En la flamante trayectoria fílmica de Lee Chang-dong –que se inició en el año 1997 con Green fish, cuando el surcoreano tenía 40 años y era un novelista consagrado–, el drama existencial siempre ha convivido con el estudio incisivo de la realidad social contemporánea. Esta combinación reaparece en Un amor posible, una producción de Netflix en la que el director de Oasis y Burning se aproxima a la idea de la lucha de clases, o lo que queda de ella. Inspirándose en un caso real de despidos masivos que sucedió en una gran industria surcoreana hace más de diez años, Lee compone una impactante radiografía emocional de la vida en el seno del capitalismo global.

Por suerte, tal como está planteado el formato de críticas en este diario, los que las escribimos no tenemos que detallar en la ficha a qué género pertenece la película que reseñamos. Si no fuera así, con filmes como Garza azul las pasaríamos canutas. Qué película más astutamente extraña e indefinible. ¿Qué es exactamente este debut de la canadiense Sophy Romvari? Comienza pareciendo cine indie intimista e impresionista, continúa introduciendo elementos casi documentales y ensayísticos, y el relato acaba plegándose sobre sí mismo en un recurso narrativo casi de cine fantástico que une pasado y presente dentro de las mismas imágenes.

El público del Festival de Sitges, tan señalado esta edición por la mala costumbre que tienen algunos espectadores de aplaudir todas las muertes violentas tanto si es pertinente como si no, ha vuelto a demostrar que, cuando quiere, puede ser el gran activo de este festival. Y lo ha demostrado con un gesto sencillo y natural, de justicia elemental: premiar la mejor película del festival, Wildwood, un filme extraordinario que ya es historia del cine de animación, si no del cine en general. La película del estudio de animación stop-motion Laika, un verdadero prodigio técnico y cinematográfico, se ha llevado el premio del público del festival. En cambio, el jurado de la sección oficial la ha ignorado completamente de su palmarés y ha optado por premiar una obra menor y derivativa como la francesa Sanguine, segundo largo de Marion Le Corroller, que subraya con lápiz fosforescente su crítica a la explotación laboral del capitalismo con elementos de body horror tomados de títulos recientes muy superiores como Cru y La sustancia.

Cuando ya enfila la recta final, el Festival de Sitges ha recibido este viernes a uno de sus hijos pródigos, Duncan Jones, el hijo de David Bowie que en 2009 se estrenó como director con Moon y ganó el premio a la mejor película del festival. “Estoy muy contento de volver a Sitges, es un festival increíble”, ha exclamado un Jones eufórico que cargaba una mochila, guiño a su nueva película: Rogue Trooper, su primer largometraje íntegramente animado, que lleva al cine un gran icono del cómic británico surgida del mítico plantel de la revista 2000 AD.

Gran actor de comedia y enorme cineasta, Danny DeVito (Neptune, Nueva Jersey, 1944) tiene otra faceta brillante pero menos conocida: productor de fino olfato. En los años 90 produjo títulos como Pulp fiction, Cómo conquistar Hollywood, Erin Brockovich (su única nominación al Óscar), Un romance muy peligroso y Gattaca, que en 1997 triunfó en el Festival de Sitges. Cerca de tres décadas después, DeVito visita este jueves el festival para recibir el Gran Premio de Honor y presentar una nueva película como productor, la comedia de terror Drag. Pero esta vez es un proyecto más personal, ya que DeVito lo coproduce con su hijo Jake y su hija Lucy, que también interpreta en el filme a una de las dos hermanas que pasan la peor noche de sus vidas cuando entran a robar en la casa de un artista famoso.

El tercer largometraje de Olivia Wilde (después de la divertidísima Booksmart y de la irregular No te preocupes, querida) desmonta el mito de que el original siempre es mejor que la copia. Wilde y su equipo de guionistas (dos excelentes actores cómicos, Rashida Jones y Will McCormack) imprimen al texto de la obra teatral de Cesc Gay, Los vecinos de arriba, y a su adaptación cinematográfica, Sentimental, una velocidad vertiginosa y una energía contagiosa. La historia es la misma: dos parejas de vecinos, un único espacio, el apartamento de un matrimonio y una proposición sexual muy indecente. Pero las variaciones de guion de Wilde y su equipo, así como la rapidez mareante de un montaje que acelera las reacciones contrapuestas de los personajes, transforman La invitación en una comedia neurótica que recuerda a una época del cine norteamericano, la de los filmes de Elaine May, Paul Mazursky y Mike Nichols, en la que el género cómico también servía para tratar cuestiones adultas; en este caso, el cuestionamiento del matrimonio y del romanticismo heterosexual.

En la comedia Anaconda, un cineasta frustrado que quiere hacer una secuela del filme homónimo de 1997 afirma que no puede mostrar solo una serpiente gigante que mata personas: su filme debe tratar de algo, debe abordar temas como el duelo. Cosas del Hollywood mainstream: las películas deben pertenecer a un género concreto para que se puedan vender más fácilmente, pero se debe remarcar que explican algo más, algo importante. Como Whalefall, una obra en la que el thriller de supervivencia se entrelaza con el drama familiar sobre (exacto) el duelo.

