En una escena de La Vénus électrique, la comedia de enredos sentimentales y artísticos que ha inaugurado este martes el Festival de Cannes, uno de los personajes reprocha al pintor interpretado por Pio Marmaï que los cuadros que acaba de mostrarle son laboriosos, bien realizados, correctos. “En resumen, horribles”, remata. Sería injusto aplicar un juicio tan estricto a la película de Pierre Salvadori, que también se puede ver como un ejercicio eficaz de artesanía fílmica, discreta pero con cierto encanto y un buen trabajo interpretativo. Su principal problema es, una vez más, el contexto: abrir el festival más importante del mundo no es fácil para una película que va en busca del público sin más intención que entretener y extraer algunas sonrisas. Una ambición que en Cannes puede parecer incluso contracultural.

En un momento deEl amigo silencioso, el neurocientífico a quien da vida Tony Leung (el protagonista de Desear amar en su primer papel en el cine europeo) pesa higos frente a la tele. El profesor tiene poco que hacer porque ha quedado varado en una universidad alemana en plena pandemia de coronavirus. Hasta que un programa con una científica francesa le llama la atención. La experta defiende que las plantas se comunican con nosotros, solo nos hace falta encontrar el canal de comunicación adecuado para descodificar qué nos dicen. Esperonado por esta idea, el protagonista esmera sus esfuerzos en encontrar un dispositivo que le permita conectar con el ginkgo lozano que preside el jardín botánico de la universidad.

Una de las tareas más importantes de los productores de una película es planificar la estrategia de festivales y estrenarla en el mejor escaparate posible. Y no hay ninguno mejor que el Festival de Cannes, el más importante del mundo y con más proyección para el cine de autor. Y si tener una película en Cannes ya es un éxito para cualquier productor, tener tres es una fiesta. Esta es la meta que ha conseguido este año la productora barcelonesa Fasten Films, fundada hace nueve años por Adrià Monés (Sabadell, 1979), que no podría estar más contento con la triple corona cannense. “Son muchos años de esfuerzos, y a veces el resultado es un silencio como aquellos del oeste, cuando pasa un arbusto rodante. Pero estar en Cannes da visibilidad y una vida a las películas, que al final es lo que buscamos”, dice.

La edició d’aquest any del FIRE!! es durà a terme del 4 al 14 de juny amb seu principal a l’Institut français de Barcelona. L’esdeveniment per antonomàsia de cinema LGBTIQ+ de la capital catalana deixa de ser una mostra i passa a ser reconegut com a festival: la dotació econòmica de dos mil euros que preveu el nou premi Ventura Pons al millor llargmetratge és l’element que eleva l’estatus del FIRE!!, una iniciativa engegada l’any 1995 pel Casal Lambda de Barcelona. “El percentatge de pel·lícules LGBTIQ+ en tot el món encara és més baix que la ràtio de persones no estrictament heterosexuals”, va assegurar el director del festival, Antoine Leonetti, a la presentació de la 31a edició davant els mitjans.

Aziz Ansari aún se está buscando. Después de la denuncia de 2018 por un episodio extraño de conducta sexual inapropiada que lo dejó semicancelado, no ha acabado de encontrar el tono para expresarse. El monólogo para Netflix de 2019, la tercera entrega de Master of none en 2021 y ahora su debut como director de cine muestran un creador audiovisual con la voz intermitentemente desafinada. Funciona sobre todo cuando se aleja de la comedia: la última temporada de la serie que lo hizo famoso era magnífica, pero parecía escrita por Ingmar Bergman. Cuando quiere volver a hacer reír, en cambio, camina con pies de plomo y confunde humor blanco con humor insustancial.

No es frecuente que un director especializado en la animación se reoriente a la acción real de manera convincente. Y todavía es más raro que el salto resulte incluso más exitoso que su obra previa. Sorpresa notable, pues, la de Las ovejas detectives, donde Kyle Balda, uno de los barones de la franquicia de Gru y los Minions, lleva a la pantalla la novela homónima de Leonie Swann (publicada en castellano por Salamandra), protagonizada por un rebaño lanudo que se propone resolver un asesinato. Se podría argumentar que el hecho de que los animales hablen y se muevan gracias a los efectos digitales sitúa el film en un terreno limítrofe con las experiencias anteriores de Balda, pero lejos de recurrir a la caricatura, el cineasta optimiza una tecnología hiperrealista para que devenga el pilar humorístico de la propuesta, reservando la excentricidad para detalles que enriquecen el segundo plano, como la abundancia de neones que iluminan incongruentemente el pueblecito británico donde transcurre la historia.

Cuando la directora Marta Matute (Madrid, 1988) tenía 18 años, a su madre le diagnosticaron una demencia frontotemporal. Durante nueve años, toda la familia se volcó en cuidar de la madre, y aquella enfermedad degenerativa se convirtió en el centro de sus vidas. A efectos prácticos, Matute dejó de ser una chica normal de su edad. “Yo quería estar con mis amigos, hacer mi vida, pero la enfermedad lo arrasó todo –recuerda–. De alguna manera continúas con tu vida, pero disociada”. Matute no hablaba con sus amigos de la situación e incluso lo ocultaba, pero ya intuía que tarde o temprano acabaría “haciendo algo” con aquella experiencia. Y así ha sido: Yo no moriré de amor, su ópera prima, que llega a los cines este viernes después de triunfar en el Festival de Málaga con tres premios (Biznaga de Oro a la mejor película, mejor actriz y mejor actor de reparto) que la perfilan como primera gran sorpresa del cine español del 2026.

