Ethan Hawke no es sólo una de las grandes estrellas de esta edición de la Berlinale, sino uno de los actores más queridos del festival, donde ha presentado las tres entregas de la Trilogía de Linklater, Boyhood y, hace sólo un año, Blue moon, por la que está nominado al Oscar. Pero incluso él se vio salpicado este martes durante la presentación de su nuevo trabajo, el magnífico filme de aventuras The weight, por la polémica que está marcando esta edición: la ausencia de una condena de la Berlinale en el genocidio de Palestina y el pulso entre la prensa y la dirección del festival en torno a las preguntas que reclaman a los creadores un posicionamiento explícito sobre temas políticos candentes.

En 2021, después de más de 90 años sirviendo comidas y cenas en el Raval de Barcelona, los padres de Pol Rodríguez tuvieron que cerrar el restaurante familiar, Can Lluís. Los desahució el fondo de inversión propietario del edificio, con el que hacía siete años que negociaban para comprar el local. Rodríguez, que entonces estaba escribiendo una película sobre personas sin hogar, sintió que “la realidad entraba dentro del proyecto” y convirtió la experiencia de su familia en el punto de partida de una historia de ficción sobre el conflicto de la vivienda, la voracidad depredadora del capitalismo y la resiliencia de unas personas que se sienten traicionadas por unas leyes ineficaces.

Empieza a ser un género en sí mismo: cuya película fallida sólo acabas rescatando el trabajo interpretativo de Amy Adams. Después de Nightbitch, La mujer en la ventana o Hillbilly elegy, hay que añadir a la lista de pifias el melodrama familiar At the sea, estrenado este lunes en la competición oficial de la Berlinale. En la película, la actriz deArrival interpreta a la directora de una compañía de danza que se reencuentra con su familia tras pasar seis meses en un centro de rehabilitación para alcohólicos. El trauma infantil y las adicciones son los grandes temas de una película dirigida por el húngaro Kornél Mundruczó, director que suele confiar poco en la inteligencia del espectador y, por tanto, suele subrayar todas las ideas de las historias que cuenta.

Tiene su lógica que si Alemania acoge el mayor festival de heavy metal del mundo –el Wacken Festival, con más de 200 bandas–, el gran festival de cine del país sea el escenario escogido para estrenar el documental sobre heavy metal de la temporada. The ballad of Judas Priest, además, tiene a su favor un elemento muy apreciado en la Berlinale: la reivindicación queer a través de la figura de su icónico cantante, Rob Halford, que salió del armario a finales de los 90 después de cerca de tres décadas de silencio impuesto sobre su orientación sexual.

No siempre están bien resueltas, pero hay muchas ideas interesantes en The momento, la película presentada este sábado en la Berlinale en la que la cantante Charli XCX interpreta una versión ficticia de sí misma. Esta decisión genera una tensión y ambigüedad muy curiosa, porque el filme parte de la misma biografía reciente de la cantante, pero manipulada y alterada a través de los mecanismos de la ficción. "He pasado toda la vida preparándome para este papel, soy mucho del método", ha bromeado a Berlinale Charli XCX, quien ha explicado que la película surge del "salto extremo" que experimentó cuando su último trabajo discográfico, Brato, se convirtió en el disco del verano de 2024. "Pasé de ser una artista que se movía en los márgenes con un público casi exclusivamente gay a tener, de repente, una audiencia masiva. Sentía que estaba perdiendo el control de algo que siempre había podido controlar, y eso me hizo pensar en cómo comunicamos el arte y cómo comunicamos el arte y.

Durante la ceremonia de inauguración de la Berlinale del 2011, la primera que cubrió el ARA, el protagonista ausente del acto fue el iraní Jafar Panahi, miembro del jurado al que las autoridades de su país habían prohibido viajar al festival. Su silla vacía en el escenario fue la imagen de la indignación y solidaridad con el cineasta oprimido. En 2023, el festival fue un paso más allá y anunció que vetaba a las empresas y medios con vínculos con los gobiernos de Irán y de Rusia, que acababa de invadir Ucrania. Ese mismo año, el protagonista de la gala inaugural fue otro hombre ausente: el presidente ucraniano Volodímir Zelenski, que realizó una intervención telemática de diez minutos.

Ivan se reencuentra con una antigua compañera de escuela en el invernadero almeriense donde trabajan ambos y la atracción mutua desemboca en una noche de confidencias y sexo en la playa. Es, como dice el director deIvan & Hadoum, Ian de la Rosa (Granada, 1988), "una historia de amor clásica con personajes que no lo son", porque Ivan es un chico trans y Hadoum es la hija díscola de unos migrantes magrebíes. Esto es quizás lo que hace que se acepten el uno al otro con naturalidad y sin prejuicios. Pero la película, una coproducción catalana que se presenta este viernes en la Berlinale en la sección Panorama, parte de la superación del conflicto con la identidad trans que el director, formado en el Ajedrez, ya exploró hace once años al corto Victor XX. "Ahora el conflicto tiene que ver con otras cosas, con elegir qué tipo de persona quieres ser y empoderarte a través del amor y el deseo", explica De la Rosa, que en el 2022 fue, con el corto Farrucas, el primer cineasta trans en ganar un Gaudí.