En un Hollywood donde el socialismo es una palabra tabú e incluso Paul Thomas Anderson se resiste a hablar de política después de haber hecho una película tan política como Una batalla tras otra, directores como Boots Riley (Chicago, 1971) son una rara excepción. "Por si no resulta evidente viendo mi película, soy comunista y creo que el pueblo debería controlar democráticamente la riqueza que genera el trabajo. Y para cambiar las cosas, obviamente es necesario luchar. Necesitamos huelgas generales", ha afirmado este miércoles en el Festival de Sitges después de presentar allí la comedia fantástica I love boosters.

La actriz Noomi Rapace ha vuelto al Festival de Cine de Sitges para presentar The end of it, un drama de ciencia ficción distópico, dirigido por la cineasta reusense, Maria Martínez Bayona. Conocida por dar vida a Lisbeth Salander en las adaptaciones de la saga Millennium y por su participación en películas como Prometheus, Lamb o Sherlock Holmes: Juego de sombras, la intérprete ha reflexionado sobre su trayectoria en una entrevista con la ACN. Rapace ha asegurado que todos los personajes que ha interpretado a lo largo de su carrera son "versiones" de ella misma, desde Elizabeth Shaw hasta la Maria de Lamb o la Marta de su nuevo film. "Todos los personajes viven dentro de mí y se quedan dentro de mí", ha afirmado.

Hacia el final de Salve Maria, la última película de Mar Coll, el personaje de la madre con depresión posparto que encarnaba Laura Weissmahr se marchaba unos días a los Pirineos, y allí sus pensamientos intrusivos contaminaban la película con visiones a medio camino entre el horror folk y un relato enfermizo de Mariana Enríquez. Pues bien, Nightborn parece que empieza, ni más ni menos, en ese mismo punto: una pareja de padres primerizos se traslada a una casa aislada en el corazón del bosque finlandés para criar a un bebé con quien parece que la madre no termina de conectar. Normal, porque algo extraño (por no decir directamente espeluznante) le pasa a esa criatura. O quizás el problema es de la madre, y todo ello podría ser una alegoría brutal de un trastorno del vínculo maternofilial.

Dos monitores de grupo scout, diez niños scouts, un refugio de montaña aislado por una tormenta de nieve y una aparición inesperada. Estos son los elementos con los que las directoras Paula Serra (Palamós, 1998) y Clàudia Serra (Barcelona, 1998) construyen el thriller de terror 11, una historia sobre infancia y maldad que coincide temáticamente con el leitmotiv de esta edición del Festival de Sitges, donde esta opera prima más oscura de lo que parece es también la única producción en versión original catalana de la competición.

El sábado por la noche, justo antes de que Peter Jackson (Pukerua Bay, Nueva Zelanda, 1961) recibiera el Gran Premio de Honor en el Festival de Sitges, se proyectó el habitual montaje de escenas de la filmografía del homenajeado que, en este caso, culminaba con la emblemática imagen de King Kong caminando hacia la villa de Sitges que no falta en ninguna sesión del festival. “Para mí esto es realmente increíble –dijo un Jackson emocionado–, porque coinciden dos cosas importantes: que el King Kong de 1933 es mi película preferida de todos los tiempos y que Sitges es mi festival preferido del mundo”.

Hay parejas de Hollywood que intentan no mezclar el amor y el trabajo para proteger la relación, pero no es el caso de Kevin Bacon (Filadelfia, 1958) y Kyra Sedgwick (Nueva York, 1965), casados desde 1988: han compartido pantalla en numerosas ocasiones e incluso se han dirigido el uno al otro en películas y series. En Family movie, que se ha presentado este sábado en Sitges, el actor de Mystic river y la actriz de The closer van más allá y hacen del cine un asunto de familia: la película está dirigida por Bacon, producida por Sedgwick y protagonizada por ellos dos y sus hijos, Sosie y Travis. Por supuesto, la han filmado en la casa familiar.

"No soy una víctima de mis decisiones", espetó en un momento de La vida de una mujer Gabrielle (Léa Drucker), una cirujana en la cincuentena, entregada al trabajo, casada y sin hijos, que contempla cómo la vida se altera a su alrededor: la madre tiene Alzheimer, su cómplice en el hospital decide dedicar más tiempo a la familia, ella se siente atraída por una escritora más joven... La vida de una mujer podría haber caído en el enésimo retrato de una mujer de mediana edad a quien se condena con cierta amargura o pesar por anteponer la carrera profesional a la maternidad. La directora y coguionista Charline Bourgeois-Tacquet, en cambio, construye un personaje femenino sólido y complejo como pocas veces vemos en el cine, una mujer atractiva sin ser demasiado simpática, que abraza la libertad de elegir y no lamenta las consecuencias; capaz de amar de muchas maneras sin caer en el sentimentalismo, y con aquella entrega al trabajo que parece que solo se permita a los hombres. Con una estructura en once capítulos, La vida de una mujer también es un filme destinado a ampliar la base de fans de Léa Drucker, la gran tapada del cine francés, una de aquellas actrices capaces de elevar el material con el cual trabajan. Pese a la buena labor de Bourgeois-Tacquet, es inevitable pensar que, en la piel de otra actriz, el personaje de Gabrielle resultaría mucho menos interesante y convincente.

