No había claras favoritas para el Leopardo de oro de esta 79ª edición del Festival de Locarno, en la que tampoco competían nombres ya reconocidos, excepto por el recurrente Hong Sang-soo. El jurado presidido por el belga Fabrice Du Welz ha honrado dos films, la rumana You don’t belong here de Florin Șerban, Leopardo de oro, y la brasileña The Riverbank (A margem do rio) de Matheus Farias y Enock Carvalho, Premio especial del jurado, que coinciden en abordar el preocupante incremento en todo el mundo de los discursos de odio y de la violencia contra aquellos a quienes se considera diferentes. Y ha dejado fuera films más estimulantes en cuanto a sus riesgos estilísticos, inquietudes artísticas o sobriedad expositiva. Es el caso de Lejos de los árboles, de Meritxell Colell, que, sin embargo, ha entusiasmado a la crítica: ha conseguido, fuera del palmarés oficial, el premio FIPRESCI que concede la Federación Internacional de Críticos, y el Boccalino de oro al mejor film, que entrega la crítica independiente suiza.

Pocos nombres célebres en el concurso internacional por el Leopardo de Oro de esta 79ª edición del Festival de Locarno, lo que permite otorgar protagonismo a cineastas menos reconocidos. El tacto es clave en Objet A, el segundo largometraje de Ann Oren, una directora que se dio a conocer también en Locarno, en 2022, con Piaffe, un film centrado en el dispositivo sonoro cinematográfico y su capacidad para desvelar dimensiones eróticas inesperadas. En Objet A los dos protagonistas, cirujanos especializados en las manos, mantienen una relación ligada a las dinámicas de la dominación-sumisión y están obsesionados con los objetos: ella es cleptómana, y él se deja objetivar sexualmente.

La música siempre ha tenido un papel clave en el cine de Albert Serra. De modo que Seize moments de ma vie, la película-concierto que ha estrenado mundialmente en el Festival de Locarno, no supone una excepción sino una propuesta coherente en la carrera de un cineasta con una sensibilidad especial por otras disciplinas literarias, escénicas y sonoras. El film nos sumerge en un concierto de Ingrid Caven en colaboración con los Molforts (Ferran Font, Enric Juncà, Joe Robinson y Marc Verdaguer), que tuvo lugar en el Théâtre des Bouffes du Nord de París el año pasado. Si en Tardes de soledad, el de Banyoles convertía el cine en un ámbito de encuentro íntimo entre el torero, el toro y el público en la sala, en Seize moments de ma vie vuelve a generar este espacio de introspección fílmica compartida en que Caven desgrana dieciséis temas musicales inspirados en su vida, en una atmósfera sonora y lumínica acogedora en que resuenan con intensidad sobrecogedora sus versos punzantes sobre la experiencia traumática de la guerra, el vínculo con el cine o las angustias terribles que aparecen en los momentos más banales.

Cuando la adaptación en inglés de Sentimental (2020) cayó en manos de Olivia Wilde, ya se habían estrenado varias versiones en otros países de este film de Cesc Gay. La cineasta leyó el guion convencida de que debía haber un componente universal en una historia que interesaba a tantas culturas. "Y pensé", explicaba este sábado en el Festival de Locarno en la presentación de The Invite, el remake norteamericano que ella dirige e interpreta, "es claro, resulta que las relaciones son imposibles en todos los idiomas. Y que todo el mundo se enfrenta a la misma cuestión: ¿cómo se convive con otra persona? ¿Es posible crecer al lado de alguien de quien quizás has acabado desconectando? Creo que es una observación muy conmovedora, y me encantó que en Sentimental estuviera explicada con tanto humor".

Sobre el primer canto de Mektoub, mon amour (2017) pesa la sombra de las películas que Abdellatif Kechiche estrenó antes y después, La vida de Adèle (2013) y Mektoub: Intermezzo (2019). El maltrato por parte del director que denunciaron las actrices y la revisión de la mirada masculina en el caso de la primera y la polémica en torno a la objetivación de los cuerpos femeninos que acompañó el estreno en el Festival de Cannes de la segunda hacen difícil descubrir este primer Canto sin que la sexualización de los personajes femeninos no resulte incómoda. Sobre todo porque el film arranca con una escena sexual muy explícita en la que la desinhibición que podría ser loable queda enturbiada por cómo la actriz queda mucho más expuesta que el actor. Pero la escena también sitúa al protagonista, posible alter ego de Kechiche, como este voyeur que observa más que practica sexo mientras hace fotos y sueña con convertirse en cineasta.

