Ahora que el festival Sónar hace semanas que acabó es el momento de insinuar al lector la relación que puede establecerse entre los convulsionarios que florecieron en Francia a lo largo de todo el siglo XVIII y la actitud de los asistentes a ese festival, y otros, de música trepidante.

El Sónar ha avanzado este jueves unos sesenta artistas programados para la edición de 2025, que se celebrará los días 12, 13 y 14 de junio en la Fira Montjuïc y la Fira Gran Via 2. El anuncio ha llegado acompañado de un vídeo en el que unas excavadoras se mueven al ritmo de la sardana Levantina, interpretada por La Principal de La Bisbal. Así, con el esplendoroso sonido de copla, el festival va haciendo desfilar los nombres de artistas que estarán presentes en la 32 edición. Hay habituales en el Sónar como Plastikman (uno de los sobrenombre de Richie Hawtin), Arca, Nathy Peluso, Eric Prydz, Four Tet y Daito Manabe, y otros que vuelven después de unos años de ausencia, como el productor estadounidense Skrillez, que compartirá una sesión con el británico Blawan.

Tarta Relena es uno de los proyectos musicales más insólitos y excitantes surgidos en Catalunya en los últimos años. Las barcelonesas Helena Ros y Marta Torrella, ambas nacidas en 1994, lo levantaron combinando canto a capella e intervenciones electrónicas, tradiciones diversas y modernidades fuera de clichés, todo ello con un repertorio lingüístico que va del latín y el griego al catalán y el judeocastellano. El álbum Fiat lux (The Indian Runners, 2021) y canciones como El suïcidi i el cant dejaron constancia de la calidad de estas sibilas inesperadas responsables, además, de un directo ciertamente magnético. Ahora dan un paso más allá con la publicación del disco És pregunta, editado por el sello francés Latency. Lo estrenaron en concierto en la Fira Mediterrànio de Manresa, y la presentación en Barcelona será el 28 de noviembre en L'Auditori.

El nombre Yoko en japonés significa “hija del océano”. Si creemos que el nombre hace la cosa, en este caso entenderemos por qué Yoko Ono es inexplorable, inabordable e inagotable. Su padre, Isoko Ono, provenía de la familia financiera Yasuda, una de las más ricas de Japón y que tenía gran influencia tanto en el ámbito económico como cultural del país. Su madre, Eisuke Ono, era descendiente de una familia imperial y pianista. Con estas referencias podemos deducir ya que el entorno de Yoko Ono fue el de una familia culta y con un poder adquisitivo alto. Por eso, y no es de extrañar, aprendió música desde muy pequeña: tocaba el piano y cantaba; incluso había cantado algún lied de Schubert. De hecho, toda su vida estuvo rodeada de música y músicos; el primer marido, Toshi Ichiyanagi, era compositor; el segundo, Anthony Cox, músico de jazz y productor cinematográfico; y el tercero y último, John Lennon, uno de los cuatro componentes de los Beatles.

Yoko Ono es conocida por sus performances participativas, como Cut piece, donde el público interactúa directamente con ella. Esta pieza es una de las obras performativas feministas más famosa de Yoko Ono, que se estrenó en 1964 en el Yamaichi Concert Hall de Kyoto. En Cut piece, Yoko Ono se sienta en el escenario con un traje. Permanece inmóvil mientras invita al público a subir al escenario y, con unas tijeras, cortarle un pedazo de la ropa y llevárselo. El planteamiento es audaz y provocativo y plantea el consentimiento, la vulnerabilidad y la interacción entre el artista y el público. Este enfoque interactivo puede estar relacionado con la fusión de diferentes aspectos del teatro noh y del kabuki, donde la audiencia desempeña un papel crucial en la experiencia teatral.

