Arthur Miller (Nueva York, 1915 - Roxbury, Connecticut, 2005) es uno de los dramaturgos más punzantes del teatro realista del siglo XX en los Estados Unidos. Su obra Panorama desde el puente no pierde actualidad: el tema de la inmigración irregular está muy vivo entre nosotros y también en los Estados Unidos de Donald Trump, con una policía de inmigración (ICE) tan temida y salvaje como en los años cincuenta, cuando Miller sitúa esta historia.

Tras los éxitos alcanzados con las dos entregas deEscape Room y con los textos escritos para Joan Pera (El padre de la novia y Júnior), el Joel Joan dramaturgo ratifica su devoción por la comedia de entretenimiento. Lo hace en los parámetros que expresaba hace unos días Eugenio Barba en el acto inaugural del curso del Institut del Teatre, donde afirmó que la misión del teatro es entretener (algo muy diferente de lo que Ingmar Bergman sostenía al inicio de Fanny y Alexander, cuando sobre la cara del niño que mira el teatrillo leíamos: "No solo para entretener"). Barba, fundador y alma del Odin Teatret, recordaba que el teatro moderno nace cuando una compañía pone a la venta las entradas de un espectáculo, y decía: "Primero hay que vivir, porque si no no hay teatro ni arte".

Por más que el imaginario audiovisual se mueva ampliamente alrededor de historias traumáticas y violentas, la mayor parte de la gente tiene una vida normal. Y eso significa una vida familiar, laboral y sentimental con momentos dulces y momentos amargos, con sobresaltos pero sin otros terremotos que los que puedan sacudir la salud. Y Charlotte, protagonista de Morning sun, es parte de esta gente normal. El espectáculo toma el título del cuadro de Edward Hopper de una mujer sentada en una cama mirando el paso del tiempo.

Hace 28 años Pep Tosar comenzó una línea de creaciones alrededor de poetas con aquel fantástico La casa en obres en el que se acercaba a la vida y obra del mallorquín Blai Bonet, y que justamente el Teatre del Raval recuperará en diciembre para conmemorar los cien años de su nacimiento. Desde entonces, Tosar ha paseado su imaginario por la biografía y obra de Damià Huguet (Esquena de gabinet) –a quien ha dedicado la sala pequeña del teatro–, de Guillem d’Efak (Tots aquests dois), de Fernando Pessoa (El fingidor) y de Federico García Lorca con el espectáculo Federico García, estrenado en 2015 en el Teatre Romea y repuesto con la inauguración del nuevo Teatre del Raval.

Las masías y las casas solariegas catalanas son memoria de un tiempo y de un país. Son memoria de una sociedad, de una manera de vivir, de amar, de trabajar y, en consecuencia, memoria de aquellos que vivían allí y, a menudo, morían allí. Memoria de un campesinado.

Los suicidas dejan a menudo cartas de despedida que pueden explicar las razones de una decisión tan drástica. Lo hicieron escritores de la talla de Virginia Woolf, Stefan Zweig, Cesare Pavese y el mucho menos conocido Henri Roorda, autor de la obra que Mario Gas presenta en la Sala Beckett.

Todos los espectáculos del Cirque du Soleil se parecen, pero hay algunos que tienen algo que los hace especiales. Kurios. Gabinete de curiosidades es uno de ellos. Un espectáculo imaginativo como un cuento sin argumento, poblado de personajes muy sorprendentes y curiosos, como el hombre acordeón, el hombre batiscafo, el hombre máquina, los insectos robots y el científico inventor con aires del Franz de Copenhague del TBO. Una fantasía con toques mágicos que invita a entrar al laboratorio de este científico y descubrir que, como E.T., se puede volar con una bicicleta, incluso boca abajo (como hace la acróbata francesa Anne Weissbecker); que se puede ver un león invisible, o se puede corear al equilibrista inexistente Giuseppe para que salte del trapecio a la palangana de agua en el Circo Invisible del fantástico payaso argentino Facundo Giménez, que en el segundo acto ofrece un número de mimo animal muy divertido.

