Para entender qué clase de película es Michael, el biopic sobre Michael Jackson que se acaba de estrenar, solo hay que fijarse en los créditos, donde aparecen como productores principales John Branca y John McClain, los abogados designados como albaceas del negocio post mortem de Michael Jackson y que lo han convertido en la celebridad muerta más rentable del mundo, con más de 3.500 millones de euros generados desde la muerte de Jackson en 2009, según Forbes. Como tantos otros biopics, Michael existe sobre todo como estrategia comercial que debe proteger y reforzar una marca. Por tanto, el margen de libertad artística que han tenido el director Antoine Fuqua (Training day, Los amos de Brooklyn) o el guionista John Logan (Gladiator, Skyfall) se intuye muy escaso.

Los dragones son carne de cultura pop. Cine, series, literatura, música y cómics se han servido de los dragones estirando los límites de lo que este animal mitológico puede representar: imponente bestia fantástica, animalito simpático, criatura exótica... En la ficción, el dragón es un personaje maleable que se puede adaptar a la comedia familiar, el cine de monstruos o la fantasía épica. Elegimos 10 que han pasado a la historia.

Una granja en algún rincón de la Alemania rural es el centro deEl sonido de la caída, la película revelación de Cannes 2025 que se despliega a lo largo de cuatro generaciones de habitantes de esta casa. Pero el segundo largometraje de Mascha Schilinski (mucho más ambicioso que su opera primaDark Blue Girl) se distancia de las grandes sagas narrativas que explican la historia de un país desde la particularidad extensiva de una familia. Y no sólo porque los grandes acontecimientos que marcan la Alemania del último siglo a duras penas se intuyen o se recogen sólo por la manera en que afectan indirectamente a los protagonistas. Sobre todo porque Schilinski pone en el centro la perspectiva de una serie de personajes femeninos que habitualmente no han protagonizado los grandes relatos históricos para componer una película en torno a la subjetividad femenina entendida también como una experiencia colectiva intergeneracional.

A Cédric Jimenez le fascinan las fuerzas del orden. O, más bien dicho, los rostros que hay detrás: sus rutinas, su dedicación, su noble falibilidad. Hasta ahora había abordado la cuestión desde los códigos del policíaco expeditivo y con cierta pretensión de realismo, hasta el punto de presentar, en Novembre, una recreación espectacular de la investigación posterior a los atentados de París de 2015. Zona 3 mantiene el motivo temático, pero cambia el enfoque para mirar hacia el mundo de anteayer: el gobierno francés, además de implementar un sistema de zonas que impide el acceso al núcleo urbano de la capital a los habitantes de la banlieue, deja la vigilancia y las investigaciones policiales en manos de una inteligencia artificial de la que es casi imposible escapar.

Comencemos por resolver el interrogante que seguramente les ha surgido al posar la vista sobre esta crítica: ¿quién demonios es Lee Cronin? Se trata de un director con dos largometrajes previos, A hole in the ground y el apreciable el apreciable Posesión infernal: el despertar. Unos créditos que difícilmente justifican la incorporación de nombre y apellidos al título de una obra, deferencia que se suele reservar a demiurgos como Fellini. Es posible, sin embargo, que este bautismo no tenga tanto que ver con el ego del realizador irlandés como con los malabarismos de marketing de Warner Bros. y Blumhouse para intentar retener el anzuelo de una figura icónica de lo fantástico como es la momia y, al mismo tiempo, desmarcarla de las recientes encarnaciones fílmicas, el fiasco protagonizado por Tom Cruise y la franquicia aventurera y apta para todos los públicos encabezada por Brendan Fraser.

