Con el permiso de Pedro Almodóvar, el director español más querido en Francia en los últimos tiempos es seguramente Rodrigo Sorogoyen (Madrid, 1981), que hace solo unos días recibió la Orden de las Artes y las Letras del gobierno francés y ha triunfado en los cines franceses con títulos como El reino o As bestas. La culminación de su historia de amor con Francia es la participación en competición de Cannes de su nueva película, El ser querido, que se estrena este sábado tanto en el festival como en los cines franceses, hecho insólito para una producción española que no llegará a nuestro país hasta agosto.

Si con Scream el cine de terror entró en su fase meta, con Teenage sex & death at Camp Miasma, que inauguró la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes, el género entra en una nueva fase de hiperreflexión y autoconciencia absoluta. La película de Jane Schoenbrun es una carta de amor al subgénero slasher de los años 80 –el de sagas como Viernes 13, Halloween o Pesadilla en Elm Street– y, al mismo tiempo, una sátira implacable y llena de chistes cinéfilos sobre la obsesión del Hollywood actual por las franquicias, remakes y reboots. Pero, sobre todo, es algo insólito en 2026: una reivindicación del poder dionisíaco del cine de terror, que fue el espacio audiovisual en el que diversas generaciones de adolescentes –especialmente la de los videoclubes de los 80– vivieron su descubrimiento sexual entre estímulos predecibles ( desnudez femenina, sexo heteronormativo) y otros menos comunes ( psicópatas asesinos, litros de sangre, muertes violentas).

En la primera escena de Viva, la opera prima como directora de Aina Clotet, que ella misma protagoniza, la actriz aparece incómoda y desnuda en el hospital, donde el personaje que interpreta se está haciendo la última prueba para cerrar el tratamiento del cáncer de mama. La herida de la mastectomía en primer plano es la primera señal de que Clotet va de cara en esta película sobre el intenso deseo de vivir de Nora, una investigadora científica que, tras ver la muerte de cerca, siente la necesidad de sacudir su vida y, como hay que empezar por algún sitio, le pone los cuernos al marido con un chico mucho más joven y de cuerpo escultural.

En una escena de La Vénus électrique, la comedia de enredos sentimentales y artísticos que ha inaugurado este martes el Festival de Cannes, uno de los personajes reprocha al pintor interpretado por Pio Marmaï que los cuadros que acaba de mostrarle son laboriosos, bien realizados, correctos. “En resumen, horribles”, remata. Sería injusto aplicar un juicio tan estricto a la película de Pierre Salvadori, que también se puede ver como un ejercicio eficaz de artesanía fílmica, discreta pero con cierto encanto y un buen trabajo interpretativo. Su principal problema es, una vez más, el contexto: abrir el festival más importante del mundo no es fácil para una película que va en busca del público sin más intención que entretener y extraer algunas sonrisas. Una ambición que en Cannes puede parecer incluso contracultural.

Una de las tareas más importantes de los productores de una película es planificar la estrategia de festivales y estrenarla en el mejor escaparate posible. Y no hay ninguno mejor que el Festival de Cannes, el más importante del mundo y con más proyección para el cine de autor. Y si tener una película en Cannes ya es un éxito para cualquier productor, tener tres es una fiesta. Esta es la meta que ha conseguido este año la productora barcelonesa Fasten Films, fundada hace nueve años por Adrià Monés (Sabadell, 1979), que no podría estar más contento con la triple corona cannense. “Son muchos años de esfuerzos, y a veces el resultado es un silencio como aquellos del oeste, cuando pasa un arbusto rodante. Pero estar en Cannes da visibilidad y una vida a las películas, que al final es lo que buscamos”, dice.

El cine español hará historia en la próxima edición del Festival de Cannes, donde tendrá tres películas en la competición oficial: Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar; La bola negra, de Javier Ambrossi y Javier Calvo, conocidos como los Javis, y El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen. Después del doblete del año pasado con las películas de Carla Simón y Oliver Laxe en competición, esta tripleta histórica confirma una tendencia que no tiene precedentes en un festival tradicionalmente receloso del cine español. Sus rivales por la Palma de Oro serán, entre otros, las nuevas películas de autores tan contrastados como Ryusuke Hamaguchi, László Nemes, Asghar Farhadi, Pawel Pawlikowski y dos directores que ya han triunfado en Cannes: Hirokazu Kore-eda y Cristian Mungiu.

Jafar Panahi (Miyaneh, 1960), el mayor director iraní de su generación y heredero de su maestro Abbas Kiarostami, se ha convertido también en un símbolo de resistencia contra el régimen islámico de Irán, que ya hace tiempo que le prohibió filmar ninguna película. Indomable, él siguió practicando su oficio gracias a las rendijas que encontraba. Tras su último encarcelamiento –siete meses por criticar las detenciones de los cineastas Mohamed Rasoulof y Mustafa al-Ahmad–, del que lo liberaron al día siguiente que se declarara en huelga de hambre, Panahi ha dirigido (desde la clandestinidad) su película más accesible y directa: Un simple accidente, que se estrena este viernes en los cines. El film ganó la Palma de Oro en el último Festival de Cannes. Es un thriller moral sobre la venganza de unos antiguos prisioneros del régimen contra su torturador. Habló con el ARA hace unas semanas en el Festival de San Sebastián.

