Recuerdo inevitable de una función bastante significativa en la historia del Teatre Lliure y propuesta de futuro con una joven compañía. La noche de las tríbadas (o sea, lesbianas) se estrenó en 1978 bajo la dirección de Fabià Puigserver y con Anna Lizaran, Quim Lecina, Domènec Reixach y Muntsa Alcañiz, quien asistió al estreno de la nueva propuesta en el romántico Teatre de Sarrià y que al terminar la función recibió una flor de manos del director, Oriol Broggi.

Elimposible es la palabra con la que Tiago Rodrigues designa el espacio geográfico indefinible pero real en el que se internan los trabajadores de las organizaciones humanitarias. Un espacio opuesto al posible, que es aquél de donde provienen y donde vuelven al finalizar cada misión y es el espacio donde vivimos los habitantes del Primer Mundo.

Joel Juan lloraba. Lloraba al saludar. Unas lágrimas provocadas no sabemos si por el monólogo final de Sonia sobre la inabarcable resiliencia y la fe en la otra vida o bien por la liberación emocional que sintió después de hora y media de viaje con los ocho personajes de El tío Vania de Chéjov.

Argos era el nombre del perro de Ulises. Sólo él le reconoció cuando regresó a casa disfrazado de vagabundo después de veinte años de odiseas guerreras. Vera (una soberbia Ariella Reggio) es una mujer mayor enferma de Alzheimer que huyó de Pula (Istria) después de la Segunda Guerra Mundial. Y York es el nombre del perro que tenía cuando era pequeña. Un perro, que como Argos, es símbolo del hogar y de la tierra a la que ahora regresa en un viaje en coche que ha preparado su fila Beatrice (Maria Ariis) para conocer algo aparentemente tan sencillo como la fecha de nacimiento de la madre. La madre, la hija y la limpia Clara (Lucia Limonta) realizan un viaje que las confronta con el pasado y la memoria, con el silencio que rodea siempre el exilio. Tres generaciones, tres vidas, tres caracteres y muchos kilómetros de cartera en un destartalado coche para digerir el pasado y el presente, para poner luz a lo desconocido.

El futuro de nuestros hijos es una de las grandes preocupaciones actuales de la humanidad en un mundo dominado por la incertidumbre y al que están arrebatando todas las iniciativas de sostenibilidad. El 1 de enero de 2023 la Unión Europea otorgaba la calidad de energía verde a la nuclear. A principios de febrero del 2026 Donald Trump eliminaba las limitaciones contra los gases del efecto invernadero y expiraba sin renovación el acuerdo entre Rusia y Estados Unidos sobre la proliferación de armas nucleares. El medio ambiente lo tiene jodido y la irresponsabilidad de quienes toman estas decisiones afectará evidentemente a los hijos de toda la humanidad, como nos viene a decir la prestigiosa dramaturga británica Lucy Kirkwood con Los hijos (The children), una obra estrenada en el Royal Court Theatre de Londres en 2017 y que nos llega en una magnífica traducción de Cristina Genebat y en unas memorables interpretaciones de Mercè Aránega, Emma Vilarasau y Jordi Boixaderas.

Una canción lejana es una de esas propuestas en las que todos los elementos se conjuran con un resultado espléndido. Una perla en el pequeño y cálido espacio de Dau al Sec que evidencia que no se necesitan aspavientos para emocionar. Ciertamente, es un monólogo. Un monólogo acentuado por el humanístico texto del dramaturgo británico Simon Stephens, por las breves y delicadas frases jazzísticas de Mark Eitzel –conocido como líder de la banda American Music Club–, por la exigente dirección de Oscar Fabrés y, claro, por la emocionante interpretación de Eduardo Lanoras, de todo Eduardo Lloveras envuelto por una iluminación con cálidas texturas (Sergio García).

Carai con Los Piratas! Reducir la trilogía La villeggiatura del gran Carlo Goldoni a 90 minutos conservando todo el aliento, la diversión y la crítica del original no debe ser fácil. Y llevarla a escena sólo con cuatro intérpretes, todo un reto interpretativo que Núria Cuyàs, Ricard Farré, Laura Pau y Arnau Puig superan con virtuosidad y una gran vis cómica bajo una ingeniosa y vibrante dirección de Adrià Aubert.

El barquero de Jez Butterworth, el autor de Jerusalén, es una obra y una propuesta escénica bastante excepcional por diferentes razones que tienen que ver con la duración (tres horas y cuarto, más dos pausas), el número de intérpretes (diecinueve), los premios logrados (el Laurence Olivier, entre ellos) y el récord de entradas vendidas de la historia del Royal Court Theatre de Londres. Y en Barcelona, ​​tienen que ver con el excelente casting de la propuesta del Lliure, con el excelente nivel interpretativo de un reparto intergeneracional, con una puesta en escena que recupera lo mejor de Julio Manrique y con el protagonismo de un personaje ausente, pero también y sobre todo tienen que ver con los ecos que provoca en cualquier comunidad, como la nuestra, como la nuestra.

Hay obras que se acercan al horror con un distanciamiento de raíces brechtianas que sin incidir en la empatía emocional golpean muy adentro y desvelan lo más terrible de la condición humana. Cómo aprendí conducir es una de ellas.

María Magdalena no fue una prostituta pecadora, sino una más entre los apóstoles, y compañera de Jesucristo. Ella estuvo al pie de la cruz y le dio la buena nueva Cristo resucitado. Además, es el centro de una propuesta teatral que reivindica el verdadero papel de las mujeres en la historia en un espectáculo donde la fascinante vertiente audiovisual sutura en buena parte las carencias del texto y la dramaturgia.

