La 83.ª edición de la Mostra de Venecia se abrió con unas jugosas declaraciones en las que la directora estadounidense Maggie Gyllenhaal –encargada de presidir el jurado de la Sección Oficial– expresó su incomodidad por la escasa presencia de películas dirigidas por mujeres en la competición por el León de Oro. "Por fin hemos descubierto que las mujeres simplemente hacen peores películas que los hombres", espetó con tono irónico la directora de La novia y La hija oscura en la rueda de prensa inaugural. Y cabe decir que, antes del inicio de la Mostra, el panorama era desolador. De las veintidós películas de la Competición Oficial, solo dos tenían a una mujer al frente, y Kvinde ukendt (Woman unknown), de la cineasta danesa May el-Toukhy, era la única dirigida en solitario por una mujer –el otro caso era el documental Naza, codirigido por la israelí Rachel Szor junto a Yuval Abraham–. Pues bien, lo que empezó como una queja justa ha terminado en una reivindicación en toda regla, ya que el jurado presidido por Gyllenhaal decidió entregar el León de Oro a Kvinde ukendt, una película que retrata la dura odisea vital de una mujer que intenta reconstruir su vida en la Dinamarca de después de la Segunda Guerra Mundial, cuando la nación nórdica intentaba limpiar su imagen persiguiendo con brutalidad a quienes habían colaborado con el régimen nazi.

La Mostra de Venecia se ha vestido de gala este sábado y ha aplaudido con ganas el regreso de Nanni Moretti, uno de los grandes cineastas italianos de las últimas décadas. Hacía treinta y siete años que el director de Caro diario no pisaba el histórico certamen, desde que en 1989 su película Palombella rossa –que ofrecía un ácido retrato del desconcierto de la izquierda italiana– fue excluida de la Sección Oficial supuestamente por razones políticas; el filme se acabó presentando en una sección secundaria del festival, la Semana de la Crítica. Sin embargo, Moretti no se ha mostrado rencoroso durante la presentación de Succederà questa notte, que este año compite por el León de Oro. De hecho, el cineasta ha querido quitar hierro a su distanciamiento de casi cuatro décadas con el festival: “No es verdad que yo tuviera nada en contra de Venecia; simplemente, en todo este tiempo, mis películas nunca estaban listas en verano, que es cuando se celebra la Mostra. Esta vez, en lugar de rodar en primavera, lo he hecho en otoño y, por eso, me ha parecido natural presentar el filme allí”.

La semana pasada fui a ver la nueva película de Sorogoyen, El ser querido, protagonizada por Javier Bardem y Vicky Luengo, que trata de un reconocido y controvertido director de cine que llama a su hija, una actriz con una carrera estancada que se gana el sueldo haciendo de camarera y con quien no tiene contacto, para ofrecerle un papel en la nueva película que quiere rodar en el Sáhara. Se ve que cuando el año pasado se estrenó Valor sentimental, de Joachim Trier, a Sorogoyen se le helaron las venas: el filme, galardonado con el Gran Premio del jurado de Cannes, trata de un reconocido director de cine, Gustav Borg, interpretado por Stellan Skarsgård, que ofrece un papel a su hija Nora, con quien no tiene relación, para su nuevo proyecto cinematográfico. Entiendo el miedo.No escribiré un artículo que compare ambas películas ni tampoco probaré de hacer una crítica; tan solo quiero reflexionar sobre el hecho que hermana los dos títulos de una manera más significativa. Y perdonad el espóiler, porque hay que empezar por el final: tanto Sorogoyen como Trier redimen al padre ausente. Quiero decir: al final de ambos filmes, aparecen padres arrepentidos, sentimentales, emocionados e incluso conmocionados de ver a sus hijas allí, haciendo de actrices tan bien, habiendo convertido aquel proyecto alocado de rodar juntos en una segunda oportunidad que la vida les ha ofrecido. Los dos padres son salvados.Al salir del cine, lo primero que pensé es qué habría pasado si en vez de padres hubieran sido madres. Eso ya lo explicó muy bien Begoña Gómez Urzaiz en Las abandonadoras: mientras que un padre ausente que ve a sus hijos un par de veces al año y paga la pensión de forma más o menos regular puede llegar a ser visto como un buen progenitor, una madre que hace lo mismo es casi una criminal. ¿Cómo podría una mujer querer abandonar a su hijo? ¿Qué monstruosidad es esta? Maria Montessori, Joni Mitchell, Ingrid Bergman y tantas otras. Lo más interesante es que Gómez Urzaiz también repasa a las madres ficcionales, como Anna Karénina, la Nora de Casa de muñecas o la Carol de Patricia Highsmith, trazando un archivo cultural de cómo hemos imaginado a la madre que desaparece. No hay redención para Karénina, con el suicidio trágico en el desenlace. Y a Nora, con aquel portazo final, la aplaudimos por liberarse sin dejar de juzgarla. Y ante Carol, Gómez Urzaiz se pregunta, con sinceridad, cómo una madre puede hacer eso a sus hijos.

