Si se le da a elegir, Fernando Franco siempre elegirá el camino más escarpado. Su filmografía nos habla de un cineasta al que no le gusta ponérselo fácil, y que se autoimpone un doble reto: abordar frontalmente cuestiones incómodas –el carácter inestable de una mujer con trastorno límite de personalidad en La herida, la agonía de un enfermo terminal en Morir, la sexualidad de una persona con parálisis cerebral en La consagración de la primavera– sin caer en el sensacionalismo morboso que estas le ofrecen. Este propósito cobra más sentido que nunca en La luz, que tiene el protagonista más inasumible de todos los que ha retratado el director: un cura que toma conciencia de la gravedad de los abusos que infligió a menores tres décadas atrás.

El plano general de una pista de atletismo constituye la imagen inaugural de Corredora, la estimulante opera prima de la directora Laura García Alonso, premiada en el Festival de Málaga. Mientras aparecen los títulos de crédito, una figura femenina corre por la pista hasta que, después de dos vueltas, se detiene exhausta. Desde su inicio, la película apuesta por la puesta en escena del esfuerzo físico y la búsqueda de los límites de la resistencia corporal (y mental) como eje vertebrador de la propuesta narrativa y visual. La cámara abandona pronto la distancia de seguridad proporcionada por este plano general inicial para acercarse, de manera vertiginosa, al cuerpo en movimiento continuo de su protagonista, la Cris (Alba Sáez, fantástica), una atleta de alto rendimiento para quien correr y competir son sustitutos de la vida.

La cara oscura de la Mallorca del turismo de sol y playa. Esto es lo que el productor mallorquín Luis Ortas quería explorar cuando puso en marcha el proyecto de Mallorca confidencial, el thriller criminal dirigido por David Ilundain que se estrena este viernes con una estupenda Lolita en la piel de la matriarca de un clan de narcotraficantes de un poblado gitano de Mallorca. Alrededor de este personaje con muchas capas, que se erige en líder del poblado pero que tiene una agenda propia de intereses, la película dibuja el ecosistema de corrupción policial, empresarial y política que sustenta el tráfico de drogas, pero sobre todo una historia familiar de sacrificios y traición en la que una joven gitana (Asia Ortega), sobrina de la matriarca, debe decidir sus lealtades.

En su libro Tale of cinema, el crítico Dennis Lim señala la importancia de los hoteles en el cine de Hong Sangsoo, como si sus personajes gravitase inconscientemente hacia espacios que no pueden hacer suyos. En tiempos recientes, sin embargo, el cineasta se ha interesado cada vez más en localizaciones habitables, como la finca de A dalt de tot o, muy especialmente, el gran hogar familiar que, al inicio de ¿Qué te dice esta naturaleza?, despierta la admiración del joven poeta Donghwa. Su novia Junhee le explica que fue su padre quien la construyó y, encuriosido, Donghwa se acerca a la puerta para contemplarla mejor, precipitando el encuentro accidental con su familia política, que le invita a pasar con ellos una jornada que devendrá reveladora y humillante a partes desiguales.

Una diligencia debida es una investigación o revisión exhaustiva que se hace antes de una compra, inversión o acuerdo importante para detectar riesgos, problemas o información relevante que suele llevarse a cabo dentro de marcos financieros, empresariales o legales. Lo que no es tan habitual es activar esta auditoría en una relación sentimental. ¿Te imaginas iniciar una diligencia debida oficiosa sobre tu pareja días antes de casarte con ella? Kristoffer Borgli, sí. De hecho, El drama es un análisis de riesgos que se abre de manera totalmente accidental, en una cena de unos futuros marido y mujer con los padrinos de la boda para probar las viandas del convite.

Cristian Mungiu se une a la exclusiva lista de cineastas con dos Palmas de Oro. Diecinueve años después de ganar la primera con Cuatro meses, tres semanas y dos días, el cineasta rumano ha vuelto a triunfar en el Festival de Cannes con Fjord, donde abandona su Rumanía natal para viajar a Noruega y relatar el drama de una familia rumana evangélica y ultraconservadora a la que los progresistas servicios sociales noruegos retiran la custodia de los hijos cuando descubren que el padre –Sebastian Stan, que recupera aquí su rumano materno– les aplica castigos físicos.

Sin duda, una de las tendencias de esta edición del Festival de Cannes es el protagonismo de las relaciones LGBTI, presentes en ocho títulos de la competición oficial. El film donde el tema es más central ha sido, por supuesto, La bola negra de los Javis, pero también La vie d’une femme, con una estupenda Léa Drucker como cirujana que se enamora por primera vez de otra mujer, y, sobre todo, Coward, donde Lukas Dhont explora las trincheras de la Primera Guerra Mundial como espacio donde las sexualidades disidentes encuentran rendijas para existir.

