Un grupo de cinco amigos adolescentes que viven en una urbanización de una pequeña ciudad de provincias francesa se decide a entrar en una casa abandonada: la experiencia será el punto de partida de una pesadilla que les cambiará las vidas. Esta es la premisa que flota en la superficie argumental de La nit devastada, primera novela de Jean-Baptiste Del Amo (Tolosa, 1981) que podemos leer en catalán gracias a la traducción que Oriol Vaqué ha hecho para Proa. Tras este planteamiento de terror laten conflictos familiares, abusos y desencantos, pero también el descubrimiento del deseo y la fuerza de la amistad. Después de consagrarse antes de cumplir 30 años gracias a Una educación libertina (2008) y La sal (2010), ambas en castellano en Cabaret Voltaire, Jean-Baptiste Del Amo se fija una vez más en los claroscuros de la intimidad y en las desigualdades sociales a partir de una historia poderosa que homenajea a escritores como Stephen King y cineastas como John Carpenter y Wes Craven con un estilo literario poderoso, rico y sensorial.

Peces, la quinta novela que Eva Baltasar (Barcelona, ​​1978) publica en Club Editor, cuenta la historia de amor, tan apasionada como destructiva, entre dos mujeres. La primera es escritora y es quien nos narra su periplo de fascinación, angustia, miedo y fuga del amante. La segunda, llamada Victoria, vende papelinas de pescado en mercadillos y vive en una casa que recuerda aquellas mansiones góticas donde todo es posible. Traducida a una veintena de lenguas y finalista del premio Booker con Boulder, Baltasar es una de las autoras más internacionales de la literatura catalana. Con Peces confirma, una vez más, la singularidad, potencia y lirismo de su propuesta.

Oscuridad. Relámpagos y truenos. Gritos. Con sólo estos ingredientes arranca El caserón, la nueva obra escrita y dirigida por Sergi Belbel (Terrassa, 1963), que se podrá ver del 20 de enero al 22 de febrero en el Teatre Gaudí de Barcelona. El escenario, situado en medio de la sala, promete una experiencia para los espectadores más atrevidos, que si se atreven a bajar de la grada y sentarse en la fila cero tendrán la oportunidad de adentrarse literalmente dentro del caserón en el que dos hermanas, interpretadas por Anna Carreño y Gemma Deusedas, "se barajan". Las actrices les pasarán por delante y por detrás –están en su casa– y les sacudirán con alguno de los muchos estremecimientos y aullidos que sueltan durante la obra, una experiencia "inquietante e inmersiva" con la que Belbel, autor de obras como Después de la lluvia (1993), En la Toscana (2007) y Lali Symon (2023), se ha propuesto el reto de "hacer pasar miedo de verdad" a los espectadores.

Era febrero cuando The monkey llegaba a nuestras salas para invitarnos a una fiesta alocada de muertes en cadena: para los fans de Destino final significaba la antesala perfecta de la última entrega de la saga, que llegaría tres meses más tarde. Con esta nueva película —la tercera en menos de año y medio—, el director Osgood Perkins no abandona el terror sobrenatural que le caracteriza, pero sí se aleja del tono cómico del anterior trabajo, habitando un escalofriante escenario que gustará tanto a los amantes del folk horror como a aquellos que disfrutan con las historias de brujas.

Cuando en 2019 Disney compró el estudio 21st Century Fox por más de 60.000 millones de euros no sólo adquirió los cromos superheroicos que le faltaban de la colección de Marvel (las franquicias X-Men, Deadpool, Cuatro Fantásticos...) sino sagas emblemáticas como Alien y Predator, que se movían entre la ciencia ficción, el terror y la acción. Era lógico preguntarse por el encaje de estos títulos en el talante cien por cien accesible y sin aristas que define la identidad corporativa de Disney. Seis años después, quizá la respuesta sea Predator: Badlands, que llega este viernes a los cines y es un híbrido extraño entre una de las sagas más hiperviolentas de Hollywood y el cine family-friendly de Disney.

Cuando se acerca el 31 de octubre surgen dos bandos: el de las personas que se mueren de ganas de sacar los disfraces del armario para celebrar Halloween y el de los que prefieren quedarse en casa comiendo panellets, castañas y boniatos. En Montcada i Reixac hay personas de todo tipo, pero parece que la balanza se inclina hacia las celebraciones terroríficas: cuando llega Halloween, un barrio entero se convierte en un escenario de película a la altura de Pesadilla en Elm Street. Las casas del barrio de Terra Nostra se llenan de calabazas, túneles del terror, grito o peladilla puerta a puerta y, sobre todo, un ambiente escalofriante.

Mientras rodaban It: episodio 2, segunda parte del díptico que adaptaba al cine una de las novelas más importantes de Stephen King, el director argentino Andy Muschietti y el actor sueco Bill Skarsgård empezaron a jugar con la idea de explorar los orígenes del monstruo que interpreta Skarsgård en el filme, el payaso devorador de niños Pennywise. "Nos interesaba sobre todo su lado humano –aclaraba Muschietti durante el reciente Festival de Sitges–. En el libro se habla de un tal Bob Gray, que se maquillaba como payaso y se convertía en Pennywise. En algún momento, It decidió tomar esta forma para hacer de las suyas, y eso nos fascinaba".

