Como un jugador del filial que marca el gol que da la Champions a su equipo. Así de inesperado ha sido el éxito de Obsession. Las buenas sensaciones que esta producción independiente del cineasta youtuber (que no es lo mismo que cineasta y youtuber) Curry Barker generó en los festivales de Toronto y Sitges (donde fue la vencedora moral con tres galardones, incluyendo el muy significativo premio del jurado joven) no han sido una burbuja cinéfila, sino el aviso de un tsunami. En el estreno en Estados Unidos, el film ha multiplicado pantallas semana tras semana y ha desbancado a todos los blockbusters que han tenido la mala fortuna de encontrárselo en el camino. Que esto no entraba ni en las previsiones más optimistas lo demuestra el hecho de que, según el plan estratégico de la distribuidora, el film habría pasado a estar disponible en streaming el 2 de junio, pero la recaudación desbordante ha sido un clamor que ha alargado su vida cinematográfica.

El primer largometraje como directora deAina Clotet, Viva, arranca con una imagen en la que nos reconocemos muchísimas mujeres, sobre todo las de más de 50 años, pero que no suele visibilizarse en el audiovisual: un primer plano del pecho aplastado de la protagonista, la Nora, mientras le hacen una mamografía. Esta representación poco habitual del cuerpo femenino anuncia el posicionamiento cinematográfico de la cineasta respecto a dos inquietudes que atraviesan Viva. La primera, el enfoque frontal y sin tapujos de la situación médica de la Nora, que acaba de superar un cáncer de mama con mastectomía incluida, pero aún vive pendiente de una posible recaída. De hecho, el film transcurre durante las semanas siguientes, mientras espera los resultados de esta revisión del inicio. Este arco temporal sitúa la película en filiación directa con Cléo de 5 a 7 (1962), de Agnès Varda, en la que la protagonista confrontaba un escenario similar y un mismo proceso de reencuentro consigo misma. La segunda inquietud que anticipa esta escena inicial es la relación desinhibida con el propio cuerpo que expresa el personaje, encarnado por la misma Aina Clotet.

Por encima de los vibrantes títulos de crédito de 15 pruebas de amor se escucha un corte de audio real: el del anuncio, por parte del presidente de la Asamblea Nacional francesa, del resultado de la votación sobre el matrimonio igualitario, aprobado en abril de 2013. La poderosa opera prima de Alice Douard parte, por tanto, de un hecho histórico (el film transcurre en 2014) para retratar con sensibilidad y empatía un acontecimiento que pertenece al ámbito de lo íntimo: el terremoto que supone para una joven pareja lésbica, la formada por Céline (Ella Rumpf, en pleno ascenso al estrellato) y Nadia (Monia Chokri, habitual del cine de Xavier Dolan), la decisión de formar una familia, y el discriminatorio laberinto legal y burocrático que esto implica.

Como el monstruo neoliberal que son, las webs de puntuaciones en línea y el periodismo de rankings han transformado la manera en que muchos ven el cine hasta el punto de que parece que la única información relevante respecto a una nueva entrega de una saga es cómo se valora respecto a las otras. Terminamos, pues, con el elefante que envenena esta crítica: Toy Story 5, que se estrena este miércoles, es la peor entrega de la saga, la menos inspirada de todas, incluso comparada con la habitualmente infravalorada –y, sin embargo, estupenda– Toy Story 4. A pesar de todo, Toy Story 5 es muchas otras cosas, y todas magníficas: un entretenimiento delicioso, una demostración de talento narrativo, una crítica (matizada) de la influencia de las pantallas en los pequeños y, sobre todo, una reflexión casi existencial sobre nuestra propia obsolescencia como seres humanos, juguetes necesitados de afecto que pasamos por la vida, nos esparcimos un rato, amamos y caemos en el olvido.

El cine de Michel Franco es el equivalente en imágenes de la frase “yo no soy racista/machista/clasista, pero…” Adicto a los temas fuertes, el director mexicano intenta (o cree) encontrar la distancia justa para que las polémicas que pone en escena estén empapadas de grises. Sin embargo, a la hora de la verdad casi siempre se le escapa un gesto que revela la satisfacción por el hecho de saberse un provocador, o un golpe de efecto que condena a los más desfavorecidos. Hay que decir, sin embargo, que teniendo en cuenta los precedentes insalubres Dreams se coloca con relativa facilidad en la parte alta de su filmografía. Esto se debe a que durante buena parte del metraje Franco permite que sean los rostros y los cuerpos de sus actores los que se expresen: la relación entre la adinerada filántropa estadounidense que interpreta Jessica Chastain y el virtuoso bailarín mexicano a quien hace de mecenas está conducida por un deseo genuino que cristaliza en coreografías carnales. En estos instantes, la película consigue que la clara alegoría en torno al equilibrio de poder y la dependencia entre las naciones que representan los protagonistas no aplaste la escala humana de los efectos. Pero en el universo del autor de Nuevo orden las cosas buenas nunca duran mucho, y el relato avanza con resignación determinista para sacar lo peor de la naturaleza humana y castigar a unos personajes que, durante un instante ingenuo, habíamos creído que el director consideraba como algo más que un instrumento de su tesis.

