En una fiesta clandestina en las Tres Chimeneas del Besòs aparece muerto Nico, un joven bailarín. Su hermana, Lola (Zoe Bonafonte), de 17 años, tendrá que adentrarse en un mundo oculto de batallas de baile para descubrir la verdad y reconectar con su pasión por la danza. Esta es la premisa de A fuego, debut en el largometraje de la barcelonesa Estel Díaz, directora de series como Red flags (Atresplayer) y Desaparecido (Netfilx). Producida por Atresmedia Cine, Sábado Time y A Contracorriente Films, la película se estrena este viernes tras pasar por el Atlàntida Mallorca Film Fest. Díaz la construye como un thriller juvenil de ritmo frenético y coreografías eclécticas. “Hay una concepción según la cual los jóvenes se cansan enseguida cuando miran contenidos audiovisuales. Y no. Los jóvenes no se cansan enseguida si el contenido es de calidad. Hay que darles calidad, y sobre todo que las imágenes que llenan la pantalla tengan un sentido”, explica Díaz a el ARA.

Expediente X popularizó en los años noventa el recurso narrativo del monstruo de la semana. En la serie, los protagonistas hacían frente a toda clase de amenazas que se resolvían en cada episodio. Aunque el concepto ya venía de lejos, fueron ficciones posteriores como Buffy, cazavampiros o Supernatural las que, con autoconsciencia, más lo desarrollaron. La saga Insidious abraza desacomplejadamente esta fórmula a través de una narración de cronología diversa que da pie a múltiples relatos con diferentes protagonistas, manteniendo como nexo el icónico personaje de la médium (Lin Shaye) y un peligro que siempre surge del mundo de los muertos: un abismo de almas torturadas atrapadas entre nuestra realidad y la siguiente. La protagonista de Insidious: fuera del más allá es una madre soltera con infancia traumática (el trauma es un elemento vertebrador de la saga) que no solo tiene la capacidad de viajar a ese otro mundo, sino que también es el vehículo para que las entidades que lo habitan puedan salir. Como en toda fórmula, y en una franquicia donde todos los films parten de un patrón similar, este nuevo capítulo, escrito y dirigido por Jacob Chase (Vine a jugar, 2020), resulta más que previsible en los giros de guion. Ahora bien, el cineasta incluye elementos de interés: por un lado, un cierto discurso político que, aunque tímidamente y escudado en el terror de sectas, aborda las falacias del populismo; por otro, el subtexto de herencias familiares, inherente en los films de Insidious, se trata aquí desde un relato sobre mujeres que asumen solas la crianza. La propuesta mantiene el espíritu lúdico y de circo de los horrores del conjunto (la secuencia de la revisión dental, por ejemplo), pero insiste en un tono demasiado psicologista, como si quisiera espejarse de forma desigual en las excelentes ficciones de Mike Flanagan. En cualquier caso, bienvenido es el intento.

El título inofensivo en castellano de este tirante drama checo no permite presagiar su contenido desasosegante. El original,Sbormistr, una única palabra que significa “el maestro del coro”, da más pistas: la película es una descripción empática de una comunidad íntegramente femenina, la del coro juvenil del título, y un único hombre, este maestro reverenciado y temido que es, también, un compulsivo depredador sexual.

La actriz norteamericana Hayden Panettiere ha fallecido este domingo a los 36 años, según han confirmado fuentes de su entorno a la revista People. La familia no ha informado de la causa del fallecimiento y ha pedido privacidad mientras se investigan las circunstancias. Los medios norteamericanos, sin embargo, detallan que según las grabaciones de los servicios sanitarios que la atendieron en su domicilio en Greenville, Carolina del Sur, Panattiere habría sufrido una sobredosis y una parada cardíaca. Aun así, la investigación preliminar de la policía descarta que la muerte sea por "circunstancias sospechosas".

