Venezuela es el paradigma de los estados sudamericanos teóricamente ricos sometidos a las disyuntivas políticas históricas entre los espacios de izquierdas, que, envueltos en las banderas de la revolución, prometen y no dan, y los espacios de derechas abducidos por las reglas del máximo beneficio que prometen y tampoco dan, entre la defensa de la identidad —llaman patriotismo— y la venta al mejor postor. La Venezuela de hoy es la Venezuela entre, por un lado, la inoperante e incapaz dictadura chavista vendida a la mafia norteamericana por los albaceas de la utopía y, por otro, los cantos de sirena de una oposición liderada por una candidata que confiaba en la misma gang mafiosa que ni siquiera la deja volver a su país.

Rosa Boladeras (Tarrasa, 1972) es una actriz movida por las pasiones. El entusiasmo la llevó de joven a hacer de los escenarios vocación y, desde entonces, se ha construido un larguísimo camino hecho de espectáculos y de proyectos televisivos que la han convertido en una de las intérpretes más destacadas de nuestro país. Después de estar siete años apartada del teatro para dedicarse a la política municipal, en el Ayuntamiento de Tarrasa, Boladeras vive ahora uno de los momentos de más reconocimiento de su trayectoria profesional gracias al premio Margarida Xirgu, que recibió el lunes en el Teatre Romea por su trabajo en el espectáculo Tengo un bosque en el cerebro, de Guadalupe Sáez y dirigido por Alícia Gorina en la Sala Beckett.

Roland Schimmelpfennig es uno de los autores alemanes más representados en el mundo y su obra ha ido asomando entre nosotros desde el estreno de La nit àrab (2006) en la Sala Beckett bajo la dirección de Toni Casares. Su teatro rehúye las convenciones dramáticas convencionales y, en consecuencia, explora nuevas formas de explicar la realidad. Lo hace a través de un juego de tensiones sociales y personales dentro de una narrativa hiperfragmentada y repetitiva, que ilustra muy bien el talante acelerado, nervioso, casi convulsivo de la sociedad actual. Todo ello está rebozado de un corrosivo humor. Se trata siempre de obras exigentes para los intérpretes pero también para los espectadores, confrontados a un devenir escénico donde la información, escasa pero suficiente, se mezcla admirablemente con un lirismo poético a menudo descarnado donde los personajes se sustraen a la lógica.

El eco de Pau Casals es internacional, pero no es tan conocido que en su éxito también contribuyó su hermano Enric. "Él fue el alma técnica de Pau Casals. Era quien orquestaba y también le hizo de empresario, de amigo, de director asistente", señala el director de escena Xavier Albertí. En alianza con el escritor Jordi Lara han levantado un espectáculo sobre la relación entre los dos hermanos Casals y sobre sus maneras de vivir el éxito. La obra se titula Les barques volen pel cel y se estrena el sábado en la iglesia de Santa Maria d'Àneu, dentro del festival Dansàneu. Después, en diciembre, se representará también en el Palau de la Música.

El culto a la belleza y la vanidad narcisista están hoy en día muy presentes en la sociedad a través del mundo de las redes. Eres en tanto que te ven. Y te tienen que ver siempre bien. No es pactar con el demonio para conservar la juventud, sino con los entrenadores personales y con las tiendas de ungüentos para acicalarse.

Alto, ágil, bien plantado, atractivo, furioso, violento, histriónico, bufonesco. Y sin joroba. Así es el Ricardo III de Shakespeare imaginado por Calixto Bieito que ha pasado por el Festival Grec en una producción de 2025 del Teatro San Martín de Buenos Aires, encabezada por el actor Joaquín Furriel, a quien Calixto Bieito ya había dirigido en 2010 en una versión de La vida es sueño de Calderón de la Barca.

Es fácil imaginar la sorpresa de la dramaturga y directora Lucía Carballal (Les Bàrbares, Los nuestros) cuando desde la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) le encargaron un texto que dialogara con la muy poco conocida obra de Calderón de la Barca El Castillo de Lindabridis. Se trata de una comedia fantástica en la que una princesa viaja con un castillo volador en busca de un marido que la haga reina tras la muerte de su padre. Hay que celebrar el talento y la habilidad de Carballal en este poderoso y brillante ejercicio de autoficción que habla del desamparo y de la herencia tanto emocional como física, tanto material como inmaterial.