En el prólogo de la reciente traducción de la Odisea editada por Bernat Metge Universal, Roger Aluja recuerda cómo Ulises se diferencia de Aquiles, el guerrero triunfante de la Ilíada, en el hecho de que su gloria no culmina en la victoria en la batalla sino en el retorno posterior a casa. En su apropiación del clásico de Homero, Christopher Nolan toma buena nota. Nueva muestra del cine entendido como un espectáculo audiovisual inmenso, la grandiosidad de La Odisea no radica en la épica del combate sino en el peso abrumador de unas circunstancias externas que un humano como Ulises no puede controlar. En su film más oscuro (nada mediterráneo), Nolan vacía el viaje de la dimensión aventurera más gozosa y se acerca al terror en algunos de los mejores pasajes: la captura en la cueva de Polifemo, la perturbadora transformación de los navegantes en cerdos por parte de Circe, el inquietante descenso al Hades... Ludwig Göransson lo envuelve todo con una banda sonora táctil que nos sumerge en la ira oceánica de Poseidón.

El primer largometraje como directora deAina Clotet, Viva, arranca con una imagen en la que nos reconocemos muchísimas mujeres, sobre todo las de más de 50 años, pero que no suele visibilizarse en el audiovisual: un primer plano del pecho aplastado de la protagonista, la Nora, mientras le hacen una mamografía. Esta representación poco habitual del cuerpo femenino anuncia el posicionamiento cinematográfico de la cineasta respecto a dos inquietudes que atraviesan Viva. La primera, el enfoque frontal y sin tapujos de la situación médica de la Nora, que acaba de superar un cáncer de mama con mastectomía incluida, pero aún vive pendiente de una posible recaída. De hecho, el film transcurre durante las semanas siguientes, mientras espera los resultados de esta revisión del inicio. Este arco temporal sitúa la película en filiación directa con Cléo de 5 a 7 (1962), de Agnès Varda, en la que la protagonista confrontaba un escenario similar y un mismo proceso de reencuentro consigo misma. La segunda inquietud que anticipa esta escena inicial es la relación desinhibida con el propio cuerpo que expresa el personaje, encarnado por la misma Aina Clotet.

Antes de que el sistema de estudios de Hollywood pusiera en marcha la fabricación de estrellas cinematográficas, en Europa reinaban las divas, actrices teatrales que alcanzaban un eco masivo y un prestigio crítico que las convertía en verdaderos símbolos nacionales de adoración popular. Pietro Marcello recupera la figura de Eleonora Duse, todo un mito en la Italia del cambio de siglo XIX al XX, para explorar, desde la etapa madura de la actriz, el surgimiento del fascismo en su país. Un asunto que el cineasta ya había abordado en Martin Eden (2019), una película más equilibrada y brillante en su revisión del drama histórico cinematográfico. Marcello entiende bien que la fascinación de las divas, también como personas, radica en sus contradicciones y en cómo abrazan la dimensión más tempestuosa de la vida.

Cuando Marilyn Monroe murió, el 4 de agosto de 1962, sus pertenencias fueron a parar a Lee Strasberg, que había sido su profesor en el mítico Actor’s Studio y se convirtió en su persona de confianza. Entre las posesiones de la actriz, había un puñado de manuscritos, cartas y algunos poemes propios, textos que Monroe garabateaba a menudo en los papeles de carta de los hoteles donde se alojaba. Todos estos escritos personales se editaron por primera vez en el año 2010, bajo el título de Fragments (edición en castellano en Seix Barral), y ofrecen una panorámica privilegiada al mundo interior, expresado en primera persona, de esta actriz que nació hace cien años, el 1 de junio de 1926. También nos devuelven una imagen menos conocida de la estrella: la de la ávida lectora; la de la actriz que se siente segura ante los fotógrafos pero no cuando tiene que hablar con periodistas; la de la mujer que conecta con las inquietudes políticas progresistas de la época; la de la intérprete que encuentra en Nueva York un territorio de enriquecimiento artístico en las antípodas del glamour de Hollywood.

