“Un hombre simple”. Así define Emily Wilson, la primera mujer que publicó una traducción completa de la Odisea en inglés, al protagonista del film de Christopher Nolan. La filóloga ha cargado contra la película en un ensayo publicado en London Review of Books bajo el título An uncomplicated man, haciendo referencia a las primeras palabras que Wilson utilizó en su versión de 2017 para definir a Odiseo como un “hombre complicado”. Durante la promoción de la Odisea (2026), Nolan citó en varias ocasiones la traducción de Emily Wilson como una de las principales fuentes de inspiración. Aun así, la experta en literatura clásica y catedrática de la Universidad de Pensilvania no ha quedado satisfecha con el resultado.

Elon Musk continúa enfadado por la versión de Christopher Nolan de la Odisea. Durante meses, él y sus simpatizantes han llevado a cabo una campaña en las redes para cuestionar el reparto de la nueva superproducción de la antigua epopeya, en particular la elección de la actriz negra Lupita Nyong'o para el papel de Helena de Troya y el actor transgénero Elliot Page como el guerrero Sino. Ahora que la película se ha estrenado, algunos conservadores han reconocido que no hay nada de particularmente woke en el relato de sacrificio y honor masculino de Nolan. Se toma libertades con el material original, como cualquier versión de Hollywood, pero una de sus principales divergencias es un marco moral más cristiano que pagano, algo que no debería ofender a la mayoría del sector conservador.

La Odisea de Christopher Nolan dura 2 horas y 53 minutos. Casi tres horas de metraje faraónico para narrar las peripecias de Ulises durante diez años, desde que abandona las playas de Troya hasta que finalmente retorna a Ítaca. La película recoge prácticamente todos los episodios y temas esenciales del poema de Homero, obra fundacional del mito del viaje, creada a partir de la tradición oral hace cerca de 2.800 años. Pero, como toda adaptación (o reinterpretación), no es ni de lejos exacta: el cineasta altera el orden de algunos pasajes, resume otros y elimina escenas importantes que, en el texto original, aportan matices y ayudan a comprender la profundidad psicológica del protagonista. Estas son las más significativas.

La nueva película de Christopher Nolan, La Odisea, ha llegado a las salas con un caballo de Troya: su formato cinematográfico. Una característica que ha provocado un encendido debate sobre la proporción del plano en que se proyecta la película en los diferentes formatos de exhibición, hasta el punto de que el crítico y divulgador Alejandro G. Calvo ha cargado contra el sistema de exhibición de La Odisea, que califica de "demencial" y "una falta de respeto al lenguaje cinematográfico", porque "solo puedes ver la película tal como la filmó Nolan en un puñado de cines, y en el resto ves el 75% del plano, o el 73%".

En el prólogo de la reciente traducción de la Odisea editada por Bernat Metge Universal, Roger Aluja recuerda cómo Ulises se diferencia de Aquiles, el guerrero triunfante de la Ilíada, en el hecho de que su gloria no culmina en la victoria en la batalla sino en el retorno posterior a casa. En su apropiación del clásico de Homero, Christopher Nolan toma buena nota. Nueva muestra del cine entendido como un espectáculo audiovisual inmenso, la grandiosidad de La Odisea no radica en la épica del combate sino en el peso abrumador de unas circunstancias externas que un humano como Ulises no puede controlar. En su film más oscuro (nada mediterráneo), Nolan vacía el viaje de la dimensión aventurera más gozosa y se acerca al terror en algunos de los mejores pasajes: la captura en la cueva de Polifemo, la perturbadora transformación de los navegantes en cerdos por parte de Circe, el inquietante descenso al Hades... Ludwig Göransson lo envuelve todo con una banda sonora táctil que nos sumerge en la ira oceánica de Poseidón.