Corea del Sur tiene una de las tasas de suicidio más altas del mundo, con 29,1 muertes por cada 100.000 habitantes, según datos de 2025. La directora surcoreana Jinyeob Lee quería llevar esta problemática al escenario y decidió hacerlo inspirándose en una de las prácticas tradicionales más arraigadas en el país: la de las buceadoras de la isla de Jeju, que practican inmersión a pulmón libre para recoger marisco. Partiendo de la técnica del buceo, Lee ideó el espectáculo Muljil, que ha llevado a cabo con la compañía Elephants Laugh y que se podrá ver este miércoles y jueves en el Teatre Lliure, dentro del festival Grec. La obra sitúa cuatro cubículos llenos de agua en el escenario. En cada uno se sumerge un intérprete con el agua hasta la nariz.

La cantante Aitana y Antonio Díaz, El Mago Pop, han adquirido el Teatre Aquitània de Barcelona, una sala de 326 butacas situada en la avenida de Sarrià, 33. Según han informado en un comunicado, el objetivo es "generar nuevas oportunidades para creadores profesionales del sector, favorecer la producción y exhibición de nuevos espectáculos y contribuir al fortalecimiento del tejido cultural de Barcelona". La programación estará centrada en "nuevas propuestas, nuevos públicos y nuevas generaciones de creadores".

La primera ley de Newton es el enunciado científico de la inmovilidad de un objeto si no hay una fuerza que lo empuje. Pasa con los objetos y también con nuestras vidas y con la política, porque si no hay quien empuje cambios reales las cosas siguen como están.

A pesar de que Barcelona ha fulminado este miércoles el récord de calor y el escenario del Teatro Griego se encuentra al aire libre, al actor argentino Joaquín Furriel (Lomas de Zamora, 1974) no le dan miedo las altas temperaturas de la ciudad. "Estrené mi primera obra de teatro cuando tenía 13 años, el 20 de diciembre en Buenos Aires, que es como actuar aquí en julio. Siempre que actúo con calor soy feliz, es una caricia para mi alma", destaca el intérprete. Él es el protagonista de La verdadera historia de Ricardo III, un espectáculo dirigido por Calixto Bieito que se representará este viernes y sábado dentro del festival Grec. La obra llega a Barcelona después de haber pasado por Madrid y Bilbao y de haber hecho temporada y gira nacional en Argentina con una acogida muy envidiable: durante dos meses y medio, el espectáculo se pudo ver de miércoles a domingo en el Teatro San Martín, que tiene una capacidad de 950 personas. Agotaron todas las entradas.

Todos los festivales son espacios creativos y lúdicos donde coinciden propuestas muy diversas que difícilmente se pueden ver en las temporadas regulares de los teatros. Diferencias que no solo tienen que ver con su calidad artística, sino con el objetivo, con la capacidad de producir emociones, de reflejarnos a nosotros y a la sociedad en la que vivimos o incluso simplemente entretenernos, pero también con los medios de producción para alzarlas y que muy a menudo reflejan otras diferencias culturales y económicas. No hace ni dos días, la sala Fabià Puigserver del Teatre Lliure recibía a Florentina Holzinger, una de las estrellas de la radicalidad europea, con un show (Ophelia’s got talent) en el que no se escatimaba nada y donde incluso salía un helicóptero de tamaño natural. Y tres días más tarde, en el pequeño Espai Lliure, una compañía mexicana nos acercaba una sencilla pero comprometida mirada política sobre la perversión del sistema capitalista en México, extensible por todas las sociedades deprimidas en la línea de lo que el escritor y periodista Eduardo Galeano analizó y denunció en Las venas abiertas de América Latina.Mi madre y el dinero plantea la dificultad, o casi la imposibilidad, de las clases bajas fuera del privilegiado Occidente para acceder a una vida digna, a pesar de que trabajen sin parar. Este es el caso real de Josefina Orlaineta, madre del actor y dramaturgo Anacarsis Ramos. ¿Por qué con 66 años y habiendo trabajado toda la vida mi madre vive en la pobreza?, se pregunta Ramos. Y de ahí que la convenciera para explicar su experiencia vital con el trabajo y el dinero. De modo que la emprendedora Josefina sumó a su historia laboral con más de cuarenta iniciativas comerciales el trabajo de actriz. ¡Y qué soltura tiene! Como si lo hubiera hecho toda la vida.