La identidad japonesa de Yoko Ono ha influenciado su forma de entender el mundo desde Occidente y su enfoque en la paz y el activismo social. La historia de Japón, especialmente en el contexto de la Segunda Guerra Mundial y la búsqueda posterior de la paz, modeló muchas de sus obras y su activismo pacifista junto a quien fue uno de sus maridos, John Lennon. Ella misma reconoce que su primera obra artística surgió a raíz de la huida de su familia cuando se marcharon de Tokio el 9 de marzo de 1945 para ir al campo, huyendo de las bombas que caían sobre la ciudad, escondidos en un bunker . Lo único que podía evadirla de aquella realidad fue la imaginación y desear con todas sus fuerzas todo lo que habían tenido y no tenían por sobrevivir en unos momentos muy difíciles de guerra y hambre.

Uno de los aspectos a resaltar del arte contemporáneo y las nuevas tendencias ha sido la importancia que se le ha dado al proceso artístico y creativo. Creo que poner sobre la mesa todos los aspectos que han inspirado, en nuestro caso, el tema de música conceptual híbrida Yoko Ono's suite (que se presentará en Sónar), es una de las cosas que encuentro más interesantes, a veces, más incluso que el resultado final. Por eso, en este segundo artículo dedicado a desvelar los secretos del proceso creativo es obligado centrarme en la atalaya desde la que se ha gestado toda la música. El concepto que he bautizado como “música conceptual híbrida” es deudor de la música programática de la segunda mitad del siglo XIX, en la que la inspiración a partir de elementos extramusicales y la confección de un programa que contara la historia tratada aproximaban la música a los oyentes. Ésta es la voluntad de explicar qué hay detrás de este tema musical, que se ha gestado primordialmente a partir del feminismo de Yoko Ono.

Siempre me ha fascinado la figura de Yoko Ono (Tokio, 1933) como artista y activista. Y siempre me ha dado mucha rabia que, cuando a alguien se le pide qué sabe de Yoko Ono, un 90% de las respuestas siempre son la misma: “Es quien separó a los Beatles”. El propio Paul McCartney confesó que Yoko Ono no tenía nada que ver; John Lennon estaba pasando por un momento distinto al resto de miembros de la formación de Liverpool y decidió emprender un nuevo camino y separarse.

Tras el confinamiento, estaba yo tomando algo en una terraza bajo el sol de la placita de Can Basté. A unos metros, ayudado por un micrófono y un precario equipo de sonido, un anciano interpretaba canciones románticas con más arrojo que talento. Dio la casualidad de que por allí pasó el periodista musical Nando Cruz y se detuvo a charlar conmigo. Le comenté en broma que aquel cantante callejero debería formar parte de “Otros escenarios posibles”, el proyecto en el que desde hace años el periodista saca a la luz realidades musicales que se desarrollan al margen de los circuitos mayoritarios. A mi comentario guasón Nando respondió que precisamente le había dedicado un artículo a otro viejecito que, en aquella misma plaza, utilizaba un radiocasete para poner canciones que hacían bailar al vecindario. Según me contó, el señor Antonio –así se llamaba– había fallecido poco antes, dejando un vacío que por lo visto había sido ocupado por el abuelo cantor que teníamos delante. La cartografía musical de Nando es tan exhaustiva que hasta te estropea las bromas.

El SonarHall es el escenario de los grandes momentos de la historia reciente del Sónar, desde Arca triturando los esquemas del público hasta el nacimiento de Rosalía como superestrella. Desde este sábado, hay que añadir el concierto de Maria Arnal y Marcel Bagés presentando Hiperutopia, el espectáculo único que reinterpreta su disco Clamor con una treintena de voces del Coro de Chicas del Orfeón Catalán. El espectáculo prolonga y expande lo que hicieron hace unos meses en la Sala Oval del MNAC convirtiendo el concierto en una celebración ritual de la vida y el cosmos. “¿Quién no cree en los milagros?”, ha preguntado Arnal al público, pero el milagro es ella, exultante y arrebatada, bailando como una fiera, arrastrando a las chicas del coro a una rave luminosa y cósmica, y llevando al público al éxtasis. Qué barbaridad.