En un momento deEl amigo silencioso, el neurocientífico a quien da vida Tony Leung (el protagonista de Desear amar en su primer papel en el cine europeo) pesa higos frente a la tele. El profesor tiene poco que hacer porque ha quedado varado en una universidad alemana en plena pandemia de coronavirus. Hasta que un programa con una científica francesa le llama la atención. La experta defiende que las plantas se comunican con nosotros, solo nos hace falta encontrar el canal de comunicación adecuado para descodificar qué nos dicen. Esperonado por esta idea, el protagonista esmera sus esfuerzos en encontrar un dispositivo que le permita conectar con el ginkgo lozano que preside el jardín botánico de la universidad.

El surgimiento de toda una generación de mujeres creadoras de ficción televisiva ha originado un subgénero hasta hace poco (casi) inédito: la comedia de la crianza. Títulos como Better things, Catastrophe, Madres trabajadoras i The letdown abordan la maternidad desde una perspectiva desacralizada que convierte el humor en la mejor arma para encarar la realidad, sin filtros de Instagram, de la crianza. En nuestro país podemos situar en esta tendencia Mira lo que has hecho, con Berto Romero, y Això no és Suècia, de Aina Clotet i Mar Coll. En algunos capítulos esta última serie reunía en la ficción a un grupo de madres en la vida real que compartían sus experiencias como tales en reuniones de apoyo mutuo. Una de estas madres era Marta Bassols, escritora, actriz y agitadora cultural bien conocida (y querida) de la escena barcelonesa. Ahora es ella quien impulsa otra serie sobre las tribulaciones de la maternidad, Yo siempre a veces, coescrita con Marta Loza, apadrinada por Javier Ambrossi y Javier Calvo, y protagonizada por Ana Boga.

Una granja en algún rincón de la Alemania rural es el centro deEl sonido de la caída, la película revelación de Cannes 2025 que se despliega a lo largo de cuatro generaciones de habitantes de esta casa. Pero el segundo largometraje de Mascha Schilinski (mucho más ambicioso que su opera primaDark Blue Girl) se distancia de las grandes sagas narrativas que explican la historia de un país desde la particularidad extensiva de una familia. Y no sólo porque los grandes acontecimientos que marcan la Alemania del último siglo a duras penas se intuyen o se recogen sólo por la manera en que afectan indirectamente a los protagonistas. Sobre todo porque Schilinski pone en el centro la perspectiva de una serie de personajes femeninos que habitualmente no han protagonizado los grandes relatos históricos para componer una película en torno a la subjetividad femenina entendida también como una experiencia colectiva intergeneracional.

La escena con la que arranca Incontrolable (I swear) es una de las más comentadas de la vida de John Davidson, la persona real que inspira el film (y que ya había sido objeto de varios documentales previos). En la recepción en la que debía ser condecorado por Isabel II, se le escapó un "Fuck the queen". Un momento que ilustra esta condición incontrolable del síndrome de Tourette, trastorno caracterizado por los tics verbales y gestuales irreprimibles que padece la persona afectada. Y una escena que marca el tono de un film perfectamente encuadrado en la mejor tradición de la feel good movie británica de clase obrera con vocación de concienciar sobre algún asunto, que engloba títulos como Full Monty, Quiero ser como Beckham o, en parte, la reciente Pillion. El film genera una empatía inmediata hacia este hombre nervioso ante el protocolo real, a la vez que utiliza un humor de asumible irreverencia para presentar el conflicto. Si la reina de Inglaterra no se ofendió ante este exabrupto, ¿quiénes somos el resto de mortales para no encajar con comprensión las disrupciones de una persona con Tourette, por muy agresivas que suenen?

Aquí se le conoce poco, pero Louis Theroux es uno de esos periodistas que puede encabezar un reportaje con su nombre. Popular por su trabajo en la BBC, ha abordado cuestiones candentes como la Cienciología, el genocidio en Gaza o las subculturas más marginales en Estados Unidos. En Netflix ha estrenado un documental sobre la masclósfera, un asunto candente en el que han incidido muchos reportajes. La diferencia en este caso es que Theroux utiliza su fama para entrevistar influencers famosos que dirían que no a otros reporteros.