En uno de los momentos más célebres y virales del programa de entrevistas a personalidades del cine Inside the actors studio, el presentador James Lipton habla con Steven Spielberg sobre cómo el divorcio de los padres del director cuando él era pequeño inspiró algunas de sus películas. “Steven, tu padre era especialista en ordenadores y tu madre era pianista. Y en Encuentros en la tercera fase (1977), cuando la nave espacial aterriza, humanos y alienígenas se comunican haciendo música con ordenadores”, apunta Lipton. Spielberg escucha y sonríe, entre sorprendido y emocionado: “Me gustaría decir que quería ser una metáfora de la relación de mis padres, pero no me había dado cuenta hasta ahora”.

Los Mossos d'Esquadra han detenido en Barcelona al productor de cine Xavier Atance, socio fundador de Benecé Produccions, acusado de agredir sexualmente a tres trabajadoras, tal como ha avanzado "El Periódico". Fuentes de los Mossos d'Esquadra han confirmado a l’ARA que lo detuvieron ayer miércoles en Barcelona y que la previsión es que pase a disposición judicial este jueves mismo. Se ha hecho cargo del caso la unidad de investigación de los Mossos de Les Corts. Por la tarde, la fiscalía ha pedido libertad provisional con comparecencias periódicas en el juzgado, prohibición de salida del estado, retirada de pasaporte y orden de alejamiento de las presuntas víctimas. Finalmente, la magistrada ha acordado la libertad con medidas cautelares: alejamiento y prohibición de comunicación con las víctimas.

A pesar de que está ambientada en la Nueva York actual y de que la protagonizan una pareja de jóvenes con mucho encanto, Un talento único parece concebida para atizar la nostalgia de los cinéfilos veteranos, aquellos que en los años 90 disfrutaban con el estreno regular de películas intimistas con personajes enfrentados a dilemas vitales, afectivos y morales. En este sentido, la historia de un meticuloso afinador de pianos que padece una enfermedad auditiva y que descubre una habilidad para abrir cajas fuertes remite tanto al drama edificante de Mejor, imposible –el afinador encuentra la salvación en el amor de una pianista– como a la mezcla de thriller criminal y comedia pintoresca de Misterio en Manhattan.

«Esto es periodismo cultural del bueno», dice la periodista Imma Merino sobre el libro de Àngel Quintana Dylan i el cinema. Filmar la llegenda (Enderrock Llibres, 2026). «Es fruto de la pasión por Dylan, pero esta pasión la pones a trabajar», continúa Merino, que no oculta la amistad y la admiración por Quintana (Torroella de Montgrí, 1960), catedrático de historia y teoría del cine y uno de los críticos de cine más relevantes del país. En la presentación de este libro espléndido en la Llibreria Ona de Barcelona también está el cineasta Albert Serra, que explicará una anécdota inesperada y que igualmente alaba el trabajo del autor, y destaca unas frases que, dice, describen perfectamente a Bob Dylan, «un hombre que vive en el mundo como si viviera en una ficción»: «Dices que Dylan es alguien que «decidió convertir su existencia en una especie de encrucijada entre viejas ficciones míticas, el deseo constante de vivir experiencias diversas y de convertir la creación en un impulso que todo lo acaba condicionando»». Por cierto, tanto Serra como Merino coinciden en criticar la portada del libro, que reproduce una imagen de Timothée Chalamet haciendo de Dylan en el film A complete unknow (John Mangold, 2025). "¿Qué hace el chaval del Chalamet aquí!", exclama Merino, que, ya que está para criticar, lamenta que Quintana no elogie más a Cate Blanchett, una de las actrices de I'm not there (2007), la aproximación de Todd Haynes a la multiplicidad dylaniana. Los tres, por cierto, admiran a Dylan. Merino, además, valora que tenga como referente cinematográfico Les enfants du paradis (Marcel Carné, 1945). Serra lo considera un "antiacadémico en todo" que recoge el legado del cantante como predicador, "como Hank Williams". "Y es un gran poeta y un gran músico", añade Quintana, que lleva una camiseta con la frase I contain multitudes que Dylan tomó prestada de Walt Whitman para titular una de las canciones del disco Rough and rowdy ways (2020).

