Aquí se le conoce poco, pero Louis Theroux es uno de esos periodistas que puede encabezar un reportaje con su nombre. Popular por su trabajo en la BBC, ha abordado cuestiones candentes como la Cienciología, el genocidio en Gaza o las subculturas más marginales en Estados Unidos. En Netflix ha estrenado un documental sobre la masclósfera, un asunto candente en el que han incidido muchos reportajes. La diferencia en este caso es que Theroux utiliza su fama para entrevistar influencers famosos que dirían que no a otros reporteros.

Historia viva del cine italiano, Marco Bellocchio disfruta, con más de ochenta años, de una nueva edad de oro en su carrera, que se ha expandido últimamente a la ficción televisiva. Hace cuatro años estrenaba Exterior nit, una serie en torno a un asunto recurrente en su obra: el secuestro y asesinato de Aldo Moro y la repercusión que tuvo en el mapa político de su país. Ahora estrena la también espléndida Portobello, que mantiene diferentes puntos de contacto con el título anterior. Otra vez, estamos ante una miniserie centrada en el calvario real de un político italiano, en este caso Enzo Tortora (Fabrizio Gifuni, que también hacía de Moro), miembro del Partido Radical pero mucho más conocido como presentador de un magacín televisivo de enorme éxito en la Italia de los setenta, el Portobello del título.

En Departamento Amadas aparecen mujeres de agua, minairons, brujas, demonios, el hombre del saco y el conde Arnau. Pero la nueva serie de ficción que ha estrenado 3Cat no es una mirada clásica a la mitología catalana ni un programa de divulgación de raíz etnográfica. Esta ficción creada por Júlia Cot y Jordi López Casanovas es una aproximación al folclore desde un formato que soslaya el tono habitual de un costumario sobre leyendas tradicionales. Departamento Amadas adopta el modelo de sitcom laboral que acuñó The office: estamos ante una comedia de oficina en modo de falso documental con la cámara siempre en movimiento, los personajes rompiendo la cuarta pared con miradas de complicidad hacia la audiencia y una visión desmitificada del puesto de trabajo como espacio de productividad. Ahora bien, el registro de la serie aparca el cinismo del formato que crearon Ricky Gervais y Stephen Merchant para situarse a medio camino entre el humor más amable de Parks and Recreation y el tono de comedia pedagógica familiar de Látigo.

En Los asesinos de la luna, Martin Scorsese partía de los códigos del western para revisar el relato fundacional estadounidense y poner en evidencia, a partir de un episodio real, hasta qué punto la riqueza petrolífera del país se había levantado sobre la depredación y masacre de la población indígena. El filme tenía lugar en tierras del pueblo Osage, en Oklahoma, un estado que también ha pasado a la historia por otro hito en la violencia racista, la masacre de Tulsa de 1921. Es justo en Tulsa donde se sitúa Verdaderas ocultas, la nueva serie creada por Sterlin Harjo tras Reservation dogs, que se ambientaba en una reserva india de la zona. Aquí el protagonista es Lee (Ethan Hawke), el propietario blanco de una librería de segunda mano de Tulsa que hace también de periodista y detective aficionado. En uno de sus artículos en una publicación local ha denunciado los trapicheos de los Washberg, una de las familias con más poder de Oklahoma, encabezada por el Donald (Kyle MacLachlan), que aspira a convertirse en gobernador del estado. Pero el hermano de Donald, Dale (Tim Blake Nelson, de lo mejor de la serie), aparece muerto en su casa en lo que parece un suicidio. Lee se huele que la muerte no ha sido autoinfligida y empieza a investigar el caso, a partir de una carta que encuentra entre las primeras ediciones de novelas de Jim Thompson que Dale atesoraba en su biblioteca. La pista le acerca paulatinamente a una larga historia de supremacismo blanco y robo de tierras.

