José R. Pascual-Vilaplana: "Queremos mostrar al público melómano cuál es la potencialidad de la Banda Municipal"

BarcelonaLa Banda Municipal de Barcelona llega al 140 aniversario en plena forma y recogiendo los frutos de un trabajo realizado con constancia, determinación y atrevimiento. Salvador Brotons primero y José R. Pascual-Vilaplana (Muro, 1971) desde hace ocho años han ensanchado tanto el repertorio como el público de una formación que el domingo 1 de marzo celebra la efeméride con un gran concierto en L'Auditori (18 h), con la colaboración de la Escolanía de Montserrat y la mez. En el programa, Angel of Mercy (2015), de David Maslanka; Sinfonía der lieder (2013), de Johan de Meij, y el estreno mundial de Chibola Mu Lumba (2025), de Héctor Parra, una obra encargada por L'Auditori para la ocasión y basada en músicas tradicionales de la región africana de Katanga.

¿Has dirigido alguna vez una formación con tantos años de historia?

— Formación profesional, es la más antigua que he dirigido. En Muro, el pueblo de Alicante donde nací, tenemos testimonio de que la banda de allí tiene más de 200 años de existencia, pero son formaciones amateurs, no es lo mismo.

La elección del repertorio del concierto del 1 de marzo muestra bastante la versatilidad y al mismo tiempo la potencia de la banda. ¿Estás de acuerdo?

— Sí, es algo la idea. Ésta es mi octava temporada como titular de la banda, y un objetivo fundamental que me he marcado es mostrar al público melómano cuál es la potencialidad de la banda. No huyendo de la tradición, pero apartándola de ese estereotipo en la cultura musical que muchas veces la tradición le aporta. Creo que es fundamental hacer algo de pedagogía con la programación para que el público realmente enamorado de la música vea a la banda como un utensilio de cultura del siglo XXI, y no sólo algo de la tradición. El repertorio está elegido de acuerdo con este concepto, pero también existe un vínculo entre las tres obras, que son obras de celebración desde diversos puntos de vista y diversas estéticas para buscar esa versatilidad.

Una de estas estéticas implica la colaboración de la Escolanía Montserrat.

— Exacto. Antes tenemos la obra de estreno Chibola Mu Lumba (2025) del maestro Héctor Parra, quizás hoy en día el compositor catalán de más renombre internacional, y sobre todo de renombre en el ámbito de la música contemporánea. Es su primera obra para banda, y esto abre muchas puertas y dice mucho de nuestra filosofía y también del propio maestro, que ha querido contribuir a este 140 aniversario aceptando este encargo. La segunda obra, Angel of Mercy, es de David Maslanka, un compositor que en los últimos cuarenta años ha trazado una línea muy personal intentando aprovechar todo lo que hemos heredado, sobre todo de la música de Johann Sebastian Bach. Es un estudioso de la música de Bach y de toda la filosofía humanista que hay detrás. Maslanka ha realizado una producción bandística extraordinaria. Lo conocí en Estados Unidos en el 2015, y trabajé con él. Y en la última obra del programa, Sinfonía der lieder, de Johan de Meij, colabora la Escolanía de Montserrat, que es una entidad musical de primer orden de la cultura catalana de todos los tiempos, pero que, a pesar de ser también una entidad antigua, nunca había cantado con la Banda Municipal.

No era consciente de ello.

— Es la primera vez en la historia que se unirán. Y quise que se unieran interpretando una música escrita por corazón de niños, mezzosoprano y banda. Tendremos el gozo de volver a trabajar con la mezzosoprano Gemma Coma-Alabert, una de las grandes voces catalanas. Ésta Sinfonía der lieder del neerlandés Johan de Meij está basada en poemas alemanes del siglo XIX, en algunos de los cuales se inspiró a Gustav Mahler para escribir sus famosos Kindertotenlieder. Fue un encargo que le hizo el Festival Mahler de Dobbiaco, del Alto Adige, en De Meij, que además ha sido compositor residente nuestro durante muchas temporadas. Él quiso tomar poemas de la misma tradición que los que usó Mahler, pero otorgándole un aire más positivo, abriendo algo de esperanza.

