La argentina es una de las cinematografías más resilientes de todo el mundo. Mil veces las circunstancias le han sido adversas –la más reciente, cuando Milei y su motosierra llegaron al poder–, y mil veces ha demostrado su capacidad de generar obras notables y libres. El último ejemplo lo tenemos en El tren fluvial, una película que emana de sendos deseos, íntimamente relacionados, de sus directores, Lorenzo Ferro y Lucas A. Vignale: por un lado, deambular por las sensaciones que deja la infancia; por otro, trabajar con un niño que pudiera encarnar la soledad, el desconcierto y la maravilla de esta fase vital. Son, de hecho, los ojos de su protagonista, Milo Barría, a la vez inmensos e impenetrables, los que se encargan de guiarnos por una aventura que se desliga del realismo a medida que el niño se aleja del hogar familiar y se acerca a Buenos Aires, ciudad que significa la apertura al misterio, el riesgo y la posibilidad de descubrirse como alguien diferente.

Conmoción en el cine chileno con la muerte repentina de Sebastián Lelio, el director de la oscarizada Una mujer fantástica, entre otras películas. Lelio era uno de los grandes directores latinoamericanos de su generación, un nombre habitual de festivales como la Berlinale y Toronto que dio el salto a Hollywood en 2017. Según fuentes de CNN Chile, el cineasta fue encontrado sin vida en su casa, en el barrio Las Condes de Santiago de Chile. La familia ha confirmado el fallecimiento: "Con mucha tristeza comunicamos la muerte por motivos de salud del cineasta chileno Sebastián Lelio. Estamos viviendo un momento de mucho dolor y su recuerdo estará para siempre con nosotros". El director estaba trabajando en su próxima película, la adaptación al cine de la novela de Alejandro Zambra Poeta chileno, que se empezó a rodar a finales de septiembre con un reparto liderado por Felipe Zepeda y Clemente Rodríguez.

En las últimas semanas, el estreno de la película La bola negra en los Estados Unidos y Canadá no ha parado de dar buenas noticias al cine español. El éxito ha sido imparable y se ha extendido entre la crítica de cine, e incluso algunos medios han llegado a considerar el filme un firme candidato a los Óscar en diversas categorías. Y el éxito también se refleja en la acogida del público. Según ha avanzado el medio especializado The Hollywood Reporter, este fin de semana se podrá ver la película en 465 salas de cine, después del estreno en solo cuatro salas el 16 de octubre.

Ser hijo de una estrella del cine tiene ventajas evidentes, ni qué decir tiene, pero también riesgos, como pone de manifiesto la extensa lista de juguetes rotos que hay en las familias de Hollywood. A Kyle Eastwood, en cambio, se le ve cómodo con el apellido y con su carrera de casi tres décadas como contrabajista de jazz. Tan cómodo que este martes, en el marco del Festival de Jazz de Barcelona, homenajeará la trayectoria de su padre con un concierto en la sala Paral·lel 62 en el que su quinteto interpretará una selección de temas de las bandas sonoras de las películas de Clint Eastwood, algunas de las cuales coescritas por el mismo Kyle Eastwood.

En 1988, George Michael tenía 25 años, había disuelto Wham! y se encontraba inmerso en la gira de su disco de debut en solitario, Faith, con el cual había cumplido el sueño de todos los músicos que abandonan el grupo con el que han saltado a la fama: no solo igualar el éxito de la nave nodriza, sino también consolidarse en la constelación pop. Cuando el tour hizo parada en el Palacio de París-Bercy y lo llenó dos noches, la cita sirvió para grabar un vídeo promocional para el sencillo Monkey. Lejos de conformarse con este tema, las cámaras filmaron en 35 mm la totalidad de los dos conciertos; un hecho que nos dice tanto de la filosofía derrochadora de la industria musical de la época como del precoz estatus de realeza que había conquistado Michael.

Hollywood intenta exportar otra vez las creaciones del escritor e ilustrador Dr. Seuss (El Grinch). El gato con sombrero, cuento infantil sobre el choque entre el deseo de divertirse y las normas de conducta, regresa en una versión animada y bastante transformada. Un cambio de casa es el detonante de la acción: una madre y sus dos hijos se han trasladado a un piso pequeño en otra ciudad, un hecho que provoca las quejas de la chica. Un gato que habla y genera el caos a su alrededor intervendrá para animar a los jóvenes a golpe de juegos con consecuencias imprevisibles.

La negra tradición española y catalana de asesinos en serie reales (el Hombre Lobo de Allariz, el Jarabo, el Arropiero, Enriqueta Martí, el celador de Olot...) no ha tenido una explotación audiovisual demasiado exitosa; quizá porque no existe aquella fascinación a medio camino entre la morbosidad y el cuento admonitorio –que sí existe en la industria del cine y las series de los Estados Unidos– en torno a estas figuras demasiado horripilantes para un true crime convencional. Por eso solo encontramos obras esporádicas, como la serie La huella del crimen, el film Romasanta y el documental La vampira del Raval.

