Manuel Outumuro: "Todo el mundo es fotogénico, todos tenemos alma"

BarcelonaManuel Outumuro (1949) nació en el pueblo de A Merca, en la Galicia rural, entre vacas, barro y casas de piedra. Aunque vivió cerca de la costa, no fue hasta que se trasladó a Barcelona con 10 años que vio el mar por primera vez. Allí estudió diseño gráfico en la Massana, y cuando tuvo 28 años fue a vivir a Nueva York, un viaje que le marcó por su gran influencia artística, pero también por las consecuencias del VIH entre personas de su entorno. Cuatro años después regresó a Barcelona, ​​la ciudad que le había visto crecer. Pero no sería hasta los años 90 que abandonó definitivamente el diseño gráfico y emprendió la aventura de la fotografía de moda hasta convertirse en un referente internacional.

¿dónde creciste y que sigues reivindicando?

— En mi caso, creo que la ciudad me aporta más impulso creativo. No me inspiro tanto en la naturaleza porque vengo de ahí y es un medio... natural. Además, creo que cuando has crecido en un entorno rural hay cosas que ya no te sorprenden. Lo que sí que me sorprende es la poca sensibilidad que suele tener la mayoría de la población, sobre todo urbanita, con el medio ambiente en general.

En pocos años pasaste de vivir en un pueblo de menos de 500 habitantes a vivir en Nueva York. ¿Qué buscabas en ese viaje?

— En ese momento, todo. Piensa que llegué a Nueva York en un momento de gran efervescencia creativa, un gran movimiento cultural: entonces era la capital cultural del mundo, algo que no es ahora. Llegué en el momento preciso y topé con la gente precisa sin proponérmelo. Tuve la gran suerte de saberme introducir en un mundo difícil para alguien ajeno a esa ciudad.

En todo caso, decidiste volver a Barcelona cuatro años después.

— También creo que volví en el momento preciso, una vez más sin planificarlo. Por las circunstancias: se desató la pandemia del sida y cada día había alguien de mi alrededor que se veía afectado y, por tanto, nos condicionaba a todos. Entonces la vitalidad que tenía Nueva York se convirtió en un cementerio a mi alrededor.

¿Con qué Barcelona te encontraste cuando regresaste en 1981? Entonces también estaba viviendo una época de eclosión.

— Después de vivir en Nueva York, veía a Barcelona como un pueblo, un pueblo muy entrañable. Por suerte, cuando llegué todavía no se había desatado la pandemia, aunque hacia 1982 o 83 ya llegó. Ahora estoy trabajando en una exposición sobre el origen y la memoria de ese niño que fui. He comprobado que todo lo que hemos vivido sí afecta posteriormente a nuestro comportamiento y, por supuesto, a nuestra obra.

En noviembre de 2022 recibes el premio Lucie, considerado el Oscar de la fotografía, pero, en cambio, siempre has relegado la técnica y la academia en favor del contenido y la forma. Eres una rara ancianos?

— Quizás. La técnica es algo que a mí no me importa excesivamente. Tampoco he sido un fotógrafo que tuviera ninguna obsesión por tener la mejor cámara o de una marca en concreto. Casi siempre he disparado con la misma cámara, pero si hubiera sido otra me habría ido bien. Pero no tener una formación de fotografía también me ha comportado algunas dificultades. Por ejemplo, me costó mucho aprender a utilizar los flashes. Estuve tres años disparando sólo con luz natural porque no sabía utilizar luz artificial. De hecho, llegué a la fotografía por accidente.

Además, sigues apostando por las fotografías en blanco y negro en un ámbito en el que se suele buscar el impacto visual y el estallido de colores. No debe ser fácil defender ese estilo en los proyectos de moda que te encargan.

— No sé exactamente cómo lo consigo. A veces no confían en ella o no piden precisamente blanco y negro, te piden las fotografías en color. Es normalmente mi terquedad que les convence de que eso quedará mejor en blanco y negro. Intento llevarlo a mi terreno en el primer intento, y creo que es imprescindible para un fotógrafo, porque al final es tu sello el que queda en la fotografía.

En el caso de la fotografía de moda, tu pasión principal tienes otro elemento en juego: la modelo. ¿Cuál es la relación que se establece entre el fotógrafo y la modelo de moda?

— Yo te diría que las modelos normalmente saben a qué vienen y tienen claro cuál es su trabajo. Entonces es cuestión de colaborar. Pero lo que no suele hacerse valer es conseguir que se cree la complicidad necesaria entre el fotógrafo y la modelo para que salga un poco su autenticidad. Es un ejercicio de confianza. La modelo debe creer que como fotógrafo querrás sacar lo mejor de ella. Por tanto, el tema de la iluminación, el fondo y el estilismo a menudo queda relegado a un segundo plano de importancia.

¿Qué diferencia una buena modelo de una que no lo sea tanto?

— No sólo existe un físico, también hay un talento. Para la misma campaña, una modelo mujer puede cobrar cuatro o cinco veces más que un modelo masculino, esto es una carga muy grande. Pero las que más destacaría son aquellas que logran tener una continuidad y que siguen trabajando después de muchos años. Yo fotografié modelos adolescentes en los años 90 que después han tenido una carrera de más de 30 años y que han logrado seguir siendo modelos siendo jóvenes, madres y en algún caso abuelas. Para mí es esto el talento, conseguir reinventarte para mantenerte.

Si tuvieras que poner nombre a ese talento, ¿qué modelo te viene a la cabeza?

— Me sabe mal no llamarlas todas, pero podría decir modelos que me fascinan como Amber Valleta, a nivel internacional, y Laura Ponte, de las españolas. Son dos mujeres con una sensibilidad muy similar.

¿Quién te haría ilusión retratar que todavía no hayas retratado?

— De actores o actrices, siempre digo Geraldine Chaplin y Ángela Molina. Para mí son dos grandes referentes.

Después de 30 años como fotógrafo y del reconocimiento internacional que has conseguido, ¿cuál es el elemento que te ha diferenciado del resto de profesionales?

— La luz. La luz es todo. En mi libro de retratos existe una referencia a un texto de Laura Tarré donde dice que estamos hechos de barro y luz. Esto es precisamente de lo que se trata la fotografía. El barro, la forma, podría ser el objeto que hay frente a la cámara, y la luz es ese dedo que plasmó Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. Lo que te infringe. Pero también debe ser muy respetuoso con la luz que le envías al fotografiado para que no pierda su propia luz e intentar sacar la luz interior que todos tenemos. Éste es el alma de un retrato.

¿Todo el mundo tiene luz interior?

— Todo el mundo. Y todo el mundo es fotogénico. La gente que dice que no es fotogénica es porque no ha estado bien iluminada hasta ahora, pero de fotogénicos somos todos. La luz la tenemos todos, porque todos tenemos alma. Hay almas más perversas y almas mejores y naïfs, pero esta alma debe formar parte del retrato.

¿Percibes el alma en las fotografías de los retratados?

— Siempre digo que hay personas desenfocadas y personas que tienen un foco muy nítido, que son las que a mí me entusiasman. A veces veo que aunque mi cámara está enfocada, el sujeto que tengo delante está desenfocado, ya veces sin cámara y todo tampoco se enfoca. Hay gente que está desenfocada durante mucho tiempo a pesar de hablar con ellas.