Arthur Miller (Nueva York, 1915 - Roxbury, Connecticut, 2005) es uno de los dramaturgos más punzantes del teatro realista del siglo XX en los Estados Unidos. Su obra Panorama desde el puente no pierde actualidad: el tema de la inmigración irregular está muy vivo entre nosotros y también en los Estados Unidos de Donald Trump, con una policía de inmigración (ICE) tan temida y salvaje como en los años cincuenta, cuando Miller sitúa esta historia.

Tras los éxitos alcanzados con las dos entregas deEscape Room y con los textos escritos para Joan Pera (El padre de la novia y Júnior), el Joel Joan dramaturgo ratifica su devoción por la comedia de entretenimiento. Lo hace en los parámetros que expresaba hace unos días Eugenio Barba en el acto inaugural del curso del Institut del Teatre, donde afirmó que la misión del teatro es entretener (algo muy diferente de lo que Ingmar Bergman sostenía al inicio de Fanny y Alexander, cuando sobre la cara del niño que mira el teatrillo leíamos: "No solo para entretener"). Barba, fundador y alma del Odin Teatret, recordaba que el teatro moderno nace cuando una compañía pone a la venta las entradas de un espectáculo, y decía: "Primero hay que vivir, porque si no no hay teatro ni arte".

Por más que el imaginario audiovisual se mueva ampliamente alrededor de historias traumáticas y violentas, la mayor parte de la gente tiene una vida normal. Y eso significa una vida familiar, laboral y sentimental con momentos dulces y momentos amargos, con sobresaltos pero sin otros terremotos que los que puedan sacudir la salud. Y Charlotte, protagonista de Morning sun, es parte de esta gente normal. El espectáculo toma el título del cuadro de Edward Hopper de una mujer sentada en una cama mirando el paso del tiempo.

La Zaranda, Teatro Inestable de Ninguna Parte, celebra sus cuarenta años con la cita anual en el Romea por voluntad de su hasta ahora director Josep Maria Pou y en atención al grupo de fans que les siguen desde hace tantos años. Y es que el teatro de La Zaranda es tan peculiar y diferente de todo lo que se puede ver sobre los escenarios... Un teatro despojado de artificios que hace de la sencillez virtud y que bebe de los clásicos sin representarlos. Un teatro en el que manda la creación de un mundo singular atravesado por una poética casi existencialista y habitado por perdedores. Unos personajes desubicados como los clowns de Beckett que no saben qué hacer ni cómo hacerlo pero que siguen con unas rutinas heredadas. Personajes de un gran patetismo como estos ángeles que ha imaginado Eusebio Calonge y que tanto podrían habitar un rincón de la picaresca española del Siglo de Oro como el barrio londinense de Mackie el Navaja, de La ópera de tres centavos, o los suburbios de una ciudad moderna. Por el espacio negro de Todos los ángeles alzaron el vuelo –ocupado solo por cuatro grandes libros viejos, que finalmente serán la lápida de los mártires, un somier, una caja de cervezas Imperial y bastantes mantas– transitan un atracador y camello llamado Virgilio (Gaspar Campuzano), la prostituta rumana Micaela (Ingrid Magrinyà), la también prostituta y yonqui Alacrana (Natalia Martínez), el proxeneta Paco Cadena (Enrique Frutos) y Ramonet (Francisco Sánchez), un pobre “tonto” que habla poco pero que cita a Shakespeare y Dostoievski.

Es lógico que una buena parte del público que va al teatro busque un entretenimiento con risas que no le haga pensar. Ya no es tan lógico que la cartelera se llene de este tipo de teatro obviando propuestas que invitan a hacerse preguntas y a hablar de lo que se ha visto. Como pueden imaginar con este preámbulo, Una pequeña distorsión es una propuesta de las segundas, como casi todo el teatro de Enric Nolla. Un teatro que rehúye la lógica convencional y se acerca a los rincones oscuros del ser humano, como queda patente en su debut dramatúrgico, Huracà (2000), pasando por Tratado de blancas (2001) y acabando con esta Una pequeña distorsión, en la que reflexiona sobre la creación de la masculinidad en nuestra sociedad, dejando bien claro con el título que es el mismo autor quien se plantea la cuestión. Y lo hace de la mano de un personaje de aquellos que cogen el puente aéreo en primera clase, que tienen un armario lleno de corbatas. Un triunfador pagado de sí mismo que desprecia a los débiles y que odia el fracaso en una clara crítica de un modelo de aires trumpistas. Y es que el teatro de Nolla no es inocuo ni amable, rehúye la obviedad y responde a la inquietud de quien se confronta con un mundo inaprensible a menudo abocado a la destrucción. Encontramos al protagonista en un lujoso ático con impresionantes vistas a la ciudad, mientras prepara el discurso que debe pronunciar en la fiesta de la empresa que acaba de premiarlo con la dirección de una delegación internacional.

