Es fácil imaginar la sorpresa de la dramaturga y directora Lucía Carballal (Les Bàrbares, Los nuestros) cuando desde la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) le encargaron un texto que dialogara con la muy poco conocida obra de Calderón de la Barca El Castillo de Lindabridis. Se trata de una comedia fantástica en la que una princesa viaja con un castillo volador en busca de un marido que la haga reina tras la muerte de su padre. Hay que celebrar el talento y la habilidad de Carballal en este poderoso y brillante ejercicio de autoficción que habla del desamparo y de la herencia tanto emocional como física, tanto material como inmaterial.

La primera ley de Newton es el enunciado científico de la inmovilidad de un objeto si no hay una fuerza que lo empuje. Pasa con los objetos y también con nuestras vidas y con la política, porque si no hay quien empuje cambios reales las cosas siguen como están.

El título de la nueva propuesta de Oriol Puig Grau, autor del celebrado Karaoke Elusia, contiene el misterio que anida detrás de las cartas del tarot. Especialmente, este misterio hace referencia a la carta de la Torre, que en general se interpreta como la ira divina que anuncia una catástrofe, el caos y la ruina. Aun así, también puede tener un sentido positivo: remover a la persona para sacarla de su comodidad y hacer que se confronte con el mundo. El número dieciséis de los arcanos mayores se alza sobre la primera interpretación. La obra de Oriol Puig Grau plantea una especie de investigación periodística sobre la historia de una casa aislada y herida por un rayo. En el edificio, situado en las afueras de un pueblo, la juventud hacía raves, y estaba habitado por una misteriosa mujer rusa.

Bertolt Brecht y Kurt Weill pensaron La ópera de tres centavos en un contexto concreto, el Londres victoriano, y en un espacio físico determinado, los bajos fondos del Soho, habitado por traidores, asesinos, prostitutas y explotadores. Las versiones que hemos conocido entre nosotros —la de Mario Gas estrenada en el Teatro Romea en 1984 y la de Calixto Bieito estrenada justamente en el Festival Grec del 2002—, variaban el contexto pero mantenían el espacio físico. Sobre todo, mantenían las características que definen a los personajes (desde la presencia escénica hasta el vestuario) y la brutalidad de la sociedad capitalista que describen y satirizan.

La nueva etapa del Teatre del Raval bajo la dirección de Pep Tosar y Evelyn Arévalo camina sobre la premisa de la excelencia artística y del compromiso humanístico. Así quedó patente con el magnífico espectáculo inaugural sobre Federico García Lorca que justo acabó sus funciones el pasado viernes y al que ha cogido el relevo El enterrador. Es un monólogo escrito por Gerard Vázquez e interpretado por Pepe Zapata que ha recorrido buena parte de España y que habla de las fosas franquistas a través de la historia real de Leonci Badia Navarro, más conocido como el enterrador de Paterna.

Peeping Tom era una compañía de danza-teatro con dos cabezas que trabajaban conjuntamente: la argentina Gabriela Carrizo y el francés Frank Chartier. Ahora sigue siendo una compañía de danza-teatro, pero cada espectáculo está comandado por uno de los dos creadores y fundadores. Hace dos años vimos en la Sala Gran del TNC la versión más teatral de Peeping Tom (S 62°58’, W 60°39’) donde la danza física, casi acrobática que caracterizaba las propuestas de la compañía, prácticamente había desaparecido.

La madre y el hijo que protagonizan esta Dinamarca de Lluïsa Cunillé, publicada en 2017 (Arola Editors) pero escrita en 2014 —cuando el rey español abdicaba para eludir las responsabilidades con Hacienda—, son los clásicos personajes cotidianos de la autora: gente sin nombre que se arrastran por la vida sin esperar de ella casi nada. Cunillé los refleja sin expresarlo en el príncipe Hamlet y su madre Gertrudis de la gran tragedia de Shakespeare. Una madre y un hijo en una humilde casita en Copenhague con tresillo de teatro burgués en medio y con moscas (algo huele a podrido). Ella duerme delante del televisor y el hijo llega.

