Abecedario es el segundo trabajo de creación de un joven tándem de artistas que impactaron con su primer espectáculo en el Maldà y que esta temporada son residentes de la Beckett. Nodi: de perros y malditos ya miraba hacia atrás, en concreto a la contracultura de los años setenta del siglo pasado, y este Abecedario sigue fijándose en el pasado. En este caso, en el filósofo francés Gilles Deleuze. Esto, al menos, era el punto de partida del espectáculo. Pero en el proceso la cosa se fue enredando y muy poco quedó del abecedario de aquel filósofo que con setenta años saltó desde la ventana de su piso en París y dejó la grabación de una larga entrevista donde cada letra evocaba un concepto.

Giovanni’s room figura en el segundo lugar de la lista de las 100 mejores novelas de temática gay y lésbica, que elaboró The Publishing Triangle en 1999 y que está encabezada por Muerte en Venecia. Parece lógico, tratándose de una novela de un escritor, James Baldwin (Harlem, Nueva York, 1924 - Saint Paul, Francia, 1987), que en 1956 reivindicaba la normalidad de las relaciones homosexuales en unos Estados Unidos donde hasta 2003 no se despenalizó la sodomía.

Hay que calentarse antes de empezar. Y si estás calentándote, más vale que sigas calentándote porque si lo dejaras deberías volver a empezar. Y esto siempre es difícil. Lo dice la bailaora Rocío Molina, y por eso, mientras los espectadores se sientan en las butacas y no paran de charlar, ella hace ejercicios sobre una colchoneta en medio del escenario vacío. Y por eso cuando después de dos horas de apoteosis de tacones, del saludo del resto de la compañía y de un entregado aplauso con toda la platea de pie y sin querer irse, ella seguirá taloneando mientras suena elAchilipú de Dolores Vargas, la Terremoto.

Sol Picó cierra una etapa con su primer espectáculo en la Sala Gran del Teatre Nacional. Un espectáculo que es despedida o, como dice ella, transformación. Y llega con un apocalipsis personal lleno de fuerza, entrega y magníficas coreografías.

Tierno es una especie de striptease emocional de una pareja de artistas. "Tú ocupas más espacio", le dice Judit Colomer a Pau Vinyals. Y es cierto. Él es la mesa y ella la silla del salón de casa, nos dicen. Puede ser o no estar así en el domicilio real, pero lo es, y seguro, en el protagonismo de este espectáculo de creación promovido por ambos. Quizá se deba a que ella es una buena escenógrafa pero una actriz debutante y él un buen actor con notable trayectoria. Quizás porque ella es más sólida y madura emocionalmente y él es más juguetón, desenvuelto, gracioso, le gusta desnudarse emocionalmente y lucir calzoncillos. Quizás es que, al fin, él representa el sempiterno barón dominante que explica cómo se conocieron sin que ella diga nada y cuando ella quiere hablar no deja de interrumpirla. Quizá sea así porque él necesita explicarse y explicarnos su bisexualidad.

La directora francesa Séverine Chavrier, a la que conocimos hace cuatro años con Ylos nuevos donde olvidara (la adaptación deEl horno de cal de Thomas Bernhard), ha vuelto al Teatre Nacional de Catalunya. Y lo ha hecho con una adaptación muy libre de una de las obras más celebradas pero también de las más complejas de William Faulkner, ¡Absalon, Absalon! Faulkner narra el ascenso y caída de Thomas Sutpen, un niño pobre del Misisipi de principios del siglo XIX que alcanzará la riqueza y se convertirá en un tirano esclavista en busca de reconocimiento social.

La princesa francesa Margarita de Anjou es un personaje bastante importante de la historia de Inglaterra. Casada por poderes a los 16 años con Enrique VI, se convirtió en una reina poderosa que destacó por su inteligencia y habilidades políticas pero también por su inquebrantable coraje, que, como dijo Edward Hall, la hacía "más parecida a un hombre que a una mujer". Por lo que respecta al teatro, es un personaje secundario de cuatro obras de William Shakespeare (las tres partes deEnrique VI y, sobre todo, Ricardo III), todas ellas documentadas a partir de Las crónicas de Holinshed (Crónicas de Inglaterra, Escocia e Irlanda), escritas entre 1528 y 1580. "Loba de Francia, si no peor que los lobos de Francia", dice el duque de Suffolk en una de ellas.

