El año pasado la Mostra de Venecia recibió el impacto de la sobrecogedora La voz de Hind, que mezclaba escenas de ficción y la voz real de una niña palestina para denunciar el genocidio de Gaza. El filme de Kaouther Ben Hania acabó llevándose el Gran Premio del Jurado, y no sería extraño que la historia se repitiera este año con Naza, el documental en el que los periodistas y cineastas israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor exponen los crímenes de guerra cometidos por el ejército de su país durante la Guerra de Gaza. Aunque hay que decir que, más allá de la rigurosa exploración de los métodos empleados por las Fuerzas de Defensa de Israel, Naza logra trascender la denuncia de la barbarie bélica, y ofrece un lúcido y terrorífico retrato de la cara más siniestra del mundo contemporáneo, marcada por la amenaza que la inteligencia artificial supone para las nociones más básicas de empatía, democracia y humanidad.

Quizás casi todas las comedias románticas de Hollywood sean películas de fantasía, pero un punto de interés de la tragicomedia de brujas buenas Prácticamente magia era el uso de elementos totalmente fantásticos para tratar metafóricamente traumas como el miedo a la muerte de un ser querido. La continuación tardía Prácticamente magia 2 es una de esas obras que no tienen sentido por sí mismas. Y cae en dinámicas similares a las observadas en El diablo viste de Prada 2: los personajes no han evolucionado y, además, reviven los dilemas de la obra previa como si fueran nuevos. En paralelo, las protagonistas llevan a cabo una misión bastante genérica. Su primera aventura, un tanto extraña, incluía una trama criminal que enredaba (y enriquecía, o hacía menos previsible) el viaje narrativo. Esta vez todo es más cómodo y miedoso.

En este sugerente largometraje de debut, Lucía Aleñar Iglesias expande el universo creado en su premiado cortometraje homónimo. La cineasta madrileña parte de un espacio físico (una casa en Mallorca, a la orilla del mar) para revelar, poco a poco, la interioridad de una familia sumida en el duelo: una nieta (Zoe Stein, tan inquietante como conmovedora), un abuelo (Lluís Homar, en un registro contenido inusual), una madre y la presencia fantasmagórica de la abuela, que acaba de morir. De Cría cuervos a Verónica, las historias de (y con) fantasmas han constituido marcos ideales para narrativas de iniciación y transición a la edad adulta, pero Aleñar Iglesias esquiva los lugares comunes del subgénero con una propuesta estética, formalista y rigurosa que emula una postal gastada y con un arisco personaje central, la Cata (Stein), que desafía toda definición.

A lo largo del tiempo, cineastas como D.A. Pennebaker o los hermanos David y Albert Maysles se han acercado a músicos como Bob Dylan o los Rolling Stones con la intuición de que observar lo que pasaba a su alrededor valdría la pena. De este impulso han surgido algunas obras maestras del documental, como el retrato del esquivo Dylan en Don’t look back, que casi comparte título con Oasis: Don’t look back in anger. Hay, sin embargo, una diferencia crucial entre los ejemplos citados anteriormente y el filme realizado por Dylan Southern y Will Lovelace: ni Pennebaker ni los Maysles sabían realmente qué pasaría al encender la cámara, si captarían el instante en que un hombre se convierte en un icono o si registrarían un estallido de violencia. En cambio, Southern y Lovelace tienen claro hacia dónde se encamina la empresa; al menos, porque es muy posible que cualquier contratiempo en la reunión de Liam y Noel Gallagher, quince años después de la bronca que precipitó la ruptura de Oasis, habría supuesto la cancelación automática del proyecto.

Treinta y cuatro años después de presentar en el Festival de Venecia Jamón, jamón, de Bigas Luna, la pareja formada por Javier Bardem y Penélope Cruz ha vuelto a pisar la alfombra roja del certamen italiano con motivo del estreno de Bunker, la nueva obra del dramaturgo y cineasta francés Florian Zeller. Se trata de la séptima vez que la pareja de actores españoles comparte la pantalla grande. En este caso, interpretan a un matrimonio formado por un arquitecto de éxito y una editora. El matrimonio vive en Londres, con sus dos hijas, en una situación de privilegio, una “comodidad” que parece haber resquebrajado el bienestar existencial de la mujer. Esta situación inestable se ve golpeada por la aparición de un magnate de la tecnología que ofrece al arquitecto la construcción de un búnker en Hawái.

La actriz estadounidense Susan Sarandon, que el mes de febrero recibió el Goya Internacional en Barcelona, ha denunciado este domingo en Venecia, donde ha presentado la película The echo chamber, haber sido excluida de algunos proyectos por sus críticas a Israel y su apoyo a Palestina.