Uno de los grandes nombres del cine y teatro catalanes, Francesc Garrido, ha fallecido este domingo por la noche a los 56 años, según ha confirmado el entorno del actor a el ARA. Garrido era conocido por sus papeles en películas como Smoking room, Mar adentro y Balandrau, vent salvatge y series como La sala, Vida privada y Jaguar. También tenía una sólida trayectoria teatral, con actuaciones destacadas en producciones como la de Àlex Rigola a propósito de El maestro y Margarita, de Bulgákov; El vídeo no lo ve nadie, de Martin Crimp, bajo la dirección de Carme Portaceli; El alquimista, la adaptación que Michael De Cock hizo de Opus nigrum de Marguerite Yourcenar, además de participar en diferentes obras de Shakespeare, Chéjov e Ibsen.

Hay muchas películas que no he visto. Para que os hagáis una idea de la magnitud de la tragedia, hasta el confinamiento no había visto Dirty dancing (qué maravilla) ni Pretty woman. He querido aprovechar esta serie de artículos para llenar de manera eficaz algunas de mis lagunas cinematográficas. En una época de oferta audiovisual masiva y atomización absoluta de los canales, yo curo mi FOMO en diferido. Y después de ver por primera vezBen-hur, Blade runner,E.T.,Una rubia muy legal,Terminator,Bailando con lobos y Alien (y tambiénLa Odisea de Nolan, bonus track de actualidad), cierro esta serie con un clásico de las proporciones de Sonrisas y lágrimas, una película fresca fresca del año 1965:

Hay muchas películas que no he visto. Para que os hagáis una idea de la magnitud de la tragedia, hasta el confinamiento no había visto Dirty dancing (qué maravilla) ni Pretty woman. He querido aprovechar esta serie de artículos para llenar de manera eficaz algunas de mis lagunas cinematográficas. En una época de oferta audiovisual masiva y atomización absoluta de los canales, yo curo mi FOMO en diferido. Esta semana he visto Alien por primera vez y estos son mis apuntes:

Hay muchas películas que no he visto. Para que os hagáis una idea de la magnitud de la tragedia, hasta el confinamiento no había visto Dirty dancing (qué maravilla) ni Pretty woman. He querido aprovechar esta serie de artículos para llenar de manera eficaz algunas de mis lagunas cinematográficas. En una época de oferta audiovisual masiva y atomización absoluta de los canales, yo curo mi FOMO en diferido. Esta semana he visto Bailando con lobos por primera vez y estos son mis apuntes:

Hay muchas películas que no he visto. Para que os hagáis una idea de la magnitud de la tragedia, hasta el confinamiento no había visto Dirty Dancing (qué maravilla) ni Pretty Woman. He querido aprovechar esta serie de artículos para llenar de manera eficaz algunas de mis lagunas cinematográficas. En una época de oferta audiovisual masiva y atomización absoluta de los canales, yo curo mi FOMO en diferido. Esta semana he visto Terminator por primera vez y estos son mis apuntes:

Hay muchas películas que no he visto. Para que os hagáis una idea de la magnitud de la tragedia, hasta el confinamiento no había visto Dirty dancing (qué maravilla) ni Pretty woman. He querido aprovechar esta serie de artículos para llenar de manera eficaz algunas de mis lagunas cinematográficas. En una época de oferta audiovisual masiva y atomización absoluta de los canales, yo curo mi FOMO en diferido. Ben-hur, Blade runner o E.T. Seguimos mi viaje estival para llenar mis lagunas cinematográficas. He visto Una rubia muy legal por primera vez en la vida y estos son mis apuntes (tomados con un boli con pompón):