"¿Por qué? ¿Por qué?" Y hasta más de 20 porqués. Aquella niña de siete años que en la playa obviaba las palabras de su padre para que no se adentrara en el mar y acaba rescatada en medio de una plaga de medusas se ha ido. "¿Por qué? ¿Por qué?" La distancia es una distopía del director y dramaturgo Tiago Rodrigues sobre el miedo a los padres por el futuro de los hijos y también sobre la esperanza de un mundo nuevo que deje atrás el desastre de nuestra humanidad. La hija se embarca en una misión espacial en Marte, en la que se está edificando una nueva sociedad que, para prosperar, debe olvidar el pasado. Olvidarlo todo. Olvidar la Tierra, aunque quieran conservar el aceite de oliva hecho sin aceitunas. Y la hija se ha comprometido en esta aventura sin regreso.

El teatro de Jordi Casanovas se mueve entre las múltiples aristas de la comedia humana y el compromiso del drama político sobre la realidad más cercana. Con Gotemburgo el autor de Jauría, Ruz-Bárcenas, Un menú cerrado, Idiota o Vilafranca se asoma a la comedia sentimental. Lo hace con una historia agridulce sobre el repentino reencuentro de una pareja ya madura 30 años después del viaje de fin de curso a Gotemburgo con sus compañeros de instituto. Allí nació algo entre ellos. Paula (Maria Molins) ha recuperado un viejo diario de su adolescencia, espoleada por la inquietud de desvelar qué ocurrió realmente entre ellos. Para aclararlo, se presenta repentinamente en casa de Sergi (Roger Coma). Así se establece un diálogo, casi un interrogatorio, a lo largo del cual saldrá la forma de entender el amor de ambos. Incluso se planteará que, si bien el pasado no se puede cambiar, quizás sí se puede modificar el recuerdo de ese pasado, aunque no cambie nada.

T de Teatre es la compañía catalana más veterana sólo de actrices (eso no quita que incorporen actores en determinadas propuestas). Llevan 35 años pisando escenarios, desde aquellos fantásticos Cuentos misóginos, de Patricia Highsmith, con los que se dieron a conocer. Tienen una larga trayectoria (14 espectáculos y cerca de 3.000 funciones), a través de la cual han creado una peculiar forma de hacer comedia, escogiendo para cada proyecto un director y dramaturgo diferente. Para Hoy no lloraré se han puesto en manos de uno de los directores argentinos más acreditados entre nosotros, Nelson Valente, responsable de espectáculos como El loco y la camisa, Los perros, Amnesia y Los finales felices son para otros.

Hermanos de sangre nació a principios de los años 80 del pasado siglo del encargo de una obra de teatro de texto para público juvenil de institutos. Poco después, el autor Willy Russell le reconvirtió en un musical aplaudido en el West End, en Broadway y también en Barcelona en la producción estrenada en 1994 en el Teatre Condal con dirección de Ricard Reguant y con Àngels Gonyalons como coprotagonista. Desde la platea del Condal, Daniel Anglès conoció la historia de los dos gemelos de Dª. Johnstone, separados por la precariedad de su madre. Acto seguido se incorporó al reparto para la gira y ahora ha asumido la dirección de una nueva y exitosa mirada que se distancia voluntariamente tanto del original de Londres como de la Barcelona.

Todo el mundo habla. Con mayor o menor conocimiento, es uno de los temas que sale en las conversaciones, coronado con un gran interrogante. Ya está aquí, aunque no lo vemos. La inteligencia artificial se infiltra en todas partes. Gran herramienta de presente y futuro para algunos, virus de aniquilación de puestos de trabajo para otros y pandemonio para todos. Incluso algo tan humano como el teatro ha sido devorado por el Gran Hermano tecnológico en la nueva obra de Gabriel Calderón.

Greta quiere suicidarse es una de las primeras obras de una joven Angélica Liddell y la primera que ganó uno de los muchos premios que vendrían, el Ciudad de Alcorcón de teatro en 1988. Desde entonces, la muerte y el suicidio como último acto poético ha sido omnipresente en la intensa producción escénica del artista nacido en la artista. De hecho, sus dos últimos y aplaudidos espectáculos giraban en torno a su propio funeral –Vudú (3318) Blixen, en 2023– y el de Ingmar Bergman –Dämon. El funeral de Bergman, en 2024–. La creadora entrega un espectáculo, o más, por año, así que ahora estrena en Temporada Alta Sepukku. El funeral de Mishima o el placer de morir, que cerraría una falsa trilogía que percude, y de qué forma, sobre el suicidio como una de las bellas artes y de la muerte como ideal estético del artista.