La nueva película de Pedro Almodóvar entronca con Dolor y gloria (2019) en su inspiración autobiográfica. Nos encontramos de nuevo ante un filme con un director como protagonista, aunque aquí de forma desdoblada. Barbara Lennie encarna a Elsa, una realizadora de culto, víctima de las migrañas y marcada por la muerte de la madre. Un personaje que, en un juego de ficción dentro de la ficción, está en el centro del nuevo guión que está escribiendo un cineasta, Raúl, al que da vida Leonardo Sbaraglia. En la primera parte del filme, Almodóvar se recrea en su imaginario habitual sin insuflar nueva fuerza, y dudas se desprenden de las imágenes. ¿Es consciente el manchego que el reflejo de sí mismo que nos devuelven Elsa y Raúl no resulta demasiado halagador? ¿Puede que en su insistencia en convertir Chavela Vargas en un detonante de emoción haya algo de impostura? ¿Cómo es que la mejor secuencia de este segmento es un striptease masculino, a cargo de Patrick Criado, que nos recuerda al Almodóvar tórrido de los inicios? ¿Y tiene claro que está retratando a su pareja primero como puro objeto del deseo y, después (en la piel de Quim Gutiérrez), como mero cuidador?

La carrera hacia los Oscar es lo suficientemente larga para que las apuestas para el favorito fluctúen durante el camino. Pero, en las últimas semanas, las preferencias en la categoría a mejor actor protagonista se habían repartido casi exclusivamente entre Michael B. Jordan y Timothée Chalamet, al que nominaban por tercera vez. Pero al protagonista de Marty Supreme parece que la edad le juegue en contra (los actores jóvenes no suelen recibir premios) y tampoco le han ayudado las polémicas en torno a sus comentarios sobre el ballet y la ópera.

Pillion es la palabra inglesa que designa el pasajero trasero en una moto, lo que llamaríamos el paquete. Por metonimia, en la jerga de las subculturas moteros gays, se refiere también a la figura pasiva en las relaciones basadas en la dominación-sumisión. Porque ese es el contexto en el que se mueve esta comedia romántica inesperada sobre un joven convencional, Colin, que se enamora del líder de un grupo de motoristas, Ray. El primer largometraje de Harry Lighton se basa en la novela Box hill de Adam Mars-Jones, para darle la vuelta a unas cuantas expectativas.

En el intrigante arranque deEl agente secreto, Armando, el protagonista viudo al que da vida Wagner Moura, se detiene en una gasolinera en el trayecto hacia Recife. En el suelo está tendido un cadáver que no parece preocupar al empleado del establecimiento. Es Carnaval. Hay violencia, pero nada se detiene. Cuando la policía aparece en el sitio, se interesan más por el protagonista que por el fallecido. En su largometraje más ambicioso hasta el momento, Kleber Mendonça Filho retrata a Brasil de los años setenta como una suma de contradicciones atravesadas por la normalización de la violencia (no sólo) de estado. El filme, nominado al Oscar a la mejor película ya la mejor película internacional, se centra en un militante clandestino establecido en una casa-refugio de disidentes que empieza a trabajar con una identidad falsa en el Registro Civil y piensa en huir del país con su hijo.

Historia viva del cine italiano, Marco Bellocchio disfruta, con más de ochenta años, de una nueva edad de oro en su carrera, que se ha expandido últimamente a la ficción televisiva. Hace cuatro años estrenaba Exterior nit, una serie en torno a un asunto recurrente en su obra: el secuestro y asesinato de Aldo Moro y la repercusión que tuvo en el mapa político de su país. Ahora estrena la también espléndida Portobello, que mantiene diferentes puntos de contacto con el título anterior. Otra vez, estamos ante una miniserie centrada en el calvario real de un político italiano, en este caso Enzo Tortora (Fabrizio Gifuni, que también hacía de Moro), miembro del Partido Radical pero mucho más conocido como presentador de un magacín televisivo de enorme éxito en la Italia de los setenta, el Portobello del título.

"¿Qué debería mostrar un filme sobre Vallbona?", pregunta José Luis Guerin, fuera de campo, a los habitantes de este barrio en el extremo norte de Barcelona, ​​en la audición in situ que organiza el equipo deHistorias del buen valle. El cineasta introduce al inicio de su nueva película extractos del casting efectuado para este proyecto que parte de Primeras impresiones (2023), una pieza de encargo con motivo deexposición Una ciudad desconocida bajo la niebla en el Macba. Guerin se posiciona así como un director dispuesto a rodar una película abierta (un "work in progress", según los créditos), pero no meramente observacional; sino construida a partir de la realidad que se le ofrece frente a la cámara.