Lluís Nacenta: "No podemos hacer una mezcla sin criterio de las colecciones del Museo del Diseño"

BarcelonaEl comisario, escritor, músico e investigador Lluís Nacenta (1976) asumió la dirección del Museu del Disseny en marzo, después de que José Luis de Vicente abandonara el cargo prematuramente. Nacenta fue el director de Hangar, colaboró con la Fundación Mies van der Rohe desde 2012 y es patrón de la Fundación COAC. En el campo de la docencia, ha sido profesor de varias escuelas de diseño y arquitectura de Barcelona, entre las que se encuentran Eina y Bau. Antes de llegar al Museu del Disseny era jefe de eventos y experiencias expositivas de la productora La Manchester. Y entre las exposiciones que ha comisariado destacan IA: inteligencia artificial, en el CCCB.

Su concurso estuvo rodeado de polémica. La Plataforma de Artes Visuales y la Asociación de Profesionales de la Museología pidieron que lo detuvieran inmediatamente porque no cumplía las mínimas condiciones exigibles "de transparencia y libre concurrencia". Denunciaron quince faltas en las bases. ¿Cómo lo vivió?

— Yo estaba concentrado en hacer bien mi trabajo, y esta crítica quedaba fuera de lugar. Evidentemente, me preocupa. Sé que el Icub está comprometido y tiene el diálogo abierto para que estos procesos de selección estén más en sintonía con lo que reclaman las organizaciones profesionales. Y yo lo que espero es que este diálogo se haga y sea fructífero.

Su proyecto todavía es bastante desconocido. Hace unas semanas, durante la presentación de la próxima temporada, avanzó que pondrá la "cultura material" en el centro. ¿Qué más nos puede decir?

— Ahora puedo presentar un proyecto con mucho más conocimiento de la manera como realmente se puede ejecutar. Mi propuesta inicial ya iba un poco por aquí. Es decir, tengo unas ideas, pero lo más importante es hacer un proceso inicial en el que indagas, dialogas, consensúas y organizas una implementación real en el espacio del museo y en el tiempo de estas ideas.

José Luis de Vicente se marchó dos años después de asumir el cargo de director porque no pudo sacar adelante su proyecto. El sector más conservador le atacó con mucha dureza sobre todo por la exposición Matter matters, de la arquitecta Olga Subirós, que hizo dialogar objetos de la colección de diferentes épocas. Durante la presentación de la temporada cuestionó el sello personal en los proyectos. Pero a usted le eligieron por un proyecto concreto. ¿Qué quería decir, con eso?

— Entiendo que tiene sentido que se haya entendido así, pero yo no pensaba en absoluto en el caso de José Luis, sino en el hecho de que muchas veces se produce una identificación entre la tarea curatorial y la tarea de dirección. Es decir, todos hemos visto muchos casos, por ejemplo, en los que el director de un museo es comisario de algunos proyectos del mismo museo. Esa no es mi apuesta y no es el modelo que a mí más me gusta. Yo no comisariaré ningún programa en el Dhub en los próximos cinco años. Me parece, y más con un equipamiento tan polifacético como el Dhub, que tu tarea debe ser de director, un poquito más meta, con un punto más de abstracción. Mi preocupación debe ser hacer posible que comisarios con experticias muy diferentes contribuyan cada temporada a hacer un programa que sea coherente y equilibrado. Al contrario, ¿qué pasa, que la exposición comisariada por la dirección es más importante que las otras?

¿Qué le pareció Matter matters?

— Me gustó mucho. Evidentemente, es una exposición compleja, porque todavía hay muchos temas difíciles. Pero a mí me parece un muy buen proyecto, que nos da mucha oportunidad de trabajar, de establecer conversaciones. Lo trabajaremos mucho, ya tengo la conversación abierta con Olga Subirós para hacer un programa ambicioso de conversaciones alrededor de la exposición.

¿Por qué es importante centrarse en la cultura material?

— La idea de cultura material no es nada más que una concepción amplia de lo que es la cultura, de cómo nos relacionamos con los objetos y cómo nos relacionamos con la base material de los objetos. Y me gusta como hilo conductor, porque nos da la oportunidad de tener una pata muy importante en el campo del diseño y otra en la colección del museo, es decir, en toda su dimensión patrimonial.

¿Los discursos de la colección deben estar centrados en el diseño o los objetos se pueden utilizar para abordar problemáticas del mundo contemporáneo?

— Ningún proyecto cultural es realmente relevante en su entorno si no contribuye al debate sobre las crisis contemporáneas. Esto me parece que te lo diría cualquier historiador. Dentro de nuestro patrimonio, el caso de la indumentaria es clarísimo, es decir, nuestra colección de moda adquiere un sentido interesantísimo cuando la miramos para poder adquirir conocimientos sobre la moda actual. La línea programática que propongo toma la idea de cultura material como hilo conductor, y con todas las experticias, todas las historias, todas las técnicas, todos los conocimientos que nos aporta la cultura material, preguntarnos cómo podemos abordar mejor las crisis de la contemporaneidad en exposiciones, en programas de debate, en programas para escuelas, en festivales.