Antes de que el sistema de estudios de Hollywood pusiera en marcha la fabricación de estrellas cinematográficas, en Europa reinaban las divas, actrices teatrales que alcanzaban un eco masivo y un prestigio crítico que las convertía en verdaderos símbolos nacionales de adoración popular. Pietro Marcello recupera la figura de Eleonora Duse, todo un mito en la Italia del cambio de siglo XIX al XX, para explorar, desde la etapa madura de la actriz, el surgimiento del fascismo en su país. Un asunto que el cineasta ya había abordado en Martin Eden (2019), una película más equilibrada y brillante en su revisión del drama histórico cinematográfico. Marcello entiende bien que la fascinación de las divas, también como personas, radica en sus contradicciones y en cómo abrazan la dimensión más tempestuosa de la vida.

Siempre es de agradecer que una película no te sermonee. Esto vale para cualquier film, claro está, pero es especialmente relevante cuando se trata de obras que tocan algún tema de carácter social. Iván & Hadoum, en este sentido, se mete en muchos líos ya desde su planteamiento: Iván es un joven trans que se enamora de una compañera de trabajo de origen marroquí del invernadero de fruta y verdura donde ambos trabajan en Almería. Es decir, que la película toca el eje de género, el eje de identidad sexual, el eje de clase y el eje de raza. Pero ninguno de ellos es el eje narrativo. En todo caso, el de clase acaba teniendo más peso, porque las fricciones entre los dos personajes acaban siendo laborales (Iván tiene una actitud complaciente ante los jefes; Hadoum es combativa). Sea como sea, la opera prima como director de Ian de la Rosa tampoco va de eso: va del momento en el que dos personas, al margen de su identidad, confluyen hasta que divergen, como cualquier otra pareja de seres humanos en los primeros compases del enamoramiento.

El thriller hitchcockiano del Cinema Truffaut ha llegado a su fin. Tras semanas de prórrogas e incertidumbre, el Ayuntamiento de Girona ha anunciado este viernes que finalmente adjudica el concurso público a la empresa Rambla de l’Art - Cambrils, que había conseguido más puntuación, por razones económicas, que el proyecto actual del Col·lectiu de Crítics de Girona. Por lo tanto, el Truffaut dejará de ser gestionado por la asociación sin ánimo de lucro que creó el proyecto y que lo ha gestionado de manera ejemplar durante los últimos 25 años. En los próximos quince días hábiles los críticos dejarán sus funciones y bajarán la persiana del cine, a la espera de que entren los nuevos gestores.

Del 14 al 17 de junio se celebrará la cuarta edición del festival internacional de cine e inteligencia artificial +RAIN Film Festival, un certamen impulsado por la Universitat Pompeu Fabra que renueva el debate sobre el impacto de la IA en el cine, el audiovisual y la cultura digital. Según explicó en la presentación el director del festival y catedrático en teorías de la comunicación y métodos de investigación cuantitativa Frederic Guerrero, en las primeras ediciones, la discusión giró en torno al arte y el cine creado con inteligencia artificial, mientras que, hoy por hoy, el eje temático se ha desplazado hacia el impacto social de la IA en diferentes aspectos, como la accesibilidad, la sostenibilidad y las implicaciones éticas.

Desde los dibujos animados de mediados de los ochenta hasta la versión contemporánea, hemos acompañado al Príncipe Adam en diferentes aventuras, siempre adaptadas al público del momento. La propuesta de Travis Knight, más centrada en el universo fantástico que la de 1987 —que resolvía un presupuesto ajustado ubicando la mayor parte de la acción en la Tierra—, pone el foco en la crisis de identidad del protagonista. Después de abandonar forzosamente Eternia con diez años, y de vivir casi dos décadas intentando encajar con la especie humana, Adam encuentra la espada que le permite volver a casa. Allí se reencuentra no solo con Teela, amiga de infancia que funciona más como buddy que como potencial romántico, sino también con una retahíla de fantasmas del pasado que deberá afrontar si quiere hacer de su planeta un entorno habitable.Con la autoconciencia y el humor como armas y una actualización generacional del superhéroe, este nuevo He-Man deja atrás la seguridad de conocer su destino para acercarse a los habituales conflictos del nuevo espectador. La búsqueda del poder se convierte en un viaje introspectivo donde la duda y la fluctuación lideran la travesía, un periplo en el que el personaje abraza la oportunidad de preguntarse quién es y, sobre todo, quién quiere llegar a ser. En esta fiesta colectiva que es He-Man y los Masters del Universo, la diversidad es la norma y la sensibilidad un lenguaje por descubrir. ¿Quién dice que el hombre más poderoso del mundo no puede llevar una sudadera de gatitos?

