cruz pero también más elaboradas, como un escudo o imágenes de animales reales o fantásticos.“No soy historiadora, la historia la uso durante la investigación, y la hago mía a través de una mezcla de artes visuales y escritura”, dice Pagès, que también es la autora de la novela Més de dues aigües (Empúries).

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En la Bienal de Arte de Venecia todo es bastante de cara a la galería: en cada edición casi un centenar de países de todo el mundo sacan pecho de sus artistas con el afán de que, al menos durante unos días, la política no eclipse las ganas de lucirse internacionalmente. Pero en la situación de la política internacional, con Rusia, Israel y los Estados Unidos en guerra, esto aún es imposible. La 61ª edición de la Bienal ha abierto las puertas a los profesionales este martes y abrirá las puertas al público el sábado 9 de mayo con una edición en llamas, y con la participación en la sección oficial de Cuba, representada por Roberto Diago, que solo hablará de su proyecto y no hará declaraciones de carácter político. Por ahora, no se han visto señales de protesta, pero hay una convocatoria de huelga para el viernes.

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Tampoco hace tanto que se estrenó Jurat Nº 2. La última película de Clint Eastwood ya era una película de juicios que planteaba una variación sobre Doce hombres sin piedad, el clásico de 1957 de Sidney Lumet. Es decir: el film se cerraba en una sala de deliberación de un jurado popular para hacer partícipe al espectador de las dudas sobre la inocencia o culpabilidad de un acusado. Esto es exactamente lo mismo que pasa en Recreación de un asesinato, pero con una semejanza mucho más marcada con la película de Lumet. Así que un espectador veterano se la puede imaginar entera como si fuera un remake: once personas de un jurado están convencidas de una cosa, y la única que no lo está acaba haciendo cambiar de opinión al resto.

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Historias de fantasmas, de Siri Hustvedt (Northfield, 1955), no es solo un libro sobre la pérdida: también es una obra escrita desde la habitación que deja la ausencia cuando una vida compartida se rompe para siempre, un libro capaz de hacer del duelo un lugar habitable. La carta de amor que es Historias de fantasmas reflexiona sobre la desaparición amorosa con la lucidez de quien sabe que el dolor no se puede domesticar con grandes gestos, sino que se instala en las grietas minúsculas de la cotidianidad: en una silla vacía, en una frase interrumpida, en el peso insospechado de un objeto que antes no significaba nada y que, de repente, se convierte en una reliquia. El título es de una precisión excelsa: los fantasmas que recorren estas páginas no son espectros literarios en el sentido clásico, sino presencias persistentes de la memoria, reverberaciones de una intimidad que se resiste a desaparecer. El amor hacia el marido, el escritor Paul Auster (1947-2024), no es un recuerdo embellecido por el arte, sino una materia viva que continúa respirando dentro de la pérdida. La gran virtud del libro es su capacidad de convertir la intimidad en una experiencia universal sin perder ni una pizca de singularidad. Hustvedt escribe desde la herida, pero lo hace con inteligencia emocional, y así evita la tentación de la grandilocuencia o del melodrama gratuito: "Siento la voz de Paul". La prosa de la autora, precisa y profunda, avanza con serenidad, y analiza al detalle los mecanismos de la memoria, las trampas del recuerdo, la manera como el pasado irrumpe en el presente con una fuerza devastadora. Cada página parece escrita con la conciencia de que recordar es, a la vez, un acto de amor y una condena. La presencia de los escritos inéditos de Paul Auster añade una dimensión conmovedora, porque no funcionan como un simple reclamo editorial ni como un apéndice sentimental, sino como una prolongación orgánica del relato. La voz del autor de Leviatán emerge como una forma de continuidad que atraviesa el texto y lo convierte en diálogo póstumo, en una conversación interrumpida reanudada por la literatura. Hay en esta inclusión una emoción profundísima: la sensación de que la escritura es el último lugar donde dos vidas pueden continuar encontrándose. También es destacable la manera como Hustvedt reflexiona sobre la identidad cuando el vínculo amoroso desaparece. ¿Quién somos cuando el otro, que nos había ayudado a definirnos, ya no está? ¿Qué queda del yo después del aniquilamiento? Estas preguntas atraviesan el libro como una corriente subterránea y le otorgan una densidad filosófica que va mucho más allá de la crónica personal. El duelo no es solo la pérdida de una persona querida; es también la pérdida de una versión de uno mismo, de un tiempo compartido, de un lenguaje íntimo construido a dos voces.Un libro impactante, elegante y profundamente humano