¿Tiene sentido hoy en día la división disciplinaria de las colecciones en artes decorativas, indumentaria y diseño industrial?

— Lo que sucede es que es una distinción heredada. La colección del Dhub se hizo a base de incorporar colecciones que tenían procedencias diferentes. Hay razones técnicas; no son las mismas condiciones las que requiere la preservación de un vestido histórico que las de un material gráfico o de un objeto de diseño contemporáneo. En la reserva debemos mantener unas subdivisiones que son técnicas, por razones de preservación del material. Y después hay unas experiencias que es muy importante mantenerlas, personificadas en los historiadores expertos en las diferentes tradiciones culturales que están consignadas en las diferentes colecciones. Tenemos personas expertas en cerámica, en moda, en diseño gráfico, en artes decorativas... y todas estas experiencias no las podemos perder. Es decir, no podemos hacer una mezcla sin criterio. Ahora, esto no quiere decir que después, cuando nosotros hacemos trabajo de investigación, de divulgación y de presentar la colección en exposiciones, nos tengamos que ceñir estrictamente a estas divisiones disciplinarias de la colección, porque entonces explicamos historias parciales. Por ejemplo, el primer proyecto en el que ya hemos puesto manos a la obra, que es la nueva exposición de nuestra colección de moda, en la cual estamos trabajando con Sílvia Rosés como comisaria. No solo tendrá vestidos, sino que también tendrá material gráfico y mobiliario. El foco principal será nuestra colección de moda, pero para poder explicarla bien la tendremos que contextualizar con otros elementos de la colección.

Durante la presentación señaló que su trabajo es que el museo vaya "como un rayo". De aquí a cinco años, ¿con qué metas se dará por satisfecho?

— Los retos que me planteo para este mandato los puedo resumir en tres líneas principales. El primero es que el programa del Dhub sea más ambicioso, es decir, todavía de más calidad, y más coherente todo él. El segundo es que venga más gente, pero esto va vinculado necesariamente a ampliar el espectro de la gente que viene, es decir, no tener solo al público profesional, que creo que lo tenemos, sino también a un público más ciudadano, un público más, diríamos, de cultura. Y el último es reforzar nuestro papel en la escena europea e internacional. Un museo de diseño de Barcelona, que es una ciudad que tiene una historia tan potente y un presente tan potente en la disciplina del diseño, me parece que tiene posibilidades de jugar un papel más relevante en la escena internacional.

Entonces, ¿para usted Barcelona sigue siendo una capital del diseño?

— Si nos aferramos a la imagen de la ciudad del diseño de los 80 o de los 90, nos equivocamos. Pero si miramos el contexto profesional actual del diseño, me parece que sigue siendo una capital del diseño.

¿En qué destaca actualmente Barcelona?

— Clarísimamente, en la dimensión más de la industria digital, como el caso de los videojuegos, y en el contexto de las artes digitales; este año celebramos la primera edición de la Bienal de Artes Digitales. La efervescencia de los creadores en el ámbito digital en Barcelona y Cataluña es muy importante. Y veo propuestas totalmente punteras en los campos del diseño gráfico y el industrial, la arquitectura y el interiorismo. Lo que ocurre es que el sector y la ciudad se han transformado, y ahora los discursos son otros. Por ejemplo, la arquitectura ha pasado de un planteamiento más monumental a otro más sostenible. Ahora los proyectos líderes en arquitectura se presentan y se desarrollan de una manera que es mucho más discreta, que tiene mucho más que ver con el barrio, con la relación con la calle. Es decir, se ha desactivado toda una dimensión de la espectacularidad de la arquitectura. Pero esto no es una crisis de la arquitectura, es un avance.

En la anterior etapa estaba previsto que el Dhub fuera la casa de la arquitectura y el urbanismo. Ahora que existe la Casa de la Arquitectura de Barcelona, ¿esta función se mantiene?

— La Casa de la Arquitectura debe liderarla, evidentemente. Pero me parece que no tendría ningún sentido que nosotros nos desvinculáramos de la arquitectura, que es una disciplina que en muchos sentidos es indisociable del diseño. No tiene sentido que trabajemos de espaldas o que hagamos coincidencias absurdas. Tenemos una relación fluida, constante, de colaboración con la Casa de la Arquitectura y la Fundación Mies van der Rohe, con la arquitecta jefe del Ayuntamiento, y trabajamos en coordinación con este contexto. Por ejemplo, estamos trabajando en la exposición que haremos con motivo del Año Bohigas. Evidentemente, esto solo tiene sentido en coordinación con todas las instituciones que se dedican a la arquitectura. Y, evidentemente, nuestra exposición sobre Bohigas tendrá un énfasis especial en su vertiente como diseñador, que no es particularmente conocido, pero que es muy importante. Sería un gran error que el Dhub dejara de interesarse y de trabajar en el campo de la arquitectura.