Al día siguiente de ganar el Premio del Jurado del Festival de Cannes, Oliver Laxe (París, 1982) regresó a su tierra de elección, la sierra de los Ancares, para proyectar Sirado en Navia de Suarna, un pueblecito de Lugo de menos de 1.000 habitantes. Un gesto que explica muchas cosas de este cineasta gallego forjado entre Galicia, Barcelona y Marruecos que se expresa durante toda la entrevista en el catalán que aprendió mientras estudiaba en la Universidad Pompeu Fabra. Sirado, que se estrena este viernes, es una de las sensaciones cinematográficas de la temporada.

Ethan Edwards (John Wayne), el protagonista de Centauras del desierto, forjó el molde para todo un arquetipo de antihéroe: el del hombre que se adentra en territorio comanche para salvar a una inocente y acaba confrontándose con la parte más oscura de su masculinidad. El personaje de John Ford resuena a Luis, el protagonista de Sirat, un padre dispuesto a internarse en lo más profundo del desierto marroquí para encontrar a su hija, perdida en alguna rave. El personaje que encarna Sergi López hace gala del mismo talante obsesivo pero con una mentalidad más abierta que el de Wayne, y no tarda en seguir una troupe que trabaja de rave en rave. Pero el cuarto largometraje del gallego Oliver Laxe sí que entronca con el filme de Ford a la hora de dar la vuelta al vínculo de conquista entre hombre y territorio extraño del western clásico.

Para valorar la importancia del Premio del Jurado del Festival de Cannes que ha ganado la película de Oliver Laxe Sirado (ex aequo con la alemana Sound of falling) se puede ir a la hemeroteca: ninguna producción mayoritariamente catalana -y ésta lo es en un 60%- ha conseguido ganar un premio de la competición oficial de Cannes en 78 ediciones del festival. Es un hito histórico. Pero también se puede mirar otro dato: poco después del anuncio del premio a Sirado, la revista Screen anunció que la película de Laxe se había vendido a más de veinte países, incluida toda Latinoamérica, Reino Unido, Alemania, Japón, Corea del Sur, Italia, Turquía y Estados Unidos.

La producción catalana Sirat, dirigida por el gallego Oliver Laxe, ha hecho historia en el Festival de Cannes, donde se ha llevado uno de los premios más importantes del palmarés, el Premio del Jurado, ex aequo con Sound of falling, de la alemana Mascha Schilinski. Cannes es un talismán para Laxe, que ha presentado sus cuatro películas en el festival, siempre en secciones distintas y siempre premiado. La película de Laxe, una road movie a través del Sáhara en el que Sergi López es un padre que busca de rave en rave su hija desaparecida, es una obra que combina la capacidad del cine para sorprender y sacudir al espectador y una dimensión espiritual más profunda y reflexiva.

Segunda visita consecutiva en el Festival de Cannes de Margaret Qualley, que un año después de impresionar con La sustancia vuelve al certamen con la comedia detectivesca y orgullosamente queer Honey don't, segunda entrega de la trilogía de "películas lesbianas de serie B" dirigidas por uno de los hermanos Coen, Ethan (en solitario sin su hermano Joel), y escritas por su mujer, Tricia Cooke, con quien, por cierto, forma un matrimonio nada convencional: él es heterosexual, ella lesbian y conviven en la misma casa con sus otras parejas sexoafectivas y los hijos del matrimonio.

Poco después de las diez de la mañana se ha producido un apagón total en el Festival de Cannes, el evento más importante del cine europeo, que están cubriendo cientos de periodistas internacionales. Enseguida ha caído también la señal de los móviles. Ante la estupefacción de todos, el apagón se ha revelado como un corte de electricidad masivo en toda la zona oeste de los Alpes Marítimos, en el sureste de Francia. Ha dejado 160.000 hogares a oscuras en la zona que hace frontera con Italia, y ha afectado también al transporte ferroviario. Además, los bomberos han tenido que realizar un centenar de intervenciones, sobre todo para rescatar a personas atrapadas en ascensores. El corte duró unas cinco horas y las autoridades lo consideran un sabotaje. La Fiscalía francesa ha abierto una investigación.

Dos años después desaquear tumbas etruscas enLa quimera, Josh O'Connor vuelve al Festival de Cannes como ladrón de arte, pero esta vez no son reliquias de la antigüedad lo que rapiña, sino pinturas abstractas. EnThe mastermind, de Kelly Reichardt, el actor británico es un carpintero en paro, casado y con dos hijos y una vida convencional en los suburbios de Massachusetts que, claramente, está por debajo de lo esperado de un hijo de un juez. Los pequeños hurtos que hace de vez en cuando en el museo de la ciudad no tienen consecuencias, pero sí el robo de cuatro obras del pintor abstracto Arthur Dove que se lleva a la luz del día de un museo con la ayuda de dos secuaces, criminales de segunda.