Los clásicos nos hablan de hoy y de nosotros. Nos hablan de las relaciones humanas, de la política, del poder, de quiénes somos, de cómo somos y de cómo nos relacionamos. El enemigo del pueblo de Henrik Ibsen y su protagonista, Thomas Stockman, son un palmario ejemplo. 144 años después de su publicación, la obra mantiene una rabiosa actualidad ligada, claro está, a los dilemas políticos que plantea. Y más aún: también está ligada a Brasil, donde la directora Christiane Jatahy sitúa la obra, y a la fidelidad a la verdad científica que defiende el médico Thomas Stockman a pesar de que implique la ruina de la comunidad, o la renuncia para preservar los intereses económicos de la sociedad.

Roland Schimmelpfennig es uno de los autores alemanes más representados en el mundo y su obra ha ido asomando entre nosotros desde el estreno de La nit àrab (2006) en la Sala Beckett bajo la dirección de Toni Casares. Su teatro rehúye las convenciones dramáticas convencionales y, en consecuencia, explora nuevas formas de explicar la realidad. Lo hace a través de un juego de tensiones sociales y personales dentro de una narrativa hiperfragmentada y repetitiva, que ilustra muy bien el talante acelerado, nervioso, casi convulsivo de la sociedad actual. Todo ello está rebozado de un corrosivo humor. Se trata siempre de obras exigentes para los intérpretes pero también para los espectadores, confrontados a un devenir escénico donde la información, escasa pero suficiente, se mezcla admirablemente con un lirismo poético a menudo descarnado donde los personajes se sustraen a la lógica.

Es fácil imaginar la sorpresa de la dramaturga y directora Lucía Carballal (Les Bàrbares, Los nuestros) cuando desde la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) le encargaron un texto que dialogara con la muy poco conocida obra de Calderón de la Barca El Castillo de Lindabridis. Se trata de una comedia fantástica en la que una princesa viaja con un castillo volador en busca de un marido que la haga reina tras la muerte de su padre. Hay que celebrar el talento y la habilidad de Carballal en este poderoso y brillante ejercicio de autoficción que habla del desamparo y de la herencia tanto emocional como física, tanto material como inmaterial.

La primera ley de Newton es el enunciado científico de la inmovilidad de un objeto si no hay una fuerza que lo empuje. Pasa con los objetos y también con nuestras vidas y con la política, porque si no hay quien empuje cambios reales las cosas siguen como están.

El título de la nueva propuesta de Oriol Puig Grau, autor del celebrado Karaoke Elusia, contiene el misterio que anida detrás de las cartas del tarot. Especialmente, este misterio hace referencia a la carta de la Torre, que en general se interpreta como la ira divina que anuncia una catástrofe, el caos y la ruina. Aun así, también puede tener un sentido positivo: remover a la persona para sacarla de su comodidad y hacer que se confronte con el mundo. El número dieciséis de los arcanos mayores se alza sobre la primera interpretación. La obra de Oriol Puig Grau plantea una especie de investigación periodística sobre la historia de una casa aislada y herida por un rayo. En el edificio, situado en las afueras de un pueblo, la juventud hacía raves, y estaba habitado por una misteriosa mujer rusa.

Bertolt Brecht y Kurt Weill pensaron La ópera de tres centavos en un contexto concreto, el Londres victoriano, y en un espacio físico determinado, los bajos fondos del Soho, habitado por traidores, asesinos, prostitutas y explotadores. Las versiones que hemos conocido entre nosotros —la de Mario Gas estrenada en el Teatro Romea en 1984 y la de Calixto Bieito estrenada justamente en el Festival Grec del 2002—, variaban el contexto pero mantenían el espacio físico. Sobre todo, mantenían las características que definen a los personajes (desde la presencia escénica hasta el vestuario) y la brutalidad de la sociedad capitalista que describen y satirizan.

