Mientras rodaban It: episodio 2, segunda parte del díptico que adaptaba al cine una de las novelas más importantes de Stephen King, el director argentino Andy Muschietti y el actor sueco Bill Skarsgård empezaron a jugar con la idea de explorar los orígenes del monstruo que interpreta Skarsgård en el filme, el payaso devorador de niños Pennywise. "Nos interesaba sobre todo su lado humano –aclaraba Muschietti durante el reciente Festival de Sitges–. En el libro se habla de un tal Bob Gray, que se maquillaba como payaso y se convertía en Pennywise. En algún momento, It decidió tomar esta forma para hacer de las suyas, y eso nos fascinaba".

He aquí que una vez había un festival en el que los cuentos eran pesadillas violentas de sangre y vísceras, y las protagonistas, objeto de torturas y amputaciones. En Sitges, el pequeño reino del terror del Garraf, se ha coronado este sábado como mejor película La hermanastra fea, que reinterpreta el cuento de Cenicienta desde el punto de vista de la hermanastra fea, sometida a un infierno de primitivos tratamientos estéticos por ser la chica más bonita del baile del príncipe. El jurado que presidía la cineasta estadounidense Mary Harron ha premiado la película de la noruega Emilie Blichfeldt, una debutante que se convierte así en la quinta directora que triunfa en el festival tras Sally Potter (Orlando, en 1993), Jennifer Lynch (Surveillance, en 2008), Karyn Kusama (The invitation, en el 2015) y Veronika Franz, que le ganó el año pasado por El baño del diablo (codirigida con Severin Fiala).

Cuando hace unos días le preguntaban a Joe Dante por un proyecto que finalmente no había podido dirigir, él dijo: "Lo mejor que se le pregunta a Terry Gilliam, que él sabe mucho, de proyectos fallidos". Hay pocos cineastas de quienes sus éxitos (Monty Python, Brazil, Doce monos, El rey pescador, etc.) son tan conocidos como sus obstáculos a la hora de sacar adelante proyectos (como El secreto de los hermanos Grimm y, sobre todo, El hombre que mató a Don Quijote). Todo ello hace que Gilliam (Medicine Lake, Estados Unidos, 1940) sea uno de los directores más queridos por los aficionados al fantástico, un luchador infatigable que a sus 84 años ha desplegado su envidiable energía y buen humor durante su visita a Sitges, donde este viernes recibe el Gran Premio de Honor del festival.

El profesional, Nikita, El quinto elemento, Lucy... Luc Besson (París, 1959) lleva ya unas décadas demostrando que el cine europeo puede tener ambición comercial y competir de tú a tú con Hollywood. Con Drácula, que ha presentado este miércoles en el Festival de Sitges, el director francés aborda la novela de Bram Stoker potenciando mucho su dimensión romántica, trasladando la acción de Londres a París e introduciendo unas gárgolas digitales que el príncipe de las tinieblas tiene como sirvientes en su castillo. Es la primera gran producción que estrena Besson después de que en el 2023 un juez le declarara inocente de la denuncia por violación que interpuso en el 2018 la actriz Sand Van Roy; más adelante se añadieron las acusaciones anónimas de conducta sexual inapropiada de ocho mujeres en el portal francés de investigaciones Mediapart.

"Dios mío, el tipo que ha hecho todas estas películas debe ser un maníaco", comentó el director Ben Wheatley sobre el montaje de escenas de su filmografía que se proyectó este martes en el Festival de Sitges antes de entregarle el premio Màquina del Temps. Un premio muy especial para el británico, porque Sitges fue "el primer festival de cine" al que acudió, antes de dirigir películas. "Ibas al bar y allí estaba George Romero, y pensabas: «¿Serán así todos los festivales?». Pasé tres días emborrachándome, viendo películas y hablando de cine, fue increíble".

Es el Brujo Supremo de Marvel, el mejor Sherlock Holmes de las últimas décadas y, también, la estrella más esperada de esta edición del Festival de Sitges. Benedict Cumberbatch (Londres, 1976), nominado dos veces al Oscar –por The imitation game y El poder del perro–, ha visitado este lunes el festival para presentar Esa cosa con alas, un drama psicológico de Dylan Southern protagonizado por un dibujante de cómics abrumado por la muerte de la mujer, incapaz de sostener solo el trabajo, la crianza de dos hijos y, sobre todo, la salud mental. Retorcido sobre su propia pena, el dibujante empieza a manifestar el duelo en forma del cuervo antropomórfico que protagoniza la novela gráfica en la que está trabajando; una presencia fantástica (y ambivalente en sus intenciones) que empuja la película hacia el territorio del cuento gótico de terror.

