La Semana Santa, más allá de procesiones, misas, palmas y monas, despliega un repertorio de vestimentas que hemos aprendido a mirar sin ver. Piezas que, de tan familiares, han dejado de parecernos extrañas, pero que, si nos detenemos un momento, resultan profundamente insólitas y alejadas de cualquier forma de vestir cotidiana. Y entre las mantillas con peinetas, las túnicas de nazareno, los cíngulos o los mantos de las vírgenes, hay un elemento que se impone por su potencia formal y sus connotaciones simbólicas: la caperuza. Se abren las puertas de la catedral de Sevilla y comienzan a salir, en fila, los primeros nazarenos, rodeados por un olor intenso a cera e incienso. Túnicas, velas, y unos capirotes que se alzan, puntiagudos, por encima de todo. Los tambores marcan un ritmo seco y constante y los asistentes quedan expectantes, en un silencio contenido. A los nazarenos no se les ve la cara, solo los ojos, y la calle, por un momento, deja de ser un espacio cotidiano para devenir escenografía. El capirote ha cumplido su función: hacer desaparecer la identidad individual para ceder el protagonismo al santo que se adora. De esta manera, asegura a quien lo lleva ser visto sin ser reconocido y le permite entrar en la estructura del ritual, asumiendo una actitud de disciplina y entrega. Pero, ¿cuál es el origen de este sombrero tan extraño, que ha sobrevivido a siglos de historia?Su origen no es, en ningún caso, procesional, sino que nace como instrumento de penitencia pública entre los siglos XV y XVII, en el contexto de la Santa Inquisición. Los condenados eran exhibidos con sambenitos —una especie de túnica— y corozas —unos sombreros a menudo cónicos o puntiagudos—. Su función era claramente punitiva y ejemplarizante: hacer visible el pecado y humillar al pecador. Lejos de perseguir el anonimato, como ocurre hoy, se trataba de marcar el cuerpo y exponerlo públicamente.Será entre los siglos XVII y XVIII cuando se institucionalicen las procesiones de Semana Santa y la penitencia deje de ser impuesta para devenir voluntaria. En este nuevo contexto, la capa se resignifica: pasa a simbolizar la aspiración espiritual —con su proyección hacia el cielo—, la asunción de la disciplina religiosa y la centralidad del ritual por encima de la persona. Pero más allá de su morfología, hay una cuestión que aún incomoda más y que a menudo desconcierta a muchos visitantes: \u00b¿qué relación mantiene esta pieza con el Ku Klux Klan (KKK)?El KKK se fundó en 1865, después de la Guerra de Secesión, como reacción violenta contra la abolición de la esclavitud y con el objetivo de restaurar la supremacía blanca. Desplegó un régimen de terror e intimidación contra la población afroamericana, y para ello se dotó de una estética deliberada de autoridad y amenaza. Su iconografía —túnica blanca y caperuza puntiaguda— bebe de una mezcla de imaginarios, entre los que hay referencias fantasmagóricas, rituales y religiosas europeas. La coincidencia formal con la caperuza es evidente, pero su sentido es radicalmente opuesto. Si en el contexto de la Semana Santa el anonimato expresa humildad, penitencia y disolución del yo, en el caso del KKK sirve para garantizar la impunidad y ejercer la violencia colectiva. Una misma operación, la de ocultar la identidad, que puede servir tanto para someterse como para dominar.El Domingo de Pascua pone fin a la Semana Santa y, con ella, al tiempo de penitencia. El recogimiento se desvanece con la misma facilidad con que el nazareno se quita la caperuza. Pocos días después, en Andalucía, el calendario gira y se abre paso el jolgorio de la Feria de Abril: colores, volantes, lunas, cuerpos expuestos, flores en la cabeza, mantones de Manila... El contraste es tan inmediato que resulta difícil no preguntarse hasta qué punto aquello que hemos visto era una vivencia profunda o una teatralización compartida. Unas vestimentas que se activan y se desactivan como formas de organizar los cuerpos, el tiempo y el deseo.

En los últimos días ha corrido como la pólvora por las redes sociales y varios medios de tendencias la imagen de la actriz china Zhang Jingyi en la alfombra roja del Beijing International Film Festival. La actriz pone en el photocall vestida con un elegante vestido negro. Hasta aquí nada fuera del guión habitual. El motivo de la viralidad es otro: en la mano lleva una simple bolsa de plástico amarilla, del tipo que se utilizan para ir de compras al supermercado o para tirar la basura a casa.

Una de las últimas bombas informativas en moda ha sido el anuncio de la nueva colaboración de Zara. El gigante mundial de la moda rápida ha incorporado, por un período de dos años, al diseñador John Galliano, una de las figuras más singulares de la creación contemporánea. Se trata de una asociación difícil de haber previsto, pero que a su vez resulta profundamente reveladora del momento actual que vivimos como sociedad.

La alfombra roja de la actual edición de los Oscar ha transcurrido sin estridencias ni sobresaltos. Hollywood ha hecho, una vez más, su tradicional labor de echar un velo sobre los problemas del mundo y permitir olvidar durante unas horas que el planeta está cayendo a pedazos. Una ocasión perdida por haber empleado un altavoz tan potente para remover conciencias o, al menos, incomodar un poco el orden establecido.