El cineasta colombiano Simón Mesa Soto (Medellín, 1986) ganó la Palma de Oro al mejor corto del Festival de Cannes de 2014 con el proyecto de final de estudios del máster que cursaba en la London Film School, donde Carla Simón era una de sus compañeras. Una década después, las dificultades para levantar la segunda película hicieron aparecer las dudas y el miedo. ¿Y si su éxito inicial había sido un espejismo? ¿Acabaría siendo solo un profesor, una vez aparcado a la fuerza el sueño del cine? Estas inquietudes acabaron plasmándose en Un poeta, comedia divertidísima y a la vez muy amarga que se estrena este viernes y que tiene un protagonista maravilloso: Óscar Restrepo, un poeta que ganó muy joven un premio importante y que ya mayor y fracasado remoja la derrota vital en alcohol y autocompasión, vive de la pensión de una madre anciana y enferma y utiliza las aspiraciones literarias (“¡Yo soy un poeta!”) como trinchera donde resguardarse del trabajo. “Tú lo que eres es un desocupado”, le espeta con razón la hermana, que le empuja a aceptar un trabajo como maestro de literatura.

Quien piense que nos encontramos ante un biopic del pintor Pierre-Auguste Renoir, o de su hijo, el cineasta Jean Renoir, se equivoca. El estilo impresionista y las pinceladas ágiles del primero se intuyen solo en la reproducción de la pintura La petite Irène que la niña protagonista cuelga en la pared de su habitación. Pero la cineasta japonesa Chie Hayakawa (Pla 75) comparte con los dos Renoir, padre e hijo, una mirada humanista sobre el mundo y un interés real por los rostros y los cuerpos de los actores (o modelos) que retrata. Renoir, estrenada en la competición oficial de Cannes, no es una película perfecta, pero la sensación es que Hayakawa está muy cerca de forjar un estilo propio (impresionista, sutil, humanista) que la singulariza y que, al mismo tiempo, la emparenta con el cine de otros cineastas japoneses contemporáneos como Koreeda o Hamaguchi.

Después de unos cuantos años transitando por un purgatorio de proyectos fílmicos de carácter impersonal y series para olvidar, Gus Van Sant vuelve a la primera línea cinematográfica con Prime crime: a true story, un título que hace pensar en un drama criminal de sobremesa pero que esconde otras cosas. De entrada, un retrato sobre la lucha de clases en que el director de Drugstore cowboy (1989) y Elephant (2003) se pone del lado de un hombre común (un enérgico Bill Skarsgard) que en la Indianápolis de 1977 secuestra al hijo de un banquero como venganza por sus trapicheos financieros (un entonado y sibilino Al Pacino).

El mejor antídoto contra la banalidad de algunas tertulias es un debate con gente que conoce lo que toca. Por ejemplo, cuatro personas que el subdirector de Cultura del ARA, Xavi Serra, convocó el martes en la Sala Laya de la Filmoteca para conversar sobre el canon del cine catalán del siglo XXI, la lista con 267 películas que ha publicado el diario y que se puede consultar en un magnífico y modélico interactivo. "Un dossier excelente, una iniciativa sin precedentes con una encuesta en la que han participado 200 expertos para hacer un canon posible", tal como dijo Pablo La Parra, el director de la Filmoteca (donde este miércoles habrá un encuentro con Carla Simón). El interactivo, por cierto, muestra también las 200 votaciones (cada una de 10 películas). "Es una manera bonita de descubrir películas, debatir y conversar sobre nuestro cine", celebra Serra, que imaginó el encuentro del martes como "una extensión de la encuesta" y una oportunidad para concretar algunas de las características del cine catalán; como el naturalismo que conecta con cierto cine europeo de autor y la fructífera relación entre el lenguaje del documental y de la ficción.

La primera película como directora de la actriz Aina Clotet se estrenará en mayo en el marco de la Semana de la Crítica, el prestigioso certamen francés que se celebra en paralelo al Festival de Cannes y que organiza la Unión de Críticos de Cine de Francia desde 1962. Viva,que se sitúa en un futuro próximo en que Cataluña sufre una sequía extrema, está protagonizada por la misma Clotet en el papel de una mujer que acaba de cumplir los 40 años y se está recuperando de un cáncer.

