Dar a ver, de Paul Éluard (1895-1952), es un compendio de poemas en prosa, conferencias, escritos sobre arte y textos dedicados a sus amigos pintores. Publicado en 1939, el título resume el proyecto estético de Éluard: la poesía no debe describir el mundo, sino revelarlo y transformarlo. El poeta no es un observador pasivo, sino alguien capaz de atravesar las apariencias y descubrir relaciones ocultas entre objetos, seres y sentimientos. Vinculado al surrealismo de André Breton, Éluard evoluciona aquí hacia una poesía más humana y comunicativa. Dar a ver es una obra fronteriza entre el sueño y la realidad, entre la imagen y la idea, entre la intimidad amorosa y la conciencia colectiva.El tema central es la mirada. Para Éluard, ver no es solo percibir, sino comprender. Reorganiza la realidad con asociaciones inesperadas, metáforas sorprendentes e imágenes libres. Los objetos cotidianos adquieren una fuerza simbólica nueva, y las fronteras entre materia y emoción se disuelven. La poesía recupera la capacidad de maravillarse y sugiere que solo quien sabe mirar poéticamente es realmente libre. Este principio también estructura el libro: no hay narración lineal, sino fragmentos guiados por intuiciones e iluminaciones súbitas. Una fluidez casi hipnótica

La escritura se basa en la libre asociación surrealista, pero Éluard le suma más lirismo que otros autores del movimiento. Sus metáforas no buscan el hermetismo, sino una verdad emocional inmediata. De aquí nace la musicalidad extraordinaria de su poesía. El ritmo, las repeticiones y las variaciones sonoras crean una fluidez casi hipnótica, como si fueran dictados por una corriente interior más profunda que la lógica ordinaria. El lenguaje es a la vez simple y misterioso. El amor ocupa un lugar central y deviene fuerza de transformación universal. La figura femenina actúa como mediadora entre el poeta y el mundo: no es solo objeto de deseo, sino también presencia reveladora. Cuerpo, naturaleza, luz y tiempo se fusionan en una realidad más profunda. Las fronteras entre sujeto y objeto desaparecen. Pese a la dimensión lírica, el libro refleja una preocupación ética y política. En el contexto europeo de los años 30, marcado por el fascismo y la inminencia de la guerra, Éluard defiende la libertad del espíritu y la dignidad humana. La libertad poética se convierte en modelo de libertad moral y política. Éluard representa un punto de equilibrio entre experimentación estética y responsabilidad histórica.Amigo de pintores como Pablo Picasso, Max Ernst o Man Ray, Éluard crea poemas que funcionan como cuadros verbales, llenos de luz, contrastes visuales y formas espaciales. Éluard participa en la investigación vanguardista de un lenguaje capaz de superar las divisiones tradicionales entre disciplinas artísticas. Dar a ver es esencial para entender a Éluard y la poesía moderna europea. El libro continúa vivo porque plantea preguntas sobre la mirada, el poder de las palabras y el papel de la poesía en tiempos de crisis. Éluard lo tiene claro: la poesía no es ornamento ni evasión, sino una vía para defender la libertad humana frente a todo lo que intenta reducirla.

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Hasta ahora, y desde hace casi treinta años, habíamos conocido a Josep Pedrals (Barcelona, 1979) como poeta, como rapsoda, como conferenciante y como gestor cultural. Con Poeticismes (Arcàdia, 2026) debuta como ensayista con la misma combinación de amenidad, erudición y humor que abunda en sus versos. En el cajón de sastre que es el nuevo libro de Pedrals encontramos reflexiones sobre emperadores enterrados en miel o sobre el monumento a Jacint Verdaguer en el paseo de Sant Joan, crónicas de alguno de los miles de recitales en los que ha participado por todo el mundo —como el que lo llevó hasta Macedonia acompañado de Adam Zagajewski—, reivindicaciones de autores menos conocidos por los lectores de lo que se debería y un caudal de agudas elucubraciones técnicas sobre la escritura de poesía, una de sus grandes pasiones, junto con la lectura omnívora y el amor por los escenarios.

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Hace 88 años, los ciudadanos de Barcelona y de otras poblaciones catalanas miraban al cielo con terror. “Continúa la terrible hecatombe que castiga Barcelona. Un par de miles de víctimas y más de cien edificios destruidos en dos días. Pánico y horror. Vamos todos a Vallirana. Las escenas de éxodo y de refugio presenciadas en los andenes del metro y en las estaciones son de aquellas que no se olvidan nunca”, escribía el 18 de marzo de 1938 Josep M. López-Picó. El sábado 20 de junio, en cambio, se podrá contemplar el cielo con optimismo: caerán 100.000 poemas. Con motivo de los 50 años de la muerte de Franco, un helicóptero sobrevolará la plaza Nova y los alrededores de la catedral de Barcelona para lanzar versos, en catalán y en castellano, sobre todo de poetas emergentes.

