Una mujer y un hombre bailan juntos en una animada velada. Es verano, están contentos, flirtean y acaban envolviéndose. Esta imagen es una estampa habitual en muchas comedias románticas, pero en Begyndelser [Los inicios] plantea un enorme interrogante dramático, porque los protagonistas no son unos desconocidos, sino una pareja que se está divorciando al tiempo que ella se está recuperando de un accidente cerebrovascular que ha desquiciado su vida y le ha convertido en una persona dependiente. El doble tabú de la mujer con una enfermedad ocupa así esta película dirigida por Jeanette Nordahl que celebra, por otra parte, el significado más profundo del amor y el compromiso. Ahora bien, si los primeros compases de la cinta, dominados por la tensión tranquila con la que se relacionan Ane y Thomas –ya en proceso de separación–, nos hacen imaginar un posible vínculo de la cineasta con el naturalismo más minimalista, una serie de golpes de efecto dramáticos vinculan a esta historia con las propuestas escatológicas, en las propuestas escatológicas, en las propuestas escatológicas. Son unos giros y unos subrayados que parecen traicionar la contención con la que Nordahl va dibujando la reestructuración de esta familia herida y, aunque hay momentos de una vitalidad sobrecogedora –como el precioso momento de emancipación de Ane a través del baile–, otros desequilibran absolutamente la propuesta.

Es probable que Paul David Hewson –es decir, Bono, el frontman de U2– sea una de las figuras que más tírria provoca de la cultura pop, aunque nadie puede negarle un talento para narrarse a sí mismo que está sólo al alcance de las grandes estrellas. Otra cosa son las contradicciones y simplificaciones de su relato, que pueden despertar suspicacias; en este sentido, el perfil paródico que Joaquín Reyes le dedicó hace años al programa Muchachada Nui sigue siendo imbatible.

Max (Bobby Cannavale) vive cabreado con el mundo. El protagonista deUna función inesperada está divorciado de Jenna (Rose Byrne), vive con su padre (Robert De Niro) porque no acaba de triunfar como comediante de stand-up y tiene un hijo de once años con espectro autista llamado Ezra. A pesar de que su profesión le ayuda a quitarse de encima la frustración, los chistes y la ironía no son suficientes para entender las necesidades del hijo. Spiridakis inspirado en sus experiencias como padre de un chico autista para hablar no de ese trastorno, sino de los lazos entre padres e hijos. Su historia arranca cuando, tras una serie de incidentes que separan al Max de su hijo por una orden judicial, el protagonista se lleva a Ezra para emprender un viaje en coche decir que, de todas las decisiones posibles, ésta es de las peores, pero Goldwyn y Spiridakis no tienen miedo de mostrar el lado oscuro de un personaje desesperado.

"Tú crees que la vida es todo amor y diversión, que puedes decidir qué camino elegir y que no hace falta que tengas miedo a nada... ¿Piensas de verdad que Janne quiere una mujer que tome sus decisiones?", reprocha a Maya (Amanda Jansson) su hermana en un momento deEl destino de Maya, dirigida por la realizadora y actriz finlandesa Tiina Lymi. Galardonada con el premio a la mejor película del BCN Film Fest 2024, este filme que adapta la primera entrega de la reconocida pentalogía de la escritora Anni Blomqvist es, pues, una reivindicación de las fortalezas de las mujeres. En clave de épica romántica y doméstica, y con un aliento narrativo muy académico, Lymi engalana su versión del clásico literario con el uso preciosista del paisaje de la isla de Stormskerry para acompañar los retos y adversidades que encara Maya, desde la juventud hasta la vejez.

Una secuencia frontal que muestra el parto de un cordero levanta el telón deEl reino de Satán, como si quisiera anunciarnos que el Anticristo acaba de nacer. Como ya hizo Penny Lane en ¿Hail Satán? (2019), Scott Cummings, montador de la directora indie Eliza Hittman, se adentra en la comunidad de la iglesia satánica para grabar el misterio que rodea a este culto. Ahora bien, si el filme de Lane sobre los satanistas estadounidenses se articulaba en clave política, poniendo el foco en su activismo en defensa de la libertad de culto que proclama la constitución de Estados Unidos, el retrato de Cummings se deja seducir por las rutinas cotidianas y, sobre todo, por la estética de una subcultura, vale.

Cuando hay una herencia de por medio es fácil que en las familias haya desavenencias, pero la película tailandesa Cómo hacerse milionario antes de que muera la abuela, dirigida por el debutante Pat Boonnitipat, deja algo claro sobre las tradiciones de este país: las peleas entre descendientes se producen antes de poner el pie en el cementerio, porque sólo un miembro de la familia saldrá beneficiado cuando la abuela haga el último suspiro . La premisa de este superéxito asiático (más de 50 millones de espectadores y película asiática más vista en varios países del continente) que Tailandia envió a los Oscar representa un cierto choque cultural: M (Putthipong Assaratanakul) es un joven que deja aparte sus aspiraciones como jugador profesional de videojuegos para cuidar a la abuela (Usha Seamkhum), que padece cáncer, al ver cómo una amiga suya se ha hecho millonaria tras cuidar de su abuelo con dedicación y de forma exclusiva.