La Mostra de Venecia se ha vestido de gala este sábado y ha aplaudido con ganas el regreso de Nanni Moretti, uno de los grandes cineastas italianos de las últimas décadas. Hacía treinta y siete años que el director de Caro diario no pisaba el histórico certamen, desde que en 1989 su película Palombella rossa –que ofrecía un ácido retrato del desconcierto de la izquierda italiana– fue excluida de la Sección Oficial supuestamente por razones políticas; el filme se acabó presentando en una sección secundaria del festival, la Semana de la Crítica. Sin embargo, Moretti no se ha mostrado rencoroso durante la presentación de Succederà questa notte, que este año compite por el León de Oro. De hecho, el cineasta ha querido quitar hierro a su distanciamiento de casi cuatro décadas con el festival: “No es verdad que yo tuviera nada en contra de Venecia; simplemente, en todo este tiempo, mis películas nunca estaban listas en verano, que es cuando se celebra la Mostra. Esta vez, en lugar de rodar en primavera, lo he hecho en otoño y, por eso, me ha parecido natural presentar el filme allí”.

Dieciséis muertos y más de un centenar de heridos hacen de los ataques del 17 de agosto de 2017 en Barcelona y Cambrils la matanza terrorista más sangrienta de las últimas décadas. Un trauma en la memoria colectiva del país que, según el guionista Alberto Marini (Turín, 1973), barcelonés de adopción, se olvidó demasiado rápidamente: “El memorial de los atentados está en el suelo de la Rambla, mucha gente ni lo sabe. Enseguida se reabrieron las tiendas, se jugó el partido del Barça y se quiso pasar página. Posiblemente no se quería hurgar más en la herida, pero para curar una herida hay que raspar la carne y limpiarla, no olvidarse de ella y punto”. Marini firma el guion de Cronos, el thriller sobre el 17-A que se estrena este viernes en versión original catalana y que revive aquellos días de angustia y confusión a través del trabajo de los Mossos d'Esquadra para controlar la situación inicial y detener a los culpables del atentado.

Si hay un director que ha sabido profundizar en la existencia de los olvidados, los expulsados por la sociedad, este es Werner Herzog. El cineasta de Múnich ha construido, a lo largo de su prodigiosa y ecléctica carrera, una familia de personajes que, a la fuerza o por voluntad propia, han encontrado su lugar en los márgenes, lejos de las costumbres, más allá de lo que es aceptado o tolerado. Este jueves el Festival de Venecia ha acogido el estreno mundial de Bucking fastard, una película que presenta dos nuevas figuras esenciales del universo de Herzog: Jean y Joan Holbrooke, dos hermanas que hablan, caminan, sueñan y se enamoran al unísono. Los personajes están inspirados en las hermanas gemelas Freda y Greta Chaplin –que ganaron notoriedad en la década de 1980 por su peculiar sincronía y por sus problemas con la justicia–, pero en Venecia, Herzog ha asegurado que Bucking fastard “es una obra de ficción”.

Peter Jackson, el director de la célebre trilogía de El Señor de los Anillos y uno de los grandes nombres del cine fantástico contemporáneo, visitará la próxima edición del Festival de Sitges para presentar una nueva versión remasterizada en 4K de Braindead (Tu madre se ha comido a mi perro en su versión española), el clásico del cine gore que el mismo Jackson presentó en Sitges en 1992. Jackson, que hace unos meses anunció en Cannes que prepara una nueva adaptación al cine de Tintín, recibirá el Gran Premio de Honor de Sitges, que este año también distinguirá a Danny DeVito, actor, productor y director con una extensa trayectoria y personalidad exuberante. En clave fantástica, encarnó al Pingüino de Batman vuelve de Tim Burton, con quien volvió a trabajar enBig Fish, Mars Attacks! y Bitelchús Bitelchús, entre otros. El festival proyectará el thriller Drag, que DeVito produce y que protagoniza, entre otros, la hija del actor, Lucy DeVito. Sitges también premiará a la actriz Amy Irving, una de las protagonistas de Carrie; además, la actriz murciana Bárbara Rey recibirá el premio Nosferatu.

En un gag que combina el humor absurdo de Top Secret! con la animación de línea clara y colores vivos de Steven Universe, el clímax de la muy divertida y a ratos brillante Jim Queen incluye un unicornio troyano (y muy cuqui) del voluminoso ano del cual surgen musculosos hombres gais. A Christopher Nolan le habría horrorizado la idea, pero no hay desenlace mejor para la alocada odisea a través del multiverso gay parisino (de gimnasios a discotecas, de espacios de cruising a saunas) que viven los dos protagonistas –Jim, un influencer ególatra de abdominales perfectos, y Lucien, su joven admirador– para encontrar la cura a la heterosis, un nuevo y terrible virus que transforma a los hombres gais en heterosexuales.

