Lo primero que me viene a la cabeza después de leer este elocuente volumen de 800 páginas es una pregunta: ¿cómo es que la obra lírica de Segimon Serrallonga (Torelló, 1930 - Badalona, 2002) ha vivido tanto tiempo escondida? Conocíamos, por supuesto, algunas realizaciones, pero la mayoría de estas poesías restaba por descubrir. La impresión que nos produce ahora la obra es pasmosa, si bien es cierto que contiene piezas de lírica altísima y otras de intención –no de escritura– bastante más trabajosa.

Con cada premio que ha recibido Sala Augusta seguido de Lengua materna, el último libro de Sebastià Alzamora (Llucmajor, 1972), el autor mallorquín no ha dejado de preguntarse por los motivos que lo habían hecho posible. "Pienso en ello constantemente, pero no acabo de explicármelo", admite con una sonrisa, rodeado del jurado del premio Lletra d'Or, uno de los más veteranos del sector literario catalán. Es el quinto reconocimiento a obra publicada que Sala Augusta ha recibido desde que Edicions Proa lo publicó, en mayo de 2025. Primero llegó el Premio de la Crítica de la Asociación Española de Críticos Literarios. Unos meses después ganó el premio Josep Maria Llompart, que otorga la Associació d'Escriptors en Llengua Catalana de las Islas Baleares. Le siguió el Premio Crítica Serra d'Or de poesía y, semanas antes del Lletra d'Or, mereció el Premio Nacional de poesía "por su capacidad de transitar, con idéntica genialidad, desde el lenguaje arrebatado de la denuncia histórica hasta la delicadeza del espacio doméstico".

Hay consternación entre los lectores y escritores en lengua catalana por la muerte, hace unos días, de Jaume Pont, uno de los poetas más destacados de su generación. Pont había nacido en el año 1947, como Josep Piera, otro de los grandes poetas en lengua catalana de las últimas décadas: por estas dos muertes, es adecuado pensar en 2026 como un año aciago. Corre por las redes una foto preciosa en la que aparecen ambos, Piera y Pont, en la casa del primero en la Drova, a punto de darse un abrazo, felices de disfrutar del placer de la amistad verdadera. Eran maestros en el arte de hacer versos y en el de vivir, y así lo hacían patente, sin ni siquiera proponérselo, en cada cosa que hacían. Su condición de “periféricos” (Jaume Pont era de Lleida y Josep Piera de Beniopa, en la muy feraz comarca de la Safor) no era tan solo un dato sobre los respectivos lugares de nacimiento: la poesía, la alta poesía, es siempre un asunto periférico, y esto no quiere decir que no interese a nadie (bien al contrario: interesa a una multitud, interesa a las masas) sino que no se monetiza, no es venal, no se intercambia en euros ni en dólares, y, por eso, los que necesitan cuantificarlo todo y ponerle precio a todo, la encuentran sospechosa.

Cuatro de los pilares de la poesía de Jaume Pont i Ibáñez (Lérida, 1947-2026) han sido el amor, la locura, el azar y la muerte. Fallecido este jueves a los 79 años, Pont, que era licenciado en filosofía y letras, se dio a conocer con Límit(s) en 1976, publicado en la emblemática Llibres del Mall, y no mucho después fundó y dirigió la influyente revista Quaderns de Ponent (1979-1983), que ayudó a difundir y a valorar críticamente la obra de creadores de las Tierras de Lérida como Maria-Mercè Marçal, Josep Maria Sala-Valldaura y Pere Rovira.

Este lunes, 21 de septiembre, a las 18 horas, el periodista de cultura del ARA Jordi Nopca entrevistará en directo al escritor y columnista del ARA Sebastià Alzamora (Llucmajor, 1972), que ha sido galardonado con el Premio Nacional de poesía, que otorga el ministerio de Cultura. El jurado ha escogido su obra Sala Augusta seguido de Lengua materna (Proa, 2025) por "su capacidad de transitar, con idéntica genialidad, desde el lenguaje arrebatado de la denuncia histórica hasta la delicadeza del espacio doméstico".

El escritor Pere Pena (Seròs, 1962) investigaba hace unos años la muerte de su tío abuelo durante la Guerra Civil cuando se topó con la desaparición de una maestra de Seròs, Candelària Ametlla. A partir de aquel misterio, Pena fue confeccionando la historia de su primera novela, "Bajo la piel, un árbol (Eclecta), que reconstruye la vida de Candelaria mezclando realidad y ficción. El autor parte de su despertar sentimental para enlazar la figura de la maestra con Rita, una chica francesa que pasaba los veranos en el pueblo. Lo hace a través de entrevistas con testigos de la guerra y familiares de exiliados, en un relato poliédrico que también se confecciona de sus pensamientos para acabar dibujando un mosaico literario de la memoria colectiva de un pueblo.