Ningún otro director de la historia ha demostrado su pasión por el cine con la generosidad de Martin Scorsese. El responsable de Taxi Driver aparece en incontables homenajes de todo tipo dedicados a otros cineastas, y ha firmado dos series imprescindibles al respecto, Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine estadounidense (1995) y Mi viaje a Italia (1999). Además, encabeza The Film Foundation, una institución que se dedica a la recuperación del patrimonio cinematográfico y que ya ha restaurado más de 900 títulos de todo el mundo. Scorsese ha hablado mucho de los autores que le apasionan. Pero nos faltaba una serie que explicara por qué él es un nombre clave, no sólo del cine, sino también de la cultura contemporánea.

En 2008, mucho antes del MeToo y del boom de mujeres en la comedia televisiva, Malena Pichot estrenaba un videoblog en YouTube, La loca de mierda, que revolucionó el humor online con unos monólogos que abordaban desde la cagada de llamar al ex hasta los estados de ánimos preregla. El formato abrió las puertas a conquistar un territorio tan masculinizado como el de la comicidad audiovisual desde una perspectiva femenina y feminista, y se convirtió en referencia para muchas podcásteres posteriores, como las responsables del popular Deforme semanal. Pichot ha mantenido la popularidad en las redes (tiene más de un millón de seguidores en X), hasta el punto de convertirse en una figura mediática de amplio eco en Argentina, que se moja en cuestiones políticas y feministas sin que le intimiden las reacciones de odio.

A menudo se recuerda que Hollywood es una industria creada y gobernada por ejecutivos judíos. Pero se comenta mucho menos la paradoja que esto supone. El cine comercial y en buena parte la industria audiovisual norteamericana nunca han otorgado protagonismo a la experiencia cotidiana del judaísmo. Pragmáticos, los impulsores del sistema de estudios de Hollywood tuvieron claro que uno de los grandes potenciales del cine era convertirse en una herramienta asimilacionista, el medio de comunicación de masas que permitiera integrar a millones de emigrantes de todo el mundo en una idea de nación norteamericana que se identificaba, con respecto a las prácticas sociales religiosas. Tenemos infinitas películas y series sobre la celebración de Navidad, pero no sabemos mucho cómo se festeja la Hanukká.

En la primera temporada de The White Lotus, el creador Mike White reforzaba el tono de comedia negra crítica con la industria del turismo con un esbozo de discurso poscolonial desde el punto de vista hawaiano. Uno de los personajes secundarios explicaba cómo Estados Unidos se había ido apropiando del archipiélago hasta el punto de que sus habitantes originarios habían acabado trabajando en trabajos subsidiarios para los intereses económicos de los blancos. Para la mayoría de occidentales, Hawái ha quedado reducida a un paisaje exótico de playas paradisíacas y camisas floreadas donde pasar las vacaciones si tienes dinerillo. Es probable que el intento más reciente por parte de Hollywood de hacer una ficción hawaiano-céntrica sea Lilo & Stitch...

En uno de los primeros episodios de Sin medida, la protagonista, Jessica (Megan Stalter), mira en la tele, con su hermana mayor, la madre y la abuela, la adaptación de Sentido y sensibilidad que firmó Ang Lee, mientras elogia la planta de Alan Rickman como coronel Brandon. Ya en el cine clásico, los actores ingleses triunfaban en Hollywood como galanes de películas románticas. amoroso que todavía hace soñar a las jóvenes norteamericanas del siglo XXI. Hasta el punto de que cuando Jessica entra en crisis porque su novio la deja por una chica espectacular, decide aprovechar una oportunidad de trabajo para instalarse en Londres con la esperanza de encontrar a su Darcy o su Brandon de una responsable. series clave para entender la renovación del audiovisual en nuestro siglo, sobre todo desde el punto de vista femenino. el éxito y el impacto de Girls es una tarea imposible por múltiples razones, la mayoría ligadas al escenario actual del estríming. mayor de Jessica, Dunham ha cedido el protagonismo a otra actriz, la cómica Megan Stalter, que, sin embargo, encarna un papel inspirado en ella. Girls, Jessica es una chica bocazas y aguda, con tendencia a la desmesura emocional ya meterse en situaciones incómodas. Pero esta vez la protagonista no se mueve tanto por la ambición profesional como por la romántica. Cuando en el primer episodio conoce a Felix (Will Sharpe), un atractivo músico indie con quien conecta enseguida, la relación ocupará el centro de su vida.