En un país como Cataluña, construido políticamente desde la conciencia crítica hacia la policía, pocas actuaciones han recibido más consenso que la de los Mossos d'Esquadra ante los atentados del 17 de agosto de 2017 en Barcelona y Cambrils. Por eso es posible Cronos, un filme con vocación de llegar a un público amplio en el que estos acontecimientos se desarrollan solo desde la perspectiva policial. Un modelo habitual en Hollywood que el guionista Alberto Marini aterriza en nuestro contexto, insistiendo en la dimensión humana (y no superheroica) de los protagonistas, y el director Fernando González Molina orquesta con más eficiencia que personalidad. El objetivo es recrear aquellas horas fatídicas que todo el mundo recuerda vívidamente en forma de thriller realista (es decir, con muchas localizaciones exteriores) y cargado de emociones.

La Mostra de Venecia ha iniciado la 83ª edición con una calculada combinación de glamour, autoría, entretenimiento y espíritu crítico. La elegancia y el atractivo mediático los ha puesto George Clooney, que este miércoles ha recibido un León de Oro honorífico. Curiosamente, el año pasado ya se pudo ver a Clooney recibiendo un premio a su trayectoria en Venecia, pero fue en las pantallas del festival, en la ficción de Jay Kelly, la película de Noah Baumbach. En realidad, el vínculo entre la estrella de Hollywood y la Muestra viene de muy lejos, desde que en 1998, cuando Clooney todavía formaba parte del reparto de Urgencias, el actor pisó la alfombra roja del festival para presentar Un lío muy peligroso junto a Jennifer Lopez. “Mi historia de amor con Venecia ya tiene casi treinta años, y mi recuerdo más preciado fue mi boda –en 2014, con Amal Alamuddin, en el lujoso Hotel Aman Grand Canal–. Si no lo digo puedo tener problemas en casa”, ha comentado Clooney ante la prensa acreditada, haciendo gala de una sonrisa encantadora y socarrona.

En un escenario como el actual, donde lo fantástico y el terror ocupan un lugar destacado en el debate cinéfilo y cuentan con la atención de buena parte de la crítica, la figura de Eli Roth resulta casi anacrónica: un director que ha encontrado su espacio en la industria practicando las formas menos sofisticadas del género, sin pedir permiso (ni perdón) por su afición a los impulsos primarios. Esta filosofía alcanza su expresión más pura en Dulce sabor a muerte (Ice cream man en el título original), un film de bajo presupuesto realizado al margen de Hollywood, con Roth controlándolo todos los frentes, de la dirección a la producción, pasando por la interpretación (quién sabe si por vanidad o, sencillamente, por ahorrarse el sueldo de un actor), y conceptualizado a partir de una ocurrencia sanguinària: un inquietante vendedor de helados que domina la voluntad de los niños de una localidad suburbial y los insta a masacrar a sus padres, maestros y figuras de autoridad adulta. No hay que buscarle el sentido, porque no hay nada que analizar fuera de la bacanal de excesos gore, que nunca alcanza la euforia esperada, quizás porque la puesta en escena resulta torpe incluso para los poco elevados estándares del director de Hostel (2005), y las imágenes se aguachinan con inteligencia artificial, un hecho que ha causado indignación viral, pero que en el fondo enlaza con la falta de miramientos del linaje del cine de explotación que Roth defiende con más voluntad que acierto.

La historia de Tania Head golpeó a la sociedad norteamericana a principios de los 2000, cuando los norteamericanos apenas se recuperaban después de los atentados del 11 de septiembre de 2001 contra las Torres Gemelas de Nueva York y el Pentágono. Durante años, Head se hizo pasar por superviviente del ataque, apareció públicamente en numerosas ocasiones explicando la historia falsa de su trauma, encabezó visitas guiadas a la zona cero de Nueva York y, hasta incluso, se convirtió en presidenta de la World Trade Center Survivors' Network, la asociación de supervivientes de los atentados. En 2007, un reportaje de investigación de The New York Times destapó que todo lo que había explicado Head era mentira: ni trabajaba en las Torres Gemelas, ni tenía un marido que había muerto en el ataque, ni ella había sido rescatada por un hombre con un pañuelo rojo. Después de aquella revelación, Tania Head desapareció.