“Me prometieron el cielo / pero de momento sigo atrapada en la tierra, luchando para salir adelante”. Así dice Promis le ciel, la canción de Delgrès que, además de inspirar el título de El cielo prometido, pone el ritmo a los minutos finales del tercer largometraje de Erige Sehiri, redondeando el discurso que la película ha ido construyendo orgánicamente. La directora de Entre higueras (2022) se fija en esta ocasión en tres mujeres del África subsahariana que viven en Túnez, marginadas legal y socialmente. Marie trabajaba como periodista y ahora es pastora evangélica, y da refugio a Naney, que quiere reunirse con su hija al otro lado de la frontera, pero no logra salir del estado de transición en el que se encuentra, y Jolie, una estudiante con la mirada puesta en Europa. A este trío se le suma Kenta, una niña que ha sobrevivido a un naufragio y que actúa como catalizadora de los miedos y expectativas de las protagonistas.

"¿Qué demonios ha pasado?", exclama aturdido un mosso d'esquadra con la cara de Enric Auquer en medio de la confusión de los momentos posteriores al atentado de La Rambla del 17-A. Es una de las imágenes del tráiler de "Cronos, el thriller sobre la operación policial para capturar a los autores de los ataques de La Rambla y Cambrils que llegará a los cines el 4 de septiembre. Dirigida por Fernando González Molina, responsable de éxitos de taquilla como Tres metros sobre el cielo, Palmeras en la nieve o El guardián invisible, será la primera película que lleva al cine los atentados del 17-A. De hecho, es la primera ficción cinematográfica sobre unos atentados terroristas en Cataluña.

No había claras favoritas para el Leopardo de oro de esta 79ª edición del Festival de Locarno, en la que tampoco competían nombres ya reconocidos, excepto por el recurrente Hong Sang-soo. El jurado presidido por el belga Fabrice Du Welz ha honrado dos films, la rumana You don’t belong here de Florin Șerban, Leopardo de oro, y la brasileña The Riverbank (A margem do rio) de Matheus Farias y Enock Carvalho, Premio especial del jurado, que coinciden en abordar el preocupante incremento en todo el mundo de los discursos de odio y de la violencia contra aquellos a quienes se considera diferentes. Y ha dejado fuera films más estimulantes en cuanto a sus riesgos estilísticos, inquietudes artísticas o sobriedad expositiva. Es el caso de Lejos de los árboles, de Meritxell Colell, que, sin embargo, ha entusiasmado a la crítica: ha conseguido, fuera del palmarés oficial, el premio FIPRESCI que concede la Federación Internacional de Críticos, y el Boccalino de oro al mejor film, que entrega la crítica independiente suiza.

Después de reencontrar las raíces familiares en Con el viento (2018) y remover las llamas de la pasión en Dúo (2022), Meritxell Colell (Barcelona, 1983) explora las heridas del exilio y el dolor de la pérdida en Lejos de los árboles, la película que estrena este jueves en la competición del prestigioso Festival de Locarno. A través del viaje de una artista sonora mexicana y su guía peruano, Colell mezcla temporalidad y género en un relato casi fractal sobre la ausencia; sin duda, su película más redonda, ambiciosa y compleja.

El final de Oak Street comienza con una jornada soleada de celebración, juegos y barbacoas vecinales prototípicamente estadounidense. Una estampa idílica de la que todos los espectadores desconfiarán, ya sea porque conocen la filmografía previa de David Robert Mitchell –en particular, el texto esencial para el terror contemporáneo que es It follows– y saben que el cineasta presenta una inclinación a poner el dedo en la llaga del malestar suburbano. O, sencillamente, porque han visto alguno de los carteles del film, donde una familia huye de las afiladas mandíbulas de lo que parece un dinosaurio. Sean cuales sean las expectativas con las que se entre a verla, la película satisface, y modula el pulso horizontal con que Robert Mitchell suele tensar el scope para acercarlo a los códigos de un entretenimiento hollywoodiense que el director duda si desafiar o reverenciar.

Pocos nombres célebres en el concurso internacional por el Leopardo de Oro de esta 79ª edición del Festival de Locarno, lo que permite otorgar protagonismo a cineastas menos reconocidos. El tacto es clave en Objet A, el segundo largometraje de Ann Oren, una directora que se dio a conocer también en Locarno, en 2022, con Piaffe, un film centrado en el dispositivo sonoro cinematográfico y su capacidad para desvelar dimensiones eróticas inesperadas. En Objet A los dos protagonistas, cirujanos especializados en las manos, mantienen una relación ligada a las dinámicas de la dominación-sumisión y están obsesionados con los objetos: ella es cleptómana, y él se deja objetivar sexualmente.