A Wong Kar-wai le permitía hacer una serie. Hablamos de uno de los cineastas contemporáneos que más sobresale en el melodrama, y ​​de un creador al que le gusta dilatar sus historias, que se expanden a menudo por diferentes dimensiones espaciales y temporales, como en los grandes seriales. También lo hace en Blosoms Shanghai, su debut en la ficción televisiva, con una narración en torno al giro hacia el capitalismo de la sociedad china, representado en el ascenso fulgurante de Ah Bao (Hu Ge) un joven que se enriquece cuando entra en funcionamiento la bolsa de Shanghai y se convierte en la figura más carismática de la ciudad. A partir de la novela de Jin Yucheng, Wong sigue las transformaciones brutales que ha vivido China contemporánea, en una serie de 30 episodios (15 accesibles para la prensa) que pone en evidencia una vez más al genio del director de Happy together a la hora de recrear hasta el más mínimo detalle el oír de una época, desde los objetos a todo tipo de platos, de los más populares (el chow fun de ternera) a los más extravagantes (los fans de la gastronomía gozarán con los episodios en los que se establece una guerra culinaria entre establecimientos rivales).

Ahora bastante e injustamente olvidado, David Lean se convirtió en uno de los cineastas más populares y prestigiosos del mundo con El puente del río Kwai (1957), una gran producción en torno a un campo de prisioneros británicos bajo control japonés durante la Segunda Guerra Mundial en la que se obliga a los soldados a construir el puente ferroviario del título, una vía entre Birmania y Tailandia a mayor gloria del imperialismo nipón. A partir del best-seller homónimo de Pierre Boulle, Lean convirtió la película en un retrato del delirio de la guerra a través de la confrontación entre los representantes de dos imperios en crisis, el militar británico que fuerza a sus hombres a construir el puente para el enemigo por pura disciplina megalómana, y el japonés que ejerce un férreo control sobre los prisioneros. The narrow road to the Deep North, de Richard Flanagan, publicada en 2013, se ha entendido a menudo como la respuesta australiana en el libro de Boulle y en la película de Lean. El autor se basó tanto en las experiencias de su padre como en prisionero de guerra de los japoneses como en las de un reconocido médico australiano que pasó por las mismas penurias en la construcción de aquella famosa vía de ferrocarril, para elaborar un drama de amor y de guerra que ahora han convertido en miniserie. El protagonista Dorrigo Evans (Jacob Elordi) es un cirujano prometido con una chica de buena familia. Cuando están a punto de llamarle a filas, se enamora y envuelve con la joven esposa de su tío, una relación que le marcará de por vida. La modernidad deEl puente del río Kwai radicaba en plantear una película bélica sin héroes ni posible final feliz. El camino estrecho también cuestiona la inmutabilidad de la figura del héroe, a partir de la evolución de Evans, que de mayor se convierte en un médico reputado, pero también cínico e incapaz de amar.