Uno de los proyectos culturales más ejemplares del panorama cinéfilo catalán podría poner el punto final el domingo 19 de abril. Después de 25 años, el Col·lectiu de Crítics de Girona está a punto de perder la gestión del Cinema Truffaut, un equipamiento municipal que pasará a ser gestionado por la empresa del exhibidor Toni Badimon, que programa los cines Rambla de l'Art en Cambrils. El motivo del cambio es el concurso público convocado por el Ayuntamiento de Girona, en el cual se ha impuesto el proyecto de Badimon gracias a una puntuación más elevada de la oferta económica, 4.000 euros más baja que la del Col·lectiu de Crítics. Los miembros del colectivo no han hecho de momento ninguna valoración, a la espera de una reunión de urgencia con el consistorio gerundense prevista para este lunes por la tarde.

Cuando el director inglés Kirk Jones conoció a John Davidson para explicarle que quería dirigir una película sobre su vida, lo primero que Davidson le dijo fue: “¡Joder!”. Pero no era una invitación espontánea a follar sino uno de los tics verbales que han marcado su vida desde los 14 años, cuando se le manifestó el síndrome de Tourette. Davidson pasó en cuestión de semanas de ser un adolescente normal que sacaba buenas notas y tenía un grupo de amigos a ser marginado en la escuela, etiquetado como loco, apaleado por los compañeros y, en alguna ocasión, detenido por la policía. Su lucha por tener una vida digna, relacionarse con los demás y encontrar un trabajo son la materia prima de Incontrolable (I swear), la película inspirada por Davidson, que se estrena este viernes y que ya es uno de los grandes éxitos del cine británico de la última década, con más de un millón de espectadores en salas en el Reino Unido y premios como el Bafta al mejor actor de Robert Aramayo, que se impuso, entre otros, a Leonardo DiCaprio y Timothée Chalamet.

El cine español hará historia en la próxima edición del Festival de Cannes, donde tendrá tres películas en la competición oficial: Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar; La bola negra, de Javier Ambrossi y Javier Calvo, conocidos como los Javis, y El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen. Después del doblete del año pasado con las películas de Carla Simón y Oliver Laxe en competición, esta tripleta histórica confirma una tendencia que no tiene precedentes en un festival tradicionalmente receloso del cine español. Sus rivales por la Palma de Oro serán, entre otros, las nuevas películas de autores tan contrastados como Ryusuke Hamaguchi, László Nemes, Asghar Farhadi, Pawel Pawlikowski y dos directores que ya han triunfado en Cannes: Hirokazu Kore-eda y Cristian Mungiu.

En un momento de debilidad, se puede tener la tentación de dar la razón a los espectadores que creen que The history of sound es melindrosa, soporífera y cuqui. Sería negar la evidencia de que la película tiene una narrativa lánguida, que la historia de amor que cuenta se presenta de manera apagada y que la factura general del film, a veces, parece que esté pensada para ir acompañada de la etiqueta #OnePerfectShot. Pero si lo pensamos dos veces, al final no hace falta darles la razón. Porque si la sexta película del director sudafricano Oliver Hermanus es así es porque, claramente, quiere serlo. Es una decisión de estilo, un voto de rigor creativo plenamente consciente.

En 1952 la revista inglesa Sight & Sound pidió a 85 críticos de todo el mundo sus 10 películas favoritas de la historia del cine. 63 respondieron a la llamada y con las listas que enviaron se confeccionó un primer canon posible de la historia del cine, liderado con 25 votos por El ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica. La encuesta de Sight & Sound, repetida y expandida cada diez años, ha demostrado el poder de las listas para crear opinión, promover el debate y celebrar la excelencia en el cine. Con esta misma vocación, ARA ha preguntado a 200 expertos cuáles son las mejores películas catalanas del siglo XXI. El objetivo es celebrar el cine catalán de los últimos 25 años, pero, sobre todo, pensar y debatir nuestro cine con espíritu lúdico y crítico.