Hay muchas películas que no he visto. Para que os hagáis una idea de la magnitud de la tragedia, hasta el confinamiento no había visto Dirty dancing (qué maravilla) ni Pretty woman. He querido aprovechar esta serie de artículos para llenar de manera eficaz algunas de mis lagunas cinematográficas. En una época de oferta audiovisual masiva y atomización absoluta de los canales, yo curo mi FOMO en diferido. Esta semana he visto E.T., el extraterrestre por primera vez y estos son mis apuntes:

En la última edición de los Oscars, el premio a la mejor película documental se lo llevó Mr. Nobody contra Putin. El impacto de la historia de este profesor de instituto en la Rusia profunda eclipsó otro documental espléndido, nominado a la misma categoría, que Movistar+ acaba de estrenar: Cutting through rocks, dirigido por Sara Khaki y Mohammadreza Eyni. Deben conocer a su protagonista, Sara Shahverdi. Les fascinará por su personalidad y empuje. Sara se convierte en la primera mujer elegida concejal en su pueblo rural del noroeste de Irán. Es matrona, activista por los derechos de las mujeres y una trabajadora incansable. El documental comienza enseñando cómo, ella sola, arregla una gran puerta de hierro utilizando una radial. También usa el tronco de un árbol para nivelar el portal y hacer que la cerradura encaje. La determinación con la que solucionará este problema se mantendrá durante toda la película. Shahverdi no para nunca: asesora a las mujeres para reclamar sus derechos sucesorios, coordina las obras de mejora del pueblo, da charlas en las escuelas para animar a las niñas a continuar estudiando, cuida a su madre, arregla averías, repara su moto... Incluso el espectador percibe una cierta sensación de agotamiento físico solo de ver la energía que deposita en mejorar la vida de los demás. El documental se contagia de su fuerza.

Igual que pasó con el verano de Barbie y Oppenheimer, cuando un par de películas se convierten en un fenómeno de masas no se puede resistir la tentación de interpretarlas como el síntoma de una inquietud colectiva. Todavía más cuando hablamos de cine de terror: cuanto más acierte a la hora de exponer un malestar soterrado, más miedo dará la película y, por tanto, más éxito tendrá. Por eso siempre se ha dicho que cada género de terror es hijo de una inquietud social: las películas de vampiros representan el miedo a que los ricos nos chupen los recursos, las de zombis nos confrontan con la imposibilidad de controlar las masas, las historias de casas encantadas explotan el lado oscuro de la familia nuclear, etcétera. Pues bien, con Obsession y Backrooms, dos películas de terror hechas por directores jovencísimos que en las últimas semanas han roto todo tipo de récords de taquilla y han arrastrado hacia las salas multitudes de jóvenes que el séptimo arte daba por perdidos, podemos decir que una nueva generación empieza a poner cara a sus monstruos.Aunque son películas muy diferentes, creo que ambas deben leerse sin complejos como una expresión del malestar que los nativos digitales sienten a la hora de relacionarse con el mundo real en tiempos de pantallas, y que si han tenido tanto éxito entre la juventud es porque han sabido incorporar las angustias de internet al medio del cine. Dicho de otra manera, ninguna de las dos películas trata explícitamente el tema de los adolescentes enganchados al algoritmo con el tono alarmista de un Sin ficción, sino que incorporan las inquietudes a la textura del artefacto artístico, consiguiendo aquel privilegio extraño que hace que las metáforas puedan llegar a lugares imposibles para el lenguaje explícito.

El imprescindible y querido Àlex Gutiérrez explicaba, en Pareu..., que hay una campaña de boicotcontra la adaptación de la Odisea de Christopher Nolan porque Helena de Troya será interpretada por una actriz negra, Lupita Nyong’o. Hemos visto la serie Los Bridgerton, ambientada en el siglo XIX, donde hay actores de diferentes razas haciendo de personajes de la alta sociedad, en un período en que esto no era así. La serie cuenta con actores que están buenísimos, de todas partes del planeta, lo que permite la venta a los cinco continentes. Hemos visto Hamlets protagonizados por mujeres, que es un cambio mucho más sustancial que la raza.

Hay muchas películas que no he visto. Para que os hagáis una idea de la magnitud de la tragedia, hasta el confinamiento no había visto Dirty dancing (¡qué maravilla!) ni Pretty Woman. He querido aprovechar esta serie de artículos para llenar de manera eficaz algunas de mis lagunas cinematográficas. En una época de oferta audiovisual masiva y atomización absoluta de los canales, yo curo mi FOMO en diferido. Esta semana he visto Blade Runner por primera vez.