Por primera vez en la historia de los premios Gaudí habrá más títulos candidatos en la categoría de mejor película, que agrupa los filmes en versión original catalana, que en la categoría de mejor película en lengua no catalana. Concretamente, 21 largometrajes optan a la nominación a mejor película, la cifra más alta de la historia de los premios, frente a 20 largometrajes que optan a la nominación a mejor película en lengua no catalana. La producción de cine en versión catalana ha crecido un 50% respecto a las 14 películas de la edición anterior, que ya era la cifra más alta de una década que comenzó con el mínimo histórico de seis candidatas a mejor película en los Gaudí de 2020, 2021 y 2022.

Sir Patrick Stewart, un gigante del teatro y del cine moderno, ha muerto a los 86 años, según ha anunciado su portavoz, Kelly Bush Novak. El actor murió el miércoles en su casa de Los Ángeles tras una lucha "breve y difícil contra el Alzheimer y la demencia con cuerpos de Lewy". Stewart, forjado en el teatro londinense, aportó un toque shakesperiano a dos grandes franquicias del cine fantástico: Star Trek, donde interpretó al Capitán Picard en series y películas, y la saga X-Men, donde fue el profesor Charles Xavier, un papel que retomó el año pasado en el rodaje de la nueva entrega de Los Vengadores: Doomsday, aún por estrenar.

En 2024 una película de zombis producida en Cataluña por un equipo catalán con un presupuesto ajustado para los estándares habituales del cine de acción se convirtió en la película de habla no inglesa más vista en la historia de Amazon Prime, rozando el número 1 en el top 10 semanal de los Estados Unidos. Apocalipsis Z: el principio del fin, que adaptaba el primer libro de la trilogía zombi del escritor gallego Manel Loureiro, fue un fenómeno inesperado incluso para sus responsables, desde el director Carles Torrens (Barcelona, 1984) hasta la productora barcelonesa Nostromo y la misma plataforma de streaming, que de inmediato encargó una continuación, que llega este viernes –a punto para Todos los Santos– después de pasar por el Festival de Sitges.

Tras el éxito de la serie Yo, adicto (2024), Javier Giner vuelve a contar con Oriol Pla para su debut en el largometraje. En Esta soledad, el director sigue a dos personajes en la treintena a quienes pesa algo más que la soledad: Leo (un Pla que incluso habla en euskera) y Lorea (Marina Salas), que acaban de romper como pareja y no encuentran sus respectivos rumbos en la vida. Desde sus trayectorias errantes en paralelo, Giner va construyendo un retrato intenso, a flor de piel, de una generación desorientada y marcada por un desamparo que nunca se ha explicitado como tal.

La oveja Shaun y sus compañeras ovinas regresan a la pantalla grande el año en que otras ovejas cinematográficas (las protagonistas de la divertidísima S'ha escrit un crim... al corral) amenazaban con hacerles sombra. Por suerte, en la granja hay espacio para todas. El tercer largo de la popular franquicia de stop-motion creada por el estudio Aardman, al que debemos clásicos como Wallace y Gromit: La maldición de las verduras y Chicken Run: Evasión en la granja, presenta de nuevo una historia rellena de gags visuales brillantes y una propuesta estética cuidada y artesanal que alcanza la máxima expresión en las escenas de la torre-laboratorio donde Shaun, convertido en una versión lanuda del Dr. Frankenstein, crea una poción que transformará al alopécico Granjero en un terrorífico monstruo peludo.

Nuevo capítulo en la larga y tortuosa historia de la represión del régimen iraní al cineasta Jafar Panahi. La sala 26 del Tribunal Revolucionario de Teherán ha condenado al director de Un simple accidente a cinco años y un mes de prisión y ha decretado el embargo de sus bienes, según informa Variety, que cita a la agencia de noticias iraní Emtedad. No está claro cuáles son los cargos de los que se acusa al cineasta. El tribunal también ha prohibido a Panahi utilizar las redes sociales durante dos años. Se trata de la primera condena en firme a Panahi desde que en 2025 ganó la Palma de Oro de Cannes por Un simple accidente, que también estuvo nominada a dos Oscar.

Antes de que el cinematógrafo de los Lumière filmase a los trabajadores de su fábrica saliendo a la calle después de una jornada de trabajo, estaba el caballo que Eadweard Muybridge inmortalizó en una serie de fotografías animadas por el giro del zoopraxiscopio. Para algunos, esta es la verdadera primera película de la historia, reivindicada por algunas de las obras más interesantes del cine contemporáneo: de Holy motors de Leos Carax a ¡Nop! de Jordan Peele. El último en hacer un guiño a estas imágenes seminales es el coreano Na Hong-jin, que se deleita en el galope del animal siendo perseguido por una criatura extraterrestre durante una de las explosivas secuencias de acción que ocupan el grueso del metraje de Hope. De la misma manera que el primitivo artefacto de Muybridge no podía captar totalmente el movimiento ecuestre, Na muestra la carrera de la criatura alienígena como un vértigo imposible de aprehender con los ojos (ni con cámaras), y sintetiza de un plumazo una cronología de la tracción de los cuerpos (animales, humanos y digitales) que contiene en sí misma la historia del cine.

