El plano general de una pista de atletismo constituye la imagen inaugural de Corredora, la estimulante opera prima de la directora Laura García Alonso, premiada en el Festival de Málaga. Mientras aparecen los títulos de crédito, una figura femenina corre por la pista hasta que, después de dos vueltas, se detiene exhausta. Desde su inicio, la película apuesta por la puesta en escena del esfuerzo físico y la búsqueda de los límites de la resistencia corporal (y mental) como eje vertebrador de la propuesta narrativa y visual. La cámara abandona pronto la distancia de seguridad proporcionada por este plano general inicial para acercarse, de manera vertiginosa, al cuerpo en movimiento continuo de su protagonista, la Cris (Alba Sáez, fantástica), una atleta de alto rendimiento para quien correr y competir son sustitutos de la vida.

En su libro Tale of cinema, el crítico Dennis Lim señala la importancia de los hoteles en el cine de Hong Sangsoo, como si sus personajes gravitase inconscientemente hacia espacios que no pueden hacer suyos. En tiempos recientes, sin embargo, el cineasta se ha interesado cada vez más en localizaciones habitables, como la finca de A dalt de tot o, muy especialmente, el gran hogar familiar que, al inicio de ¿Qué te dice esta naturaleza?, despierta la admiración del joven poeta Donghwa. Su novia Junhee le explica que fue su padre quien la construyó y, encuriosido, Donghwa se acerca a la puerta para contemplarla mejor, precipitando el encuentro accidental con su familia política, que le invita a pasar con ellos una jornada que devendrá reveladora y humillante a partes desiguales.

Una diligencia debida es una investigación o revisión exhaustiva que se hace antes de una compra, inversión o acuerdo importante para detectar riesgos, problemas o información relevante que suele llevarse a cabo dentro de marcos financieros, empresariales o legales. Lo que no es tan habitual es activar esta auditoría en una relación sentimental. ¿Te imaginas iniciar una diligencia debida oficiosa sobre tu pareja días antes de casarte con ella? Kristoffer Borgli, sí. De hecho, El drama es un análisis de riesgos que se abre de manera totalmente accidental, en una cena de unos futuros marido y mujer con los padrinos de la boda para probar las viandas del convite.

Tarde llega esta comedieta sobre un machista que, después de un accidente, se despierta en una realidad alternativa en la que las mujeres están al poder y los hombres reciben el trato discriminatorio que ellas han tenido que soportar toda la vida. Quizás hace 25 años este film habría tenido más sentido que ahora... o quizás no: las semejanzas entre esta obra de Thea Sharrock y Family man y Qué piensan las mujeres, ambas películas del año 2000 y ambas también fábulas morales con un planteamiento argumental muy similar, son muchas. Todas usan un arco de redención del protagonista principal que va del comportamiento censurable al despertar ético después de un suceso de naturaleza fantástica.

El universo audiovisual de Star Wars continúa vivo en las plataformas de streaming, pero hacía unos años que estaba en barbecho en la pantalla grande. The mandalorian & Grogu es una extensión de una serie liderada por el dúo extraño formado por un héroe-sicario con aires de John Wick y un entrañable pequeño proyecto de jedi. No se incluye ningún protagonista de la trilogía original, pero la acción tiene lugar en un futuro cercano a los acontecimientos que se relataban (el cazarrecompensas mandaloriano busca a quienes intentan resucitar el Imperio Galáctico después del colapso mostrado en El retorno del Jedi). Y el inicio del film hace un guiño a la memoria cinéfila: el paisaje nevado y la aparición de determinadas tecnologías invocan la memorable El Imperio contraataca en una versión adaptada a las convenciones, más aceleradas y aparatosas, del cine de acción actual.Después, la cosa quizás se atasca un poco. Los efectos digitales y las creaciones visuales de mundos alienígenas (algunos de los cuales pueden remitir a los clásicos paisajes sci-fi del ilustrador pop Roger Dean) parecen superiores a los ejecutados en otros blockbusters de nueve cifras. La trama de búsquedas y rescates cruzados, en cambio, es bastante rutinaria. Como otras películas comercialísimas incrustadas en sagas más grandes, caso de Wonder Woman 1984, el resultado remite a aquello que en los cómics se llamaba fill-in: una historia un poco atemporal y sin demasiada relevancia que tapaba un hueco en la continuidad a la espera de relatos más ambiciosos. Sorprende, y puede frustrar, que el regreso a las salas comerciales de la franquicia sea una moderadamente agradable aventura de acción que transmite esta intranscendencia. Como si, cómodos (o perdidos) en la serialidad, los responsables de todo ello ya no supieran o no quisieran distinguir entre un episodio doble de una serie y un gran acontecimiento cinematográfico. Todo es lo mismo, todo es contenido, quizá.