La imagen de un gorrión apoyado en la alambrada de una cárcel durante los primeros compases de Las vidas de Sing Sing nos muestra de inmediato las intenciones de la segunda película de Greg Kwedar: la poesía, como la vida, siempre se abre camino, incluso en las situaciones más desesperadas. No es muy habitual poner en pantalla criminales deslumbrados por la lírica de Shakespeare, pero en Las vidas de Sing Sing el teatro es el vehículo para que los internos de este centro de máxima seguridad del estado de Nueva York se reencuentren con la dignidad que perdieron cuando cruzaron los muros de la cárcel. comedias absurdas, sino que ríen, hablan y, al fin y al cabo, comparten las penurias y los anhelos de una vida en el trullo.

"Esta es mi última oración. Y tanto si cree en Dios como si no cree, cuando se ruega no se miente", dice el protagonista deOh, Canada, Leonard Leo Fife, interpretado por Richard Gere. Leo es un reconocido documentalista enfermo de cáncer que, en la intimidad de la agonía, ha decidido conceder una última entrevista filmada. y de una vida sostenida en la cobardía y la mentira.

El cine de Jacques Audiard nunca ha entendido fronteras entre los géneros cinematográficos y siempre ha forzado el pacto con el espectador. Es decir, la idea de creerse o no, aceptar o no, lo que vemos en la pantalla grande. El cine es, pues, un salto de fe para el director deUn profeta y Deephan. Y su décima película podría haber sido el triple salto mortal más arriesgado de su trayectoria si no fuera porque el filme se agota en la descripción de su enunciado: Emilia Pérez es, como se ha repetido desde que ganó el premio especial en el Festival de Cannes –y un premio conjunto para las actrices–, un musical trans que cuenta con canciones la historia de un narcotraficante mexicano que realiza la transición a mujer, Emilia Pérez del título (Karla Sofía Gascón), con la ayuda de una abogada (Zoe Saldaña).

August Wilson (1945-2005) es uno de los grandes autores de la literatura afroamericana y, al parecer, también de los preferidos de la familia de Denzel Washington. La estrella de The equalizer ya dirigió en 2016 la adaptación de Fences y ahora su hijo Malcolm Washington se encarga de La lección de piano, con su padre como productor, el hermano John David en el papel protagonista del Boy Willie Charles y el reparto original que apareció en la reposición de la pieza en Broadway hace dos años. Todo queda en familia, pues, en esta producción para Netflix sobre dos hermanos, Berniece (Danielle Deadwyler) y Boy Willie Charles enfrentados por un piano que perteneció a los terratenientes que esclavizaron a sus antepasados. Él quiere venderlo y con el dinero comprar la plantación de los antiguos esclavistas; ella desea conservarlo como legado y recuerdo del sufrimiento de sus ancestros.

¿Cómo puede una pieza teatral de los años 50 del siglo XX reflejar la complejidad del mundo contemporáneo? El mexicano Alonso Ruizpalacios seguramente dio vueltas a este interrogante desde que descubrió la obra La cocina, del británico Arnold Wesker, una creación de 1957 sobre la rabia de clase que, ambientada en la cocina de un gran restaurante, narra la frustrada relación amorosa entre un entusiasta cocinero alemán y una camarera inglesa casada. En la versión de Ruizpalacios, la cocina en cuestión se encuentra en el centro del sueño americano, un restaurante de Times Square, mientras que el cocinero protagonista es un migrante mexicano enamorado de una chica americana a la que ha dejado embarazada. Alrededor, un montón de compañeros de diversas procedencias y una misma aspiración: conseguir el visado de trabajo.

Hubo un tiempo en el que la fiesta no terminaba nunca en la Comunidad Valenciana; un tiempo en el que no existían límites para pasarlo bien, para exprimir el sufrimiento de la gente en hora punta o para aprovecharse políticamente del sistema. Tiempo de oportunidades para unos, de incertidumbre para otros, pero que forman parte de la historia reciente del País Valencià y del relato de Valenciana, segunda película de Jordi Núñez (Lo que sabemos), que adapta la obra homónima del dramaturgo Jordi Casanovas para recrear la estética y la falta de escrúpulos de esos 90 tan infames.

Con sólo tres películas, Shiva baby (2020), Muerte, muerte, muerte (2022) y El club de las luchadoras (2023), la actriz Rachel Sennott se ha convertido en un icono de Gen Z. En parte es gracias a su carismática presencia, pero también a un repertorio interpretativo singular, capaz de transmitir la variabilidad emocional de la generación que ha crecido expuesta en las redes sociales. Pero si la ironía pasada de vueltas y filtros había sido hasta ahora su marca personal, en Antes era divertido, debut como directora de Ally Pankiw, la actriz se quita de encima el disfraz de payasa irreverente para interpretar, precisamente, una payasa triste: Sam, aspirante a humorista de stand-up y niñera que lucha con el trastorno de estrés postraumático.