Para su opera prima, Muriel d'Ansembourg ha elegido una pareja de intérpretes debutantes: Caolán O'Gorman y Safiya Benaddi son Alec y Nina, dos adolescentes que se conocen en el instituto y que, a partir de un trabajo de investigación conjunto sobre la adicción a la pornografía, comienzan a desarrollar la típica tensión de los primeros amores. El conflicto surge cuando el joven, que ayuda a su padre a rodar cine para adultos en un set improvisado en su casa, adopta conductas intolerables, fruto de su relación precoz con el sexo.Andrew Howard, actor galés que ha trabajado en La odisea o Tenet, junto con la estrella del porno inglesa Alessa Savage, ofrecen la perspectiva adulta del relato, que explora las contradicciones de hacer de la industria del porno un asunto demasiado doméstico. El foco, sin embargo, apunta al joven, un chico introvertido que, de alguna manera, vive una doble vida: aunque le resulta increíblemente fácil disociar cuando encuadra un primer plano del pene de su padre, una vez llega el momento de afrontar su propia sexualidad se encuentra perdido. Será en el momento de conocer a Nina cuando Alec se dará cuenta –como anticipa el título de la película– de quién es él realmente; o, quizás, de en quién lo han convertido sus circunstancias personales.La película busca incomodar al espectador, no únicamente mostrando la explotación pornográfica del cuerpo femenino –a menudo violentado y maltratado en este tipo de cine–, sino también poniendo en el centro un tipo de relación paternofilial poco convencional. Alec perdió a la madre cuando era pequeño y se encontró solo con Dylan, que intenta salir adelante con aquello que sabe hacer (aparentemente) mejor. Si bien el debate moral sobre las decisiones que toman los personajes resulta especialmente estimulante, la potencia de la propuesta se va diluyendo a medida que avanza. Las buenas ideas, sin embargo, no desaparecen, y hacen de Truly naked un debut seductor.

La música siempre ha tenido un papel clave en el cine de Albert Serra. De modo que Seize moments de ma vie, la película-concierto que ha estrenado mundialmente en el Festival de Locarno, no supone una excepción sino una propuesta coherente en la carrera de un cineasta con una sensibilidad especial por otras disciplinas literarias, escénicas y sonoras. El film nos sumerge en un concierto de Ingrid Caven en colaboración con los Molforts (Ferran Font, Enric Juncà, Joe Robinson y Marc Verdaguer), que tuvo lugar en el Théâtre des Bouffes du Nord de París el año pasado. Si en Tardes de soledad, el de Banyoles convertía el cine en un ámbito de encuentro íntimo entre el torero, el toro y el público en la sala, en Seize moments de ma vie vuelve a generar este espacio de introspección fílmica compartida en que Caven desgrana dieciséis temas musicales inspirados en su vida, en una atmósfera sonora y lumínica acogedora en que resuenan con intensidad sobrecogedora sus versos punzantes sobre la experiencia traumática de la guerra, el vínculo con el cine o las angustias terribles que aparecen en los momentos más banales.

El cineasta neerlandés Frank Scheffer (1956) es uno de los nombres de referencia del documental musical contemporáneo, con una trayectoria de más de cuatro décadas dedicada a explorar la relación entre la música, las artes y la creación audiovisual. En sus más de sesenta obras, ha retratado figuras como Frank Zappa, John Cage, Elliott Carter, Francis Ford Coppola, Brian Eno o Pierre Boulez, siempre desde una mirada introspectiva y experimental que se aleja de las formas explicativas del documental tradicional. Este agosto, la programación de música y cine de l’In-Edit Empordà, dentro del Festival de Torroella de Montgrí, le dedica una retrospectiva que se cierra el miércoles 12 con Half moon, una obra que aborda la guerra, el exilio y la amistad a través de la música del clarinetista y compositor sirio Kinan Azmeh. La proyección contará con un concierto previo del mismo Azmeh y un coloquio posterior con el director.