La paternidad y la maternidad son un misterio infinito, sobre todo en nuestros tiempos. Un misterio que habitualmente no se desvela hasta el momento en el que ya no es posible volver atrás. ¿O sí? En Estados Unidos, además de la adopción pública, se encuentra la privada. Esta última está mucho menos reglada y da lugar a fenómenos como la llamada reubicación privada, por la que niños y niñas del resto del mundo adoptados en Estados Unidos pueden ser regalados por internet o en las reuniones que realizan algunas iglesias evangelistas para colocar a jóvenes que han sido adoptados y rechazados por otras familias.

La mano (titulada originalmente En behanding in Spokane) es la primera obra ambientada en Estados Unidos del irlandés Martin McDonagh, autor que conocimos en 1999 gracias a Mario Gas ya esa joya teatral llamada La reina de la belleza de Leenane. Hace ocho años, La Villarroel presentó también La calavera de Connemara. Estrenada en Broadway en el 2010 con Christopher Walken y la nieta de Elia Kazan (Zoe Kazan) en el reparto, La mano es una comedia negra como La calavera, pero algo más absurda y menos entretenida.

Cuando un autor adapta una obra clásica o muy conocida y avisa de que lo que ha hecho es una "versión libre o muy libre" hay que tener cuidado porque suele ser una excusa para hacer una obra ajena a la original pero aprovechando su eco universal. Mucho me parece que éste es el caso de la desafortunada versión que Lucia del Greco ha estrenado en el Lliure de Gràcia sobre el clásico Mujeres, de Louisa May Alcott (1868).

El italiano Toni Servillo, con Le voci di Dante, y la argentina Romina Paula, con una versión deEl zoo de cristal de Tennessee Williams, han inaugurado esta semana la primera edición del Flash de Otoño. Son dos muy buenos espectáculos para este pequeño festival de artes escénicas organizado por Bitò –la misma empresa que programa el Temporada Alta de Girona– con el apoyo del Ayuntamiento y la Generalitat y la colaboración de varios teatros. Flash de Otoño tantea la posibilidad de una muestra teatral más amplia de espectáculos internacionales para abrir la temporada en Barcelona. Por el momento, se inspira en ciclos como el Memorial Regàs, que durante seis ediciones (de 1981 a 1987) acercó a Barcelona un teatro internacional de calidad y que desapareció por la falta de apoyo institucional.

Quien mató a mi padre (Más Libros, 2019) es la tercera novela autobiográfica del joven escritor francés Édouard Louis (Hallencourt, 1992). Una trilogía iniciada con Adiós a Eddy Bellegueule –gran éxito editorial con el que se dio a conocer–, publicado en catalán por Més Llibres en el 2015, en el que hablaba del acoso escolar, la homofobia y la injusticia que sufrió por ser gay, y que sigue con Historia de la violencia (Más Libros, 2018), donde plasmaba la violación e intento de asesinato que sufrió la Navidad del 2012. La pobreza, la violencia doméstica e institucional, la marginación de lo diferente y la falta de justicia social se manifiestan en las tres entregas de diversas formas.

Las vidas aparentemente más aburridas pueden esconder pequeños y grandes dramas. El protagonista de este cuento negro de Lluïsa Cunillé es un hombre gris con una vida gris. A pesar de ser muy leído, ha podido escoger poco. Y no es que no tuviera sueños de juventud, todo lo contrario, él quería viajar y ver mundo. Incluso un día pensó que le gustaría enrolarse en el circo de la que sería su esposa, la hija del domador de elefantes. Pero el mundo que le pasaba por delante era el del quiosco de su padre junto a un centro de convenciones en el que no tenía otro remedio que trabajar.

Hay que aplaudir el compromiso y atrevimiento de los promotores del nuevo teatro La Fàbrica, que, a pesar de conocer de primera mano los riesgos económicos del negocio (es un decir) teatral, ya que también gestionan el teatro La Gleva, ahora invierten bueyes y cencerros en una instalación cultural de dos salas (una de 200 localidades) y un bar. El aforo es importante porque en la geografía teatral de Barcelona abundan las salas pequeñas que no llegan a los 100 espectadores y que tienen dificultades para subsistir y limitaciones en las posibilidades de producción.