A propósito de Johan de Meij, ¿existe una escuela o una tradición neerlandesa a un lado? Tú mismo te formaste con el maestro neerlandés Jan Cober.

— Sí, los Países Bajos tienen gran tradición bandística, como otros países europeos; por ejemplo, Bélgica, Eslovenia o Suiza. Lo original de los Países Bajos es que, en la década de los ochenta, por primera vez un ministerio de Cultura creó una institución nacional de bandas dedicada a recoger toda la tradición, estudiarla, documentarla y dotar a los centros educativos de una especialización en banda, algo que no han hecho muchos otros países, entre otros el nuestro. Presumimos de tradición, pero hoy en día una persona en España puede doctorarse de música y en ninguna clase le han contado ni la historia ni el repertorio de las bandas, salvo que no sea desde el ámbito popular o tradicional. En los Países Bajos, ya en la década de los ochenta, en la asignatura de dirección de orquesta podías realizar el diploma de dirección de banda y especializarte. Hicieron todo un trabajo de recuperación de material en coordinación con otros países, siguiendo la gran labor que ya realizó Estados Unidos a principios del siglo XX incluyendo la banda dentro de los currículos educativos y universitarios.

Tu contrato con la Banda Municipal termina la temporada 2026-2027. ¿Te ves más tiempo?

— Supongo que la colaboración va a seguir funcionando, al menos así son las conversaciones que hemos tenido. Y es mi intención, porque también es verdad que con todo el trabajo realizado a largo plazo, es ahora cuando estamos recogiendo todo el fruto del trabajo que hemos hecho en los últimos ocho años a través del repertorio, con el eclecticismo que hemos querido dar a los programas, que esto ha generado también una manera de sonar, una flexibilidad, recogiendo todo el gran trabajo que había hecho antes el maestro Salvador Broton. Y en ese aspecto, espero que pueda tener más oportunidades de seguir colaborando.

Uno de los grandes triunfos de los últimos años de la Banda Municipal es haber llenado la sala grande de L'Auditori y haber generado un público bastante fiel.

— Sí. Y esto ha sido un reto. Hemos hecho algo de pedagogía. La banda tenía su público tradicional y para nosotros es muy importante su conservación. Pero para conservar un público tradicional no debes darle siempre lo que espera. Estratégicamente, he configurado programas en los que, aparte de lo que ellos pueden esperar cuando van al concierto, de repente les doy algo nuevo y les explico cómo he configurado el programa, porque en todos los conciertos hablo con el público. De hecho, si en algún programa, por lo que sea, no lo he hecho, hemos recibido mails de protesta. Esta comunicación hace que el público haya ido aceptando este repertorio y también la versatilidad de querer hacer repertorios que vayan encarados desde muchas perspectivas artísticas, como el jazz, la música contemporánea, la recuperación de música histórica a un lado, la recuperación de patrimonio catalán. Hemos hecho muchísimas cosas y con una estrategia de dosificación para que el público lo vaya asimilando. Las revoluciones drásticas nunca funcionan, pero poco a poco hemos ido consolidando esto. Como antes te decía, es ahora cuando estamos recogiendo los frutos de todo este trabajo de planificación.

En 2018, cuando asumiste la dirección, explicabas que la banda debe ser un instrumento de cultura del siglo XXI que no esté ligado a estereotipos. Pero también decías que existía el compromiso de que buena parte del repertorio que interpretase fuera repertorio original para banda.