"Conoces la expresión para bien o para mal? Pues yo estoy entrando en la fase para mal de mi vida", dice el protagonista de Blue moon, presentada este martes en la Berlinale. La frase podría servir de resumen del momento vital de Lorenz Hart que trata de capturar Richard Linklater en esta película sobre uno de los mejores letristas de la música popular estadounidense del siglo XX, que formó un tándem exitoso con el compositor Richard Rodgers: My funny valentine o la misma Blue moon son dos de los cientos de canciones que crearon hasta que el alcoholismo de Hart empujó a Rodgers a buscar a un letrista más fiable, Oscar Hammerstein. La noche de 1943 en la que se ambienta Blue moon es precisamente la del estreno del musical Oklahoma!, primera colaboración de Rodgers con Hammerstein, un éxito estratosférico que, de algún modo, cerraba la puerta a retomar el tándem Rodgers & Hart.

En las últimas semanas no habrán sido fáciles para Michel Gondry. Después de haber rodado un musical basado en la infancia de Pharrell Williams, Golden, uno de los estrenos más esperados del 2025, Variety reveló hace unos días que el montaje se había cancelado y la película nunca se estrenaría porque los productores y Gondry consideraban que el material no estaba a la altura de las expectativas. Para secar las penas de un proyecto tan ambicioso y frustrado, nada mejor que presentar otro en las antípodas: Maya, donne-moi un titre, un largo de animación que recoge los cortos de animación stop-motion que Gondry lleva años realizando para su hija Maya, piezas animadas a mano con cartulinas de colores, tijeras, cinta adhesiva y un smartphone. El director francés le presentó a la prensa en la Berlinale, aunque sin aceptar "preguntas sobre Pharrell".

En Marion Cotillard no se le caen los anillos a la hora de jugar con su imagen de gran diva del cine francés moderno. Ya lo hacía en el drama Asuntos familiares de Arnaud Desplechin, donde hacía de una actriz orgullosa enrocada en su odio hacia un hermano escritor, y ahora vuelve a ponerse en la piel de una actriz famosa en La tour de glace, de la francesa Lucile Hadzihalilovic, una reinterpretación moderna y perversa del cuento La reina de las nieves de Hans Christian Andersen que se ha presentado este domingo en la competición de la Berlinale.

Parece que hace una eternidad de la celebrada victoria del thriller coreano Parásitos en los Oscar del 2020, quizás porque sólo unos días después estalló la pandemia y todo lo que la precede pertenece a otro mundo. Sin embargo, cinco años después todo sigue igual que en aquellos Oscar inolvidables: la sonrisa de Bong Joon-ho, la presencia junto a la intérprete Sharon Choi y una película sorprendente, políticamente incisiva y de una puesta en escena memorable. En el caso de Mickey 17, presentada este sábado en la Berlinale, es de una escala interestelar: el regreso del director coreano es una comedia de ciencia ficción ambientada en una nave espacial que viaja al espacio para colonizar un planeta lejano, y el protagonista es un Robert Pattinson entregado a la comedia con una exhibición de muecas y humor físico que recuerda tanto a Buster Keaton como a Jim Carrey.

Ángela y Héctor han creado un mundo casi perfecto. Su amor es una coraza de cariño y confianza que les hace invencibles, o eso parece hasta que la maternidad hace peligrar esta burbuja de felicidad. La historia suena familiar, casi universal, pero la directora Eva Libertad le añade un componente que cambia todo: Ángela es sorda y Héctor no. La producción catalana Sorda, que se estrena este sábado en la sección Panorama de la Berlinale, toma como referencia el punto de vista de Ángela, a quien interpreta con una entrega absoluta Miriam Garlo, hermana de la directora y primera actriz sorda que protagoniza una película en el Estado. "La sociedad no nos educa para relacionarnos con la diferencia o la discapacidad –señala Libertad–. Si yo sé algo de sordera es porque Miriam es mi hermana. Es como si, sin saberlo, nos hubiéramos preparado toda la vida para hacer esta película".

Ángela y Héctor han creado un mundo casi perfecto. Su amor es una coraza de cariño y confianza que les hace invencibles, o eso parece hasta que la maternidad hace peligrar esta burbuja de felicidad. La historia suena familiar, casi universal, pero la directora Eva Libertad le añade un componente que cambia todo: Ángela es sorda y Héctor no. La producción catalana Sorda, que se estrena este sábado en la sección Panorama de la Berlinale, toma como referencia el punto de vista de Ángela, a quien interpreta con una entrega absoluta Miriam Garlo, hermana de la directora y primera actriz sorda que protagoniza una película en el Estado. "La sociedad no nos educa para relacionarnos con la diferencia o la discapacidad –señala Libertad–. Si yo sé algo de sordera es porque Miriam es mi hermana. Es como si, sin saberlo, nos hubiéramos preparado toda la vida para hacer esta película".