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Hace décadas que Biel Mesquida (Castellón de la Plana, 1947) invita a los lectores a adentrarse en todos los matices del "perfume censurado" de la libertad, sea sexual o política. El atardecer en que ha recibido el 58º Premio de Honor de las Letras Catalanas, los versos de Lluita de classes, uno de los poemas ágiles y refulgentes de El bell país on els homes desitgen els homes –escrito en 1974 pero inédito hasta 1985–, han vuelto a resonar en el Palau de la Música con la dicción elegante del poeta Adrià Targa. "Eres una criatura, criatura feroz, jugando con mis ingles, / mordiéndolas, mientras yo me arrodillaba impulsado y obligado por tu desvarío y / este deseo de hundirte dentro del bello agujero de mi ano": así de contundente suena todavía el clavo urgente entre el yo lírico y "el chico despeinado" de los encargos, un oasis de amor libre en medio de las tinieblas nacionalcatólicas y franquistas.

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Este libro —que debe el título a una poesía de Joan Vinyoli, amigo de Feliu Formosa— celebra discretamente, pero a la vez profundamente, la vida. A pesar de que reflexiona sobre la muerte y la ausencia, sobre la pérdida y el dolor, la vida pesa más. El poeta administra muy bien la emoción con la que presenta cada uno de los pretextos que sirven para elucidar el tema. “Amor, deseo y sueño”, empieza diciendo la poesía XXIV, que trata de una relación amorosa. A noventa años, la existencia se vuelve más perentoria que nunca, pero, como demuestran muchos de los versos, también plenamente enamorada. “Nunca sé si lo digo todo”: no se acaba de decir nunca todo, pero aquí Formosa dice muchas cosas (y, cuando no lo hace, las sugiere). Recuerdos, deseos, impresiones. Y deja inventariadas muchas ideas. Una muy sugerente es que “vivir es traducir / y traducir es vivir”.

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Aunque tenga que ir con muletas por culpa de una caída reciente, Marta Pessarrodona (Tarrasa, 1941) conserva la energía y el entusiasmo que la han acompañado desde hace décadas. Abre la puerta de su casa en Valldoreix una vez más a ARA con un doble motivo: ha sido elegida pregonera de la nueva edición del festival Barcelona Poesia, que se celebra del 14 al 21 de mayo, y presenta nuevo libro de poemas, Re(visions), que está a punto de llegar a librerías. Publicado por Viena cinco años después de que Tot m'admira (2021), rescata familiares, amigos y amores de la autora, entre los cuales se encuentra su última perra, la Queta, que murió a consecuencia de un accidente hace poco más de un año.

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Hace veinte años que Jordi Llavina (Gelida, 1968) debutó como poeta con La corda del gronxador (Moll, 2006). El autor celebra la efeméride haciendo una selección de su obra en verso en El test de la flor malva, publicado por Pagès: el volumen, de 200 páginas y prologado por Pere Ballart, recoge una muestra representativa de los diez libros de poesía que ha publicado hasta ahora, entre los cuales se encuentran Vetlla (3i4, 2012), El magraner (Cossetània, 2020) y Un llum que crema (Proa, 2023).

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Siento a menudo críticas sobre la literatura del yo. “Los autores actuales solo saben hablar de ellos mismos”, “casi nadie hace verdaderos ejercicios de ficción”, “hay demasiado egocentrismo”, etcétera. Cuando oigo estos comentarios, lo primero que pienso es que estoy de acuerdo, claro. Incluso puede ser que yo misma lo haya dicho en voz alta: “¡Estoy harta de leer historias de gente que solo habla sobre ella misma!”. En los últimos años, la autoficción ha ocupado muchas estanterías de las librerías. Quizás demasiado. Quizás es una moda y quizás nos hemos cansado, es cierto.

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El impulso definitivo para lanzarse a escribir, una terapia de autoconfianza, el estímulo para explicar aquella historia que está guardada en un rincón del alma o una actividad creativa para una jubilación activa. El alumnado del Aula de Escritura Vicenç Pagès Jordà del Ayuntamiento de Girona es tan diverso y heterogéneo como las motivaciones que los han llevado a querer escribir. Pero todos, a pesar de los orígenes, las edades o las capacidades diferentes, están tocados por la misma pasión de escribir. ¡Y de leer! Ya que el fundador de la escuela, el malogrado escritor figuerense Vicenç Pagès, no concebía una actividad sin la otra.