A Romeo Castellucci le interesa la construcción de la imagen y su manipulación con un fuerte componente estético y a menudo político. Un imaginario donde cabe lo más teatral, como hemos visto en Bros (Temporada Alta) y la trilogía sobre la Divina Comedia de Dante y Sobre el concepto de rostro, en el Hijo de Dios (Festival Grec), pero también en instalaciones performativas como Il terzo Reich (Temporada Alta) o esta Creer en las máscaras. El artista italiano crea una secuencia de objetos que entran y salen del impoluto espacio blanco de aire museístico de la sala Raval del CCCB rodeado de los espectadores enmascarados con máscaras humanas diferentes. Son objetos de una cierta cotidianidad (un vaso de leche, un ramo de flores, una jarra, una fotografía de Stan Laurel, un crucifijo...) que bautiza con nombres que no tienen nada que ver con ellos exhibiendo una lógica imposible, ya que la serie está pensada para la aparición final de una silla eléctrica como las que se usan en las ejecuciones de condenados a muerte y a la cual, ahora sí, se le llama por su nombre: silla. Una silla muy similar a la famosa serigrafía de Andy Warhol que puede o no provocar la reacción de los asistentes. Desde la mera observación hasta su utilización y al final su figurada destrucción. Cuarenta minutos de un poema visual muy propio del arte contemporáneo.

“El verano no empieza hasta que Parking Shakespeare estrena su obra en el parque de los Til·lers”. Este pensamiento que exterioriza la actriz de la compañía Ariadna Matas es un sentimiento compartido por el público. Con el de este año, la compañía de teatro representa por decimoséptimo año seguido una obra abierta al público en el Parc de l’Estació del Nord. Este verano es el turno de Hamlet y las cosas podridas, con dirección y versión de Roger Torns, una adaptación libre de la obra más conocida del Bardo de Avon que comenzará este jueves día 9 a las 19 h y se podrá ver de jueves a lunes hasta el 3 de agosto.Como una aparición mística del padre de Hamlet, Parking Shakespeare vuelve después de conseguir el año pasado con Cimbelino más de 5.000 personas de público en todo el verano. De una de las obras menos reconocidas del dramaturgo a una de las tragedias más aclamadas de todos los tiempos como es Hamlet. A pesar de que el parque se encuentre en obras, la compañía podrá interpretar la función con normalidad en un espacio circular perfecto para la representación escénica. Roger Torns, director del montaje, expresa cómo ha sido el proceso de adaptar una de las obras más oscuras de William Shakespeare para un entorno muy distendido. “El parque permite ligereza, porque a veces nos olvidamos de que antes la gente entraba y salía del teatro cuando quería”, recuerda Torns. El actor y director también ha remarcado que el hecho de representarlo en un espacio abierto “quita el peso de tener que hacer un Shakespeare, con todo lo que comporta”.Llevar Shakespeare a los parques

Hace diecisiete años que la compañía escoge una obra del dramaturgo inglés para llevarla a las calles y acercarla a la gente. Su creador, el actor Pep Garcia-Pascual, explica que se inspiró en la manera que observó en Dublín de representar obras de Shakespeare en los parques públicos. Este modus operandi les ha llevado a interpretar teatro en el extranjero, haciendo una función el año pasado en un festival de teatro en Rumanía. Incluso, Pascual llevó el teatro en catalán leyendo unos versos en el Globe Theatre, la reconstrucción del teatro original de William Shakespeare en Londres. La compañía también simboliza una oportunidad para el talento joven catalán que a menudo no tiene tantos espacios donde hacerse oír. Por esta razón, decidieron hacer un casting abierto donde se presentaron más de 200 personas para encarnar a los personajes.La parte oculta de Hamlet

Con todas las interpretaciones que ha dado pie y todos los momentos existenciales que contiene Hamlet, también encontramos una parte de commedia dell'arte. Como en todas las obras de Shakespeare, comedia y tragedia se funden en un solo compuesto para hacer oscilar las emociones del público como si fuera una montaña rusa y pasar, rápidamente, de la burla a la lágrima. Roger Torns reivindica este componente oculto de Hamlet. “No deja de tener su parte cómica, nuestra versión también tiene un poco de una obra de espías”, resalta el actor. “Las cosas podridas” que da título a la representación hace referencia, según Torns, a “la estructura contra la cual tiene que luchar Hamlet: la hegemonía masculina impuesta, el patriarcado donde todos tenemos que vivir en un estado de vigilancia constante”.El hilo narrativo de la obra lo llevará el personaje de Horacio, interpretado por Ariadna Matas, que sigue la demanda que le hace el príncipe de Dinamarca al final de la obra original de explicar su historia, plasmándolo en la tragedia que todo el mundo conoce. Parking Shakespeare repite un año más y, como expresa Roger Torns, “espera poder continuar emocionando al público como otros veranos”. La función tendrá una duración de una hora y veinticinco minutos.