C. Tangana lo reconocía abiertamente en una entrevista con el ARA: la actuación que ofreció en el Sónar de 2017 fue “el peor concierto” de su carrera. Y esto, para alguien con la ambición artística de Antón Álvarez, es sobre todo un estímulo que lo anima a doblar la apuesta y superarse en su regreso al Sónar, que este viernes ha agotado las entradas para recibir al cantante madrileño. No ha sido el espectáculo de dos horas que el músico ofreció hace unos meses en el Palau Sant Jordi, porque el contexto festivalero impone otros códigos y duraciones, pero sí un concierto exuberante que, en poco más de una hora, ha integrado las músicas populares de raíz latina, flamenca y afroamericana en un concepto revolucionario de show que no ha escatimado en recursos escénicos y ha regalado al público muchos momentos memorables y de comunión entre artista y público.

Los Mossos arrestaron este jueves al atardecer al cantante de trap Cecilio G. por agresión a la autoridad dentro del recinto del festival Sónar, según han informado al ARA. El festival confirma que el músico se puso violento, que la seguridad privada llamó a los Mossos a las 21.30 h y que lo intentaron reducir, pero que él se resistió con golpes y amenazas. Como resultado, un mosso resultó herido leve y también un vigilante de seguridad. Por eso fue arrestado y se lo acusa de atentado contra los agentes de la autoridad.

Golpe de efecto del Sónar, que contará con C. Tangana en la edición del año que viene. El 12 de noviembre el artista madrileño comunicó que cancelaba los conciertos previstos los días 2 y 9 de junio en el Primavera Sound de 2022 "per incompatibilidad de agenda", según explicó el festival que se hace en el Fòrum. A la vez, C. Tangana anunció una gira con la que pasará por el Palau Sant Jordi de Barcelona el 19 de febrero, un concierto para el que ya se han agotado las entradas. Finalmente, será el Sónar el festival que programará un concierto de C. Tangana, concretamente la noche del 17 de junio en el recinto de la Fira en Gran Via. El autor del disco El madrileño ya había actuado en el Sónar en 2017, y en el Primavera Sound estuvo en 2017 (como parte del colectivo Agorazein) y en 2018.

Una vez pasada la jornada dedicada a la inteligencia artificial, el Sónar de otoño este viernes ya se parecía al Sónar de Día de toda la vida; eso sí, a escala reducida, con rebequita (y paraguas), mascarilla, entrada a 33 euros, acceso con certificado covid y DNI, y el público de pie. Los tres escenarios distribuidos en el CCCB reproducían la lógica que ha acompañado el festival desde 1994: diferentes dosis de intimismo, hedonismo, ritmo y experimentación en el Hall y en el Teatre del CCCB, y una sucesión de DJs en el Village instalado en el Pati de les Dones, donde se podía bailar y charlar pero no beber ni fumar, actividades autorizadas solo en la gran terraza que ocupa una parte de la plaza Joan Coromines. Por cierto, una terraza sin música, lo que permitía cazar muchas conversaciones en inglés y francés.

Un duelo entre el pianista Marco Mezquida y la inteligencia artificial (AI) desarrollada por científicos de la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC). La creación de un grupo coral con voces artificiales a partir del trabajo de Maria Arnal, Holly Herndon y las Tarta Relena. Una coreografía entre la bailarina Kiani del Valle y unos misteriosos organismos artificiales creados por investigadores de la UPC. Un proyecto sobre el impacto ambiental de la tecnología (concretamente, de las cookies) a cargo de la artista activista Joana Moll y Patricio Reyes, del Barcelona Supercomputing Center. Una sesión de un DJ artificial. Una charla sobre cirugía estética digital con la participación de Filipo Custic, creador de la imagen del disco El mal querer de Rosalía. Y, claro, mucha música para bailar de pie y sin distancia social (pero con mascarilla). Efectivamente, a finales de octubre vuelve un Sónar antes del Sónar de verano de 2022 y con un formato que recuerda Al de la edición de 1996, cuando el festival se celebró en el CCCB y en el Poble Espanyol.