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Leí, con una mezcla de estupor e incredulidad, un estudio que afirmaba que mucha gente prefiere la poesía generada por inteligencia artificial porque la encuentra más agradable, clara y emotiva que la humana. Los investigadores Brian Porter y Édouard Machery sostenían en Scientific Reports que, para muchos lectores, estos textos superaban incluso a los de Shakespeare, T. S. Eliot o Emily Dickinson.

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El cineasta colombiano Simón Mesa Soto (Medellín, 1986) ganó la Palma de Oro al mejor corto del Festival de Cannes de 2014 con el proyecto de final de estudios del máster que cursaba en la London Film School, donde Carla Simón era una de sus compañeras. Una década después, las dificultades para levantar la segunda película hicieron aparecer las dudas y el miedo. ¿Y si su éxito inicial había sido un espejismo? ¿Acabaría siendo solo un profesor, una vez aparcado a la fuerza el sueño del cine? Estas inquietudes acabaron plasmándose en Un poeta, comedia divertidísima y a la vez muy amarga que se estrena este viernes y que tiene un protagonista maravilloso: Óscar Restrepo, un poeta que ganó muy joven un premio importante y que ya mayor y fracasado remoja la derrota vital en alcohol y autocompasión, vive de la pensión de una madre anciana y enferma y utiliza las aspiraciones literarias (“¡Yo soy un poeta!”) como trinchera donde resguardarse del trabajo. “Tú lo que eres es un desocupado”, le espeta con razón la hermana, que le empuja a aceptar un trabajo como maestro de literatura.

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La preocupación por aquello que (aún) se puede decir está en el fundamento de este bello libro, ganador de la última convocatoria del premio Carles Riba –la primera celebrada en fecha nueva–. Fijémonos en la poesía que abre el fuego, Bajar a recoger cerezas. El pretexto, como la mayoría de pretextos de la poesía de Jaume Coll Mariné (¡cómo se agradece, esto!), viene de la vida en el campo, de una convivencia familiar con la naturaleza: en este caso, una escalera apoyada en el tronco de un cerezo, que se ha quedado allí después de la cosecha, hecha meses atrás. Aquella escalera que, a deshora, ya no sirve para nada, “querría que quisiera decir algo”. Quizás como la poesía. Más adelante, encontramos un poema de carácter más ideológico –que, en las notas finales, el autor reconoce que es “un intento de lectura de algunas maneras de hacer de [Pere] Gimferrer”–. Se repite cinco veces este verso: “Ya no sabemos cómo hemos de decir”. Y se hace para insistir en todo aquello que se nos deshace: “No hay nada más podrido hoy / que caminar con el nombre de España”; y, unos cuantos versos más allá: “Toda Cataluña es una cáscara / una concha agrietada / No hay nada más podrido hoy”.

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En un mundo un poco más justo, el jurado del premio al que Dolors Miquel (Lleida, 1960) presentó El pit adormit a finales del 2024 habría proclamado su libro como vencedor. No fue así, pero la obra finalmente ha visto la luz: en casi 500 páginas de una intensidad y ambición impresionantes, la poeta –autora de una veintena de volúmenes, entre los que se encuentran Haikús del camionero (Empúries, 1999) y El guante de plástico rosa (Edicions 62, 2016)– combina varios hilos narrativos, como la detección y evolución del cáncer que le detectaron hace cinco años, la crónica de cómo la poesía catalana renació a finales de los noventa gracias a un circuito alternativo de recitales, reflexiones sobre la misoginia –la del pasado y la del presente– y fragmentos en los que los recuerdos familiares se entrelazan con la pasión por la lectura y por la escritura.

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Rosa Font Massot no se ha puesto por poco, y se ha propuesto escribir sobre el deseo. Sobre el deseo sexual, perentorio y vitense, pero también sobre el deseo espiritual de creación, el de cantar. Y, todavía, sobre el deseo de olvidarnos de nuestra condición moridora, de cambiar nuestra mirada, para contemplarnos desde fuera, o desde muy arriba, como insinúan los versos de Iorgos Seferis que encabezan el último canto de este poema: "Bajo el cielo, somos nosotros los peces y los árboles. Sobre el deseo de entender la vida desde su origen, sin la mediación –y la extrema, íntima complicación– de la conciencia. Es, por todo ello, un libro ambicioso: "El Poema del deseo quiere ser la construcción de un espacio literario donde el deseo amoroso es fusión con el mundo y con todo lo que percibimos y somos".