La gran estrella de esta edición del Festival de Sitges se llama Indy y es un retriever de Nueva Escocia que, desgraciadamente, no ha venido al festival. "Se ha quedado en casa de mis padres y está muy feliz jugando con su perro", explica Ben Leonberg, el director de Good boy. Indy, claro, es su perro, que aparece en casi todas las escenas de una película que subvierte las convenciones del cine de terror adoptando el punto de vista del típico quisso que, en estas películas, huele de una hora lejos que en la casa hay algo maligno en el sótano o un espíritu que corre por el desván. En Good boy, Indy percibe una presencia sobrenatural que amenaza a su amo y que le está consumiendo la salud, pero no tiene manera de contárselo. A través de su mirada preocupada, de la expresión de alerta o de las orejas levantadas leemos todas las emociones de un animal: la lealtad, la impotencia, la angustia y, sobre todo, el miedo a perder lo que más quieres.

"¿Estamos juntos porque nos amamos o porque nos hemos acostumbrado el uno al otro?", se pregunta a Together la maestra interpretada por Alison Brie, que cada vez tiene más dudas sobre su novio, un músico reacio al compromiso, sin perspectivas profesionales y, últimamente, con pocas ganas de hacer el amor. A la crisis de pareja se añade otro problema: el fenómeno sobrenatural que hace que no puedan alejarse mucho el uno del otro y que, cuando se tocan, sus carnes se fusionen. ¿La pesadilla perfecta o la solución a los problemas conyugales?

Con cuatro películas y dos spin-offs (los dedicados a la muñeca Annabelle ya La monja) que, a su vez, han generado múltiples secuelas, Expediente Warren se ha convertido en la franquicia dominante en el cine de terror de la última década. Un éxito apuntalado en la elaboración artesanal de los sustos, y también en una concepción clásica del horror, que presenta un Mal Absoluto de raíz diabólica enfrentado a las fuerzas del bien cristianas. Este conservadurismo es fruto de la deuda que los filmes contraen con su fuente de inspiración: el matrimonio formado por Lorraine y Ed Warren, investigadores pioneros de lo paranormal y católicos practicantes.

Vuelve a los cines otro derivado de Tiburón? No exactamente. En Dangerous animales, los escualos son los invitados especiales, la guinda del pastel de una fiesta inquietante en la que los animales peligrosos son los humanos. Todo ello trata de un asesino en serie con traje de guía turístico que enseña a los tiburones demasiado de cerca y que justifica sus crímenes con contorsiones discursivas sin credibilidad (recuerda el antagonista deHeretic?). Una de sus posibles víctimas se resiste a serlo hasta el punto de convertirse en protagonista de la historia.

En una noche sin estrellas, una muchedumbre de niños abandonan sus casas, corriendo hasta desaparecer en la oscuridad, mientras la reconfortante voz de George Harrison canta Beware of darkness. Éste es el inquietante punto de partida de Weapons, la película con la que Zach Cregger da continuidad a el éxito sorpresa de Barbarian, y que amplía y pule el gusto por la sorpresa y lo grotesco que exhibía su debut en solitario, que significó un (poco fiable) punto y aparte en una trayectoria hasta entonces vinculada a la comedia con el grupo The Whitest Kids U' Know. Si ese filme se estructuraba en dos relatos conectados por un pasillo subterráneo de los horrores, Weapons atomiza los puntos de vista para dar una estructura coral a la historia de una pequeña comunidad traumatizada por la inexplicable fuga de sus hijos.

David Zimmerman, un fotógrafo parisino que acaba de romper con su pareja, es arrastrado por su insistente mejor amigo a una fiesta de Fin de Año. La presencia del ex no hace presagiar una noche memorable, pero de repente descubre entre los invitados el rostro de una chica a la que fotografió hace meses: cómo hipnotizado, la sigue y, sin intercambiar palabra, hacen el amor apasionadamente. Al día siguiente, al levantarse en casa, todavía aturdido, descubre que su cuerpo se ha transformado en el de la chica y que ella ha desaparecido sin dejar rastro. En un cuerpo extraño, terriblemente confundido y asustado, David se hace muchas preguntas. ¿Qué ha pasado exactamente? ¿Quién era la chica? ¿Cómo puede recuperar su cuerpo? Y, sobre todo, ¿sigue siendo él mismo?

En el momento de su estreno, en 1997, Sé lo que hiciste el último verano se entendió como el reverso funcional de Scream. Un ejercicio de credibilidad por parte del guionista-ideólogo de ambas, Kevin Williamson, que quizás quería demostrar que sabía contar una historia de terror sin emplear guiños ni giros metalingüísticos, adaptando una novela de Louis Duncan sobre un grupo de jóvenes que pierden la inocencia la noche en que atropellan a un desconocido y de de futuro… aunque, evidentemente, este pecado no permitirá que se salgan con la suya tan fácilmente. Williamson no participa en la secuela-reactivación de la franquicia que ahora llega a las pantallas, y que queda en manos de Jennifer Kaytin Robinson, directora y coguionista, que sí ha querido recurrir a la referencialidad para idealizar el filme original como el clásico que nunca fue.