He aquí una obra que es un desafío tanto para el público como lo debió ser para la dramaturga británica Ella Hickson cuando desde el Almeida Theatre de Londres le encargaron una pieza escrita con total libertad. Hickson se lo tomó muy en serio, dejando salir los conflictos que, como dramaturga, debe afrontar en un sistema teatral británico cada vez más abocado a las propuestas rentables que inciden poco o nada en el mundo real.

Las botellas de Fanta de limón sobre las mesas en el habitual refrigerio que el Lliure ofrece después de los estrenos resultaban muy adecuadas para esta propuesta de aire escolar muy bien conducida por una empática Olga Onrubia, corifeo y cicerone de una entretenida mirada sobre el clásico de Sófocles pero ausente del necesario pathos. Es una propuesta que la dirección de Andrea Jiménez ha poblado de ocurrencias con poca justificación dramática, como sustituir al viejo ciego Tiresias por una niña heredera de su poder de predicción, reducir a la nada el personaje de Eurídice o tratar a una Ismene vestida por su peor enemigo de actriz que no sabe en qué obra está.

El teatro de Cabosanroque (Laia Torrents y Roger Aixut) ha rehuido las convenciones teatrales orientándose hacia propuestas visuales y sonoras de muy difícil calificación. Un teatro performativo que desarrolla artefactos musicovisuales jugando con los tempos y las métricas, con el sonido y el silencio en partituras plenamente contemporáneas y espacios escénicos de fuerte plasticidad. En su territorio creativo hay una deliberada ausencia de la literatura, si bien han hecho espectáculos sobre Verdaguer, Rodoreda y Brossa con escasa presencia humana. Esto cambia en Mil tres, say cheese, una especie de estimulante ópera contemporánea basada en el personaje de Don Juan y en la música de Mozart.

La educación no es solo uno de los grandes temas de las políticas públicas, sujeto a cambios demasiado constantes que no facilitan el funcionamiento de las escuelas y acaban influyendo negativamente en los resultados escolares de los niños. Es también un problema angustioso al que se enfrentan todos los padres y madres cuando tienen que decidir dónde y cómo encaminar la educación de los hijos o hijas con la esperanza de que quien acierta, acierta.

La novela histórica o falsa biografía del emperador romano Adriano es el libro más conocido y leído de la escritora belga Marguerite Yourcenar. La novela saltó al teatro de la mano del director italiano Maurizio Scaparro en 1989 y pocos años después se vio en la versión castellana de Julio Cortázar, también con dirección de Scaparro, en el Teatre Grec de Barcelona. Ahora el espectáculo vuelve a los escenarios con una dramaturgia de Brenda Escobedo y con el fantástico protagonismo de un Lluís Homar a quien el papel le sienta como anillo al dedo. Las reflexiones de Adriano/Yourcenar sobre la política, las guerras, la belleza y la muerte componen un fresco humano que el virtuoso Lluís Homar traslada combinando delicadeza con profundidad, seguridad con tierna melancolía. 

Abecedario es el segundo trabajo de creación de un joven tándem de artistas que impactaron con su primer espectáculo en el Maldà y que esta temporada son residentes de la Beckett. Nodi: de perros y malditos ya miraba hacia atrás, en concreto a la contracultura de los años setenta del siglo pasado, y este Abecedario sigue fijándose en el pasado. En este caso, en el filósofo francés Gilles Deleuze. Esto, al menos, era el punto de partida del espectáculo. Pero en el proceso la cosa se fue enredando y muy poco quedó del abecedario de aquel filósofo que con setenta años saltó desde la ventana de su piso en París y dejó la grabación de una larga entrevista donde cada letra evocaba un concepto.

Giovanni’s room figura en el segundo lugar de la lista de las 100 mejores novelas de temática gay y lésbica, que elaboró The Publishing Triangle en 1999 y que está encabezada por Muerte en Venecia. Parece lógico, tratándose de una novela de un escritor, James Baldwin (Harlem, Nueva York, 1924 - Saint Paul, Francia, 1987), que en 1956 reivindicaba la normalidad de las relaciones homosexuales en unos Estados Unidos donde hasta 2003 no se despenalizó la sodomía.