"Clementina Arderiu Voltas seguramente es una de las escritoras catalanas que más fácil y más difícil lo ha tenido para dejar una obra en la historia de la literatura catalana". Con esta afirmación contundente arranca el perfil que Marta Pessarrodona esbozó de la poeta en el volumen Donasses. Protagonistas de la Catalunya moderna (Destino, 2006). Ahora que se celebran los cincuenta años de la muerte de Arderiu, vale la pena preguntarse cuáles son las razones de esta situación contradictoria –a la luz y a la sombra a la vez– e intentar enmendar el agravio que se ha hecho a su obra, sobre la cual han pesado, por razones sociales y biográficas, unos juicios reduccionistas.

Quizás porque ha ganado el último premio Jocs Florals con el libro Descripció del món (Godall), Martí Sales (Barcelona, 1979) nos cita en el jardín de la Fundació Muñoz Ramonet, un oasis de árboles, plantas y fuentes escultóricas que se abrió a la ciudadanía hace diez años. Poeta, narrador, traductor y cantante –formó parte de los añorados Surfing Sirles–, Sales recibió el prestigioso galardón en el Saló de Cent del Ayuntamiento de Barcelona, donde aprovechó para repartir cuartillas a los asistentes por si querían colaborar económicamente "con la lucha del barrio de Vallcarca contra la gentrificación" y porque algunos vecinos pudieran "enjugar las multas desmesuradas de la persecución policial a la que los somete el actual consistorio, mientras dice que el eje más importante de su programa es el derecho a la vivienda".

Dar a ver, de Paul Éluard (1895-1952), es un compendio de poemas en prosa, conferencias, escritos sobre arte y textos dedicados a sus amigos pintores. Publicado en 1939, el título resume el proyecto estético de Éluard: la poesía no debe describir el mundo, sino revelarlo y transformarlo. El poeta no es un observador pasivo, sino alguien capaz de atravesar las apariencias y descubrir relaciones ocultas entre objetos, seres y sentimientos. Vinculado al surrealismo de André Breton, Éluard evoluciona aquí hacia una poesía más humana y comunicativa. Dar a ver es una obra fronteriza entre el sueño y la realidad, entre la imagen y la idea, entre la intimidad amorosa y la conciencia colectiva.El tema central es la mirada. Para Éluard, ver no es solo percibir, sino comprender. Reorganiza la realidad con asociaciones inesperadas, metáforas sorprendentes e imágenes libres. Los objetos cotidianos adquieren una fuerza simbólica nueva, y las fronteras entre materia y emoción se disuelven. La poesía recupera la capacidad de maravillarse y sugiere que solo quien sabe mirar poéticamente es realmente libre. Este principio también estructura el libro: no hay narración lineal, sino fragmentos guiados por intuiciones e iluminaciones súbitas. Una fluidez casi hipnótica

La escritura se basa en la libre asociación surrealista, pero Éluard le suma más lirismo que otros autores del movimiento. Sus metáforas no buscan el hermetismo, sino una verdad emocional inmediata. De aquí nace la musicalidad extraordinaria de su poesía. El ritmo, las repeticiones y las variaciones sonoras crean una fluidez casi hipnótica, como si fueran dictados por una corriente interior más profunda que la lógica ordinaria. El lenguaje es a la vez simple y misterioso. El amor ocupa un lugar central y deviene fuerza de transformación universal. La figura femenina actúa como mediadora entre el poeta y el mundo: no es solo objeto de deseo, sino también presencia reveladora. Cuerpo, naturaleza, luz y tiempo se fusionan en una realidad más profunda. Las fronteras entre sujeto y objeto desaparecen. Pese a la dimensión lírica, el libro refleja una preocupación ética y política. En el contexto europeo de los años 30, marcado por el fascismo y la inminencia de la guerra, Éluard defiende la libertad del espíritu y la dignidad humana. La libertad poética se convierte en modelo de libertad moral y política. Éluard representa un punto de equilibrio entre experimentación estética y responsabilidad histórica.Amigo de pintores como Pablo Picasso, Max Ernst o Man Ray, Éluard crea poemas que funcionan como cuadros verbales, llenos de luz, contrastes visuales y formas espaciales. Éluard participa en la investigación vanguardista de un lenguaje capaz de superar las divisiones tradicionales entre disciplinas artísticas. Dar a ver es esencial para entender a Éluard y la poesía moderna europea. El libro continúa vivo porque plantea preguntas sobre la mirada, el poder de las palabras y el papel de la poesía en tiempos de crisis. Éluard lo tiene claro: la poesía no es ornamento ni evasión, sino una vía para defender la libertad humana frente a todo lo que intenta reducirla.