Mientras se disputa la batalla entre Netflix y Paramount por controlar Warner –responsable de unos 3.700 millones de la taquilla mundial en el 2025, poca broma–, la industria del cine se prepara para reconquistar una taquilla pospandémica que sigue sin levantar vuelo. En 2026 Hollywood tirará la casa por la ventana con estrenos diseñados para atraer al gran público y revitalizar la experiencia en salas. También habrá, como siempre, películas en busca de la gloria artística. Y nuevas obras de autores como Albert Serra, Greta Gerwig, Pedro Almodóvar, Christopher Nolan y Steven Spielberg.

El director británico Christopher Nolan ha recibido críticas por haber rodado parte de su próxima película,La Odisea, en la ciudad de Dakhla, situada en el Sáhara Occidental, un territorio en disputa ocupado en gran parte por Marruecos. En concreto, ha sido denunciado por el Festival Internacional de Cine del Sáhara Occidental (FiSáhara), que se celebra en los campos de refugiados saharauis de Argelia. En uno comunicado, la organización afirma: "Dakhla no es sólo un lugar precioso con dunas de arena cinematográficas. Por encima de todo es una ciudad ocupada y militarizada, y su población indígena saharaui está sometida a una represión brutal por parte de las fuerzas de ocupación marroquíes. Nolan y su equipo deben dejar de filmar a Dakhla".

¿Quién es el mejor director de lo que llevamos del siglo XXI? Según la lista publicada por el diario de The New York Times, Christopher Nolan, al menos porque es el más representado, con cinco títulos, entre las 100 mejores películas estrenadas desde 2020 (el diario norteamericano considera que el siglo XXI comienza en el 2000 en vez del 2001). Los cinco filmes que han elegido de Nolan ocupan los puestos 28, 53, 62, 65 y 89. Si se prioriza la posición en el ranking, quizá tengan más valor las cuatro películas que aparecen de Paul Thomas Anderson (3, 25, 42 y 56), de los hermanos Ethan y Joel Coen (6, 36, 76 i 83) y e Alfonso Cuarón (13, 18, 46 y 97). Sin embargo, ninguno de estos cineastas encabeza la lista elaborada con las votaciones de más de 500 personalidades del mundo del cine. El número 1 es para Parásitos, del surcoreano Bong Joon-ho, de quien hay otro título en el ranking: Memories of murder (crónica de un asesino en serie).

Cuando hace unas semanas, el diseñador Sean Longmore compartió en redes el póster de una película imaginaria protagonizada por Margot Robbie, Cillian Murphy, Robert Downey Jr. y Ryan Gosling, entre otros, sólo estaba dando forma a un meme que llevaba meses circulando por internet: Barbenheimer, la fusión conceptual de dos de los estrenos del año, Barbie y Oppenheimer, que llegan a los cines este jueves. El estreno simultáneo de dos películas tan diferentes en estética y temática y al mismo tiempo tan esperadas ha provocado una especie de guerra cultural –y casi ideológica– entre los partidarios de una y otra que se dirime en las redes sociales, la taquilla y los rankings de la crítica (en el ARA gana Barbie por poco). Y en vista del éxito moderado que están teniendo los grandes estrenos del verano, desde el nuevo Indiana Jones hasta Elemental, la industria ha bendecido una rivalidad que convierte este estreno conjunto en el evento cinematográfico del verano y alimenta la expectación del público.

La descripción que el nuevo filme de Christopher Nolan ofrece del físico estadounidense Robert Oppenheimer no difiere demasiado de la imagen que el cineasta británico parece haber construido de sí mismo a lo largo de dos décadas: un visionario privilegiado con una manera única e irrenunciable de observar y entender el mundo que le convirtió en un personaje incómodo para un cierto establishment. Oppenheimer es, por tanto, un biopic atípico del padre de la bomba atómica, pero también podría ser una especie de autorretrato de un cineasta que, como el científico que dirigió el primer programa nuclear estadounidense en el laboratorio de Los Alamos durante la Segunda Guerra Mundial, logró un hito inigualable seguido de una relación tortuosa con sus antiguos superiores (el filme es el primero que Nolan dirige tras su accidentada salida de Warner, el estudio que había producido todas sus películas desde Insomnio).