El fantasma es siempre una imagen que insiste en hacerse presente. En El sexto sentido (1999), o incluso en Ghost (1990), por ejemplo, lo que impedía el descanso eterno de los difuntos eran los asuntos que estos no habían resuelto en vida. El fantasma tiene una deuda y no puede descansar hasta haberla saldado: la extensión del trabajo más allá de la muerte. Para el tailandés Ratchapoom Boonbunchachoke las razones que movilizan a los espíritus se podrían resumir en dos: la venganza y el amor, aunque lo único que hace posible su existencia sea la memoria que los vivos tienen de los muertos.

¿Qué pasaría si el primo Greg, uno de los personajes más hilarantes y, a la vez, despreciables de la serie Succession, fuera el protagonista de una película? ¿Y si, en lugar de degustar servilmente las migas dejadas por su despiadada y acaudalada familia, se dedicara a asesinarlos uno detrás de otro para convertirse en el único heredero? El resultado podría ser parecido a esta comedia criminal escrita y dirigida por John Patton Ford, cuya inspiración oscila entre la serie creada por Jesse Armstrong y los nihilistas neonoir de los hermanos Coen. Las referencias son obvias y el discurso político (los superricos son lo peor y el mundo sería un lugar mejor sin ellos), tan transparente como las cristalinas aguas en las que Beckett (Glen Powell) ahoga a uno de sus primos, un broker desquiciado que probablemente se lo merecía. El problema de esta entretenida y original película, que no deja de sorprender a lo largo del metraje, es que se queda solo en la superficie de la crítica que plantea contra las clases acaparadoras y extractivistas, y que, a pesar de su carisma estelar, Glen Powell parece un poco fuera de lugar como el perdedor y desheredado Beckett (¿qué habría hecho el desgarbado Nicholas Braun, el actor que hacía de Greg en Succession, con este personaje?). Para sorpresa de nadie, lo mejor de la película es Margaret Qualley, que se lo pasa en grande encarnando a una peligrosa femme fatale de piernas interminables.

En un momento deEl amigo silencioso, el neurocientífico a quien da vida Tony Leung (el protagonista de Desear amar en su primer papel en el cine europeo) pesa higos frente a la tele. El profesor tiene poco que hacer porque ha quedado varado en una universidad alemana en plena pandemia de coronavirus. Hasta que un programa con una científica francesa le llama la atención. La experta defiende que las plantas se comunican con nosotros, solo nos hace falta encontrar el canal de comunicación adecuado para descodificar qué nos dicen. Esperonado por esta idea, el protagonista esmera sus esfuerzos en encontrar un dispositivo que le permita conectar con el ginkgo lozano que preside el jardín botánico de la universidad.

Aziz Ansari todavía se está buscando. Después de la denuncia de 2018 por un episodio extraño de conducta sexual inapropiada que lo dejó semicancelado, no ha acabado de encontrar el tono para expresarse. El monólogo para Netflix de 2019, la tercera entrega de Master of none en 2021 y ahora su debut como director de cine muestran un creador audiovisual con la voz intermitentemente desafinada. Funciona sobre todo cuando se aleja de la comedia: la última temporada de la serie que lo hizo famoso era magnífica, pero parecía escrita por Ingmar Bergman. Cuando quiere volver a hacer reír, en cambio, camina con pies de plomo y confunde humor blanco con humor insustancial.