Cuando tenía dieciséis años, Kane Parsons hizo unos cortometrajes basados en una creepypasta (leyendas espeluznantes que se originan y se viralizan en internet) llamada The Backrooms. Ideados como breves películas de terror de estilo found footage, los cortos se convirtieron en un fenómeno en YouTube y constituyen la base de la ópera prima de un cineasta que, con solo veinte años, ha revolucionado la taquilla norteamericana y, de paso, el género de terror. No es la primera vez que un autor derriba el frágil muro que separa la creación digital de la cinematográfica: de los hermanos Philippou a Curry Barker (director de la reciente, y también muy exitosa, Obsession), la renovación de cierto cine de género actual pasa por la colisión con el universo extraño de algunos de los más talentosos creadores de internet.

Si se le da a elegir, Fernando Franco siempre elegirá el camino más escarpado. Su filmografía nos habla de un cineasta al que no le gusta ponérselo fácil, y que se autoimpone un doble reto: abordar frontalmente cuestiones incómodas –el carácter inestable de una mujer con trastorno límite de personalidad en La herida, la agonía de un enfermo terminal en Morir, la sexualidad de una persona con parálisis cerebral en La consagración de la primavera– sin caer en el sensacionalismo morboso que estas le ofrecen. Este propósito cobra más sentido que nunca en La luz, que tiene el protagonista más inasumible de todos los que ha retratado el director: un cura que toma conciencia de la gravedad de los abusos que infligió a menores tres décadas atrás.

El plano general de una pista de atletismo constituye la imagen inaugural de Corredora, la estimulante opera prima de la directora Laura García Alonso, premiada en el Festival de Málaga. Mientras aparecen los títulos de crédito, una figura femenina corre por la pista hasta que, después de dos vueltas, se detiene exhausta. Desde su inicio, la película apuesta por la puesta en escena del esfuerzo físico y la búsqueda de los límites de la resistencia corporal (y mental) como eje vertebrador de la propuesta narrativa y visual. La cámara abandona pronto la distancia de seguridad proporcionada por este plano general inicial para acercarse, de manera vertiginosa, al cuerpo en movimiento continuo de su protagonista, la Cris (Alba Sáez, fantástica), una atleta de alto rendimiento para quien correr y competir son sustitutos de la vida.

La cara oscura de la Mallorca del turismo de sol y playa. Esto es lo que el productor mallorquín Luis Ortas quería explorar cuando puso en marcha el proyecto de Mallorca confidencial, el thriller criminal dirigido por David Ilundain que se estrena este viernes con una estupenda Lolita en la piel de la matriarca de un clan de narcotraficantes de un poblado gitano de Mallorca. Alrededor de este personaje con muchas capas, que se erige en líder del poblado pero que tiene una agenda propia de intereses, la película dibuja el ecosistema de corrupción policial, empresarial y política que sustenta el tráfico de drogas, pero sobre todo una historia familiar de sacrificios y traición en la que una joven gitana (Asia Ortega), sobrina de la matriarca, debe decidir sus lealtades.

En su libro Tale of cinema, el crítico Dennis Lim señala la importancia de los hoteles en el cine de Hong Sangsoo, como si sus personajes gravitase inconscientemente hacia espacios que no pueden hacer suyos. En tiempos recientes, sin embargo, el cineasta se ha interesado cada vez más en localizaciones habitables, como la finca de A dalt de tot o, muy especialmente, el gran hogar familiar que, al inicio de ¿Qué te dice esta naturaleza?, despierta la admiración del joven poeta Donghwa. Su novia Junhee le explica que fue su padre quien la construyó y, encuriosido, Donghwa se acerca a la puerta para contemplarla mejor, precipitando el encuentro accidental con su familia política, que le invita a pasar con ellos una jornada que devendrá reveladora y humillante a partes desiguales.

Una diligencia debida es una investigación o revisión exhaustiva que se hace antes de una compra, inversión o acuerdo importante para detectar riesgos, problemas o información relevante que suele llevarse a cabo dentro de marcos financieros, empresariales o legales. Lo que no es tan habitual es activar esta auditoría en una relación sentimental. ¿Te imaginas iniciar una diligencia debida oficiosa sobre tu pareja días antes de casarte con ella? Kristoffer Borgli, sí. De hecho, El drama es un análisis de riesgos que se abre de manera totalmente accidental, en una cena de unos futuros marido y mujer con los padrinos de la boda para probar las viandas del convite.