En la última edición de los Oscars, el premio a la mejor película documental se lo llevó Mr. Nobody contra Putin. El impacto de la historia de este profesor de instituto en la Rusia profunda eclipsó otro documental espléndido, nominado a la misma categoría, que Movistar+ acaba de estrenar: Cutting through rocks, dirigido por Sara Khaki y Mohammadreza Eyni. Deben conocer a su protagonista, Sara Shahverdi. Les fascinará por su personalidad y empuje. Sara se convierte en la primera mujer elegida concejal en su pueblo rural del noroeste de Irán. Es matrona, activista por los derechos de las mujeres y una trabajadora incansable. El documental comienza enseñando cómo, ella sola, arregla una gran puerta de hierro utilizando una radial. También usa el tronco de un árbol para nivelar el portal y hacer que la cerradura encaje. La determinación con la que solucionará este problema se mantendrá durante toda la película. Shahverdi no para nunca: asesora a las mujeres para reclamar sus derechos sucesorios, coordina las obras de mejora del pueblo, da charlas en las escuelas para animar a las niñas a continuar estudiando, cuida a su madre, arregla averías, repara su moto... Incluso el espectador percibe una cierta sensación de agotamiento físico solo de ver la energía que deposita en mejorar la vida de los demás. El documental se contagia de su fuerza.

Igual que pasó con el verano de Barbie y Oppenheimer, cuando un par de películas se convierten en un fenómeno de masas no se puede resistir la tentación de interpretarlas como el síntoma de una inquietud colectiva. Todavía más cuando hablamos de cine de terror: cuanto más acierte a la hora de exponer un malestar soterrado, más miedo dará la película y, por tanto, más éxito tendrá. Por eso siempre se ha dicho que cada género de terror es hijo de una inquietud social: las películas de vampiros representan el miedo a que los ricos nos chupen los recursos, las de zombis nos confrontan con la imposibilidad de controlar las masas, las historias de casas encantadas explotan el lado oscuro de la familia nuclear, etcétera. Pues bien, con Obsession y Backrooms, dos películas de terror hechas por directores jovencísimos que en las últimas semanas han roto todo tipo de récords de taquilla y han arrastrado hacia las salas multitudes de jóvenes que el séptimo arte daba por perdidos, podemos decir que una nueva generación empieza a poner cara a sus monstruos.Aunque son películas muy diferentes, creo que ambas deben leerse sin complejos como una expresión del malestar que los nativos digitales sienten a la hora de relacionarse con el mundo real en tiempos de pantallas, y que si han tenido tanto éxito entre la juventud es porque han sabido incorporar las angustias de internet al medio del cine. Dicho de otra manera, ninguna de las dos películas trata explícitamente el tema de los adolescentes enganchados al algoritmo con el tono alarmista de un Sin ficción, sino que incorporan las inquietudes a la textura del artefacto artístico, consiguiendo aquel privilegio extraño que hace que las metáforas puedan llegar a lugares imposibles para el lenguaje explícito.

El imprescindible y querido Àlex Gutiérrez explicaba, en Pareu..., que hay una campaña de boicotcontra la adaptación de la Odisea de Christopher Nolan porque Helena de Troya será interpretada por una actriz negra, Lupita Nyong’o. Hemos visto la serie Los Bridgerton, ambientada en el siglo XIX, donde hay actores de diferentes razas haciendo de personajes de la alta sociedad, en un período en que esto no era así. La serie cuenta con actores que están buenísimos, de todas partes del planeta, lo que permite la venta a los cinco continentes. Hemos visto Hamlets protagonizados por mujeres, que es un cambio mucho más sustancial que la raza.

Hay muchas películas que no he visto. Para que os hagáis una idea de la magnitud de la tragedia, hasta el confinamiento no había visto Dirty dancing (¡qué maravilla!) ni Pretty Woman. He querido aprovechar esta serie de artículos para llenar de manera eficaz algunas de mis lagunas cinematográficas. En una época de oferta audiovisual masiva y atomización absoluta de los canales, yo curo mi FOMO en diferido. Esta semana he visto Blade Runner por primera vez.

Hay muchas películas que no he visto. Para que os hagáis una idea de la magnitud de la tragedia, hasta el confinamiento no vi Dirty Dancing (qué maravilla) o, por increíble que parezca, Pretty Woman. Para una persona nacida en el año 1990, cumplir treinta y no haber visto nunca Pretty Woman es como decir que no has oído nunca La Bomba, o como haber cruzado la plaza a paso firme en medio de una guerra de agua y tener la ropa totalmente seca. Pues es posible. Pretty Woman! Me gusta el triángulo que traza con el argumento universal de Cenicienta y cómo Las noches de Cabiria (Fellini, 1957) es su versión oscura, fatal, amarga. Y aun así, con un final que ilumina el espíritu con la fuerza de mil soles.