Desbordante, fascinante, y, por momentos, ególatra y ampulosa. Es Megalópolis ¿la película más coppoliana de Francis Ford Coppola, el filme que recoge más fidedignamente su forma de entender el cine? Para un cineasta que decía que “para vivir dentro de tus posibilidades no se necesita imaginación” –como se acuerda en el ensayo de Peter Biskind Moteros tranquilos, toros salvajes– es evidente que dirigir películas es lo más parecido a construir pirámides, y Megalópolis debe entenderse, pues, como el sueño de un faraón del cine. De un emperador, más bien, puesto que en su último trabajo ha transformado Nueva York en Nueva Roma, la capital de un imperio decadente con la intención de hablarnos de un hombre y de una utopía.

La preciosa y impresionante Las tres hijas, la nueva película de Azazel Jacobs, hijo del cineasta experimental Ken Jacobs y director de French exit (2020) o The lovers (2017), recupera una imagen dramática especialmente poderosa: tres mujeres reunidas en un espacio dramático. No son tres mujeres cualesquiera, porque esa trinidad femenina está formada por tres hermanas distanciadas desde hace tiempo que se reúnen en el apartamento de Manhattan donde crecieron para despedirse de su padre, en estado terminal.

Las tierras de la familia Machín están ligadas al mundo de los espectros y las fábulas telúricas. Así lo entiende la cineasta canaria Macu Machín, al levantar el telón de su opera prima, La hojarasca, con un cuento narrado en off que explica el origen de unas propiedades que, en la película, deben repartirse tres hermanas: Elsa, Maura y Carmen Machín. Las tres son mujeres de edad avanzada, así como la madre y las tías de la directora. Mientras que Carmen se quedó en La Palma trabajando la tierra, las otras dos se fueron y ahora vuelven sin apenas nada a los bolsillos y golpeados por la vida: Maura sufre una enfermedad degenerativa y Elsa se encarga de cuidar -la.

¿Ha filmado Sean Price Williams con The sweet east ¿la gran novela americana del siglo XXI? Puede parecer impertinente hacerse esta pregunta en la crítica de una pequeña película independiente, pero laopera prima como director de uno de los principales directores de fotografía del cine indie de la última década captura como hacía tiempo que no se veía una cierta idea de Estados Unidos, tan esquizofrénica como excitante.

Qué es el compromiso, se interroga Robert Guédiguian ¿en su última película? ¿Cómo podemos comprometernos y conseguir que las personas de nuestro alrededor se comprometan? ¿Llega un momento en la vida en la que el compromiso se agota y se pierde? Que la fiesta siga quizás no acaba de responder a todas estas cuestiones, y quizá su tesis sea algo ingenua, pero realmente da gusto ver la energía con la que el director francés se hace estas preguntas y aún con una empatía irreprochable los conflictos individuales y sociales de la gente .

"Si se parece a lo que ya he escrito, lo vuelvo a escribir", afirmaba el novelista pulp Elmore Leonard en su ensayo Elmore Leonard's tiene rules of writing. Leonard fue el gran retratista del crimen del sur de Florida, pese a sus incursiones en otros géneros literarios, y resulta imposible no recordarlo viendo Fast Charlie. Primero, porque éste noir que supone el regreso de Pierce Brosnan en el cine de acción tiene como escenario el sur de Florida y el área de Nueva Orleans y, segundo, porque la película dirigida por Phillip Noyce (Salto, Juego de patriotas), basada en la novela Gun monkeys con que Victor Gischler debutaba en el género, se asemeja a muchas, muchísimas películas que ya hemos visto y, contra todo pronóstico, es entretenida e incluso puede presumir de cierta personalidad.

Kevin Costner es uno de los últimos cowboys de Hollywood, uno de ellos mavericks que defienden el western de toda la vida hasta el punto de hipotecar su fortuna con uno de esos proyectos titánicos que hacía tiempo que no se veían, la tetralogía de westerns Horizonte: año americano saga. El primer capítulo, que se estrena en las salas después de pasar por el Festival de Cannes, es un filme atípico, no sólo por el contexto de producción –de momento el actor y cineasta sólo ha podido concluir los dos primeros filmes de la saga a la espera de conseguir más financiación–, sino también por su duración, tres horas , y la estructura, que se asemeja más a un episodio piloto de un serial televisivo que a un largometraje convencional. El primer capítulo puede desconcertar, en este sentido, porque la película es en realidad el principio de un gran fresco sobre la vida en la frontera norteamericana, pero su condición de western en potencia es interesantísima. También, hay que decir, algo tediosa, aunque no se le puede reprochar que no sea fiel al género y que no quiera sus códigos, protagonistas y paisajes. Ya la primera imagen, un colono clavando una estaca en la tierra para medirla y convertirla en una parcela, nos remite a una idea fundacional: el sueño de la tierra prometida. Y esto pretende ser Horizonte 1, la promesa de un gran western, la conquista definitiva de este territorio cinematográfico. Una empresa arriesgada, sí, pero fascinante.