A Viva, la película con la que Aina Clotet ha ganado el premio revelación de la Semana de la Crítica de Cannes, la protagonista es una bióloga que estudia cómo alargar la vida hasta los 120 años. Y, casi como si fuera una secuela de este film, en la otra opera prima de una directora catalana estrenada en el Festival de Cannes, The end of it, los avances científicos permiten estirar la vida indefinidamente y vivir en una juventud eterna sin enfermedades en la que la mortalidad se reduce a accidentes puntuales. La coincidencia temática de los dos films no sorprende a Maria Martínez Bayona (Reus, 1989), la directora de este drama de ciencia ficción: “Es una obsesión global como si después de haber llegado a Marte ahora solo nos quedara derrotar la muerte. Pero resulta un poco absurdo, sobre todo cuando tenemos tantos problemas como especie”.

La Generalitat ha paralizado el rodaje de la película The last druid (El último druida), protagonizada por Russell Crowe, previsto en Sant Cugat del Vallès, después de detectar incumplimientos en las medidas de seguridad establecidas por la crisis de peste porcina africana. El departamento de Agricultura, Ganadería, Pesca y Alimentación, que dirige el consejero Òscar Ordeig, ha enviado un requerimiento a la empresa responsable de la producción.

En el último poema de los Sonetos del amor oscuro, Federico García Lorca escribió: “Tú nunca entenderás lo que te quiero / porque duermes en mí y estás dormido”. A Javier Calvo, la mitad alta del dúo artístico conocido como los Javis, le llamó especialmente la letra o final de dormido–explica–. “Lo leí de adolescente y pensé que era una errata, pero no, decía dormido, no dormida, y se refería a un hombre. Pero en los libros de texto de la escuela se omitía que Lorca era gay, como si fuera una vergüenza o como si no fuera importante para explicar quién era. Y hay que recordar que fue asesinado, entre otras cosas, por ser homosexual. No se ha explicado lo suficiente que el segundo autor más importante de la literatura española es gay, y tampoco de qué dolor y qué herida venía su obra”.

Tarde llega esta comedieta sobre un machista que, después de un accidente, se despierta en una realidad alternativa en la que las mujeres están al poder y los hombres reciben el trato discriminatorio que ellas han tenido que soportar toda la vida. Quizás hace 25 años este film habría tenido más sentido que ahora... o quizás no: las semejanzas entre esta obra de Thea Sharrock y Family man y Qué piensan las mujeres, ambas películas del año 2000 y ambas también fábulas morales con un planteamiento argumental muy similar, son muchas. Todas usan un arco de redención del protagonista principal que va del comportamiento censurable al despertar ético después de un suceso de naturaleza fantástica.

Definitivamente, Cannes le trae suerte a Aina Clotet. Cuando presentó la serie Això no és Suècia en el festival Canneseries ganó el premio a la mejor actriz, y tres años después se ha llevado el premio Revelación de la Semana de la Crítica de Cannes por su primera película como directora, Viva, que también protagoniza. "Gracias por creer en nuestra película y por abrirnos las puertas al mundo", ha dicho Clotet cuando este miércoles ha subido al escenario del espacio Miramar para recoger el premio, que la Semana de la Crítica entrega junto con la Fundación Louis Roederer y que el año pasado ganó el film Nino de la francesa Pauline Loquès.

Un año después de estrenar allí Romería, Carla Simón ha vuelto al Festival de Cannes con un corto recién salido del horno: Flamenco, producido por Icex, el organismo público que promueve la internacionalización de las empresas españolas. Protagonizado por la coreógrafa y bailaora Rocío Molina y con dirección musical de Niño de Elche, la obra, que ya se puede ver en la página web de Icex, sirve como ensayo para el próximo largo de la directora, que está preparando un musical flamenco.

En una edición del Festival de Cannes en la que, a pesar de los rumores, finalmente no hemos tenido una nueva película de Lars von Trier, la cuota de cine extremo que saca de quicio a buena parte de la prensa ha quedado bien cubierta por otro director danés que suele provocar tanta indignación como entusiasmo: Nicolas Winding Refn ha presentado fuera de competición la magnífica Her private hell, un paso más en el camino que lo aleja cada vez más del cine narrativo convencional y de volver a dirigir otro Drive. La película es un salto sin paracaídas que lleva al extremo la aproximación estética al cuento de terror de la anterior The neon demon, con una trama aún más fina e interpretaciones entre hieráticas y operísticas. Después de ver la que seguramente será una de las películas más radicales del festival, se entiende mejor por qué Thierry Frémaux no se vio con coraje de programarla en la competición oficial.