La cineasta tarraconense Anna M. Bofarull estrenó el 11 de junio en el Festival Internacional de Cinema en Català (FIC-CAT) de Roda de Berà su última película, Rebel, un documental con el 1-O de telón de fondo y con Marta Torrecillas como protagonista. Torrecillas fue una de las agredidas por la policía española y se hicieron virales las imágenes de ella arrastrada por los agentes por la escalera del instituto Pau Claris de Barcelona y su denuncia de que le habían roto uno a uno los dedos de una mano.

No sé si a ustedes también les pasa, pero tengo la sensación de que, últimamente, hay una falta de empatía preocupante. Es como si viéramos a las personas que nos rodean, pero no las miráramos de verdad. Vamos tan deprisa que, demasiado a menudo, olvidamos que todo el mundo arrastra sus propias mochilas.

La semana pasada los actores Emily Blunt y Stanley Tucci recibieron juntos sus estrellas respectivas en el Paseo de la Fama de Hollywood. Que el acto lo hicieran juntos no responde solo a que sean compañeros de reparto en El diablo se viste de Prada 2, sino también a una segunda cuestión: técnicamente son familia gracias a una historia de amor que tiene su origen en el estreno de la película original. Y es que en 2012 Blunt y Tucci se convirtieron en cuñados.

“Hay un hombre en España que lo hace todo”, cantan Astrud en los créditos iniciales del documental El hombre que diseñó España, que este viernes se estrena en Filmin. La letra encaja a la perfección con el protagonista del film, José María Cruz Novillo, que durante los años 70 y 80 renovó el imaginario iconográfico de la España postfranquista. Fue el creador de los logos del PSOE, Correos, Renfe, Repsol, Endesa, el diario El Mundo, la Cope, la Comunidad de Madrid y hasta de los billetes en pesetas que se lanzaron en 1978 y del azul de los uniformes de la Policía Nacional. Pero lo más sorprendente no es que un solo hombre firmara todo esto –y mucho más–, sino que la mayoría continúen en uso décadas después, resistiendo modas y tendencias de una sociedad siempre cambiante. Es la prueba más contundente de modernidad: convertirse en clásico.

Los aficionados al cine y incondicionales de Alfred Hitchcock encontrarán en Movistar+ un documental que conecta con el universo de Hollywood y una de las grandes películas del rey del suspense: Vértigo. Alexandre Philippe, el director del documental, lo define como una sesión de espiritismo cinematográfico sobre el cual planea el espíritu de Hitchcock. La protagonista es la actriz Kim Novak. Con noventa y tres años, siente que está en el último tramo de su vida. Nada más empezar, la cámara se desplaza suavemente por un jardín donde llega el último rayo de sol del día. La oímos con un hilo de voz y dificultades para respirar. Novak explica: “Dudo si estoy haciendo bien de grabar esto, porque no sé qué saldrá de lo que diga, de lo que quiero decir. ¿Qué quiero decir exactamente? ¿Se trata de esto? ¿De lo que quiero decir? ¿De lo que pienso? ¿De lo que siento? No sé qué se espera que sienta o que piense. [...] He sufrido mucho. Hace poco tuve una mala caída y me falta el aire. Me cuesta mantener la respiración. Quizás me equivoco. ¡Quizás vivo hasta los cien años! ¡Quién sabe! Pero ahora mismo siento que estoy muy cerca del final”. La cámara se va acercando a la puerta de una casa y penetra en el interior. La imagen se detiene sobre la voluta de madera de un sillón que nos recuerda el moño de Novak en Vértigo. Entonces, por fin, la vemos a ella, pintando un cuadro.

Ya se puede ver en los cines La buena hija, de la directora Júlia de Paz (Sant Cugat del Vallès, 1995), que muestra las consecuencias de la violencia vicaria y de la violencia machista sobre los niños, víctimas a menudo no reconocidas. Y lo hace a través de Carmela, una niña de 12 años, que tiene que acudir periódicamente a un punto de encuentro para reunirse con su padre, a quien idolatra. Poco a poco, sin embargo, la niña –y con ella, el espectador– irá descubriendo cómo es él realmente y también su manera de ejercer violencia psicológica.

¿Qué tienen en común localidades como Tossa de Mar, Cardona, Bielsa o Aýna? Pues, entre otras cosas, su innegable atractivo turístico, pero también el hecho de que han sido escenario de películas de referencia como Pandora y el holandés errante, Campanadas a medianoche, Palmeras en la nieve o Amanece, que no es poco. Son cuatro ejemplos de localidades que encajan perfectamente en lo que se denomina turismo de pantalla, una modalidad del turismo cultural que impulsa las visitas a destinos, paisajes o ciudades que han aparecido o están relacionadas con películas, series de televisión o producciones audiovisuales de todo tipo, como documentales, videojuegos o spots publicitarios, así como con eventos vinculados al mundo audiovisual, como festivales o encuentros temáticos. Es una tendencia al alza que está experimentando un importante crecimiento desde el nacimiento de las plataformas de streaming y que lleva a los espectadores a visitar aquellos escenarios donde se rodaron sus historias preferidas.

