Alice Rohrwacher: "Me quiero muchísimo a Sergi López, ¡no parece actor!"

BarcelonaAlice Rohrwacher (Fiesole, 1981), la gran cineasta italiana de la última década, ha recibido este martes el Premio de Honor del Festival de A de manos de Sergi López, con quien coincidió en Lazzaro feliz. Su nuevo trabajo, La quimera, es una poética reflexión sobre el peso del pasado que sigue a un hombre atormentado por una pérdida (Josh O'Connor) y su pandilla de amigos, con quien saquea reliquias arqueológicas como modus vivendi. Heredera de la tradición neorrealista italiana, el cine de esta mujer destila inteligencia, verdad, compromiso y pasión por la gente.

Los protagonistas de La quimera son voltereta, es decir, ladrones de objetos de tumbas etruscas que desentierran ellos mismos. ¿Cómo conoció esta práctica?

— Estoy muy contenta de haber contribuido a difundir esta palabra, voltereta. En las entrevistas en Estados Unidos todos los periodistas la utilizaban. Es una palabra algo particular, pero no me la he inventado, estaba muy presente en mi infancia y adolescencia, porque donde yo crecí (Toscana) había una fiebre de la caza del tesoro en las tumbas etruscas. Los voltereta los veía siempre en el bar, estaban todo el día, y me daban un poco de miedo, como si estuvieran contaminados por la muerte. Porque, te pongas como te pongas, la muerte siempre da miedo. Y siempre me pregunté de dónde sacaban el coraje y el derecho de abrir una tumba, da igual que fuera de hace 2.000 años.

Cómo superó el miedo que le provocaban los voltereta?

— Poco a poco me hice amiga y he llegado a sentir compasión por ellos. Se veían a sí mismos como héroes de la noche, cazadores clandestinos y subversivos, pero en realidad eran los hijos sanos de un mundo enfermo. Eran el engranaje de un sistema que funcionaba por la gran demanda de arte etrusco que existía. Maria Callas quería un sarcófago etrusco en el salón; los museos, los coleccionistas, todo el mundo quería las piezas que ellos tenían. Pero nada romántico al ser esclavo de un sistema. Y pensé que si hacía un filme que los presentaba como cazadores furtivos y después entendíamos que están al servicio del sistema, como el traficante de droga al servicio del sistema capitalista, quizás buscaríamos otras formas de subversión. Porque la ilegalidad no es subversiva cuando es coherente a un sistema. Y creo que el ser humano puede inventar formas realmente subversivas.

La película también reflexiona sobre la relación de Italia con su pasado, una relación quizás tan tóxica como la del protagonista, Arthur, con el amor que perdió.

— La mejor parte de relacionarse con el pasado es, creo, pensar que nosotros mismos seremos pasado, y que esta sociedad capitalista en la que vivimos quizá se acabe y llegue una civilización nueva que nos estudiará en un museo. Y esto me emociona porque, ante todo, espero que lo que llegue después sea más bonito, pero también porque no sólo pienso en lo que hoja hacer, sino en lo que querría dejar en un museo del futuro. En la película se muestran tres formas de relacionarse con el pasado: ser esclavo y vivir obsesionado por el pasado, como Flora y Arthur; querer destruir el pasado, como los voltereta, porque robar y vender es una forma de destrucción, y aceptar el pasado y transformarlo, como Italia [el personaje], que va a vivir a la estación abandonada y la transforma en un hogar.

Hablando de sociedades enfermas, vivimos en un mundo saturado de imágenes. Las de su cine, en cambio, parecen limpias y puras. ¿Cómo las piensa para que no formen parte de ese engranaje enfermo?

— Es cierto que vivimos en un mundo lleno de imágenes que quieren vendernos cosas, y que si hay que hacer más imágenes deben ser imágenes que liberen el pensamiento, no que lo esclavicen. Con Hélène Louvart, mi directora de fotografía, hacemos una especie de destilado de imágenes. Y reflexionamos mucho antes de crearlas. En ocasiones, la belleza puede ser una trampa. Y el asco también. La fuerza de nuestras imágenes es quizás que son necesarias para contar una historia que no ha sido contada antes. Y el movimiento interior de los personajes nunca se encuentra en sus palabras, sino en el movimiento de las imágenes. Y quizás esto las hace necesarias, porque yo no sé nada de la psicología de Arthur, pero las imágenes sí.

Josh O'Connor, que interpreta a Arthur, ha alabado el ambiente del rodaje, formado por un equipo de actores y técnicos que, en muchos casos, son amigos suyos. ¿Cuál es su método de trabajo?

— Con algo de ironía, diría que todo funciona por compasión. A veces me meto en situaciones tan complicadas en los rodajes, escenas con niños, animales o mal tiempo, que la mía troupe dice: "Pobre Alice, qué cosas debe hacer. Ayudémosla, que se ha metido en un buen lío". Los veo casi avergonzados de estar ahí, compadecidos de mí. Como en la primera escena de Josh con el palo, buscando tumbas; les daba vergüenza ver este inglés con un palo en medio de la nada. Y esa vergüenza, tan pura, es reveladora. Es como si el palo realmente abriera una puerta y, poco a poco, la vergüenza se transformara en una especie de atención que crea un deseo por conocer la historia y creer en la historia.

¿Es cierto que a O'Connor le descubrió porque le escribió una carta?

— Sí, estaba buscando al personaje de Arthur, quería un hombre de unos 60 años. Pero cuando me escribió la carta y le conocí pensé que no tenía edad, que su juventud era antigua y que, por tanto, podía ser Arthur.

También trabajó con Sergi López en Lazzaro feliz.

— Sergi López, ¡mi amor! Toda la mía troupe estamos enamorados de Sergi López. Es un actor que quiero muchísimo. ¡No parece actor! Es una de las personas más generosas y con mayor imaginación que he conocido. Y tiene esa cualidad que también tienen mi hermana [Alba Rohrwacher], Isabella [Rossellini] y Josh [O'Connor], que son personas muy humildes, creativas e irónicas. Me gustaría muchísimo volver a trabajar con él.

Desde el momento que suena El Orfeo, de Monteverdi, entendemos que la música tiene una función muy narrativa en esta película.

— Para mí, la música es más importante que las imágenes. Por eso siempre había tenido muchas dificultades a la hora de utilizarla. En mis primeras dos películas sólo existía música diegética, la que forma parte de la escena. En Lazzarofeliz puse por primera vez música que viene del cielo y le di un cuerpo físico; es un personaje más. Y aquí he utilizado tres tipos de música: la música del destino de Arthur, que es El Orfeo, de Monteverdi; la música de los años 80 de la generación que rompe con el pasado, como Kraftwerk, Vasco Rossi y Franco Battiato, y una música narrativa, dentro de la historia, que da la posibilidad a los personajes de verse desde fuera y escuchar la moral de la su propia historia, como un corazón griego.