A principios de los noventa, nada más terminar la carrera de Bellas Artes, Carolina López Caballero (Villafranca de los Caballeros, Toledo, 1966) marchó a Inglaterra para estudiar animación. Allí descubrió la profundidad y la riqueza del cine animado internacional y dirigió un corto, Swan song, que se proyectó en el Festival de Londres junto al mítico Creaturas confort de Nick Park, cofundador de Aardman. Al volver a Barcelona, ​​viendo la disparidad entre el panorama inglés y el catalán en cuanto a animación, aprovechó una proyección de su corto en el departamento de cinematografía de la Generalitat para entregar a los responsables un grueso dossier con un proyecto para hacer un festival de animación en Catalunya. "Entonces en Inglaterra había festivales de animación, Channel Four, BBC2... Pero eso era el desierto, y yo, además de la semilla como creadora, siempre he tenido la vocación de compartir", explica López Caballero.

Cuando pensamos en la infancia como un paraíso perdido seguramente tenemos en mente un período idealizado que puede ir más o menos de los cinco a los once años. Nuestros recuerdos no rebobinan más allá porque, por lo general, nuestra memoria de los primeros años de vida suele ser una nebulosa de impresiones poco contorneadas. Little Amélie, sin embargo, no elige este camino. Esta adaptación de Metafísica de los tubos de Amélie Nothomb toma el sustrato autobiográfico de la novela sobre los primeros recuerdos de la escritora belga (nació y vivió hasta los tres años con su familia en Japón) para hacer crecer un Edén de dibujos animados.

El Pot Petit sigue haciéndose mayor. El grupo de música familiar que lideran Helena Bagué y Siddartha Vargas, que acumula más de 200 millones de visualizaciones de sus canciones en YouTube y más de 120.000 oyentes mensuales en Spotify, se estrena este viernes en un terreno que aún no habían pisado: el cine. Lo hacen con la canción original El espíritu de Navidad, el tema principal de la película de animación catalana Hanna y las Navidades olvidadas, de Elena Ruiz, una secuela de la cinta de 2023 Hanna y los monstruos, que estuvo nominada a los Gaudí y los Goya. "Ya habíamos recibido alguna propuesta similar, pero ésta nos acabó de convencer por el proyecto y unos valores que ligaban con los de El Pot Petit", explica Vargas. Que la temática fuese navideña fue un regalo añadido para Bagué, que reconoce ser "una entusiasta" de las canciones de Navidad.

Zootrópolis 2 carga con un peso que la primera parte no tenía: la necesidad de estar a la altura de aquella maravillosa animalada, inesperada viniendo de Disney; no por grandilocuencia visual –que también–, sino por ingenio narrativo. Aquel guión que no daba tregua, que encadenaba un gag tras otro y se atrevía a hablar de prejuicios sin paternalismos, sigue siendo el punto de comparación inevitable. La secuela, en una decisión muy respetable, rebaja el tono festivo para aportar una lectura más adulta: donde antes existía euforia ahora hay prudencia.

Caram, qué choque que hace la cosecha de animación de Netflix de este 2025. Después de excelentes largometrajes como la nueva de Wallace & Gromit o el fenómeno Las guerreras K-pop y de series tan exitosas como Devil may cry y Astérix y Obélix: el combate de los jefes, sólo les faltaba acabar de abonarlo con una torpeza como Despelote. Esta comedia de animación para adultos, y mucho para adultos, llega además con firma de autor: la del gran Genndy Tartakovsky, creador, entre otros, deEl laboratorio de Dexter y Samurai Jack y director de Las Supernenas, Star Wars: clone wars y Hotel Transilvania. Aristocracia del cartoon.

Durante la Segunda Guerra Mundial, una leñadora pobre adopta una niña judía que acaba de ser lanzada por su padre desde el tren que deporta a toda la familia a Auschwitz. El primer filme animado de Michel Hazanavicius se esfuerza por buscar un precario equilibrio entre el horror de lo que está narrando y el tono de cuento de hadas del relato, con el propósito de reivindicar el amor y la solidaridad como cualidades intrínsecamente humanas. Como es habitual en la obra del director de The artist, es una película con mejores intenciones que resultados. Pese a una animación en 2D expresiva y voluntariamente pómez y ciertos personajes memorables (el exsoldado de cara desfigurada que acoge a la madre y la niña), el filme no puede evitar, sobre todo en el tramo final, incidir en un sentimentalismo subrayado por la partitura omnipresente de Alexandre Desplat.

Esta temporada, el cine de animación ha quedado marcado por el mixito letón protagonista de Flow, que sin decir ni mío se acabó llevando el Oscar. Pero deberíamos empezar a hacer sitio para otro gato, el que da nombre a Anzu, gato fantasma: un enorme felino antropomórfico, risueño y flatulento, que vive en un pequeño pueblo de la costa japonesa y se desplaza casi siempre en moto. La única persona que se sorprende de la presencia de esta bestia es Karin, una adolescente a la que le pencas de su padre deja al cuidado del abuelo mientras él busca la manera de pagar sus deudas de juego. Pasado el impacto inicial, Karin traba amistad con Anzu, con quien pasa el rato durante los largos días de verano y con quien acaba haciendo una excursión al inframundo en busca de su madre, muerta unos años atrás.