¿Cuál es el papel europeo del Museo del Diseño?

— Nuestros proyectos expositivos de las próximas temporadas ya los estamos trabajando en coordinación con diversos museos europeos. Hacemos lo que me parece que un museo de Barcelona ambicioso debe hacer, que es contribuir a la conversación europea. Y esto se puede hacer de diversas maneras: mediante coproducciones, es decir, proyectos que desde el inicio ya trabajamos con un museo en Alemania o en Bélgica, y que es una exposición que ya tendrá una itinerancia concebida desde su primera edición, o bien recibiendo como itinerancias proyectos de otros museos. Nosotros ponemos en el centro de nuestro programa expositivo la dimensión internacional. La semana pasada asistimos con nuestra jefa de exposiciones, Àngela Cuenca, a la reunión de la Museum Network Conference en Róterdam. Lo tenemos muy bien encarado para que nuestros proyectos de los próximos años tengan esta dimensión. Este es el papel que hoy jugamos en Europa, e incluso más allá, porque también hemos iniciado las conversaciones para una posible colaboración con Hong Kong, porque también es importante poner la mirada un poco más allá de nuestro contexto europeo inmediato.

¿Y tiene el museo suficiente musculatura para hacerlo? José Luis de Vicente pidió que el museo no fuera solo municipal.

— Estamos bien. Me he encontrado el Dhub en marcha, con un programa ambicioso, pero es una institución que tiene margen para incrementar su programa, su equipo, e ir incrementando colateralmente su presupuesto [el presupuesto de este año es de 6,18 millones de euros]. Es decir, el presupuesto por sí mismo no significa nada, el presupuesto debe ir acompañado de tu capacidad de ejecutarlo, de ser más ambiciosos con el programa. Solo puedes pedir más presupuesto si puedes decir que puedes hacer mejores exposiciones, programas de debate, de diálogo, de formación y de mediación. Nosotros estamos en la posición de ser aún más ambiciosos con el programa y, por tanto, poder gastar más dinero público en lo que hacemos.

Fue el comisario de la exposición del CCCB IA: inteligencia artificial. ¿Cómo ve el impacto que tiene en la creatividad?

— Desarrollaremos algunos programas en este sentido, porque evidentemente en el trabajo con la colección ahora hay sistemas de IA que son muy útiles para hacer desde el inventario hasta proyectos más de investigación en la colección. Estamos pensando y poniendo en marcha programas que abordarán este problema. Mi posición es muy clara: la IA debe regularse, pero debe regularse de manera valiente, porque no hay ninguna tecnología ni ningún sector que no esté regulado. ¿Te imaginas que el sector del automóvil no estuviera regulado? Sería inconcebible. Todas las tecnologías que afectan a la vida cotidiana y al mercado laboral deben estar fuertemente reguladas para preservar el bien común. De cara a los sectores profesionales de los diseñadores, los artistas, los creativos, también lo tengo clarísimo, e intentaremos implementarlo en todos los programas del museo: se deben defender los derechos profesionales de los sectores creativos. Alerta con el discurso que dice que las ideas generativas son creativas, estoy convencido de que no lo son. Son generativas, es decir, producen cosas que antes no existían. En este sentido, han producido una imagen, un texto, una melodía. Pero la creatividad no es esto. Has de tener una idea muy pobre de lo que es la creatividad para considerar que los sistemas de IA generativa son creativos. Necesitamos cuidar y proteger a los sectores creativos profesionales humanos desde el punto de vista profesional.

También se plantea el papel urbanístico y de ciudad del Dhub.

— Es un proyecto que tengo muy claramente sobre la mesa. Por ejemplo, ahora pensaba en un proyecto para Sant Jordi, y todavía nos encontramos con que nos cuesta que la gente se acerque a Glòries por Sant Jordi. Ahora que las obras están terminadas, que el Dhub tendrá la apertura con el metro y que será un lugar muy transitado, me gustaría contribuir un poco a esta extensión de la ciudad hacia la Meridiana. Es decir, revertir la idea de que Glòries está lejos, porque no está lejos de la plaza Catalunya. Si miras desde el campus de la Universidad Pompeu Fabra de la Ciutadella, están L'Auditori, el Teatro Nacional, los Encants, el Dhub y proyectos como la Farinera del Clot. Me parece que hay muchos argumentos para invitar a la ciudadanía a venir. El Parque de las Glòries, con el claro, es un espacio extraordinario y muy vivido. Me parece que hay una oportunidad muy buena para hacer cultura en el sentido del día a día, es decir, un lugar que los vecinos frecuentan. Quiero que la gente venga a ver las exposiciones, pero también está bien que un equipamiento sea un lugar donde la gente pasa la tarde, que la gente venga a rondar por Glòries o la Farinera. Esta es una dimensión que querría trabajar, porque es un reto que no es nada fácil.