Conocemos a Enric Sòria, uno de los autores más valiosos de la literatura catalana actual, por su obra como poeta, dietarista y ensayista. Ahora se descuelga, por fin, con una obra singular, que es a la vez una aportación capital a nuestra cultura: Te volveré a ver(Apuntes sobre cine 1910-1945), que acaba de aparecer en una estupenda edición en dos volúmenes a cargo de la Filmoteca Valenciana y la Institució Alfons el Magnànim. Escribo “por fin” porque he tenido la suerte de ser unos de los happy few que han seguido el proceso de escritura de este libro a lo largo de los —muchos— años que ha durado, y eso me autoriza a decirlo: es una obra importante.Te volveré a ver recopila comentarios de Enric Sòria sobre películas que pertenecen al período enunciado en el título, es decir, desde los inicios del cine como lenguaje artístico hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, con el tránsito del cine mudo al sonoro y el desarrollo de una de las industrias culturales más potentes. La obra ofrece una selección de estos textos, pero, aun así, es de unas dimensiones un poco abrumadoras: mil doscientas páginas repartidas en dos volúmenes, con cerca de novecientas películas comentadas, ordenadas cronológicamente. Hay cine de todas partes, con profusión de películas norteamericanas, británicas, francesas, alemanas, españolas, italianas, rusas y japonesas, no necesariamente por este orden. El despliegue de conocimientos que vierte el autor sobre la materia que trata es tan espectacular como fascinante, y su escritura, sin ni un gramo de pedantería ni de falsa erudición, tiene —como es marca de la casa— las virtudes de la elegancia, la claridad, el dominio de la lengua y una ironía que por suerte es frecuente y que consigue aquello tan difícil de instruir y hacer pasar gusto a la vez al lector. Son textos de lectura irresistible: es difícil detenerse en uno y no querer continuar con el siguiente.En el prólogo, esclarecedor, Enric Sòria explica su conexión personal —y familiar— con el cine, subraya que es un arte que tiende a abolir el azar y, por tanto, la exactitud, y subraya que ha sido (a menudo por las vías más inesperadas) una forma de contestación a las dictaduras y los autoritarismos que asolaron la primera mitad del siglo XX, como lo están haciendo también, de momento, con el primer tercio del XXI. También lo presenta así: “Desde sus orígenes, el cine queda cerca de espectáculos como el ilusionismo, las variedades y, sobre todo, el circo: los payasos, los tragadores de sables, la mujer barbuda, los saltimbanquis y los domadores de leones, pero también de otros espectáculos [...] como los conciertos, la danza, el teatro y la ópera. El cine no solo se movía entre estos dos terrenos: podía englobarlos, y eso es lo que ha hecho”. La cultura catalana cuenta y ha contado, por fortuna, con excelentes críticos y estudiosos del cine, pero no tenía hasta ahora una obra como "Te volveré a ver, fruto del conocimiento y la literatura, pero también de la pasión, el amor y la fascinación puras. Una fiestaza.

En plena era del streaming y de las pantallas omnipresentes, una parte creciente de la juventud está mirando atrás. Vinilos, casetes, cámaras de carrete o cintas VHS, formatos que hace solo unos años parecían condenados a la desaparición, vuelven a circular entre los jóvenes como objetos de consumo cultural y símbolos de identidad. Lejos de ser una moda pasajera, el fenómeno refleja una relación cada vez más compleja entre la generación digital y la tecnología que domina su día a día.

Mientras el resto de magazines matinales comentaban las agrias desavenencias dentro de Vox, en Espejo público se hacían eco de un hecho aparentemente anecdótico. Susanna Griso detuvo su conversación con Albert Rivera, que es analista político del programa, para preguntarle si ya había visto la película de Santiago Segura. El exlíder de Ciudadanos respondió que lo tenía pendiente. La presentadora explicaba que quien sí había ido era Santiago Abascal, a quien habían pescado saliendo del cine. "Ok Diario sorprende a Abascal viendo Torrente, presidente", decía el titular en la pantalla. Pero aquella exclusiva del medio digital de Eduardo Inda parecía cualquier cosa menos una sorpresa. Era claramente una puesta en escena: olía a pacto entre Vox y Inda. Una reportera con el micrófono de Ok Diario en la entrada de la sala informaba: "En breves momentos, Santiago Abascal saldrá del cine tras ver Torrente, presidente y no nos hemos querido perder su reacción". Inmediatamente, aparecía Abascal acompañado de un grupo numeroso de hombres cortados por el mismo patrón: la barba, el corte de pelo, la ropa y la rigidez corporal que les caracteriza. Los adláteres rodeaban al líder de Vox controlando con suspicacia la zona, y Abascal se dirigió rápidamente al micrófono de la reportera. La supuesta gracia de aquella situación es que el film de Santiago Segura hace una parodia de Vox con Torrente al frente.