Los maratones no están hechos para los velocistas. O dicho de otra forma: el formato de largometraje no es la distancia ideal para los esprínteres de la animación, acostumbrados a sintetizar toda su inventiva y humor en un bote pequeño de 5 o 6 minutos en clave de cortometraje televisivo. Quizá por eso los títulos para el cine de la legendaria franquicia animada de Warner Bros a menudo mezclaban imagen real y animación, como Space Jam. Pero El día en que la tierra explotó. Una película de Looney Tunes no: es la primera película para salas de estos personajes míticos completamente animada y, precisamente por ese motivo, la que sufre más de ritmo.

Javier Mariscal (Valencia, 1950) no acaba de procesar que el Festival Animac de Lleida le haya concedido el Premio Trayectoria, que recogerá este domingo en la ceremonia de clausura. "Si yo no soy animador –se excusa–. ¡Yo no soy nada!". Y, sin embargo, ha hecho de todo: cómics, textiles, esculturas, cuadros y diseñar de todo, desde locales a mascotas olímpicas... Pero no siempre lo han recibido con los brazos abiertos. "Miquel Barceló me decía que no pintara, que mis cómics eran la hostia. Los deEl Víbora igual: «Qué muebles tan bonitos que haces». Òscar Tusquets me decía: «No hagas muebles, que tus cuadros son muy bonitos». La gente del arte no me perdonaba tener obras a 30.000 euros en una galería y después vender en el quiosco. Y menos mal que no gané el Oscar con Chico & Rita o los animadores me habrían jodido un disparo".

En las últimas semanas no habrán sido fáciles para Michel Gondry. Después de haber rodado un musical basado en la infancia de Pharrell Williams, Golden, uno de los estrenos más esperados del 2025, Variety reveló hace unos días que el montaje se había cancelado y la película nunca se estrenaría porque los productores y Gondry consideraban que el material no estaba a la altura de las expectativas. Para secar las penas de un proyecto tan ambicioso y frustrado, nada mejor que presentar otro en las antípodas: Maya, donne-moi un titre, un largo de animación que recoge los cortos de animación stop-motion que Gondry lleva años realizando para su hija Maya, piezas animadas a mano con cartulinas de colores, tijeras, cinta adhesiva y un smartphone. El director francés le presentó a la prensa en la Berlinale, aunque sin aceptar "preguntas sobre Pharrell".

Explicar la complejidad del mundo a los niños es a menudo una tarea difícil que el director suizo Claude Barras (Sierre, 1973) domina con sensibilidad y profundidad. Primero lo hizo con La vida de Calabacín (2016) —nominada a los Oscar y premiada a los Césares, los Premios del Cine Europeo y el Festival de San Sebastián—, en los que el director abordaba temas como el maltrato infantil y el orfandad. Ahora vuelve con su segundo largometraje de animación en stop-motion, Salvajes (2024), que se estrena este viernes –en versión doblada al catalán– y habla del impacto de la deforestación en la naturaleza y en las culturas indígenas. "Cada vez hay más películas infantiles que sólo quieren divertir y hay que preguntarse por qué" —dice Barras—. "Quizás es que les queremos alejar de una realidad demasiado dura que no podemos cambiar". Y añade: "No se trata de exponerlos a la violencia, pero hay que generar preguntas adaptadas a su edad sobre la forma algo extraña que tenemos de vivir".

Cuando el padre muere y la separan de su hermano Gilbert, la obsesión por los objetos con forma de caracol de Grace se convierte en un refugio contra la tragedia y la pérdida que marcan su vida. Memorias de un caracol, que se estrena el viernes, es el extraordinario nuevo filme del australiano Adam Elliot (Berwick, 1972), maestro de la animación stop-motion que sublima el dolor de existir a través del humor agridulce y la ternura de unas historias que te hacen estallar de risa con la misma facilidad con la que te rompen el corazón.

Una vez terminó la proyección de Flow, un mundo que salvar en la última edición de Mi Primer Festival, el presentador abrió un turno de preguntas y comentarios entre los pequeños. Un niño levantó rápidamente la mano: "¡Mi madre se ha pasado toda la peli llorando!", fue su aportación. "¡Mi también!", remachó otro, dos filas atrás, entre las risas y los oooohs esponjosos de la platea. Es muy útil esta anécdota, no para certificar que Flow, un mundo que salvar es un filme de animación de amplio espectro que seduce a espectadores de los 0 a los 99 años, sino para ilustrar cómo una película sin diálogos y con una trama no especialmente melodramática ni del todo clara puede emocionarnos profundamente.