— Imagínate en qué situación estamos que todavía reivindicamos que la mayoría sea el repertorio a un lado, cuando esto debería ser la normalización. Una orquesta sinfónica no diría: "Procuramos que todo nuestro repertorio sea de orquesta sinfónica". Pero por culpa del estereotipo, todavía hay gente que piensa que el repertorio de banda es menor. Y no, el repertorio mayor o menor es por la calidad de cómo está hecho, no para quien va dirigido o para qué organismo está pensado. Nosotros seguimos haciendo transcripciones de obras sinfónicas, porque forma parte de nuestra historia, pero haciéndolas con una visión actual. Es superimportante que el público conozca el gran repertorio de banda contemporáneo y el de tiempos pasados ​​que no ha tenido presencia en las salas de conciertos. Por ejemplo, hicimos La hora del alma, de Sofía Gubaidúlina, una obra de los años ochenta que nunca se había hecho aquí. Mira, precisamente colaboró ​​Gemma Coma-Alabert. Por decirte una curiosidad, cuando la programé, me llamó Timothy Reynish, quizá la persona viva que más sabe de la música a un lado, director del Royal Northern College de Londres. Me llamó para decirme: "Sólo tú has podido programar esto. Resérvame una silla que tengo que ir a verlo". Es el típico repertorio que se ha hecho por banda, pero que, claro, no entraba en el estereotipo de lo que la gente piensa que es banda. Podría explicarte muchas anécdotas de qué obras hemos seleccionado justamente para reivindicar nuestro patrimonio como organismo sonoro identitario. Esto es importante.

Ahora recordaba un artículo que tienes en la web sobre Jéssica, un encargo que te hizo Toni Olcina, un gran melómano de Muro. Cuentas todo el esfuerzo que hay detrás de una composición, y que no tienes sales hasta que encuentras un descorazonador en Shostakovich y Bach.

— Cuando escribo, sobre todo por un lado, tengo el compromiso de mantener una tradición, porque mi padre ha sido cuarenta años músico por un lado y mi hermano también ha tocado, pero también tengo una responsabilidad sobre el futuro. Mantener una tradición no es repetir las mismas fórmulas que se han realizado, sino intentar que tenga una proyección en el futuro. Si no, es como un pez que se come la cola.

Con Jéssica, además, tenías la responsabilidad de entregar una buena prenda a alguien que era muy importante para ti, ¿verdad?

— Sí. Toni me dejó un encargo muy personal, y para mí era algo muy importante, mucho más que si alguien que no conozco me hiciera un encargo más banal. Por eso me costó mucho y se ha quedado como una partitura que dice mucho más que algo puramente artístico. Creo que artísticamente es importante, pero también habla de las ataduras que se pueden hacer a través de la música y, sobre todo, del poder que tiene la música como elemento cohesionador espiritual. Por eso un compositor como David Maslanka es superimportante.

¿Cuál es el reto más divertido que has tomado con la banda?

— Hemos hecho cosas muy divertidas. Pero puede ser de las cosas más inverosímiles, y que yo diría que incluso nos ha transformado, fue el pasado verano, la colaboración con el Festival Grec en el espectáculo La noche del musical, en la que los músicos también se insertaban dentro del espectáculo. Fue muy potente musicalmente y una experiencia escénica muy bonita que nos ha marcado mucho.

¿Y recuerdas la partitura más complicada de dirigir?

— Es que la dificultad de una partitura depende mucho de la perspectiva. Por ejemplo, en el concierto de hace quince días, interpretamos Out of Earth, de Oliver Waespi, que es una obra que tuve el placer de estrenar en una gira en Suiza en el 2015, y que se interpreta muy poco porque es realmente compleja. Pero cuanto más dificultades hay en una partitura, ves que la implicación del músico es proporcionalmente más fuerte. Y creo que hicimos un trabajo muy bonito. La propia partitura de Gubaidúlina es una pieza compleja. También elUrban Requiem de Michael Colgrass, por la diversidad de instrumentos que utilizábamos. Una de las cosas importantes es generar una programación que sí, que cumpla con lo que el público espera, que cumpla con el elemento pedagógico, es decir, que vaya formando tanto al público como al músico, pero que también cumpla con el aspecto artístico, de ponerse siempre retos, de abrir la mente. Salir de la zona de confort es lo normal para evolucionar.