Sucia (2023) ha sido el éxito principal de la joven actriz, dramaturga y directora Bárbara Mestanza. Una propuesta nacida de una experiencia traumática personal que se convirtió en obra de teatro, documental y libro. Sucia era la catarsis, el grito entre cabreado y reivindicativo de una mujer de la que un masajista abusó sin que ella supiera cómo reaccionar. En su nueva propuesta, Cortarse un pie con una motosierra, Mestanza vuelve a hablar sobre el tema de los abusos sexuales contra las mujeres con la mirada no tan puesta en las víctimas femeninas, que también, sino en la llamada cultura de la cancelación que anula social y personalmente a los agresores, sean culpables o víctimas de un para.

Valentina es un fantástico cuento y también un cuento fantástico que rebosa empatía, emoción y talento de la directora francesa Caroline Guilea Nguyen, de quien hace seis años vimos la no menos fantástica Saigón, un gran relato épico y coral sobre los vínculos y los territorios a través de la vida de un grupo de inmigrantes vietnamitas.

No es extraño que lo que en 2022 fue la primera película escrita y dirigida por Francesc Cuéllar, Jusqu'ici tout va, haya terminado en un escenario de teatro. Porque hay mucho teatro, buen teatro, en este atrevido debut cinematográfico. Me parece más teatro que cine, decía, entre otros, un tal #Promont en las valoraciones de la película en Filmin, donde todavía puede verse.

El 26 de noviembre de 2021 nos dejaba a los 91 años Stephen Sondheim. Y horas después un numeroso grupo de gente de teatro, amigos y público se reunían en Central Park y cantaban Sunday in park with George. El tema ha sonado a seis voces en la parte final de una entrañable y lúdica velada de homenaje al gran compositor estadounidense en el teatro La Fàbrica de Barcelona.

Poco más de treinta años han pasado desde la poderosa, cáustica y tensa propuesta que Ariel Garcia Valdès dirigió de La corona de espinas en el Teatro Romea el 22 de diciembre de 1994. Muchos años para una obra que sin ser de las más conocidas de Josep Maria de Sagarra es, sin duda, una de las más profundas y trágicas y que constata la calidad lingüística, poética y dramática de este poema dramático escrito en 1930 y que ahora, en la mira platea del TNC de pie.

La lucha por la adecuación de los transportes y de los edificios públicos para las personas con diversidad funcional ha sido constante. La de mejorar la vida de estas personas también. Mientras podemos andar con normalidad no valoramos las ventajas de la movilidad sin restricciones, pero cuando, por un accidente, nuestro cuerpo permanece anclado en una silla de ruedas enfrentamos la vida de otra forma. Y, todo sea dicho, nada fácil. Y eso es lo que le ha ocurrido a la madre de Amanda mientras limpiaba. La hija se dirige a una oficina de vida independiente para informarse sobre cómo solicitar las ayudas para la dependencia. Allí se encontrará Benito, un hombre en silla de ruedas, voluntario de la organización para ayudar a los afectados.

El teatro del siglo XXI asume que los clásicos deben traicionarlos para acercarlos al mundo actual. Una traición de las formas tradicionales que conservando el argumento y los personajes revoluciona la forma de contarnos las historias. El Hamlet de la Schaubühne de Berlín dirigido por Thomas Ostermeier es un ejemplo paradigmático. Desde su estreno en 2008, se ha convertido en una propuesta icónica celebrada en todo el mundo, que pasó como un rayo en diciembre de ese año por el Teatre Lliure y que ahora ha inaugurado el festival Temporada Alta en el Teatre Municipal de Girona.

La caída del Muro de Berlín abrió las puertas del cielo a los ciudadanos de la llamada Europa del Este. La derrota del comunismo vislumbraba una nueva vida en democracia que garantizaría los derechos restringidos por las feroces dictaduras socialistas. Ilusos ellos, porque rápidamente las nubes de tormenta cubrieron esos cielos y la alegría derivó en resignación. Lo dice la fotógrafa enferma de fibromialgia que sobrevive con su marido en alguna ciudad de alguno de esos países y que ganó un prestigioso premio justamente por las fotos de la caída del icónico muro alemán. Salieron del fuego para caer a las brasas. Las brasas del capitalismo. La Europa de la ilusión virada hacia la Europa de la frustración en la metafórica niebla de la obra de Lluïsa Cunillé ganadora del premio Frederic Roda 2014.

La angustia, el miedo y la muerte que habitan la novela de Mercè Rodoreda planeó sobre la platea del Teatro Nacional de Catalunya en la inauguración de la temporada. La angustia, el miedo y la muerte atávica en el pueblo de casas de color rosa imaginado por Rodoreda y la angustia, el miedo y la muerte de los miles de palestinos asesinados por el gobierno de Israel.

Ramon Madaula escribe comedias sobre lo que ve –y es un gran observador– y lo que le rodea. En sus obras siempre hay algo de sí mismo y, en el caso deLos bonos, de su propia historia. Si a lo anterior, Loop (que se vio en la Sala Flyhard la pasada temporada y se repondrá en Texas), tocaba la confrontación sentimental entre un padre artista –un escultor– y una hija que volaba fuera del nido, en Los bonos mira hacia su niñez. De pequeño, el sabadellense Madaula frecuentaba el teatro La Farándula de Sabadell para ver los Pastorets de Folch y Torres, y sus simpatías iban más hacia el buen Satanás que hacia el no tan bueno arcángel Gabriel. De esos recuerdos nace una comedia que es también un sincero homenaje al teatro de aficionados y que seguramente se convertirá en uno de los grandes logros de la temporada.