El actor británico Tim Curry ha fallecido este miércoles a la edad de 80 años en Los Ángeles, según ha avanzado TMZ. Su carrera está marcada por dos personajes icónicos: el doctor Frank-N-Furter, protagonista del musical de culto The rocky horror picture show, y el payaso Pennywise en la miniserie de terror It, la adaptación de la novela de Stephen King.

Ya es extraño que nadie todavía se haya inventado una palabra que defina y agrupe todas las ficciones sobre el apocalipsis, ahora que cada semana, si no hay una película, hay una serie. De la misma manera que alguien un día se sacó de la manga actioner para los films de acción o survival para los de supervivencia extrema, un apocalipter, por decir algo, quizás facilitaría el etiquetado de cara al espectador. La que toca hoy es la última de Ridley Scott. Y la verdad es que cuesta determinar cuál es el propósito de este film, hacia dónde va, qué pretende, qué nos quiere decir exactamente. Lo que sí nos queda claro es que ya no basta con sacar a Jacob Elordi lo más guapo posible: ahora también debe saber pilotar aviones, arreglar cualquier cacharro, cocinar bien, ser afectuoso con los niños y los animales, parecer el mejor yerno posible y buscar la fraternidad entre las escorias del mundo aunque haya llegado el Armagedón. Un santo varón postapocalíptico. Ah, y también incluir planos existencialistas de él volando con su avioneta destartalada por paisajes de belleza National Geographic con la mirada profunda, mustio, como recordándonos que si es tan buena persona, es porque en realidad se siente muy solo. Es de agradecer que esta vez Ridley Scott no filme con multicámara, aquel recurso que a menudo sacrificaba la planificación intencionada. El director de Alien sabe cuándo una imagen es poderosa. Y iría bien que también fuera más exigente con las que son flojas o tópicas.

El cine es uno de los alimentos creativos de Charli XCX. Así lo declara el título de su último disco –Music, fashion, film–, en cuya portada aparece Martin Scorsese, y que se cierra con un monólogo de David Cronenberg. Pero una figura tan voraz como la autora de Brat no puede conformarse con unos guiños, y en los últimos meses ha dedicado a la pantalla una parte considerable de su hiperactividad: no solo ha compuesto las canciones de Wuthering Heights [Cumbres borrascosas], sino que ha participado como actriz en varios films y, hasta, se ha convertido en motor de dos proyectos: el falso documental The moment y Erupcja, un drama de bolsillo que coproduce, coescribe y protagoniza. Aquí, la antiestrella británica encarna a Bethany, una mujer que vuelve a su ciudad-amuleto, Varsovia, para reencontrarse con su amiga Nel, junto a la que todo parece más excitante y abierto a posibilidades que lo cambian todo, como la erupción de un volcán. La película de Pete Ohs se nos presenta orgullosamente despeinada y con una militancia cinéfila que se hace patente en escenas como aquella en la que Bethany persigue disimuladamente a Nel, una referencia directa a Los disparatados viajes de Céline y Julie (Jacques Rivette, 1974), que la misma Charli XCX señala como uno de sus films de cabecera. Pero, por mucho que quiera tomar como modelo el espíritu libre y colaborativo de la tradición cinematográfica que representa la obra de Rivette, es imposible no percibir Erupjca como un vehículo estelar involuntario, un juguete indie ligado al poliedro de una de las figuras pop más fascinantes de nuestra era.

Más allá del talento para orquestar escenas de acción –en el film As bestas y en la serie Antidisturbios–, el cineasta madrileño Rodrigo Sorogoyen acostumbra a construir sus afiladas odiseas existenciales alrededor de secuencias intimistas cargadas de densidad dramática y atención al detalle. Siguiendo este patrón, El ser querido se inaugura con un dilatado y vibrante encuentro entre un padre (Javier Bardem), un exitoso director de cine, y su hija (Victoria Luengo), a quien hace trece años que no ve y le ofrece el papel protagonista en su nueva película. Por sí misma, esta escena, filmada en primeros planos desde la lejanía, ofrece todo lo que puede pedir un espectador exigente: escritura de alta precisión, silencios elocuentes, ecos de John Cassavetes e Ingmar Bergman, y una dupla de intérpretes en estado de gracia.

El 2026 es de Victoria Luengo (Palma, 1990). Tras su primer papel importante con Almodóvar (Amarga Navidad), llegó el estreno en Cannes de El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, donde interpreta a Emilia, una actriz hija de un famoso director (Javier Bardem), que vuelve a España tras muchos años en Hollywood y le ofrece un papel en su nueva película. Es un drama metacinematográfico con muchos pliegues morales que llega a los cines este miércoles 26 de agosto, pocas semanas antes del estreno en San Sebastián de Sants, el reencuentro de Luengo con Mikel Gurrea, que ya la dirigió en Suro.