El universo audiovisual de Star Wars continúa vivo en las plataformas de streaming, pero hacía unos años que estaba en barbecho en la pantalla grande. The mandalorian & Grogu es una extensión de una serie liderada por el dúo extraño formado por un héroe-sicario con aires de John Wick y un entrañable pequeño proyecto de jedi. No se incluye ningún protagonista de la trilogía original, pero la acción tiene lugar en un futuro cercano a los acontecimientos que se relataban (el cazarrecompensas mandaloriano busca a quienes intentan resucitar el Imperio Galáctico después del colapso mostrado en El retorno del Jedi). Y el inicio del film hace un guiño a la memoria cinéfila: el paisaje nevado y la aparición de determinadas tecnologías invocan la memorable El Imperio contraataca en una versión adaptada a las convenciones, más aceleradas y aparatosas, del cine de acción actual.Después, la cosa quizás se atasca un poco. Los efectos digitales y las creaciones visuales de mundos alienígenas (algunos de los cuales pueden remitir a los clásicos paisajes sci-fi del ilustrador pop Roger Dean) parecen superiores a los ejecutados en otros blockbusters de nueve cifras. La trama de búsquedas y rescates cruzados, en cambio, es bastante rutinaria. Como otras películas comercialísimas incrustadas en sagas más grandes, caso de Wonder Woman 1984, el resultado remite a aquello que en los cómics se llamaba fill-in: una historia un poco atemporal y sin demasiada relevancia que tapaba un hueco en la continuidad a la espera de relatos más ambiciosos. Sorprende, y puede frustrar, que el regreso a las salas comerciales de la franquicia sea una moderadamente agradable aventura de acción que transmite esta intranscendencia. Como si, cómodos (o perdidos) en la serialidad, los responsables de todo ello ya no supieran o no quisieran distinguir entre un episodio doble de una serie y un gran acontecimiento cinematográfico. Todo es lo mismo, todo es contenido, quizá.

El fantasma es siempre una imagen que insiste en hacerse presente. En El sexto sentido (1999), o incluso en Ghost (1990), por ejemplo, lo que impedía el descanso eterno de los difuntos eran los asuntos que estos no habían resuelto en vida. El fantasma tiene una deuda y no puede descansar hasta haberla saldado: la extensión del trabajo más allá de la muerte. Para el tailandés Ratchapoom Boonbunchachoke las razones que movilizan a los espíritus se podrían resumir en dos: la venganza y el amor, aunque lo único que hace posible su existencia sea la memoria que los vivos tienen de los muertos.

Había muchas expectativas puestas en la segunda película que estrena Léa Seydoux en la competición oficial de esta edición de Cannes, L’inconnue. En parte es por la presencia de la actriz francesa, que a los 40 años ya es un mito del festival: ha presentado dieciséis películas desde 2010 –casi una por año– y ganó una Palma de Oro por La vida de Adèle junto con Adèle Exarchopoulos, a quien Seydoux ovacionaba el domingo al final de la proyección de gala de Garance. Pero también había ganas de ver L’inconnue porque es la primera película de Arthur Harari después del Oscar por el guion de Anatomía de una caída, la Palma de Oro de 2023 que coescribió con Justine Triet.

Alguien escribió en Twitter –entonces todavía se llamaba así– unas horas después de la primera proyección de La vida de Adèle, en el Festival de Cannes de 2013, que Adèle Exarchopoulos era, simplemente, la mejor actriz del mundo. Y aquella impresión transmitía la joven debutante en aquella torrencial y maravillosa película, Palma de Oro de aquel año, compartida excepcionalmente por el director (Abdellatif Kechiche) y las dos protagonistas, Exarchopoulos y Léa Seydoux.

Para los fans del cine norteamericano que une el vigor narrativo de los géneros cinematográficos y la ambición autoral de la generación de los setenta, este domingo era un día importante en el Festival de Cannes, porque se presentaba una nueva película de James Gray, responsable de films como Two lovers o Ad Astra y, seguramente, el director norteamericano más infravalorado de las últimas décadas. En Francia, sin embargo, la crítica y el público lo aman, y también en el Festival de Cannes, que ha proyectado con todos los honores Paper tiger, un magistral drama sobre una familia de Nueva York que, al final del verano de 1986, se encuentra inesperadamente en el punto de mira de la peligrosa mafia rusa.

Con el permiso de Pedro Almodóvar, el director español más querido en Francia en los últimos tiempos es seguramente Rodrigo Sorogoyen (Madrid, 1981), que hace solo unos días recibió la Orden de las Artes y las Letras del gobierno francés y ha triunfado en los cines franceses con títulos como El reino o As bestas. La culminación de su historia de amor con Francia es la participación en competición de Cannes de su nueva película, El ser querido, que se estrena este sábado tanto en el festival como en los cines franceses, hecho insólito para una producción española que no llegará a nuestro país hasta agosto.