La edición del Festival de Cannes de este año será recordada, al menos en lo que se refiere a la moda, por la prohibición explícita por parte de la organización de que las estrellas pasaran por la alfombra roja enseñando más de lo necesario. En la práctica, la nueva normativa implica que "por cuestiones de decencia" las asistentes no podían aparecer con trajes que mostraran partes del cuerpo como pezones o con diseños que fueran demasiado voluminosos o con largas colas que impidieran la correcta circulación en la alfombra roja. Las reglas han tenido su impacto y este año la alfombra roja de Cannes ha sido más pudorosa y discreta que nunca, con alguna notable y llamativa excepción.

Tras estrenar el pasado martes la película de un director vetado y perseguido en su país como el iraní Jafar Panahi, la competición del Festival de Cannes ha proyectado este jueves otra película iraní, pero con el sello oficial de aprobación estatal, es decir, el visto bueno de la censura. cineastas iraníes independientes calificó de "propaganda" el filme iraní Woman and child, de Saeed Roustaee. Para los denunciantes, que no han visto el filme, realizar una película que pasa la censura de un régimen autoritario implica un grado de complicidad con el gobierno represor.

En 2016, un año antes de dirigir Verano 1993, Carla Simón hizo un cortometraje, Lagunas, a partir de textos de las cartas que conservaba de su madre, Neus Pipó, muerta a causa del sida en 1993, y de un fragmento de película doméstica en la que aparecía una Pipó joven y despreocupada quitándose el sueño de las orejas. Una década después, convertida en la cineasta catalana de referencia para una nueva generación de directores, Simón vuelve a las cartas de su madre, convertidas ahora en frases del diario materno que una adolescente lee durante un viaje a Galicia para conocer a la familia de su padre, que murió cuando ella era pequeña, al igual que la madre. El anhelo de poner imágenes en la historia de amor de los padres y, sobre todo, de saber quiénes eran aquellas personas que no recuerda recorre Romería, el tercer largometraje de Simón, la última entrega del extraordinario universo que la directora ha construido a partir de sus materiales familiares íntimos.

No deja de ser hermoso que Carla Simón (Barcelona, ​​1986) presente Romería en el Festival de Cannes embarazada de más de ocho meses o, como ella misma dice, "preñadísima y preparada para todo lo que tenga que pasar", porque la película es la carta de amor de una hija a unos padres que perdió demasiado temprano y de los que apenas tiene recuerdos. La tercera película de la directora deVerano 1993 y Alcarràs acompaña a una adolescente catalana con el anhelo de estudiar cine en su viaje a Galicia para conocer a la familia paterna y los espacios donde transcurrió la historia de amor de sus padres. Romería, que habla en catalán, castellano y gallego, vuelve a demostrar el talento extraordinario de Simón para capturar los ritmos de la vida y el lenguaje secreto de las familias, pero en la segunda mitad del filme también abre una puerta nueva en su cine, una más libre y fantástica que abandona el realismo estricto de su cine anterior.

Una de las curiosidades de esta edición del Festival de Cannes es la coincidencia en la sección paralela Una Cierta Mirada de los debuts como directoras de dos actrices populares, estrellas consagradas del cine estadounidense: Kristen Stewart, que deslumbró hace unos días con la poética y atormentada biografía de Lidia Yuknavitch The chronology of water; y Scarlett Johansson, que ha presentado este martes Eleanor the great, una comedia dramática sobre una viuda con mucho empuje y carácter que, tras la muerte de su mejor amiga, con la que compartía piso en Florida, regresa a la Nueva York natal con más de 90 años para vivir con una hija recién divorciada y un nieto pegado a la pantalla del móvil.

De algunas películas se te graba para siempre una secuencia, un diálogo o una imagen; quizá sólo un gesto. Pero de la película que Julia Ducournau ha presentado en Cannes este lunes será difícil olvidar sus síntomas del virus ficticio que va convirtiendo poco a poco los cuerpos de los enfermos en piedra, el mármol avanzando por la piel y polvo en la respiración. En la directora de Crudo (2016) y Titane (2021) le sigue interesante explorar el body horror y las mutaciones, pero en Alpha lo hace en el contexto de una historia de transformaciones internas protagonizada por una adolescente de trece años que vive sola con su madre y que hace saltar las alarmas cuando un buen día aparece con un tatuaje que se ha hecho en una fiesta con la que sabe qué agujas. "¿Se habrá infectado?", se preguntan la madre, los compañeros de clase y ella misma, víctimas del estado de paranoia y desconfianza que se ha apoderado de la sociedad.