Hace 28 años Pep Tosar comenzó una línea de creaciones alrededor de poetas con aquel fantástico La casa en obres en el que se acercaba a la vida y obra del mallorquín Blai Bonet, y que justamente el Teatre del Raval recuperará en diciembre para conmemorar los cien años de su nacimiento. Desde entonces, Tosar ha paseado su imaginario por la biografía y obra de Damià Huguet (Esquena de gabinet) –a quien ha dedicado la sala pequeña del teatro–, de Guillem d’Efak (Tots aquests dois), de Fernando Pessoa (El fingidor) y de Federico García Lorca con el espectáculo Federico García, estrenado en 2015 en el Teatre Romea y repuesto con la inauguración del nuevo Teatre del Raval.

Las masías y las casas solariegas catalanas son memoria de un tiempo y de un país. Son memoria de una sociedad, de una manera de vivir, de amar, de trabajar y, en consecuencia, memoria de aquellos que vivían allí y, a menudo, morían allí. Memoria de un campesinado.

Los suicidas dejan a menudo cartas de despedida que pueden explicar las razones de una decisión tan drástica. Lo hicieron escritores de la talla de Virginia Woolf, Stefan Zweig, Cesare Pavese y el mucho menos conocido Henri Roorda, autor de la obra que Mario Gas presenta en la Sala Beckett.

El teatro acostumbra a explicar historias, pero hay un teatro que además formula preguntas, que pide que el espectador se defina frente a aquello que está viendo o acaba de ver. Este es el caso de No mires, la nueva producción del colectivo de artes escénicas y audiovisuales Cultura i Conflicte. Una vez acabada la función, los espectadores pueden acceder a un cubículo instalado en el vestíbulo de la sala gótica de la Biblioteca de Catalunya y responder a las preguntas que han salido a lo largo de la propuesta. ¿Seguirías amando a tu padre si te enteraras de que había sido un torturador y asesino? ¿Tolerarías la tortura de alguien para salvar a tu hijo?

El estreno de La bella Helena en el Teatre Lliure dirigida por Pere Planella en 1979 constituyó el primer gran éxito popular de la compañía que había abierto el teatro de Gràcia hacía tres años con Camí de nit. La propuesta de Miquel Mas Fiol que conmemora los cincuenta años del Lliure se aleja de la opereta de Offenbach para construir un sentido y muy entretenido homenaje a los fundadores y a su manera de trabajar y vivir el teatro.

Dice la tradición que la esencia del teatro radica en un escenario con un intérprete y una silla. No hace falta nada más. Una idea que, si hay un teatro barcelonés que la explore, ese es el Heartbreak Hotel de Àlex Rigola, que hace virtud del minimalismo escénico. Vuelve ahora con el magnífico juego teatral que Sergi Belbel escribió hace ya unos años y que ganó dos premios (Ciutat de València 2022 y Premio de la Crítica de los escritores valencianos) pero que no se había estrenado nunca: Ella y máquina. Una actriz y un actor y una silla abrazados por la espléndida iluminación de Kiko Planas en un espacio vacío.

Todos los espectáculos del Cirque du Soleil se parecen, pero hay algunos que tienen algo que los hace especiales. Kurios. Gabinete de curiosidades es uno de ellos. Un espectáculo imaginativo como un cuento sin argumento, poblado de personajes muy sorprendentes y curiosos, como el hombre acordeón, el hombre batiscafo, el hombre máquina, los insectos robots y el científico inventor con aires del Franz de Copenhague del TBO. Una fantasía con toques mágicos que invita a entrar al laboratorio de este científico y descubrir que, como E.T., se puede volar con una bicicleta, incluso boca abajo (como hace la acróbata francesa Anne Weissbecker); que se puede ver un león invisible, o se puede corear al equilibrista inexistente Giuseppe para que salte del trapecio a la palangana de agua en el Circo Invisible del fantástico payaso argentino Facundo Giménez, que en el segundo acto ofrece un número de mimo animal muy divertido.