Cuando M. Night Shyamalan, presidente del jurado de la edición de 2022 de la Berlinale, otorgó el Oso de Oro a Alcarràs de Carla Simón, dijo que los motivos de este premio eran las "extraordinarias interpretaciones, desde los niños hasta los actores de más de ochenta años", y también su "habilidad para mostrar con sensibilidad una familia y su conexión y dependencia con la tierra". Bien, pues estos dos argumentos podrían valer perfectamente, sin tocar ni una coma, para Vivir la tierra, el Oso de Plata a la mejor dirección para Huo Meng de 2025, también en la Berlinale.

Hace dos años que Pablo la Parra (Gandía, 1987) tomó el relevo de Esteve Riambau como director de la Filmoteca de Catalunya, un tiempo que le ha permitido empezar a desplegar un proyecto transformador que ya se ha hecho notar en una programación cada vez más abierta y permeable a las inquietudes contemporáneas. En conversación con el ARA, el investigador valenciano hace un balance de su gestión al frente del centro.

Considerado por muchos el gran compositor europeo de música de cine de este siglo y sucesor natural de Maurice Jarre, Alexandre Desplat (París, 1961) tiene en su palmarés dos Oscars (por El Gran Hotel Budapest y La forma del agua) y diez nominaciones –y desde el domingo también el Master of Cinema del Atlàntida Mallorca Film Fest–, pero continúa sintiéndose incómodo ante los elogios. “No soy el mejor de nada, solo un compositor con poco tiempo para escribir la música de alguna película”, protesta Desplat. “Es curioso, porque la mayoría de compositores de la historia del cine acabaron en el cine por accidente: Alex North, Ennio Morricone, Nino Rota... Todos querían ser compositores clásicos. Pero yo siempre quise trabajar en el cine”.

En el Japón del siglo XVII, el teatro kabuki desterró a las mujeres del escenario, hecho que llevó al surgimiento de la figura de los onnagata, actores encargados de encarnar los personajes femeninos. Su maquillaje blanco y labios pintados, y su grácil precisión gestual han sido influyentes más allá de sus fronteras (David Bowie reconocía en ellos una referencia para su aura estelar), y todavía hoy son una de las piezas más preciadas de la disciplina. Así lo presenta Kokuho, melodrama que se expande con paso firme desde la década de los sesenta hasta 2014, y que es guiado por la convulsa relación entre dos onnagata que son criados como hermanos. Uno, Kikuo, hijo de un yakuza asesinado por sus rivales; el otro, Shunsuke, primogénito de Hanjiro, un célebre actor de kabuki. Cuando este decide nombrar a Kikuo como su sucesor en detrimento de su hijo de sangre, el escándalo y los celos erosionan irremediablemente el vínculo entre los protagonistas.

El realizador Renny Harlin (La jungla 2), un nombre relevante del Hollywood de finales del siglo pasado, firma una nueva película que no es de ninguna parte y levantada con una financiación internacional que incluye a la productora barcelonesa Nostromo. El proyecto tiene algo de actualización digital de una coproducción catastrofista de los años setenta por su naturaleza transnacional y también por un cierto tono inconcreto, una comercialidad que intenta ser para todos los públicos. En mar abierto no asume la seriedad aparente de films un poco más ambiciosos como la reciente Laberinto en llamas, ni abusa del humor negrísimo del cine de serie B más festivamente cruel.

Los rumores sobre la muerte del cine de superhéroes han resultado ser exagerados. Spider-Man: Brand new day, la nueva entrega de la saga del héroe arácnido, ha debutado en la taquilla internacional con una espectacular recaudación de 804,3 millones de euros, la segunda cifra más grande de la historia (sin ajustar la inflación), solo superada por los 1.041 millones del estreno de Los Vengadores: Endgame (2019). La película protagonizada por Tom Holland también se ha estrenado con cifras récord en la taquilla norteamericana, con una estimación de 308 millones de euros en su primer fin de semana, rozando los 309,7 millones del estreno en Estados Unidos de Los Vengadores: Endgame.

Cualquier imagen –sea estática o en movimiento– capturada para la posteridad de alguna actividad familiar más o menos prosaica tiene memoria térmica. Como si fuesen las brasas de un pasado que nunca se apaga del todo, las fotos de los seres queridos en un álbum físico o en la galería de imágenes y vídeos del móvil conservan un encanto y calidez intangible pero innegable. Revisarlas es como encontrar alguna de esas pequeñas cosas que decía Serrat en la canción: nos hacen llorar cuando nadie nos ve.