Hay muchas películas que no he visto. Para que os hagáis una idea de la magnitud de la tragedia, hasta el confinamiento no vi Dirty dancing (qué maravilla) o, por increíble que parezca, Pretty woman. Para una persona nacida en el año 1990, cumplir treinta y no haber visto nunca Pretty woman es como decir que no has oído nunca La Bomba, o como haber cruzado la plaza a paso firme en medio de una guerra de agua y tener la ropa totalmente seca. Pues es posible. Pretty Woman! Me gusta el triángulo que traza con el argumento universal de la Cenicienta y cómo Las noches de Cabiria (Fellini, 1957) es la versión oscura, fatal, amarga. Y aun así, con un final que ilumina el espíritu con la fuerza de mil soles.

La cineasta tarraconense Anna M. Bofarull estrenó el 11 de junio en el Festival Internacional de Cinema en Català (FIC-CAT) de Roda de Berà su última película, Rebel, un documental con el 1-O de telón de fondo y con Marta Torrecillas como protagonista. Torrecillas fue una de las agredidas por la policía española y se hicieron virales las imágenes de ella arrastrada por los agentes por la escalera del instituto Pau Claris de Barcelona y su denuncia de que le habían roto uno a uno los dedos de una mano.

No sé si a ustedes también les pasa, pero tengo la sensación de que, últimamente, hay una falta de empatía preocupante. Es como si viéramos a las personas que nos rodean, pero no las miráramos de verdad. Vamos tan deprisa que, demasiado a menudo, olvidamos que todo el mundo arrastra sus propias mochilas.

La semana pasada los actores Emily Blunt y Stanley Tucci recibieron juntos sus estrellas respectivas en el Paseo de la Fama de Hollywood. Que el acto lo hicieran juntos no responde solo a que sean compañeros de reparto en El diablo se viste de Prada 2, sino también a una segunda cuestión: técnicamente son familia gracias a una historia de amor que tiene su origen en el estreno de la película original. Y es que en 2012 Blunt y Tucci se convirtieron en cuñados.

“Hay un hombre en España que lo hace todo”, cantan Astrud en los créditos iniciales del documental El hombre que diseñó España, que este viernes se estrena en Filmin. La letra encaja a la perfección con el protagonista del film, José María Cruz Novillo, que durante los años 70 y 80 renovó el imaginario iconográfico de la España postfranquista. Fue el creador de los logos del PSOE, Correos, Renfe, Repsol, Endesa, el diario El Mundo, la Cope, la Comunidad de Madrid y hasta de los billetes en pesetas que se lanzaron en 1978 y del azul de los uniformes de la Policía Nacional. Pero lo más sorprendente no es que un solo hombre firmara todo esto –y mucho más–, sino que la mayoría continúen en uso décadas después, resistiendo modas y tendencias de una sociedad siempre cambiante. Es la prueba más contundente de modernidad: convertirse en clásico.

Los aficionados al cine y incondicionales de Alfred Hitchcock encontrarán en Movistar+ un documental que conecta con el universo de Hollywood y una de las grandes películas del rey del suspense: Vértigo. Alexandre Philippe, el director del documental, lo define como una sesión de espiritismo cinematográfico sobre el cual planea el espíritu de Hitchcock. La protagonista es la actriz Kim Novak. Con noventa y tres años, siente que está en el último tramo de su vida. Nada más empezar, la cámara se desplaza suavemente por un jardín donde llega el último rayo de sol del día. La oímos con un hilo de voz y dificultades para respirar. Novak explica: “Dudo si estoy haciendo bien de grabar esto, porque no sé qué saldrá de lo que diga, de lo que quiero decir. ¿Qué quiero decir exactamente? ¿Se trata de esto? ¿De lo que quiero decir? ¿De lo que pienso? ¿De lo que siento? No sé qué se espera que sienta o que piense. [...] He sufrido mucho. Hace poco tuve una mala caída y me falta el aire. Me cuesta mantener la respiración. Quizás me equivoco. ¡Quizás vivo hasta los cien años! ¡Quién sabe! Pero ahora mismo siento que estoy muy cerca del final”. La cámara se va acercando a la puerta de una casa y penetra en el interior. La imagen se detiene sobre la voluta de madera de un sillón que nos recuerda el moño de Novak en Vértigo. Entonces, por fin, la vemos a ella, pintando un cuadro.