Una buena historia y un gran intérprete. No hace falta nada más para lograr una gran función de teatro. En este caso, es la historia de la infancia y la adolescencia del actor, director y literato Fernando Fernán Gómez adaptada por quien fue amigo y colaborador suyo durante años, José Sacristán. Un Sacristán que, hay que decirlo, con 88 años llena la platea con una dicción clara llena de matices que se escucha perfectamente hasta la última fila. Es el homenaje sincero y sentido a su amigo de un Sacristán que, a estas alturas de este camino que es la vida, ha hecho del teatro el territorio de realidad y placeres. Un Sacristán que no necesita grandes escenografías ni maquinaria teatral. Una silla y un cojín (que dice que era de su abuela), una especie de baúl, una lámpara y la caída de un trozo de telón que evocan un espacio de creación y de vida.

Los clásicos nos hablan de hoy y de nosotros. Nos hablan de las relaciones humanas, de la política, del poder, de quiénes somos, de cómo somos y de cómo nos relacionamos. El enemigo del pueblo de Henrik Ibsen y su protagonista, Thomas Stockman, son un palmario ejemplo. 144 años después de su publicación, la obra mantiene una rabiosa actualidad ligada, claro está, a los dilemas políticos que plantea. Y más aún: también está ligada a Brasil, donde la directora Christiane Jatahy sitúa la obra, y a la fidelidad a la verdad científica que defiende el médico Thomas Stockman a pesar de que implique la ruina de la comunidad, o la renuncia para preservar los intereses económicos de la sociedad.

Venezuela es el paradigma de los estados sudamericanos teóricamente ricos sometidos a las disyuntivas políticas históricas entre los espacios de izquierdas, que, envueltos en las banderas de la revolución, prometen y no dan, y los espacios de derechas abducidos por las reglas del máximo beneficio que prometen y tampoco dan, entre la defensa de la identidad —llaman patriotismo— y la venta al mejor postor. La Venezuela de hoy es la Venezuela entre, por un lado, la inoperante e incapaz dictadura chavista vendida a la mafia norteamericana por los albaceas de la utopía y, por otro, los cantos de sirena de una oposición liderada por una candidata que confiaba en la misma gang mafiosa que ni siquiera la deja volver a su país.

Roland Schimmelpfennig es uno de los autores alemanes más representados en el mundo y su obra ha ido asomando entre nosotros desde el estreno de La nit àrab (2006) en la Sala Beckett bajo la dirección de Toni Casares. Su teatro rehúye las convenciones dramáticas convencionales y, en consecuencia, explora nuevas formas de explicar la realidad. Lo hace a través de un juego de tensiones sociales y personales dentro de una narrativa hiperfragmentada y repetitiva, que ilustra muy bien el talante acelerado, nervioso, casi convulsivo de la sociedad actual. Todo ello está rebozado de un corrosivo humor. Se trata siempre de obras exigentes para los intérpretes pero también para los espectadores, confrontados a un devenir escénico donde la información, escasa pero suficiente, se mezcla admirablemente con un lirismo poético a menudo descarnado donde los personajes se sustraen a la lógica.

El culto a la belleza y la vanidad narcisista están hoy en día muy presentes en la sociedad a través del mundo de las redes. Eres en tanto que te ven. Y te tienen que ver siempre bien. No es pactar con el demonio para conservar la juventud, sino con los entrenadores personales y con las tiendas de ungüentos para acicalarse.

Alto, ágil, bien plantado, atractivo, furioso, violento, histriónico, bufonesco. Y sin joroba. Así es el Ricardo III de Shakespeare imaginado por Calixto Bieito que ha pasado por el Festival Grec en una producción de 2025 del Teatro San Martín de Buenos Aires, encabezada por el actor Joaquín Furriel, a quien Calixto Bieito ya había dirigido en 2010 en una versión de La vida es sueño de Calderón de la Barca.

Es fácil imaginar la sorpresa de la dramaturga y directora Lucía Carballal (Les Bàrbares, Los nuestros) cuando desde la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) le encargaron un texto que dialogara con la muy poco conocida obra de Calderón de la Barca El Castillo de Lindabridis. Se trata de una comedia fantástica en la que una princesa viaja con un castillo volador en busca de un marido que la haga reina tras la muerte de su padre. Hay que celebrar el talento y la habilidad de Carballal en este poderoso y brillante ejercicio de autoficción que habla del desamparo y de la herencia tanto emocional como física, tanto material como inmaterial.

La primera ley de Newton es el enunciado científico de la inmovilidad de un objeto si no hay una fuerza que lo empuje. Pasa con los objetos y también con nuestras vidas y con la política, porque si no hay quien empuje cambios reales las cosas siguen como están.