No es frecuente que un director especializado en la animación se reoriente a la acción real de manera convincente. Y todavía es más raro que el salto resulte incluso más exitoso que su obra previa. Sorpresa notable, pues, la de Las ovejas detectives, donde Kyle Balda, uno de los barones de la franquicia de Gru y los Minions, lleva a la pantalla la novela homónima de Leonie Swann (publicada en castellano por Salamandra), protagonizada por un rebaño lanudo que se propone resolver un asesinato. Se podría argumentar que el hecho de que los animales hablen y se muevan gracias a los efectos digitales sitúa el film en un terreno limítrofe con las experiencias anteriores de Balda, pero lejos de recurrir a la caricatura, el cineasta optimiza una tecnología hiperrealista para que devenga el pilar humorístico de la propuesta, reservando la excentricidad para detalles que enriquecen el segundo plano, como la abundancia de neones que iluminan incongruentemente el pueblecito británico donde transcurre la historia.

Tampoco hace tanto que se estrenó Jurat Nº 2. La última película de Clint Eastwood ya era una película de juicios que planteaba una variación sobre Doce hombres sin piedad, el clásico de 1957 de Sidney Lumet. Es decir: el film se cerraba en una sala de deliberación de un jurado popular para hacer partícipe al espectador de las dudas sobre la inocencia o culpabilidad de un acusado. Esto es exactamente lo mismo que pasa en Recreación de un asesinato, pero con una semejanza mucho más marcada con la película de Lumet. Así que un espectador veterano se la puede imaginar entera como si fuera un remake: once personas de un jurado están convencidas de una cosa, y la única que no lo está acaba haciendo cambiar de opinión al resto.

El diablo se viste de Prada era, en parte, un film sobre un trío: el que una periodista (interpretada por Anne Hathaway) mantenía con su pareja y con su absorbente trabajo en una revista de moda con una despótica directora encarnada por Meryl Streep. Más que una sátira o una comedia negra, la película parecía una fábula romántica de princesa por sorpresa con un fondo triste que no se acababa de explorar. Su tardía continuación es una secuela con algo de remake: a pesar de que los personajes ya habían completado su evolución, o su ausencia de evolución, las situaciones y los conflictos son muy parecidos a los planteados previamente.

“Una película de Laurent Cantet dirigida per Robin Campillo”. Los títulos de crédito anuncian la naturaleza única de Enzo. El alma del proyecto está en Cantet, que al saber que tenía cáncer quiso trabajar con su coguionista, montador y amigo Campillo para asegurar que el film llegaría a buen puerto. El ganador de la Palma de Oro por La clase murió durante la preproducción, y el hecho de que Campillo haya querido mantener su autoría en segundo plano nos revela que esta es una película que el director de 120 pulsaciones por minuto habría preferido no hacer.

Comienza la torrentera de imágenes de Resurrection y su caudal de ideas lo arrasa todo. Excesiva, alucinada y ambiciosa como pocas obras recientes, el nuevo film del director chino Bi Gan sacude muchas ideas preconcebidas sobre cómo debería ser el cine actual. Para él, las películas deben ser narrativamente atrevidas, visualmente exuberantes y temáticamente profundas. En este caso concreto, estamos hablando de un relato fantástico que repasa más de un siglo de la historia de China a partir de cómo cada período ha sido representado en el cine... o a partir de cómo los que vivieron aquellos episodios habrían querido que realmente fueran. La realidad y el deseo compartiendo plano.

Una granja en algún rincón de la Alemania rural es el centro deEl sonido de la caída, la película revelación de Cannes 2025 que se despliega a lo largo de cuatro generaciones de habitantes de esta casa. Pero el segundo largometraje de Mascha Schilinski (mucho más ambicioso que su opera primaDark Blue Girl) se distancia de las grandes sagas narrativas que explican la historia de un país desde la particularidad extensiva de una familia. Y no sólo porque los grandes acontecimientos que marcan la Alemania del último siglo a duras penas se intuyen o se recogen sólo por la manera en que afectan indirectamente a los protagonistas. Sobre todo porque Schilinski pone en el centro la perspectiva de una serie de personajes femeninos que habitualmente no han protagonizado los grandes relatos históricos para componer una película en torno a la subjetividad femenina entendida también como una experiencia colectiva intergeneracional.