Hasta ahora, y desde hace casi treinta años, habíamos conocido a Josep Pedrals (Barcelona, 1979) como poeta, como rapsoda, como conferenciante y como gestor cultural. Con Poeticismes (Arcàdia, 2026) debuta como ensayista con la misma combinación de amenidad, erudición y humor que abunda en sus versos. En el cajón de sastre que es el nuevo libro de Pedrals encontramos reflexiones sobre emperadores enterrados en miel o sobre el monumento a Jacint Verdaguer en el paseo de Sant Joan, crónicas de alguno de los miles de recitales en los que ha participado por todo el mundo —como el que lo llevó hasta Macedonia acompañado de Adam Zagajewski—, reivindicaciones de autores menos conocidos por los lectores de lo que se debería y un caudal de agudas elucubraciones técnicas sobre la escritura de poesía, una de sus grandes pasiones, junto con la lectura omnívora y el amor por los escenarios.

Hace 88 años, los ciudadanos de Barcelona y de otras poblaciones catalanas miraban al cielo con terror. “Continúa la terrible hecatombe que castiga Barcelona. Un par de miles de víctimas y más de cien edificios destruidos en dos días. Pánico y horror. Vamos todos a Vallirana. Las escenas de éxodo y de refugio presenciadas en los andenes del metro y en las estaciones son de aquellas que no se olvidan nunca”, escribía el 18 de marzo de 1938 Josep M. López-Picó. El sábado 20 de junio, en cambio, se podrá contemplar el cielo con optimismo: caerán 100.000 poemas. Con motivo de los 50 años de la muerte de Franco, un helicóptero sobrevolará la plaza Nova y los alrededores de la catedral de Barcelona para lanzar versos, en catalán y en castellano, sobre todo de poetas emergentes.

Hace décadas que Biel Mesquida (Castellón de la Plana, 1947) invita a los lectores a adentrarse en todos los matices del "perfume censurado" de la libertad, sea sexual o política. El atardecer en que ha recibido el 58º Premio de Honor de las Letras Catalanas, los versos de Lluita de classes, uno de los poemas ágiles y refulgentes de El bell país on els homes desitgen els homes –escrito en 1974 pero inédito hasta 1985–, han vuelto a resonar en el Palau de la Música con la dicción elegante del poeta Adrià Targa. "Eres una criatura, criatura feroz, jugando con mis ingles, / mordiéndolas, mientras yo me arrodillaba impulsado y obligado por tu desvarío y / este deseo de hundirte dentro del bello agujero de mi ano": así de contundente suena todavía el clavo urgente entre el yo lírico y "el chico despeinado" de los encargos, un oasis de amor libre en medio de las tinieblas nacionalcatólicas y franquistas.

Este libro —que debe el título a una poesía de Joan Vinyoli, amigo de Feliu Formosa— celebra discretamente, pero a la vez profundamente, la vida. A pesar de que reflexiona sobre la muerte y la ausencia, sobre la pérdida y el dolor, la vida pesa más. El poeta administra muy bien la emoción con la que presenta cada uno de los pretextos que sirven para elucidar el tema. “Amor, deseo y sueño”, empieza diciendo la poesía XXIV, que trata de una relación amorosa. A noventa años, la existencia se vuelve más perentoria que nunca, pero, como demuestran muchos de los versos, también plenamente enamorada. “Nunca sé si lo digo todo”: no se acaba de decir nunca todo, pero aquí Formosa dice muchas cosas (y, cuando no lo hace, las sugiere). Recuerdos, deseos, impresiones. Y deja inventariadas muchas ideas. Una muy sugerente es que “vivir es traducir / y traducir es vivir”.

Aunque tenga que ir con muletas por culpa de una caída reciente, Marta Pessarrodona (Tarrasa, 1941) conserva la energía y el entusiasmo que la han acompañado desde hace décadas. Abre la puerta de su casa en Valldoreix una vez más a ARA con un doble motivo: ha sido elegida pregonera de la nueva edición del festival Barcelona Poesia, que se celebra del 14 al 21 de mayo, y presenta nuevo libro de poemas, Re(visions), que está a punto de llegar a librerías. Publicado por Viena cinco años después de que Tot m'admira (2021), rescata familiares, amigos y amores de la autora, entre los cuales se encuentra su última perra, la Queta, que murió a consecuencia de un accidente hace poco más de un año.