Como explica en el documental King on screen, disponible en Filmin, el director Mike Flanagan se sentía muy atraído por las películas de terror pero le daban tanto miedo que, a los 10 años, decidió probar con los libros de terror y leyó It, de Stephen King. "Fue un gran error –recuerda–. No quería seguir leyendo porque estaba muy asustado y tenía pesadillas terribles, pero me importaban tanto los personajes que no podía parar. Y me di cuenta de que cada capítulo me ofrecía una oportunidad para aprender a ser valiente. Porque eso es el terror, un entrenamiento para ejercitar el coraje en dos. terror y Stephen King se convirtió en mi héroe", explica.

La gran estrella de esta edición del Festival de Sitges se llama Indy y es un retriever de Nueva Escocia que, desgraciadamente, no ha venido al festival. "Se ha quedado en casa de mis padres y está muy feliz jugando con su perro", explica Ben Leonberg, el director de Good boy. Indy, claro, es su perro, que aparece en casi todas las escenas de una película que subvierte las convenciones del cine de terror adoptando el punto de vista del típico quisso que, en estas películas, huele de una hora lejos que en la casa hay algo maligno en el sótano o un espíritu que corre por el desván. En Good boy, Indy percibe una presencia sobrenatural que amenaza a su amo y que le está consumiendo la salud, pero no tiene manera de contárselo. A través de su mirada preocupada, de la expresión de alerta o de las orejas levantadas leemos todas las emociones de un animal: la lealtad, la impotencia, la angustia y, sobre todo, el miedo a perder lo que más quieres.

Joe Dante (Morristown, Nueva Jersey, 1946), el director de las dos partes de Gremlins, Piraña o El chip prodigioso, es un nombre imprescindible para contar el cine popular de los años 80. Forjado en la ética de serie B de la factoría Corman, logró el éxito de la mano de Steven Spielberg, que vio en él el director ideal para un guión sobre unas pequeñas criaturas con un gran potencial para el caos. El Festival de Sitges le homenajea este año como uno de sus grandes héroes.

"¿Estamos juntos porque nos amamos o porque nos hemos acostumbrado el uno al otro?", se pregunta a Together la maestra interpretada por Alison Brie, que cada vez tiene más dudas sobre su novio, un músico reacio al compromiso, sin perspectivas profesionales y, últimamente, con pocas ganas de hacer el amor. A la crisis de pareja se añade otro problema: el fenómeno sobrenatural que hace que no puedan alejarse mucho el uno del otro y que, cuando se tocan, sus carnes se fusionen. ¿La pesadilla perfecta o la solución a los problemas conyugales?

"Tengo la sensación de que ha pasado mucho tiempo y que nos hemos hecho todos muy grandes", dice con una sonrisa nostálgica Julia Ducournau (Paris, 1983) rememorando la primera visita que hizo al Festival de Cine de Sitges para presentar su opera prima, Crudo, una de las sensaciones de la edición de 2016. "Tengo grandes recuerdos del festival, me lo pasé genial", añade. Nueve años y una Palma de Oro después (por Titane), Ducournau todavía es aquella joven alta y magnética que, por talante y gustos cinematográficos, se podría confundir con el público del festival, pero ahora inaugura Sitges con Alpha. Ha dejado a los vaqueros y camisetas en el armario y allá donde va le rodea un grupo de fans y cámaras, como corresponde a una de las directoras estrella del nuevo cine europeo.

Si el Festival de Sitges fuera un monstruo sería sin duda uno kaiju, un gigante de tamaño inalcanzable que concentra del 10 al 19 de octubre cerca de 400 proyecciones de cine fantástico, terror y otros géneros. El Matadero Centro Cultural vuelve a cubrir la ausencia del Cine Retiro, cerrado por reformas, en una edición marcada por las visitas de Benedict Cumberbatch, Terry Gilliam y Joe Dante, entre otros.

En los primeros compases de La cabaña siniestra (The lodge), la película del 2018 de Severin Fiala y Veronika Franz, una madre de dos hijos deprimida y abandonada se dispara un disparo en la boca. en el festival con las escenas de violencia brutal; pero ante la estupefacción del resto del público, horrorizado, los aplausos murieron de seguida en un silencio incómodo y confuso. La anécdota resume la particular manera de entender el terror de esta pareja de cineastas austríacos, alérgica a las convenciones del género de terror. filmes de terror, esto son etiquetas de las distribuidoras y los agentes de ventas –dice Fiala–. Nosotros simplemente encontramos una historia o un personaje y la seguimos”.

Carambolas poéticas del calendario de estrenos, El baño del diablo coincide rimando en la cartelera con Salve María. Tanto la película de Severin Fiala y Veronika Franz como el filme de Mar Coll hablan de dos protagonistas femeninas aquejadas por la appel du vide, expresión francesa que describe la llamada del vacío, los pensamientos siniestros intrusivos y, por lo general, la tentación de dejarse arrastrar por la maldad pura. En ambos casos, aunque un relato tenga lugar en la Cataluña urbana en tiempos actuales y el otro en la Austria rural del siglo XVIII, el vértigo oscuro que enloquece a estos dos personajes es el mismo: el miedo a perder totalmente la propia voluntad y, por tanto, la identidad, después de un cambio vital significativo.