Recuperado de la operación a corazón abierto que le salvó la vida, Nicolas Winding Refn (Copenhague, 1970) mantiene su característica sonrisa irónica, pero su discurso es más directo y urgente. El director ha viajado al Festival de Sitges para presentar Su propio infierno, que el viernes llega a los cines. Es su filme más estilizado y radical, un cuento sinfónico de terror que se adentra de la mano de Sophie Thatcher y Charles Melton en una distopía urbana de neones rosa donde un asesino mata con impunidad y un soldado busca a su hija desaparecida. Una obra fascinante de un hijo pródigo de Sitges que, inevitablemente, ha eclipsado la inauguración oficial del festival, Cerdita, de Carlota Pereda.

Hace dieciséis años, David Fincher dirigió uno de los filmes esenciales del siglo XXI a partir de una premisa imposible: la creación de Facebook. La red social demostró la habilidad del cineasta para convertir un guion –un texto escrito y hablado– en un espectáculo vertiginoso, transformando hechos prosaicos como una incómoda conversación de bar en imágenes que valía la pena contemplar. Casi dos décadas después, Aaron Sorkin, el guionista de aquel hito y portavoz iracundo de la conciencia progresista en los Estados Unidos, se ha atrevido a escribir y dirigir la secuela, sustituyendo a Fincher y también al actor (Jesse Eisenberg), que encarnó a Mark Zuckerberg de manera modélica, ahora interpretado por un Jeremy Strong lleno de tics.

El Hollywood de la época dorada ha perdido a uno de sus últimos iconos. Eva Marie Saint, que ha fallecido en su casa de Los Ángeles a los 102 años por causas naturales, fue una actriz de relieve dramático y belleza desafiante que trabajó con todos los grandes nombres de su época: Marlon Brando, Alfred Hitchcock, Paul Newman, Elia Kazan, Cary Grant, Elizabeth Taylor, Gregory Peck... Una carrera que abarca siete décadas de la historia del cine pero que brilló especialmente en la de los 50, cuando debutó con La ley del silencio, un cara a cara magistral con Brando que le proporcionó el Óscar, y también cuando en 1959 protagonizó con Cary Grant el clásico de Hitchcock Con la muerte en los talones.

La bola negra ha demostrado la capacidad de los Javis para conectar con públicos mayoritarios con temas que hasta hace poco eran bastante marginales. El fenómeno de la película va más allá del premio en Cannes y los galardones del público en los festivales de Toronto y San Sebastián: atrae al público en masa a los cines. Debutó con 4,7 millones de euros en sus primeros tres días y más de 610.000 espectadores, unos registros excepcionales. En dos semanas ha conseguido 2 millones de espectadores y casi 15 millones de euros de recaudación.

La foto de WhatsApp parece un retrato suyo, pero en realidad es la cubierta del álbum ilustrado que adapta el cuento sobre la ambición ¿Cuánta tierra necesita un hombre?, de Tolstói (Ediciones Ekaré). Eduard Sola acaba de debutar en la novela con El nido (La Campana / Ediciones B) y ya ha entregado el guion de Casa en cenizas, la continuación del fenómeno Casa en llamas, que le valió un Gaudí y un Goya. Se ha consolidado como uno de los guionistas más solicitados del audiovisual estatal (está detrás de títulos como Ravalejar, La casa nuestra, Mi amiga Eva, Querer, La virgen roja), pero dice que todavía no tiene ni barquito ni casa en la Costa Brava.

Dirigida por los periodistas y cineastas israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor –que participaron en la realización de la oscarizada No other land–, Naza disecciona la máquina de muerte desplegada por el ejército israelí para perpetrar el genocidio de Gaza. Los protagonistas del documental son 24 soldados que ofrecen testimonios directos de una campaña bélica ejecutada a distancia mediante sistemas de inteligencia artificial. Una crónica del horror que sorprende por la frialdad de los cronistas, que parecen ajenos al drama humano contenido en sus palabras. Si en la poética El oficio de las armas Ermanno Olmi ilustró las implicaciones de la aparición de las armas de fuego a inicios del siglo XVI, Naza estudia con un rigor clínico el nuevo paradigma marcial en el que los seres humanos son reducidos a factores numéricos o píxeles borrables en una pantalla digital.