La nueva etapa del Teatre del Raval bajo la dirección de Pep Tosar y Evelyn Arévalo camina sobre la premisa de la excelencia artística y del compromiso humanístico. Así quedó patente con el magnífico espectáculo inaugural sobre Federico García Lorca que justo acabó sus funciones el pasado viernes y al que ha cogido el relevo El enterrador. Es un monólogo escrito por Gerard Vázquez e interpretado por Pepe Zapata que ha recorrido buena parte de España y que habla de las fosas franquistas a través de la historia real de Leonci Badia Navarro, más conocido como el enterrador de Paterna.

Peeping Tom era una compañía de danza-teatro con dos cabezas que trabajaban conjuntamente: la argentina Gabriela Carrizo y el francés Frank Chartier. Ahora sigue siendo una compañía de danza-teatro, pero cada espectáculo está comandado por uno de los dos creadores y fundadores. Hace dos años vimos en la Sala Gran del TNC la versión más teatral de Peeping Tom (S 62°58’, W 60°39’) donde la danza física, casi acrobática que caracterizaba las propuestas de la compañía, prácticamente había desaparecido.

La madre y el hijo que protagonizan esta Dinamarca de Lluïsa Cunillé, publicada en 2017 (Arola Editors) pero escrita en 2014 —cuando el rey español abdicaba para eludir las responsabilidades con Hacienda—, son los clásicos personajes cotidianos de la autora: gente sin nombre que se arrastran por la vida sin esperar de ella casi nada. Cunillé los refleja sin expresarlo en el príncipe Hamlet y su madre Gertrudis de la gran tragedia de Shakespeare. Una madre y un hijo en una humilde casita en Copenhague con tresillo de teatro burgués en medio y con moscas (algo huele a podrido). Ella duerme delante del televisor y el hijo llega.

He aquí una obra que es un desafío tanto para el público como lo debió ser para la dramaturga británica Ella Hickson cuando desde el Almeida Theatre de Londres le encargaron una pieza escrita con total libertad. Hickson se lo tomó muy en serio, dejando salir los conflictos que, como dramaturga, debe afrontar en un sistema teatral británico cada vez más abocado a las propuestas rentables que inciden poco o nada en el mundo real.

Las botellas de Fanta de limón sobre las mesas en el habitual refrigerio que el Lliure ofrece después de los estrenos resultaban muy adecuadas para esta propuesta de aire escolar muy bien conducida por una empática Olga Onrubia, corifeo y cicerone de una entretenida mirada sobre el clásico de Sófocles pero ausente del necesario pathos. Es una propuesta que la dirección de Andrea Jiménez ha poblado de ocurrencias con poca justificación dramática, como sustituir al viejo ciego Tiresias por una niña heredera de su poder de predicción, reducir a la nada el personaje de Eurídice o tratar a una Ismene vestida por su peor enemigo de actriz que no sabe en qué obra está.

El teatro de Cabosanroque (Laia Torrents y Roger Aixut) ha rehuido las convenciones teatrales orientándose hacia propuestas visuales y sonoras de muy difícil calificación. Un teatro performativo que desarrolla artefactos musicovisuales jugando con los tempos y las métricas, con el sonido y el silencio en partituras plenamente contemporáneas y espacios escénicos de fuerte plasticidad. En su territorio creativo hay una deliberada ausencia de la literatura, si bien han hecho espectáculos sobre Verdaguer, Rodoreda y Brossa con escasa presencia humana. Esto cambia en Mil tres, say cheese, una especie de estimulante ópera contemporánea basada en el personaje de Don Juan y en la música de Mozart.

La educación no es solo uno de los grandes temas de las políticas públicas, sujeto a cambios demasiado constantes que no facilitan el funcionamiento de las escuelas y acaban influyendo negativamente en los resultados escolares de los niños. Es también un problema angustioso al que se enfrentan todos los padres y madres cuando tienen que decidir dónde y cómo encaminar la educación de los hijos o hijas con la esperanza de que quien acierta, acierta.