Algo se mueve en el cine que se hace en Catalunya, si hacemos caso a los dos cortos de producción catalana que se estrenarán en la Berlinale que comienza este jueves: Casi septiembre, de Lucía G. Romero, y Juanita, de Karen Joaquín y Uliane Tatit. Y no porque estén dirigidos por mujeres jóvenes, que ya no es novedad en el cine catalán, sino por la naturalidad con la que tratan realidades que la ficción suele tender a problematizar. En Casi septiembre, por ejemplo, el conflicto en la relación sexoafectiva de las protagonistas no surge del hecho de que sean mujeres o que una sea racializada, sino del miedo al abandono que siente la otra. Y que Juanita la protagonice una adolescente racializada es un menor detalle en la reflexión del corto sobre el choque cultural entre los estereotipos estéticos de una familia migrante de origen dominicano y los de la sociedad catalana de acogida.

"Cuando las estatuas mueren, se convierten en arte". Con esta frase se inicia Las estatuas también mueren, corto documental dirigido por Chris Marker, Alain Resnais y Ghislain Cloquet que presenta conexiones con Dahomey, la brevísima y evocadora película con la que la francosenegalesa Mati Diop ganó ese año el Oso de Oro. Ambas obras transitan espacios alejados del documental más ortodoxo para reflexionar sobre la presencia de obras de arte africanas en museos occidentales, fruto del saqueo perpetrado por los colonizadores europeos.

"Cuando las estatuas mueren, se convierten en arte". Con esta frase comienza Las estatuas también mueren, corto documental dirigido por Chris Marker, Alain Resnais y Ghislain Cloquet que presenta conexiones con Dahomey, la brevísima y evocadora película con la que la francosenegalesa Mati Diop ganó ese año el Oso de Oro. Ambas obras transitan espacios alejados del documental más ortodoxo para reflexionar sobre la presencia de obras de arte africanas en museos occidentales, fruto del saqueo perpetrado por los colonizadores europeos.

"Soy un misterio". Esta ha sido la respuesta de Martin Scorsese, acompañada de una sonrisa pícara, a la periodista que le ha preguntado cómo se definiría, en una sola palabra. No está mal, el atrevimiento de pedirle concisión al cineasta más locuaz del planeta. ¿Misterioso? No, Scorsese es cualquier cosa menos misteriosa. Lleva toda su vida hablando de sus orígenes y de su amor por el cine, en entrevistas y charlas y a través de sus películas. Y eso mismo ha hecho a la Berlinale, que este martes le ha entregado un Oso de Oro honorífico tanto por su extraordinaria carrera como por la labor de restauración del patrimonio cinematográfico que realiza la fundación que lleva su nombre.

Los hermanos cineastas David y Nathan Zellner se criaron fascinados por las historias sobre el Bigfoot (o Sasquatch), ese homínido salvaje y casi mitológico que, supuestamente, campaba discretamente por los bosques más recónditos del noroeste americano. La ciencia nunca ha podido confirmar la existencia de este animal de leyenda, así que los Zellner han decidido estudiarlo por su cuenta con sus armas: la ficción y el cine. Sasquatch sunset, que este lunes se ha presentado en la Berlinale, sigue las peripecias de un pequeño grupo de Bigfoots a lo largo de un año, sin diálogos que no sean guturales y asumiendo siempre la perspectiva de los animales. Son 90 minutos de gruñidos, sexo y mierda, una inmersión total en la experiencia Bigfoot que oscila entre el cine antropológico al estilo de Jean-Jacques Annaud (En busca del fuego y El oso son referentes claros) y la broma llevada demasiado lejos.

Al principio de The human hibernation, una niña emerge de un agujero en el suelo; no estaba escondida, sino hibernando, pero el frío y la nieve indican que ha salido demasiado temprano de la madriguera. En la opera prima de Anna Cornudella (1991), que se presenta este lunes en la sección Forum de la Berlinale, los humanos hibernan durante los meses más fríos del año y, mientras, la naturaleza reclama sus casas, por donde pasean como si nada cabras y caballos. La inspiración para crear el mundo de esta enigmática cinta a caballo entre el cine experimental y la ciencia ficción es el equidna, un curioso puercoespín australiano de la familia del ornitorrinco.

Un año después de ser la presidenta del jurado oficial más joven de la historia de la Berlinale, Kristen Stewart ha vuelto al festival para presentar el vibrante drama criminal Love lies bleeding, que subvierte los códigos del thriller a través de la abrasiva historia de amor de Lou y Jackie, la solitaria trabajadora de un gimnasio que interpreta Stewart y una joven culturista huida de casa (la casi debutante Katy M. O'Brian). Ambientada en unos años 80 entendidos no como escenario nostálgico sino como paradigma de los excesos de la cultura norteamericana, Lou y Jackie son el centro de una película que crece y se multiplica en cada giro de guión, llena a rebosar de armas, sexo, violencia, asesinatos, esteroides y alucinaciones, pero sobre todo de un sentido del humor corrosivo del que no se escapan ni sus protagonistas, atrapadas en una trama criminal que pone a prueba el su amor.