Hace unas semanas, el estreno de lo olvidable Vaiana 2 perfilaba uno de los nadires de la actual crisis de creatividad de la compañía Disney, empeñada en rentabilizar el atractivo comercial de sus franquicias más exitosas. Ahora, Mufasa: El rey león, precuela del filme de 1994 –que ya va sufrir uno remake digital fotorealista en 2019–, demuestra que no todo está perdido para la todopoderosa factoría de animación. De hecho, la comparación directa con Vaiana 2 resulta reveladora: allí donde la secuela de la aventura polinesia se limitaba a replicar la fórmula original, Mufasa añade unas estimulantes pinceladas de mitología griega al drama shakespeariano deEl rey león (el nuevo malvado responde al nombre de Kiros y la figura de Rafiki, el mandril sabio, se asemeja más que nunca al adivino Tiresias)

Rock bottom es una obra que circula entre diversos lenguajes, estilos y disciplinas, por lo que resulta más sencillo determinar qué no es que identificar su naturaleza exacta. Para empezar, el filme de María Trénor no pretende ser un biopic de Robert Wyatt, y eso que la biografía del músico británico contiene un punto de giro dramático de aquellos que hacen salivar a los actores de Hollywood a la caza de premios: en 1973, fuertemente intoxicado en el transcurso de una fiesta, Wyatt se va precipitó al vacío desde un cuarto piso y se rompió la columna vertebral; quedó completamente paralizado de cintura hacia abajo. La convalecencia por el accidente coincidió con la grabación de su segundo disco en solitario, una obra maestra de introspección progresiva que ahora cede su título a Rock bottom.

Rock bottom es una obra que circula entre diversos lenguajes, estilos y disciplinas, por lo que resulta más sencillo determinar qué no es que identificar su naturaleza exacta. Para empezar, el filme de María Trénor no pretende ser un biopic de Robert Wyatt, y eso que la biografía del músico británico contiene un punto de giro dramático de aquellos que hacen salivar a los actores de Hollywood a la caza de premios: en 1973, fuertemente intoxicado en el transcurso de una fiesta, Wyatt se va precipitó al vacío desde un cuarto piso y se rompió la columna vertebral; quedó completamente paralizado de cintura hacia abajo. La convalecencia por el accidente coincidió con la grabación de su segundo disco en solitario, una obra maestra de introspección progresiva que ahora cede su título a Rock bottom.

Hace muchos años, en un mundo lejano en el que el pensamiento corporativo todavía tenía cierto método en su locura, Disney reservaba los estrenos cinematográficos a producciones originales con vocación de evento. Las secuelas se entendían como pura explotación de marca, dirigidas a fans acérrimos y destinadas al mercado doméstico. En este sentido, Vaiana 2 resulta excepcional, siendo tan sólo la cuarta secuela que el estudio ha decidido elevar al canon de la exhibición en salas, aunque el proyecto nació como serie para su plataforma de streaming.

Mientras la factoría Disney sigue estancada en un cierto coma creativo, somatizado en el alud de secuelas, el estudio DreamWorks aprovecha la ocasión para tomar la delantera con la notable Robot salvaje, que adapta la novela homónima de Peter Brown y capitaliza el talento de los creadores de Cómo adiestrar a un dragón, Dean DeBlois, que aquí ejerce de productor, y el director Chris Sanders. Dicho esto, el atropellado inicio de Robot salvaje desconcertará a más de un padre o madre, pero los niños seguramente disfrutarán desde el minuto cero con lo que parece una relectura naturalista de WALL·E pensada para espectadores con un trastorno de déficit de atención.

Desde la primera escena de Garfield. La película, en el que el gato más perezoso del cómic pide pizzas y lasaña a través de una aplicación móvil, queda claro que el objetivo del equipo liderado por Mark Dindal –el director de títulos menores como Chicken Little o El emperador y sus locuras– consiste en poner al día el universo del personaje creado por Jim Davies. En este sentido no es extraño que este discreto filme de animación juegue con la estética de los dispositivos digitales y que, aferrándose a la hegemonía cultural del imaginario de los superhéroes, hurgue en los traumas de niñez del protagonista –estamos ante elorigin story de Garfield, que llega marcada por un conflicto familiar.

Han pasado veintitrés años desde el estreno deEvasión en la granja, pero Chicken Run: amanecer de los nuggets pasa a lo largo de la nostalgia autocelebratoria. De hecho, más allá de cierta nitidez digital, las décadas que separan un filme del otro no se notan tanto en las imágenes como en las circunstancias que les rodean. El primero significó un notable éxito de taquilla para el estudio de animación Aardman, mientras que su secuela llega directamente a Netflix, con los fundadores Nick Park y Peter Lord asumiendo un rol de productores ejecutivos. Y si la corrección política ha sido la causa probable para que Zachary Levi sustituya a Mel Gibson como voz del gallo Rocky, Julia Sawhala afirma que le han apartado del proyecto porque suena demasiado vieja para encarnar a la valiente gallina Ginger, ahora doblada por Thandie Newton.