Hace pocos años hubo una pequeña corriente de comedias del trauma, series que abordaban cuestiones habitualmente ligadas al drama (la salud mental, la enfermedad…) desde una perspectiva humorística inesperada. A títulos como Lady Dynamite y One Mississippi ahora se añade Dying for sex, una comedia sexual en torno a una mujer que se encuentra en el estadio 4, el metastático, de un cáncer de mama. Molly (Michelle Williams) ha seguido un tratamiento que parecía efectivo para un tumor hasta que el médico le hace saber que, desgraciadamente, el cáncer ha resurgido y se ha extendido a los huesos. Ya no hay nada que hacer, salvo desacelerar el proceso y proporcionarle los mejores cuidados paliativos posibles. Aunque el marido le apoya, ella se da cuenta de que no quiere pasar los últimos días de su vida con el hombre con el que se casó. Prefiere estar con su mejor amiga, Nikki (Jenny Slate), una aspirante a actriz tan cariñosa como despistada. Molly toma otra decisión. No quiere morir sin haber experimentado un orgasmo. Porque a pesar de haber vivido tantos años en pareja, nunca ha llegado a alcanzar el placer sexual total. Y la quimio, que la deja aplastada en muchos aspectos, parece también estimularle la libido. Así que decide apuntarse a Tinder y recuperar al máximo el tiempo perdido en lo que se refiere al disfrute sexual.

Uno de los principales síntomas de la singularidad de The rehearsal (Los ensayos), que ha estrenado segunda temporada, es lo difícil que resulta describir de qué va. Su creador, Nathan Fielder, estudió la carrera de empresariales antes de formarse en el arte de la comedia. Nathan for you, el programa de humor en el que se ofrecía para mejorar propuestas de negocio que no acababan de funcionar, y que desembocaba en resultados sorprendentes. En Los ensayos parte de una idea similar. Aquí se trata de analizar por qué no funciona alguna situación de la vida real, para ensayar posibles escenarios ficticios que contribuyan a solucionarla. En catástrofes como la del avión de Corporate Airlines que se estrelló en Missouri en 2004 o la del vuelo de US-Bangla Airlines que se accidentó al aterrizar en el 2018 en Katmandú, las grabaciones ponen en evidencia cómo falló la comunicación verbal entre piloto y copiloto.

Una nieve que cae incesante sobre Buenos Aires marca el imaginario apocalíptico deEl Eternauta, el cómic escrito por Héctor Germán Oesterheld y dibujado por Francisco Solano López recién llegado como serie a Netflix. En la obra original, publicada también en formato serial entre 1957 y 1959, en la imagen de polvo mortífero caído del cielo que se abate sobre el mundo resuena el recuerdo de la lluvia negra de Hiroshima. El cómic apareció en pleno contexto de la Guerra Fría y, dentro de los códigos de la ciencia ficción, se podía leer desde esa conciencia antibelicista. El destino posterior de su creador impregnó El Eternauta de otra interpretación retrospectiva. Militante de los Montoneros a partir de los setenta, Oesterheld fue secuestrado por las fuerzas armadas de su país en plena dictadura militar. Antes ya habían "desaparecido" a sus cuatro hijas, Marina, Beatriz, Diana y Estela, jóvenes entre los 18 y los 26 años. Nunca se han localizado los cuerpos ni se han juzgado a los culpables. La represión de los Oesterheld cargó su obra emblemática de un subtexto metafórico en el que los protagonistas, un grupo de supervivientes de una invasión extraterrestre, se convierten en una muestra de cómo resistirse en un estado de violencia excepcional.

En verano de 2003 Marie Trintignant ingresó en estado de coma en un hospital de Vilna. La actriz se encontraba en Lituania rodando un biopic sobre la escritora Colette en un ambiente muy familiar: la dirigía su madre Nadine Trintignant, y también aparecían Roman Kolinka, su hijo mayor, y la cantante Lio, su mejor amiga. Marie, además, se alojaba con su pareja del momento, el cantante Bertrand Cantat, líder de la banda Noir Désir. Es él quien avisó de que Marie había quedado inconsciente. En el hospital la sometieron a varias intervenciones para intentar revertir el coma. La familia decidió trasladar a Marie Trintignant a Francia, donde murió el 1 de agosto, cuando sólo tenía 41 años.