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El festival Grec busca cada año a los creadores más en boga de la escena internacional para llevarlos a Barcelona y convertirse, así, en un escaparate de los espectáculos más celebrados en todo el mundo. En la edición de este año, uno de estos nombres es el de la artista sudafricana Ntando Cele (Durban, 1980), que ha aterrizado en la capital catalana con dos propuestas en la maleta: Wasted land (que se representa en el Teatre Lliure este viernes y sábado) y SPAfrica (que se verá este martes y miércoles en el Centre de les Arts Lliures).

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El título de la nueva propuesta de Oriol Puig Grau, autor del celebrado Karaoke Elusia, contiene el misterio que anida detrás de las cartas del tarot. Especialmente, este misterio hace referencia a la carta de la Torre, que en general se interpreta como la ira divina que anuncia una catástrofe, el caos y la ruina. Aun así, también puede tener un sentido positivo: remover a la persona para sacarla de su comodidad y hacer que se confronte con el mundo. El número dieciséis de los arcanos mayores se alza sobre la primera interpretación. La obra de Oriol Puig Grau plantea una especie de investigación periodística sobre la historia de una casa aislada y herida por un rayo. En el edificio, situado en las afueras de un pueblo, la juventud hacía raves, y estaba habitado por una misteriosa mujer rusa.

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El dramaturgo, director y actor mexicano Anacarsis Ramos (Campeche, 1996) trabaja desde que tiene memoria. Nacido en una familia de vendedores, durante su infancia y adolescencia vio cómo desfilaban por casa decenas de negocios sin que ninguno acabara de arraigar. Su madre, Josefina Orlaineta, ha tenido más de 40 trabajos diferentes –la mayoría de los cuales implicaban usar la casa de almacén o de obrador–, y todo ello hizo que la economía doméstica fuera un elemento indisoluble de su día a día. Con toda esta experiencia, Ramos ha construido un espectáculo que ha titulado Mi madre y el dinero, y que da a la madre un nuevo trabajo: el de intérprete. El espectáculo ha pasado por Bélgica, Grecia, Canadá y Alemania, y ahora se verá en el Espai Lliure el martes 7 y el miércoles 8 de julio, dentro del Festival Grec.

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¿Qué hacemos con el amor cuando una relación se acaba? ¿Se puede mantener a la expareja cerca aunque el vínculo haya cambiado? El dramaturgo y director de teatro Jumon Erra asegura que si hace un espectáculo "es para enseñar las cosas difíciles, no las fáciles". Por eso el motor que alimenta su nuevo musical, titulado Després de nosaltres, es precisamente qué hacer con alguien a quien quieres mucho, pero con quien ya no puedes tener una relación sentimental. El espectáculo es una coproducción del Grec con La Santa Pepa y el Teatre Texas y se representará en esta sala del 30 de julio al 2 de agosto. En otoño volverá justo cuando arranque la temporada, del 22 de septiembre hasta el 15 de noviembre.

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Florentina Holzinger es una de las voces más atrevidas del teatro europeo con propuestas que, visto lo visto en este Ophelia’s got talent, muestran influencias del teatro radical de La Fura dels Baus de hace unos cuantos años y paralelismos con el trabajo de Angélica Liddell o de la brasileña Carolina Bianchi. Pero, a mi parecer, evocan por contenido y dramaturgia, o más bien por su ausencia, el llamado teatro de variedades norteamericano de finales del siglo XIX y principios del XX, convenientemente puesto al día. Un entretenimiento muy popular en el que, uno detrás de otro, se van presentando números musicales, de danza, de acrobacia, de faquirismo, de ilusionismo, de humor, con participación del público e, incluso, rarezas biológicas introducidas por un presentador o presentadora. Este tipo de espectáculos se adaptaron a la televisión después de la Segunda Guerra Mundial.

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El recurso de utilizar un título conocido como reclamo en propuestas que giran alrededor de obras populares es legítimo, pero en el caso de este Sueño de una noche de verano pienso que es, sobre todo, un acto de honestidad y de reconocimiento de que la dramaturgia de Àlex Rigola es deudora del genio de Shakespeare y de la excelente traducción de Salvador Oliva, a pesar de que de uno y de otro quede muy poco. Poco, pero fundamental. Porque lo que ha imaginado Rigola es una performance dinámica, jovial, atrevida y, a la vez, muy delicada sobre el amor, uno de los temas –quizás el principal– de la comedia de hadas del gran bardo.

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