La escena con la que arranca Incontrolable (I swear) es una de las más comentadas de la vida de John Davidson, la persona real que inspira el film (y que ya había sido objeto de varios documentales previos). En la recepción en la que debía ser condecorado por Isabel II, se le escapó un "Fuck the queen". Un momento que ilustra esta condición incontrolable del síndrome de Tourette, trastorno caracterizado por los tics verbales y gestuales irreprimibles que padece la persona afectada. Y una escena que marca el tono de un film perfectamente encuadrado en la mejor tradición de la feel good movie británica de clase obrera con vocación de concienciar sobre algún asunto, que engloba títulos como Full Monty, Quiero ser como Beckham o, en parte, la reciente Pillion. El film genera una empatía inmediata hacia este hombre nervioso ante el protocolo real, a la vez que utiliza un humor de asumible irreverencia para presentar el conflicto. Si la reina de Inglaterra no se ofendió ante este exabrupto, ¿quiénes somos el resto de mortales para no encajar con comprensión las disrupciones de una persona con Tourette, por muy agresivas que suenen?

¿Qué habría pasado si Broad city hubiera continuado hasta que Ilana y Abbi hubieran cumplido treinta años y fueran madres? La respuesta es Babes, escrita y protagonizada por Ilana Glazer, el vendaval cómico responsable de aquella serie de culto. Glazer ya no tiene a su lado a Abbi Jacobson, su colega en aquella ficción fundacional sobre las absurdas desventuras de tener veinte años y vivir en Nueva York, pero está muy bien acompañada. Dirige Pamela Adlon, creadora de Better things, otra serie autobiográfica sobre otro tipo de desventuras femeninas: las que implica ser una madre separada a cargo de tres hijas.

El italiano Paolo Sorrentino vuelve al mundo de la política, esta vez a través de un jefe de estado ficticio: Mariano De Santis (Toni Servillo), un jurista veterano que afronta sus últimos meses en el cargo con una ley de eutanasia y dos indultos sobre la mesa. Si el realizador retrató al exmandatario Giulio Andreotti mediante un burbujeante artefacto pop en Il divo, ahora ha optado por una aproximación más reflexiva y por una narrativa visual sorprendentemente contenida que remiten a la prudencia (¿o indecisión?) de su nuevo protagonista. Los movimientos de cámara que marcaban La gran belleza se reservan para expresar algún momento de especial inquietud del personaje. La excepción es una escena más histriónica que puede tener sentido (ridiculizar la inflexible ceremoniosidad del poder), pero que también puede parecer un eco inadecuado de obras previas... o un peaje autoral como los cameos de Hitchcock.

Cineasta alemán de referencia de las últimas décadas, Christian Petzold (Hilden, 1960) ha visitado Barcelona con motivo de la retrospectiva que le ha dedicado el Festival D'A, un programa que incluye su última película, que llegará a los cines el 10 de abril. En Espejos n. 3, una estudiante de piano deprimida y única superviviente de un accidente mortal de coche se recupera en casa de una mujer que acaba de conocer. Ternura y conexiones inesperadas en una película que funciona como compendio de virtudes y obsesiones de uno de los directores europeos más en forma del momento.

Con motivo del 40° aniversario de la franquicia, el icono del videojuego por antonomasia vuelve a la gran pantalla con Super Mario Galaxy. La película, secuela directa del exitoso film estrenado en 2023 bajo el paraguas creativo del estudio Illumination. Para conmemorar la ocasión, el polifacético fontanero se inspira en uno de los juegos estrella de su catálogo para consolas en una adaptación libre que bebe de las referencias al universo de Nintendo. A mil revoluciones, el frenesí inagotable lleva a los entrañables personajes de un lado a otro en una aventura que se estrella continuamente en una serie de precisas casualidades que sirven para celebrar una vitalidad desbocada.Este registro festivo se convierte en el receptáculo colorido de una fórmula repetida hasta la extenuación. Las medidas directrices formales, las convenciones presumibles y el humor ligero configuran un modelo sencillo que se acomoda a cualquier superficie. Sin embargo, asumiendo estas coordenadas esquemáticas, la película abre la posibilidad de rendirse al sentido gratuito del espectáculo. Y el incommensurable poder del imaginario diseñado por Shigeru Miyamoto certifica la dimensión de un mundo soñado desde el píxel, que ve reflejada su culminación en el movimiento preciosista y la imitación de un lenguaje que nos invita a recordar por qué nos fascina todo lo que rodea los asuntos del Reino Champiñón.[Podéis ver las proyecciones en versión castellana en este enlace.]