A Cédric Jimenez le fascinan las fuerzas del orden. O, más bien dicho, los rostros que hay detrás: sus rutinas, su dedicación, su noble falibilidad. Hasta ahora había abordado la cuestión desde los códigos del policíaco expeditivo y con cierta pretensión de realismo, hasta el punto de presentar, en Novembre, una recreación espectacular de la investigación posterior a los atentados de París de 2015. Zona 3 mantiene el motivo temático, pero cambia el enfoque para mirar hacia el mundo de anteayer: el gobierno francés, además de implementar un sistema de zonas que impide el acceso al núcleo urbano de la capital a los habitantes de la banlieue, deja la vigilancia y las investigaciones policiales en manos de una inteligencia artificial de la que es casi imposible escapar.

Qué película tan íntima y a la vez tan ambiciosa. Dentro de ella es como si diversas maneras de entender el cine estuvieran estirando una cuerda todo el rato, cada una hacia su lado. De esta tensión nace un film que nunca se encoge. A partir de las vivencias de un ingeniero ambiental portugués que viaja por un proyecto en Guinea-Bissau, La risa y la navaja toca diferentes temáticas siempre con mirada penetrante, sin querer quedarse a medias de nada –quizás por eso dura más de tres horas.

Comencemos por resolver el interrogante que seguramente les ha surgido al posar la vista sobre esta crítica: ¿quién demonios es Lee Cronin? Se trata de un director con dos largometrajes previos, A hole in the ground y el apreciable el apreciable Posesión infernal: el despertar. Unos créditos que difícilmente justifican la incorporación de nombre y apellidos al título de una obra, deferencia que se suele reservar a demiurgos como Fellini. Es posible, sin embargo, que este bautismo no tenga tanto que ver con el ego del realizador irlandés como con los malabarismos de marketing de Warner Bros. y Blumhouse para intentar retener el anzuelo de una figura icónica de lo fantástico como es la momia y, al mismo tiempo, desmarcarla de las recientes encarnaciones fílmicas, el fiasco protagonizado por Tom Cruise y la franquicia aventurera y apta para todos los públicos encabezada por Brendan Fraser.

Quien piense que nos encontramos ante un biopic del pintor Pierre-Auguste Renoir, o de su hijo, el cineasta Jean Renoir, se equivoca. El estilo impresionista y las pinceladas ágiles del primero se intuyen solo en la reproducción de la pintura La petite Irène que la niña protagonista cuelga en la pared de su habitación. Pero la cineasta japonesa Chie Hayakawa (Pla 75) comparte con los dos Renoir, padre e hijo, una mirada humanista sobre el mundo y un interés real por los rostros y los cuerpos de los actores (o modelos) que retrata. Renoir, estrenada en la competición oficial de Cannes, no es una película perfecta, pero la sensación es que Hayakawa está muy cerca de forjar un estilo propio (impresionista, sutil, humanista) que la singulariza y que, al mismo tiempo, la emparenta con el cine de otros cineastas japoneses contemporáneos como Koreeda o Hamaguchi.

Después de unos cuantos años transitando por un purgatorio de proyectos fílmicos de carácter impersonal y series para olvidar, Gus Van Sant vuelve a la primera línea cinematográfica con Prime crime: a true story, un título que hace pensar en un drama criminal de sobremesa pero que esconde otras cosas. De entrada, un retrato sobre la lucha de clases en que el director de Drugstore cowboy (1989) y Elephant (2003) se pone del lado de un hombre común (un enérgico Bill Skarsgard) que en la Indianápolis de 1977 secuestra al hijo de un banquero como venganza por sus trapicheos financieros (un entonado y sibilino Al Pacino).