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Volver a nacer después de un accidente: parece un cliché, pero no podemos olvidar que a menudo los clichés son verdades sedimentadas. O, al menos, fósiles retóricos con un hueso de verdad en el corazón. Que se lo digan al economista y escritor Fernando Trias de Bes, si no, que hace algo de año y medio sufrió un grave accidente de tráfico que pudo matarlo pero del que salió renacido y creativamente liberado.

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Visiblemente emocionada, Ribas explica que fue así como descubrió a la poeta Suzuki Shizuko, una mujer que en el Japón ocupado por Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial rompió con las normas del haiku y "lo convirtió en su refugio". Shizuko era poco conocida incluso en su casa, también por la poca voluntad de hacer memoria de la violencia sexual institucionalizada en los años de posguerra. La codirectora del Festival Pepe Sales tuvo que realizar una búsqueda exhaustiva para poder leerla. Fue consultante hemeroteca que se topó con un simposio protagonizado por Jaime Lorente, un escritor y profesor toledano, apasionado del haiku y la cultura japonesa. Había autoeditado la traducción de los haikus de Shizuko, que lejos de hablar sólo del paisaje, la belleza y las estaciones con una escritura tradicionalista, hacía bandera en primera persona de una poesía encarnizada, con el mérito de conseguir crear belleza en una vida y clima inclementes.

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La poeta Laia Llobera (Barcelona, ​​1983) ha hecho una inmersión en la Occitania del siglo XII en todos los sentidos en Saur (Proa), premio Miquel de Palol de poesía 2025. Llobera, que es doctora en lengua y literatura catalanas y licenciada en traducción e interpretación y en ciencias religiosas, no sólo reencuentra la voz de trovadores sino que también se plantea cuestiones sobre la tierra, en el sentido más sensual y ancestral, la muerte, los orígenes, la muerte, los orígenes, precedido.

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Una obra lírica completa, muy valiosa, de una importante voz de la cultura de expresión catalana de los últimos cincuenta años; un autor que había publicado en Tres i Quatre y en Llibres del Mall, editoriales de prestigio que han hecho una obra ingente de difusión de la poesía... Gaspar Jaén Urban (Elx, 1952) nos presenta su corpus lírico desde 1975. Deberíamos verlo en todas partes, bien entrevistado; los críticos literarios podrían aprovechar la ocasión para revisar su obra y comentarla profusamente; las librerías deberían disputárselo para dar a conocer este volumen... ¿Pasará algo de todo esto? Me juego una mano que no. Da igual, pero: ¡Guadalajara nos ha amado!

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Periferia_ Del ll. td. peripherīa, y éste, del gr. periférea. Extremos o márgenes de cualquier entidad. Antropología f. Disciplina que estudia el ser humano desde la perspectiva social y cultural, la esencia de lo humano y su lugar en el mundo. Frontera f. Límite entre dos cosas cercanas. La frontera difusa entre creencia y superstición. Limítrofe_ adj. Adyacente, territorio que está tocando a los límites o fronteras de otro territorio. Satélite_ m. Que depende de una influencia exterior. Ciudad satélite. Umbral_ m. Valor extremo de una magnitud que al ser traspasado hace cambiar las características del sistema establecido. Extraradio_ m. Periferia de una ciudad. Metrópolis_ Ciudad principal de una región, de un estado. Anarquismo_ m. Teoría social que, en base al principio de la libertad individual, preconiza la abolición de toda forma de poder político. Libertaria_ Partidaria del ideario y las actitudes que propone el anarquismo. Emma Goldman_ f. Anarquista fundamental en el desarrollo de la filosofía anarquista de la primera mitad del siglo XX. Regreso_ m. Acción de volver al lugar de donde se había partido.

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Es muy famosa la definición que Maurice Dennis, artista y crítico de arte, cultivador y teórico plástico del simbolismo colorista de los Nabís en la Francia efervescente de finales del siglo XIX y principios del XX, hizo de la pintura: "La pintura, antes de ser un caballo, un desnudo femenino o cualquier otro motivo, es esencialmente una superficie plana con colores". Los poemas de la estadounidense Elizabeth Bishop (Worcester, 1911-Boston, 1979) me han hecho pensar en la definición de Dennis. Son palabras y más palabras, versos y más versos, que se despliegan sobre la página con una mezcla tan escrupulosa de meticulosidad y densidad que a menudo cuesta incluso ver o entender cuáles son los temas de los poemas. Vemos los colores, no el caballo ni el desnudo femenino.

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