Cuando aún no había cumplido los veinte años, su papel de estudiante de casa buena en un instituto elitista en la serie Élite lanzó a la fama a Ester Expósito (Madrid, 2000) y la convirtió en la mujer española con más seguidores en Instagram –ahora lo es Georgina Rodríguez con 64, 2 millones–. Superada la conmoción, Expósito parece decidida a marcar el rumbo de su carrera, primero con el thriller de terror Venus, de Jaume Balagueró, y ahora con El lamo, la inquietante intriga sobrenatural del debutante Pedro Martín-Calero. El ARA habló con la actriz sobre su corta pero intensa carrera durante su reciente visita al Festival de Sitges.

En la gran triunfadora de esta edición del Festival de Sitges no hay monstruos ni criaturas sobrenaturales. En El baño del diablo, que tanto el jurado de la sección oficial como el de la crítica y el jurado Carnet Jove han proclamado merecidamente como mejor película de esta edición, el terror proviene de una sociedad patriarcal y ultrarreligiosa que reserva a las mujeres la maternidad como único papel. Una sociedad que no contempla peor pecado que el suicidio y que, por tanto, ofrece a las víctimas de la depresión profunda una alternativa escalofriante: asesinar a una criatura inocente para así ser detenidas, absueltas del pecado por un sacerdote y, finalmente, condenadas a muerte; un plan infalible para evitar la condena en el infierno de los suicidas.

El 13 de noviembre de 1971, Steven Spielberg estrenó su primer largometraje en el canal ABC, que al ver el buen resultado deEl demonio sobre ruedas estrenó la película en los cines. 53 años después, un Spielberg vuelve a estrenar opera prima, y ha pasado en el Festival de Sitges, que este viernes ha acogido la première mundial de Please don't feed the children, lo tienes thriller de terror distópico de Destry Allyn Spielberg (Los Angeles, 1996), la hija del director de Tiburón.

El torturado pianista de Shine, el marqués de Sade de Quijos, el empresario teatral de Shakespeare in love, el profesor de dicción de Jorge VI de Inglaterra en El discurso del rey... El actor australiano Geoffrey Rush (Toowoomba, 1951) consiguió la nominación al Oscar por estos papeles –e incluso la estatuilla, por Shine–, pero el Gran Premio de Honor que el Festival de Sitges le entrega este jueves se le ha ganado sobre todo por su papel de capitán Hector Barbossa en Piratas del Caribe, que interpretó en las cinco entregas de la saga. “Los actores de Piratas del Caribe somos como una familia –ha explicado Rush en Sitges–. Nos conocimos en el 2002 y seguimos haciendo películas hasta el 2017. Viajamos por todo el mundo, algunos tuvieron hijos, otros murieron... Nos sentíamos como en una gran producción de la Warner de los años 30, con las grandes estrellas de la casa y unos magníficos diálogos”.

Cuando ya había sido nominado al Oscar por el corto musical 7:35 de la mañana, Nacho Vigalondo (Cabezón de la Sal, 1975), estrenó su primer largo en el Festival de Sitges: Los cronocrímenes (2007). Diecisiete años después ha vuelto a presentar Daniela forever, singularísimo drama sobre el duelo en clave de ciencia ficción que recupera el Vigalondo de las premisas locas y brillantes, en este caso sobre un hombre que acaba de perder a su novia en un accidente mortal y empieza a tomar una droga que le provoca “sueños lúcidos” en los que se reencuentra con ella, sueños que transcurren en un mundo basado en sus recuerdos al que puede darle forma a su gusto. Más o menos, como un director en una película. “Exactamente –dice–. De hecho, existe un momento en que el protagonista se permite tener un concierto privado de Hidrogenesse en el Templo de Debod y mientras lo rodábamos me daba cuenta de que allí era yo, con una de mis bandas favoritas de todos los tiempos tocando para mí. Es casi un capricho siniestro”.

El hito más impresionante llevada a cabo en los últimos años por un artista catalán ya tiene su película. El Mago Pop lands in USA, que se ha estrenado este domingo en el Festival de Sitges, documenta el camino recorrido por Antonio Díaz (Badia del Vallès, 1986) desde que se anuncia su debut en Broadway y la compra de un teatro en Branson, en Missouri, hasta el estreno del espectáculo Nothing is imposible en el Ethel Barrymore Theather de Nueva York. Una historia de éxito en la que Díaz abre su intimidad –su sentido del humor de barrio, la emotividad a flor de piel, un perfeccionismo loco– al tiempo que pone en valor el trabajo de su equipo, que le acompaña en una aventura norteamericana no exenta de tropiezos, como la première del show a Branson, que termina con el artista decepcionado y cabreado, encerrado en su camerino.