Historias de fantasmas es una obra de una belleza dolorosa, de aquellas que no se limitan a explicar una experiencia, sino que la hacen vibrar dentro del lector. Hustvedt demuestra que la gran literatura es capaz de entrar en las zonas más vulnerables de la existencia sin simplificarlas. La autora escribe un libro sobre el duelo, sí, pero sobre todo nos regala un libro sobre la persistencia del amor, sobre la memoria como forma de resistencia y sobre la palabra como espacio donde los muertos continúan hablando con nosotros. Conmovedor, elegante y profundamente humano, deja una huella que cuesta borrar.Más allá de la dimensión estrictamente autobiográfica, Historias de fantasmas también se lee como una meditación profunda sobre la naturaleza misma de la literatura. Hustvedt parece preguntarse qué puede hacer la escritura ante lo que es irreparable. La literatura no consuela en un sentido fácil, no cura ni restituye lo que se ha perdido, pero sí ofrece una arquitectura verbal donde el dolor puede adquirir forma. Escribir es una manera de no dejarse engullir por el vacío. Cada frase parece sostenerse sobre esta tensión entre el silencio y la necesidad de decir, entre el abismo de la pérdida y la urgencia de darle una gramática. Hustvedt ha escrito un libro maravilloso que es a la vez elegía, ensayo emocional y pieza de memoria, con una madurez narrativa digna de las grandes voces que saben que la palabra es la única forma posible de supervivencia.

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A unos 2.250 metros de altitud, en el Parque Natural de las Cabeceras del Ter y del Freser, a medio camino entre el monasterio de Núria y la cima del Puigmal, hay una cueva que fue ocupada de manera intensa, y no esporádica, entre el quinto milenio a.C. y el final del primer milenio a.C. Bautizada con el nombre de la Cueva 338, es el yacimiento prehistórico de alta montaña más importante documentado en la cordillera pirenaica. El último descubrimiento son numerosas estructuras de combustión, restos faunísticos, fragmentos cerámicos y un conjunto destacado de minerales verdes, probablemente malaquita, que demuestran que se explotaron de manera sistemática minerales ricos en cobre durante el neolítico final y la edad del bronce. Estos datos sitúan la Cueva 338 entre las evidencias más antiguas conocidas con este tipo de actividad en la Europa Occidental.

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El abogado Oriol Arau visitó a Salvador Puig i Antich en la cárcel 69 veces. El desamparo que sufrió Puig debió ser terrible, pero las visitas que le hizo Arau durante los cinco meses y medio que estuvo encerrado en La Model hasta que lo ejecutaron significaron mucho. Por eso, este lunes una de las hermanas de Puig, Montse Puig Antich, y la abogada Magda Oranich quedaron impresionadas al verlo en la película El sopar, de Pere Portabella, durante el tercer Campus Miró de la Fundació Joan Miró, que este año está dedicado a las Seqüències Portabella, coincidiendo con el centenario del cineasta. Es decir, a analizar el compromiso político de ambos creadores y revelar "los hilos invisibles" entre los dos. Esta primera sesión estuvo centrada en poner en paralelo El sopar, que Portabella rodó clandestinamente con cinco expresos políticos la noche de la ejecución de Puig Antich, y el tríptico de Miró L'esperança del condemnat a mort, que dio por acabado el mismo día de la ejecución. "Aparte de las cosas de abogados, Salvador y Oriol hablaban mucho de nosotros. Salvador sabía de nosotros, no solo cuando íbamos a verle, porque poco podíamos decir y, en cambio, con Oriol sí que podíamos hablar", recordó Montse Puig Antich.

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