¿Cómo logra el hijo de unos campesinos mallorquines desfilar en la Semana de la Moda de Nueva York y ser considerado el sucesor de John Galliano? ¿Por qué este protegido de la prensa especializada acaba arrojado a los leones? Estas mismas preguntas nos las hicimos en este mismo diario hace exactamente once años a raíz de Call it a balance in the unbalance (2011). Una historia épica con un final dramático en el que Regine Lettner se adentraba, a través de las vivencias del diseñador Miguel Adrover, en una industria capaz de destruir mitos a la misma velocidad que los construye. Este documental formó parte de la primera edición del Moritz Feed Doc, el festival internacional de cine y moda de Barcelona que cumple este año diez años recuperando, casualmente, la figura tan fascinante y enigmática de Adrover. En esta ocasión lo hace a través de The designer is dead (2025), un documental de Gonzalo Hergueta centrado en la trayectoria vital y artística de una de las personalidades más congruentes y radicales de la moda contemporánea. Este Adrover es el propio Adrover que hace más de dos décadas ya hablaba de sostenibilidad y multiculturalidad, cuando estos conceptos no eran mainstream. También es lo mismo que hace unos meses renunció a vestir a la Rosalía de Lux porque la cantante no utilizaba su altavoz para denunciar el genocidio palestino. Y es que para Adrover la moda debe entenderse no sólo como un artefacto cultural sino político.

La 98ª edición de los Oscar ha coronado Una batalla tras otra como la gran triunfadora de la noche. La película dirigida por Paul Thomas Anderson se ha ido imponiendo a lo largo de la ceremonia hasta convertirse en el gran nombre propio de unos premios marcados por su dominio, en una gala que también ha dejado números musicales y algunos momentos de reivindicación, pese a haber sido bastante dócil y poco reivindicativa.

Pere Garcia (Girona, 1946) conoce el secreto para aguantar 42 años en un trabajo de pixatinters que no le gustaba "absolutamente nada" y que no duda en calificar de odiosa. Hacía nóminas y contratos de trabajo. El suyo era un departamento especialmente desagradable porque "siempre tenía que ir a favor del dueño de las empresas" y si alguna vez venía el trabajador, "también debía darle la razón y capear situaciones conflictivas". Reconoce que en su fidelidad empresarial, que empezó con 16 años una vez terminado el bachillerato elemental, también pesó mucho que la empresa, la prestigiosa gestoría Cànovas de Girona, "era buenísima, así como los propietarios, jefes de sección y compañeros de trabajo". Sin embargo, el factor determinante para aguantar tantos años fue tener una gran pasión para las horas de ocio: los musicales.

Tenía mucha lógica que el invitado de honor de la fiesta del Gremio de Restauración de Barcelona fuera el actor Alberto San Juan, que acaba de estar nominado a un Goya por su actuación en La cena. Y ha sido precisamente esta película –que recrea en clave cómica una cena ficticia de Franco dos semanas después de ganar la Guerra Civil– la que ha dado pie al actor madrileño a utilizar el podio del mítico local La Paloma de la capital catalana para lanzar un contundente "no a la guerra". San Juan ha recibido la ovación del medio millar de asistentes al encuentro, entre ellos actores, políticos y restauradores, con su llamada "contra este nuevo orden mundial donde lideran aquellos que tienen más capacidad para imponer la violencia". Ha repasado los bombardeos en Irán y el "genocidio de Gaza", entre otras cosas, y ha soltado una dura crítica a la Unión Europea y su "renuncia a defender la Carta Universal de los Derechos Humanos".

La actriz y cómica Silvia Abril se ha convertido en blanco de la ultraderecha después de hacer unas declaraciones en las que criticaba a la Iglesia católica. Durante su paso por la alfombra roja de los Goya, celebrados este sábado en Barcelona, Abril fue entrevistada por la revista Cinemanía, que le preguntó sobre cuál era su película preferida de esta edición de los premios. La actriz se decantó por Sorda, pero también habló deLos domingos, el drama sobre una adolescente que quiere hacerse monja de clausura. "Me da pena que los jóvenes necesiten creer en algo y se aferren a la fe cristiana. Lo siento por la Iglesia, pero qué chiringuito tenéis montado. Se ha acabado, vayan saliendo", dijo Abril, que argumentó que se quedaba con Sorda porque le parecía más "necesaria" que la película de Alauda Ruiz de Azúa.