La firma del director de cine Daño Boyle (Trainspotting) y la del guionista Alex Garland (Civil war) llegan de la mano a las salas con un género que, en palabras del propio Boyle, "sigue funcionando y tiene su público": el terror. A partir de este viernes, los espectadores podrán transportarse de nuevo a una Inglaterra inhóspita y arrasada por un virus que ha infectado a los ciudadanos y les ha transformado en zombies,

El maestro de la crítica francesa André Bazin defendió siempre el plano secuencia como el recurso fílmico que, al mantener la continuidad del espacio-tiempo sin la intervención del montaje, más podía acercar una película a la realidad. Qué habría pensado, el cofundador de Cahiers du Cinéma, ¿de la deriva retorcidamente exhibicionista que iría cogiendo esta técnica y, sobre todo, de cómo el cine contemporáneo la ha contaminado con efectos digitales hasta llevarla al terreno de lo imposible? Seguramente se retorcería a su tumba si le llegaran los ecos de un título como MadS, que narra el surgimiento de un brote epidémico potencialmente apocalíptico en directo, a través de un solo plano secuencia de hora y media.

Hay, desde hace unos años, un auge del cine de terror y fantástico, tanto de la producción de Hollywood como de la de diversas cinematografías europeas y asiáticas. En 2024 acabó con una nueva revisión del clásico de FW Murnau, Nosferatu (que a la vez no dejaba de ser el Drácula de Bram Stoker en una versión que básicamente cambiaba los nombres de los personajes y algunos detalles, por no tener que pagar derechos de autor), a cargo del director Robert Eggers, y en 2025 ha empezado con el estreno deHeretic, una propuesta que tiene el aliciente de contar con Hugh Grant en el papel de un psicópata fanático religioso que la coce a unas jóvenes monjas mormonas. Heretic aún no la he visto; el nuevo Nosferatu es cierto que queda notablemente por debajo de los filmes sobre vampiros de Murnau, Fritz Lang, Werner Herzog o Francis Ford Coppola, pero también es verdad que no es tan mala como ahora dicen los que le aplaudían antes de verla (el personal quiere consumir tan rápido que se entusiasma antes de tiempo y después se decepciona porque no se encuentra con lo que había imaginado). En cualquier caso, ninguno de los mencionados iguala la inventiva artística (ni la capacidad de dar miedo) del Vampyr de C. Th. Dreyer.

Aunque comparten apellido y generación literaria, son muchas las diferencias entre Ryu y Haruki Murakami. Si Haruki es a estas alturas conocido en todo el mundo gracias a novelas como Tokio Blues y la reciente La ciudad y sus murallas inciertas (Empúries/Tusquets, 2024), a Ryu lleva años cuesta seguirle la pista, aunque en Japón siga publicando con regularidad (la última novela, Youtuber, apareció en el 2023). Ambos melómanos, el primero es aficionado al pop, al jazz ya la música clásica, y el segundo se decanta por el rock y la salsa: durante años, de hecho, fue propietario de un sello discográfico especializado en ritmos latinos. Si Haruki no puede vivir sin salir a correr todos los días, Ryu practica el tenis y el submarinismo, y sigue con devoción las carreras de fórmula 1. Los lectores de Haruki Murakami saben que en sus novelas se desdibujan las fronteras entre realidad y fantasía. Los de Ryu se encuentran historias perturbadoras ambientadas en los bajos fondos de Tokio donde abundan tres ingredientes: la violencia, el sexo y las drogas.

Natalia tiene quince años y, como cada verano, vuelve al pueblo para pasar las vacaciones. Allí se reencuentra con la mejor amiga de la infancia, Emma: una enfermedad la ha mantenido alejada de la escuela y de los chicos y chicas de su edad. Las pequeñas vampiras, la cuarta novela de Maria Guasch (Begues, 1983), explora la peculiar relación entre las dos amigas, recelosas de los forasteros que viven en una masía de las afueras del pueblo, al tiempo que se fija también en un joven visitante, Martín, que trabaja en el bar de la familia de Emma mientras cueva ambiciones literarias. es una relectura y actualización del género gótico, donde la oscuridad, la crueldad y la sangre envenenada se ciernen en una villa cercana ya la vez distante de Barcelona.

En los primeros compases de La cabaña siniestra (The lodge), la película del 2018 de Severin Fiala y Veronika Franz, una madre de dos hijos deprimida y abandonada se dispara un disparo en la boca. en el festival con las escenas de violencia brutal; pero ante la estupefacción del resto del público, horrorizado, los aplausos murieron de seguida en un silencio incómodo y confuso. La anécdota resume la particular manera de entender el terror de esta pareja de cineastas austríacos, alérgica a las convenciones del género de terror. filmes de terror, esto son etiquetas de las distribuidoras y los agentes de ventas –dice Fiala–. Nosotros simplemente encontramos una historia o un personaje y la seguimos”.