Quienes tenemos unos años en la espalda recordaremos a una de las parejas icónicas de los noventa: la formada por Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr. Una relación que estos días recupera, con una marcada hiperglucemia, la serie de Disney+ Love Story. Ella trabajaba en Calvin Klein, la marca que mejor condensaba el espíritu minimalista de finales del siglo XX, en sintonía con la moderación e introspección que imponía la crisis económica del momento. Él era el heredero de uno de los apellidos más pesados ​​de la política norteamericana, con un atractivo casi mitológico que le abría puertas, pero también le obligaba a demostrar constantemente su digno.

A finales del 2025, Pantone proclamaba como Color del Año el cloud dancer, un blanco roto que, bajo una evocación poética de ligereza y calma, no dejaba de ser una apuesta insólita: por primera vez, el blanco asumía el protagonismo anual. La decisión generó controversia. No sólo porque el blanco sigue siendo, para muchos, más una ausencia que un color, sino porque, en un contexto político marcado por la reactivación de discursos identitarios y conservadores, algunos leyeron una inquietante simbología.

La pregunta recurrente de estos últimos días entre amigos, conocidos y saludados ha sido inequívoca: "Qué piensas de los therianos?" Una pregunta impregnada de inquietud y de una necesidad casi urgente de confirmar la sospecha de que, como humanidad, nos estamos yendo por el pedregal. El encuentro de la comunidad el 21 de febrero en el Arco de Triunfo de Barcelona elevó la cuestión a categoría de amenaza colectiva cuando, en realidad, no fue más que una concentración de adolescentes curiosos. El episodio se vivió como una jornada de caza mayor, con el objetivo implícito de capturar alguno de estos supuestos especímenes para alimentar a las redes. Y de therianos, ni rastro.

El busto femenino no es sólo parte del cuerpo: es un territorio simbólico. Grande o pequeño, visible o disimulado, tercio o pensívolo, ha sido históricamente un instrumento con el que se mide, se clasifica y, sobre todo, se desacredita a las mujeres. El pasado 10 de febrero, en el programa El Hormiguero de Antena 3, este mecanismo se activó con una naturalidad inquietante. La colaboradora Rosa Belmonte desautorizó a la tertuliana Sarah Santaolalla –a raíz de sus críticas a Felipe González– con una frase que no discutía ninguna idea, sino que reducía a la interlocutora a su cuerpo: "mitad tonta, mitad tetas". Las risas cómplices del plató, incluida la del presentador Pablo Motos y la del último Premio Planeta Juan del Val, no eran anecdóticas. Formaban parte del ritual.

Después de la última actuación de la Super Bowl, no hay margen para la duda: Bad Bunny ha hecho historia. Más que actuar, tomó partido. No solo por la música y por el formato del espectáculo, sino porque convirtió uno de los escenarios más normativos y sistemáticamente despolitizados de la cultura norteamericana en un espacio cargado de simbología y de posicionamiento político inequívoco. Un gesto especialmente significativo en un contexto marcado por las deportaciones indiscriminadas, la violencia institucional y la brutalidad ejercida por el ICE, con una comunidad latina sistemáticamente criminalizada y profundamente damnificada.

Los premios Gaudí han celebrado este domingo su decimoctava edición y, fieles a la voluntad con la que nacieron –reivindicar la calidad del cine catalán–, cada año lo hacen emulando el formato de Hollywood en versión esquifida: entrega de premios, discursos, actuaciones y, por supuesto, la alfombra roja con famosos que lucen. Pero… ¿de verdad estas son las mejores galas que puede mostrar el cine catalán?

Estamos en pleno Carnaval y, como cada año, proliferan entre los disfraces para mujeres las minifaldas, los escotes, las medias de rejilla, los minipantalones y las ligas. No importa qué vayan vestidas, porque buena parte de los disfraces femeninos derivan en la sexualización. Si va de enfermera, superheroína, maestra o policía, téngalo claro: minifalda, escote y talones. Es verdad que estas son opciones clásicas dentro del imaginario fetichista masculino, pero haga la prueba buscando cualquier disfraz en el buscador de internet. Si escribe “disfraz de gato para mujer”, podemos pensar de primeras que un gato es un felino alejado de la sexualización. Aun así, incomprensiblemente, también llevará minifalda, tacones y escote. En algunos casos incluso tiene un látigo como complemento, emparentándolo con el sadomasoquismo. En el universo de los disfraces para mujeres, los Minions, las brujas, las taxistas, las piratas y las astronautas son irremediablemente sexys.

Que el tenis ocupe titulares más allá de la página de deportes es ya, en sí mismo, una noticia. Que logre desplazar durante unos días la omnipresencia futbolera de los telediarios, casi un pequeño milagro laico. Y que, además, sea tanto por una final ganada como por un traje, dice mucho de la naturaleza particular de este deporte. En los últimos días, el tenis ha logrado exactamente eso: abrir una brecha en la actualidad informativa no solo porque Carlos Alcaraz haya ganado el Abierto de Australia en una final de alto voltaje, sino también porque la tenista Naomi Osaka accedió a la pista con un traje inspirado en una medusa. Puede parecer anecdótico, pero no lo es.