Hay que calentarse antes de empezar. Y si estás calentándote, más vale que sigas calentándote porque si lo dejaras deberías volver a empezar. Y esto siempre es difícil. Lo dice la bailaora Rocío Molina, y por eso, mientras los espectadores se sientan en las butacas y no paran de charlar, ella hace ejercicios sobre una colchoneta en medio del escenario vacío. Y por eso cuando después de dos horas de apoteosis de tacones, del saludo del resto de la compañía y de un entregado aplauso con toda la platea de pie y sin querer irse, ella seguirá taloneando mientras suena elAchilipú de Dolores Vargas, la Terremoto.

Sol Picó cierra una etapa con su primer espectáculo en la Sala Gran del Teatre Nacional. Un espectáculo que es despedida o, como dice ella, transformación. Y llega con un apocalipsis personal lleno de fuerza, entrega y magníficas coreografías.

Tierno es una especie de striptease emocional de una pareja de artistas. "Tú ocupas más espacio", le dice Judit Colomer a Pau Vinyals. Y es cierto. Él es la mesa y ella la silla del salón de casa, nos dicen. Puede ser o no estar así en el domicilio real, pero lo es, y seguro, en el protagonismo de este espectáculo de creación promovido por ambos. Quizá se deba a que ella es una buena escenógrafa pero una actriz debutante y él un buen actor con notable trayectoria. Quizás porque ella es más sólida y madura emocionalmente y él es más juguetón, desenvuelto, gracioso, le gusta desnudarse emocionalmente y lucir calzoncillos. Quizás es que, al fin, él representa el sempiterno barón dominante que explica cómo se conocieron sin que ella diga nada y cuando ella quiere hablar no deja de interrumpirla. Quizá sea así porque él necesita explicarse y explicarnos su bisexualidad.

La directora francesa Séverine Chavrier, a la que conocimos hace cuatro años con Ylos nuevos donde olvidara (la adaptación deEl horno de cal de Thomas Bernhard), ha vuelto al Teatre Nacional de Catalunya. Y lo ha hecho con una adaptación muy libre de una de las obras más celebradas pero también de las más complejas de William Faulkner, ¡Absalon, Absalon! Faulkner narra el ascenso y caída de Thomas Sutpen, un niño pobre del Misisipi de principios del siglo XIX que alcanzará la riqueza y se convertirá en un tirano esclavista en busca de reconocimiento social.

La princesa francesa Margarita de Anjou es un personaje bastante importante de la historia de Inglaterra. Casada por poderes a los 16 años con Enrique VI, se convirtió en una reina poderosa que destacó por su inteligencia y habilidades políticas pero también por su inquebrantable coraje, que, como dijo Edward Hall, la hacía "más parecida a un hombre que a una mujer". Por lo que respecta al teatro, es un personaje secundario de cuatro obras de William Shakespeare (las tres partes deEnrique VI y, sobre todo, Ricardo III), todas ellas documentadas a partir de Las crónicas de Holinshed (Crónicas de Inglaterra, Escocia e Irlanda), escritas entre 1528 y 1580. "Loba de Francia, si no peor que los lobos de Francia", dice el duque de Suffolk en una de ellas.

"¿Por qué? ¿Por qué?" Y hasta más de 20 porqués. Aquella niña de siete años que en la playa obviaba las palabras de su padre para que no se adentrara en el mar y acaba rescatada en medio de una plaga de medusas se ha ido. "¿Por qué? ¿Por qué?" La distancia es una distopía del director y dramaturgo Tiago Rodrigues sobre el miedo a los padres por el futuro de los hijos y también sobre la esperanza de un mundo nuevo que deje atrás el desastre de nuestra humanidad. La hija se embarca en una misión espacial en Marte, en la que se está edificando una nueva sociedad que, para prosperar, debe olvidar el pasado. Olvidarlo todo. Olvidar la Tierra, aunque quieran conservar el aceite de oliva hecho sin aceitunas. Y la hija se ha comprometido en esta aventura sin regreso.