"El Terror del que os hablaba lo he observado en una isla pequeña, fácil de recorrer toda entera en un día, con una sola etapa de motocicleta. Es algo como si la España nacionalista […], reducida a la escalera conveniente, se hubiera encontrado reunida al alcance de la mano". Escritor de derechas, católico devoto y antirrepublicano furibundo, Georges Bernanos se convirtió en el testigo inesperado y el gran cronista internacional de la represión franquista en Mallorca durante la Guerra Civil, que denuncia de primera mano a Los grandes cementerios bajo la luna, también a modo de grito de alarma sobre lo que podía ocurrir inminentemente en Europa.

"Nuestro enamoramiento fue destructivo y llevaba desde el principio todo el infortunio imaginable en el equipaje", explica Ingmar Bergman de su tormentosa relación con Gun Hagberg, en su libro de memorias La linterna mágica. El director conoció a la periodista y futura traductora cuando ambos todavía estaban casados, él con su tercera mujer, Ellen. La aventura adúltera con Gun desembocó en un nuevo matrimonio entre ellos, un hijo, y un ulterior divorcio. Y terminó inspirando dos series. La primera, Secretos de un matrimonio (1974), la producción para la televisión sueca que aquí vimos en su versión cinematográfica. Es una pieza que ha marcado como pocas los dramas sobre crisis de pareja. La otra creación basada en esa historia es Infiel, la serie que acaba de estrenar Filmin, dirigida por Tomas Alfredson, que toma como punto de partida otro guión de Bergman que ya había propiciado un filme del mismo nombre de Liv Ullmann.

¿Cuál fue la última vez que reímos a corazón qué quieres ante una serie estadounidense? Reír de romperse de risa, no de dibujar una ligera curva ascendente con los labios. En este territorio cada vez más erial de risas aterriza The Studio, una de las mejores series de la temporada, que sacan adelante dos de los grandes nombres de la nueva comedia estadounidense de los inicios del siglo XXI, Seth Rogen y Evan Goldberg. Como guionistas y, en algunos casos, también como directores, esta pareja de colegas se encuentran detrás de títulos de culto como Supersalidos (2007), Superfumados (2011), Gresca hasta el final (2013) o La fiesta de las salchichas (2016). Con The Studio ponen de manifiesto cómo mantienen en forma su capacidad para ser hilarantes en una ficción, podríamos decir más madura, en torno al tema preferido de Hollywood: la misma industria.

Ha habido pocas presentaciones en pantalla más impactantes que la de Tim Roth, cuando debutó en la producción televisiva Made in Britain (1982), de Alan Clarke. El filme arranca con un primer plano del actor, que lleva una esvástica pintada en la frente y esgrime una mirada desafiante mientras avanza hacia el tribunal donde será juzgado por una agresión racista. La cámara le sigue en un plano secuencia puntuado por un tema punk que le inyecta una agresividad insoslayable en la escena. Made in Britain forma parte de la tradición de un modelo de televisión británica que convirtió el audiovisual en un territorio de confrontación de los conflictos sociales del país, tradición de la que forman parte de Ken Loach a Andrea Arnold, y también Clarke, quizás el más atrevido de todos.

Humphrey Bogart convirtió en un icono cinematográfico Sam Spade, el antihéroe creado por Dashiell Hammett en El halcón maltés, que se convertiría en el prototipo, con Philip Marlowe, del protagonista de la novela y el cine negros. Un detective de mente brillante, con una moral propia y suficientemente descreído para entregar a la mujer que le atrae a la policía. ¿Pero qué se hace de Spade en la madurez? Esto han querido imaginar dos grandes nombres de la creación televisiva, Scott Frank (Gambit de dama) y Tom Fontana (Oz) en la serie Monsieur Spade, en la que Clive Owen toma el testimonio de Bogart como un detective ahora retirado en Francia, en la idílica e inventada villa de Bozouls, donde se aloja en una preciosa finca que le dejó su mujer. Una jubilación privilegiada que se trastoca cuando asesinan a seis monjas de un convento cercano y él siente la obligación de proteger a la chica adolescente que tenían acogida, Teresa (Cara Bossom), el motivo que le llevó hacia Europa.