Hace veinte años que Jordi Llavina (Gelida, 1968) debutó como poeta con La corda del gronxador (Moll, 2006). El autor celebra la efeméride haciendo una selección de su obra en verso en El test de la flor malva, publicado por Pagès: el volumen, de 200 páginas y prologado por Pere Ballart, recoge una muestra representativa de los diez libros de poesía que ha publicado hasta ahora, entre los cuales se encuentran Vetlla (3i4, 2012), El magraner (Cossetània, 2020) y Un llum que crema (Proa, 2023).

Siento a menudo críticas sobre la literatura del yo. “Los autores actuales solo saben hablar de ellos mismos”, “casi nadie hace verdaderos ejercicios de ficción”, “hay demasiado egocentrismo”, etcétera. Cuando oigo estos comentarios, lo primero que pienso es que estoy de acuerdo, claro. Incluso puede ser que yo misma lo haya dicho en voz alta: “¡Estoy harta de leer historias de gente que solo habla sobre ella misma!”. En los últimos años, la autoficción ha ocupado muchas estanterías de las librerías. Quizás demasiado. Quizás es una moda y quizás nos hemos cansado, es cierto.

El impulso definitivo para lanzarse a escribir, una terapia de autoconfianza, el estímulo para explicar aquella historia que está guardada en un rincón del alma o una actividad creativa para una jubilación activa. El alumnado del Aula de Escritura Vicenç Pagès Jordà del Ayuntamiento de Girona es tan diverso y heterogéneo como las motivaciones que los han llevado a querer escribir. Pero todos, a pesar de los orígenes, las edades o las capacidades diferentes, están tocados por la misma pasión de escribir. ¡Y de leer! Ya que el fundador de la escuela, el malogrado escritor figuerense Vicenç Pagès, no concebía una actividad sin la otra.

Leí, con una mezcla de estupor e incredulidad, un estudio que afirmaba que mucha gente prefiere la poesía generada por inteligencia artificial porque la encuentra más agradable, clara y emotiva que la humana. Los investigadores Brian Porter y Édouard Machery sostenían en Scientific Reports que, para muchos lectores, estos textos superaban incluso a los de Shakespeare, T. S. Eliot o Emily Dickinson.

El cineasta colombiano Simón Mesa Soto (Medellín, 1986) ganó la Palma de Oro al mejor corto del Festival de Cannes de 2014 con el proyecto de final de estudios del máster que cursaba en la London Film School, donde Carla Simón era una de sus compañeras. Una década después, las dificultades para levantar la segunda película hicieron aparecer las dudas y el miedo. ¿Y si su éxito inicial había sido un espejismo? ¿Acabaría siendo solo un profesor, una vez aparcado a la fuerza el sueño del cine? Estas inquietudes acabaron plasmándose en Un poeta, comedia divertidísima y a la vez muy amarga que se estrena este viernes y que tiene un protagonista maravilloso: Óscar Restrepo, un poeta que ganó muy joven un premio importante y que ya mayor y fracasado remoja la derrota vital en alcohol y autocompasión, vive de la pensión de una madre anciana y enferma y utiliza las aspiraciones literarias (“¡Yo soy un poeta!”) como trinchera donde resguardarse del trabajo. “Tú lo que eres es un desocupado”, le espeta con razón la hermana, que le empuja a aceptar un trabajo como maestro de literatura.

La preocupación por aquello que (aún) se puede decir está en el fundamento de este bello libro, ganador de la última convocatoria del premio Carles Riba –la primera celebrada en fecha nueva–. Fijémonos en la poesía que abre el fuego, Bajar a recoger cerezas. El pretexto, como la mayoría de pretextos de la poesía de Jaume Coll Mariné (¡cómo se agradece, esto!), viene de la vida en el campo, de una convivencia familiar con la naturaleza: en este caso, una escalera apoyada en el tronco de un cerezo, que se ha quedado allí después de la cosecha, hecha meses atrás. Aquella escalera que, a deshora, ya no sirve para nada, “querría que quisiera decir algo”. Quizás como la poesía. Más adelante, encontramos un poema de carácter más ideológico –que, en las notas finales, el autor reconoce que es “un intento de lectura de algunas maneras de hacer de [Pere] Gimferrer”–. Se repite cinco veces este verso: “Ya no sabemos cómo hemos de decir”. Y se hace para insistir en todo aquello que se nos deshace: “No hay nada más podrido hoy / que caminar con el nombre de España”; y, unos cuantos versos más allá: “Toda Cataluña es una cáscara / una concha agrietada / No hay nada más podrido hoy”.