La primera película que Stephen Frears (Leicester, 1941) vio en el cine, cuando era muy pequeño, fue el Pinocho de Walt Disney. “Cuando la ballena se lo tragó me tuvieron que sacar del cine, me dio mucho miedo”, recuerda el director de Las amistades peligrosas y La reina, uno de los grandes maestros del cine británico. Director versátil con sentido del humor y un interés genuino por la gente y sus historias, Frears recibe este viernes en Manresa el Premio de Honor del Clam, el Festival Internacional de Cine Social de Cataluña, donde el sábado ofrecerá una clase magistral conducida por Àlex Gorina. La visita de Frears es el plato fuerte de un festival que proyectará hasta el 1 de noviembre filmes esenciales de la temporada como la Palma de Oro Fjord, de Cristian Mungiu, o The debut, de Jesse Eisenberg.

Jordi Sánchez-Navarro, investigador y catedrático de ciencias de la información y de la comunicación de la UOC, es también director de la sección Anima’t del Festival de Sitges, autor del libro La imaginación tangible. Una historia esencial del cine de animación (UOC, 2020) y, sobra decirlo, un gran experto en cine de animación. Por eso tiene valor que el 15 de octubre, al salir de la proyección de Wildwood en Sitges y todavía abrumado, afirmara que “seguramente” era “la mejor película de animación stop-motion de la historia”. Y una vez vista, se hace difícil desmentir a Sánchez-Navarro.

Tilda Swinton dirigiendo una investigación sobre Marianne Faithfull. Albert Serra filmando un concierto de Ingrid Caven como ya no se filma la música en directo. Un viaje al final de las noches donde sonaba Flying free. Remei de Ca la Fresca plantando cara a las empresas que vacían los acuíferos del Montseny. Un cortometraje íntimo sobre Jordi Savall. Crónicas de gira de Fermin Muguruza y Pulp. Tres hechiceras noruegas reivindicando la niebla del black metal. Una cata flamenca de Carla Simón. Son solo algunas de las cosas que pasarán en la 24.ª edición del In-Edit, el festival de cine documental musical que se celebrará en los Mooby Aribau Cinema del 29 de octubre al 8 de noviembre. En total, se proyectarán 70 documentales, de los cuales hacemos una selección. Esta es la recomendación del ARA.

El éxito de una adaptación literaria depende del frágil equilibrio entre la fidelidad al texto original y su necesaria traición. Como pasaba en la reverenciada Sentido y sensibilidad de 1995 dirigida por Ang Lee y escrita por una de sus actrices, Emma Thompson, la nueva adaptación dirigida por Georgia Oakley se sitúa a suficiente distancia de la obra original para presumir de personalidad propia. La apuesta de la directora de Blue Jean (un impactante drama lésbico ambientado en la Inglaterra de Thatcher) es acercar la obra moderna e inmortal de Austen al público contemporáneo a través de una estética naturalista, pictórica (el filme está rodado en 35 mm) e intimista que recuerda al cine de Jane Campion o Sofia Coppola y que muestra a las hermanas Dashwood como nunca: hablando indolentemente en la cama o corriendo por desolados paisajes naturales despeinadas o con los vestidos manchados de barro.

En la flamante trayectoria fílmica de Lee Chang-dong –que se inició en el año 1997 con Green fish, cuando el surcoreano tenía 40 años y era un novelista consagrado–, el drama existencial siempre ha convivido con el estudio incisivo de la realidad social contemporánea. Esta combinación reaparece en Un amor posible, una producción de Netflix en la que el director de Oasis y Burning se aproxima a la idea de la lucha de clases, o lo que queda de ella. Inspirándose en un caso real de despidos masivos que sucedió en una gran industria surcoreana hace más de diez años, Lee compone una impactante radiografía emocional de la vida en el seno del capitalismo global.

Por suerte, tal como está planteado el formato de críticas en este diario, los que las escribimos no tenemos que detallar en la ficha a qué género pertenece la película que reseñamos. Si no fuera así, con filmes como Garza azul las pasaríamos canutas. Qué película más astutamente extraña e indefinible. ¿Qué es exactamente este debut de la canadiense Sophy Romvari? Comienza pareciendo cine indie intimista e impresionista, continúa introduciendo elementos casi documentales y ensayísticos, y el relato acaba plegándose sobre sí mismo en un recurso narrativo casi de cine fantástico que une pasado y presente dentro de las mismas imágenes.