Lo que está ocurriendo últimamente en Minneapolis, con la represión violenta y las muertes de civiles en el contexto de protestas y expresiones públicas de disidencia, resulta profundamente incomprensible en una nación que, desde su fundación, ha elevado la libertad a categoría de esencia patriótica. Una libertad instrumentalizada desde hace décadas como pretexto retórico para legitimar la vulneración sistemática de derechos fundamentales. El simple hecho de que haya que desplegar fuerzas paramilitares por las calles para intimidar a la población ya evidencia hasta qué punto la libertad y la defensa de los intereses del pueblo americano, tan proclamadas por Donald Trump, no eran más que un juego de trilero.

Definitivamente, la realidad supera a la ficción, especialmente en los tiempos que vivimos. Y para una analista de moda como la que os habla, que el presidente francés, Emmanuel Macron, aparezca en el foro económico de Davos con unas gafas de sol como las que lució este martes es casi una fantasía hecha realidad. Ahora bien, acostumbrada a rascar la superficie para comprender los significados que subyacen en las construcciones de identidad, este caso es de tan manifiesta evidencia que lo convierte en un ejercicio de análisis casi infantil.

Desde hace meses se ha consolidado, casi como un constante goteo, una tendencia estética entre las comunicadoras de televisión. Paralelamente a que hayan desaparecido las corbatas entre los presentadores de telediarios, cada vez más presentadoras aparecen en pantalla con piezas tradicionalmente asociadas al vestuario masculino. No son pocos los días en los que Helena Garcia Melero, en el programa Todo se mueve de TV3, porta pantalones anchos de pinzas, camisa masculina, chaleco de sastre y corbata. Esta estética también es habitual en Silvia Intxaurrondo en La hora de La 1, Alba Lago en Noticias Cuatro, Henar Álvarez en En el cielo con ella de RTVE, Núria Roca en La Roca o Raquel Sans, entre otras muchas.

Hay diseñadores que marcan un antes y un después por sus formas rupturistas o por sus planteamientos innovadores, que han transformado de pura cepa lo que hasta entonces había sido la moda. Éste no es, definitivamente, el caso de Valentino Garavani, pero eso no implica que merezca un papel secundario en la historia. Él forma parte del grupo de quienes, sin estridencias, sin rupturas ni voluntad de cuestionamiento, operan como un bajo continuo, aportando estabilidad y coherencia al orden establecido. Y en un sistema tan volátil como el de la moda, en el que cada temporada desaparecen marcas y relatos, mantenerse vigente durante décadas es, en sí mismo, un gesto casi heroico.

La semana pasada, la imagen pública de Julio Iglesias quedó profundamente sacudida por la revelación de un caso de presunta violencia sexual. Si las acusaciones llegaran a confirmarse judicialmente, el relato que durante décadas ha rodeado al cantante se derrumbaría para dar paso a una figura mucho más oscura: la de un auténtico depredador sexual. Un hombre alejado de la escena pública desde hace años, pero que en los ochenta y los noventa fue un referente masculino de primer orden. Este hecho obliga no sólo a examinar los hechos concretos, sino también a interrogar el marco sociocultural que sostuvo, normalizó e incluso celebró esta figura. Y, dentro de ese marco, a entender hasta qué punto la moda actuó como un aliado decisivo en la construcción de un sex symbol amable, relajado y aparentemente inofensivo.

La película distópica y de sátira política Don't look up (2021) retrataba a una sociedad incapaz de afrontar una amenaza existencial inminente. Ante la destrucción anunciada del mundo, los protagonistas preferían mirar a otro lado, atrapados en cuestiones irrelevantes. Hoy, en un contexto de profunda desafección política, de impotencia colectiva y superficialidad generalizada, parece que estemos viviendo el nuestro Don't look up particular.

En tiempos recientes hemos enviado un robot a Marte, secuenciado el genoma humano, desarrollado vacunas de ARN en tiempo récord, detectado ondas gravitacionales provenientes del Universo profundo y la inteligencia artificial está transformando radicalmente la vida que conocíamos. Pero, a pesar de todo esto, seguimos despidiendo el año con las mismas puñeteras campanadas del siglo pasado. Vivimos atrapados en un déjà-vu campanilo, una rueda de hámster sexista que gira sin fin y de la que se desprenden conclusiones bastante evidentes.

Ha muerto Brigitte Bardot y, con ella, un cuerpo que se convirtió en un auténtico campo de batalla, como diría el artista Barbara Kruger. Una metáfora precisa para explicar cómo los cuerpos, muy especialmente los femeninos, se convierten en escenarios donde se proyectan intensas luchas sociales, políticas y culturales, a menudo sin que las mujeres puedan controlar su relato. El de Bardot, pese al aparente apoderamiento en el marco de la revolución sexual, funcionó también como una superficie de disputa constante: celebrado como emblema de libertad y de deseo femenino, pero a la vez capturado por una mirada que le reducía a objeto de consumo.