"Nos pensamos que conocemos a Renoir porque nos lo encontramos en el dentista, pero es un pintor increíble"

La pintura de Renoir no admite medias tintas: o lo odias o te encanta. Sus detractores lo consideran como el súmmum de la cursilería. Hace unos diez años surgió en Instagram el movimiento Renoir es un pintor pésimo, y unas decenas de personas se manifestaron en la puerta del Museo de Bellas Artes de Boston reclamando que retiraran sus obras del museo. El lema de las pancartas no podía ser más contundente: "Dios odia a Renoir". Hoy en día este grupo tiene 17.800 seguidores. De momento, sin embargo, los seguidores de uno de los pioneros del impresionismo les pasan la mano por la cara. La exposición Renoir y el amor abrirá sus puertas en la National Gallery de Londres el 3 de octubre con la cifra récord de venta anticipada: de 32.000 entradas, por delante de Van Gogh.

¿Renoir es un pintor empalagoso? "No debemos tener miedo –dice el director de la National Gallery de Londres, Gabriele Finaldi–. Hay una determinada pintura de Renoir que es demasiado dulce, casi como una caricatura del impresionismo. Hay artistas que pintan demasiado, pero creo que la fase inicial de Renoir, que es la de esta exposición, tiene mucha originalidad y mucha fuerza. En cambio, la segunda parte es menos atractiva". Chiara Di Stefano –la comisaria de la exposición junto con Christopher Riopelle, ambos conservadores de la National Gallery– es muy contundente. "Pensamos que lo conocemos porque lo podemos encontrar en la sala de espera del dentista o en casa de la abuela, y en todo tipo de reproducciones. Pero, en realidad, es un pintor increíble", ha dicho Di Stefano en la presentación de la exposición, que ha contado con la presencia de la bisnieta del artista, Megan Renoir.

El único impresionista de un entorno obrero

Renoir y el amor, que se puede visitar hasta el 31 de enero de 2027, incluye unas 45 obras y lo han organizado el Museo de Orsay, la National Gallery de Londres y el Museo de Bellas Artes de Boston, donde llegará el 28 de febrero. Hay que estar muy atento para sacarle todo el jugo. Los comisarios proyectan una nueva visión de Renoir que pone el acento en la sociabilidad de los personajes, sobre todo en las sutilezas del lenguaje corporal, y en el contexto histórico. "Renoir se distingue por cómo representó las relaciones entre mediados de la década de 1860 y la de 1880. Mientras que otros impresionistas pusieron el acento en la idea de la alienación provocada por la vida urbana moderna, él hizo algo completamente diferente, y por eso no se le ha considerado tan moderno como a otros artistas de su círculo", advierte Di Stefano. "Renoir tenía una idea diferente de lo que era la modernidad –añade la comisaria–. Está claro que era plenamente consciente de los tiempos difíciles que vivía, era el único de los impresionistas que provenía de un entorno obrero. Tuvo dificultades económicas durante las primeras décadas de su vida. Vivió la Guerra franco-prusiana, la Comuna de París y el Sitio de París. Vivió momentos muy duros, pero en vez de centrarse en las realidades más duras de la vida moderna, como hicieron otros pintores y escritores naturalistas como Zola y Maupassant, Renoir se centró en los momentos gozosos y la poesía de la vida cotidiana".

Así pues, desde esta perspectiva la obra maestra Baile en el Moulin de la Galette, que se puede ver por primera vez en el Reino Unido en esta exposición, adquiere un carácter político. Por un lado, Renoir actualizó en clave proletaria el género pictórico de las fiestas galantes. Además, según el director de la conservación y de las colecciones del Museo de Orsay, Paul Perrin, este cuadro tiene un vínculo muy directo con la vida de Montmartre, que era un reducto popular y de izquierdas cinco años después de que la Comuna de París terminara con una masacre en aquel barrio. "Renoir siempre negó cualquier implicación en aspectos políticos, y al final de su vida tuvo opiniones políticas muy conservadoras. Pero en estos años, una pintura como esta se vuelve bastante política porque habla de la resiliencia del pueblo de París tras el trauma de la Guerra Franco-prusiana. De entrada no parece una pintura seria, pero Renoir sí que se lo tomó muy a pecho, porque para él esta era la manera real de hacer una sociedad y de unir a la gente", dice Perrin.

Para Riopelle, la sociabilidad es "la escenificación de la amistad, del amor, de la intimidad, del deseo, de la maternidad..." Por otro lado, entre las mujeres que Renoir retrató podría haber prostitutas u otras mujeres jóvenes conocidas como grenouilles, es decir, que cambiaban de amantes con facilidad, tal como explica Perrin en el catálogo. Pero Renoir, que fue el impresionista que profundizó más en las escenas de seducción, no hizo nunca explícita ninguna distinción porque no quería emitir ningún juicio moral.

La primera gran obra

El recorrido comienza con un autorretrato donde destacan unos ojos reveladores de su nervio, que mantuvo hasta el final, a pesar de la artritis reumatoide que le deformó las manos hasta que tuvo que dejar de pintar. Poco después se puede ver su primera gran obra, la ambiciosa El cabaret de la madre Antony. "Está dispuesto a competir, a enfrentarse a los viejos maestros, a trabajar a gran escala y a hacer agrupaciones complejas de figuras. Y, sin embargo, la imaginería en sí misma proviene de su propia vida. Es una constante que retrate a la gente cuando acaba de comer o de cenar y todo el mundo está relajado, fumando, o sencillamente disfrutando de la compañía de los otros", explica Riopelle. Precisamente en este cuadro aparece el artista Alfred Sisley con un ejemplar de L'Événement, el diario donde Zola publicaba las críticas de los artistas jóvenes.

Más adelante, La salida del conservatorio recoge el momento en que un padre empuja suavemente a su hijo hacia una chica, en un ritual que podría llevar "al cortejo y al matrimonio", tal como señala Riopelle. Después, los afectos familiares toman el relevo del flirteo y el idilio, como se puede ver en el retrato doble de los hijos del marchante Paul Durand-Ruel y en otro de los hijos del amigo y mecenas Paul Bérard. Además, se puede ver un retrato de su futura esposa, Aline Charigot, dando el pecho a su primer hijo, Pierre. "Renoir estaba absolutamente desbordado de alegría cuando nació Pierre. Por eso uno de sus biógrafos dijo que, cuando nació, dejó todos los debates artísticos e intelectuales", apunta Di Stefano. Otra de las pinturas de este ámbito, Tarde de niños en Wargemont, con dos hijas de Bérard, evidencia que Renoir pensó que había agotado todas las vías del impresionismo y volvió a un cierto clasicismo.

La última parte de la exposición está dedicada a la intimidad en interiores domésticos y a los palcos de los teatros. En casa de Renoir, Rue Saint-Georges es un retrato poco habitual de la sociabilidad masculina, expresada a través de sus propios amigos y colegas, que Renoir retrataba bebiendo y fumando tranquilamente. Es el único cuadro de la exposición donde solo hay hombres. Entre retratos femeninos dentro de teatros, Un palco en el teatro (En un concierto) muestra cómo hacia 1880 se vuelve más decoroso porque cada vez es más famoso y recibe más encargos de la alta sociedad.