Tampoco hace tanto que se estrenó Jurat Nº 2. La última película de Clint Eastwood ya era una película de juicios que planteaba una variación sobre Doce hombres sin piedad, el clásico de 1957 de Sidney Lumet. Es decir: el film se cerraba en una sala de deliberación de un jurado popular para hacer partícipe al espectador de las dudas sobre la inocencia o culpabilidad de un acusado. Esto es exactamente lo mismo que pasa en Recreación de un asesinato, pero con una semejanza mucho más marcada con la película de Lumet. Así que un espectador veterano se la puede imaginar entera como si fuera un remake: once personas de un jurado están convencidas de una cosa, y la única que no lo está acaba haciendo cambiar de opinión al resto.

Durante su visita a Barcelona hace unas semanas para recibir el Premio de Honor del BCN Film Fest, José Luis Garci (Madrid, 1944) atendió a la prensa con ganas de hablar de cine y la tranquilidad de no tener que defender ninguna película propia. En teoría, Garci cerró su filmografía en 2019 con El crack cero, y no parece deseoso por volver a dirigir. “Ya no me apetece hacer cine, prefiero un mundo sin reuniones –asegura–. Además, habría que reunirse con las plataformas, que no sé muy bien lo que son. Cuando yo estudiaba, las plataformas eran lo que llevaba Bogart para estar a la altura de Ingrid Bergman”. Se nota que a Garci le divierte presentarse como una reliquia del pasado, pero después admite que sí, que él también está suscrito a Netflix y a “todas” las plataformas, pero “sobre todo a Movistar+ por el fútbol y DAZN por el boxeo”. E incluso ve series. “Me enganché a Succession y me gustó mucho el primer episodio deTrue Detective, y también El Pingüino. Es increíble que no le dieran el Emmy a Colin Farrell”, dice.

El diablo se viste de Prada era, en parte, un film sobre un trío: el que una periodista (interpretada por Anne Hathaway) mantenía con su pareja y con su absorbente trabajo en una revista de moda con una despótica directora encarnada por Meryl Streep. Más que una sátira o una comedia negra, la película parecía una fábula romántica de princesa por sorpresa con un fondo triste que no se acababa de explorar. Su tardía continuación es una secuela con algo de remake: a pesar de que los personajes ya habían completado su evolución, o su ausencia de evolución, las situaciones y los conflictos son muy parecidos a los planteados previamente.

“Una película de Laurent Cantet dirigida per Robin Campillo”. Los títulos de crédito anuncian la naturaleza única de Enzo. El alma del proyecto está en Cantet, que al saber que tenía cáncer quiso trabajar con su coguionista, montador y amigo Campillo para asegurar que el film llegaría a buen puerto. El ganador de la Palma de Oro por La clase murió durante la preproducción, y el hecho de que Campillo haya querido mantener su autoría en segundo plano nos revela que esta es una película que el director de 120 pulsaciones por minuto habría preferido no hacer.

Comienza la torrentera de imágenes de Resurrection y su caudal de ideas lo arrasa todo. Excesiva, alucinada y ambiciosa como pocas obras recientes, el nuevo film del director chino Bi Gan sacude muchas ideas preconcebidas sobre cómo debería ser el cine actual. Para él, las películas deben ser narrativamente atrevidas, visualmente exuberantes y temáticamente profundas. En este caso concreto, estamos hablando de un relato fantástico que repasa más de un siglo de la historia de China a partir de cómo cada período ha sido representado en el cine... o a partir de cómo los que vivieron aquellos episodios habrían querido que realmente fueran. La realidad y el deseo compartiendo plano.

El parque de La Devesa de Girona se ha despertado este lunes con una multitud de personas absolutamente inaudita. Una hilera de gente, sobre todo jóvenes y adolescentes, venidos de toda Cataluña y más allá, hacen cola desde primerísima hora convocados por el anuncio de un casting para la nueva versión de la película Enredados (Tangled), de Disney. Será un remake con acción real del film original de animación, que se rodará en julio en la ciudad y se estrenará previsiblemente a partir de 2027. Al mediodía la fila de interesados en participar en la producción todavía rodea todo el parque gerundense: desde el Palau Firal, donde se hace el casting, hasta pasada la rotonda de los juzgados y la explanada de La Copa. Las calles del alrededor también están a rebosar, los aparcamientos saturados y, en algún momento de la mañana, incluso se ha generado problemas de tráfico.

Para entender qué clase de película es Michael, el biopic sobre Michael Jackson que se acaba de estrenar, solo hay que fijarse en los créditos, donde aparecen como productores principales John Branca y John McClain, los abogados designados como albaceas del negocio post mortem de Michael Jackson y que lo han convertido en la celebridad muerta más rentable del mundo, con más de 3.500 millones de euros generados desde la muerte de Jackson en 2009, según Forbes. Como tantos otros biopics, Michael existe sobre todo como estrategia comercial que debe proteger y reforzar una marca. Por tanto, el margen de libertad artística que han tenido el director Antoine Fuqua (Training day, Los amos de Brooklyn) o el guionista John Logan (Gladiator, Skyfall) se intuye muy escaso.

Los dragones son carne de cultura pop. Cine, series, literatura, música y cómics se han servido de los dragones estirando los límites de lo que este animal mitológico puede representar: imponente bestia fantástica, animalito simpático, criatura exótica... En la ficción, el dragón es un personaje maleable que se puede adaptar a la comedia familiar, el cine de monstruos o la fantasía épica. Elegimos 10 que han pasado a la historia.

Una granja en algún rincón de la Alemania rural es el centro deEl sonido de la caída, la película revelación de Cannes 2025 que se despliega a lo largo de cuatro generaciones de habitantes de esta casa. Pero el segundo largometraje de Mascha Schilinski (mucho más ambicioso que su opera primaDark Blue Girl) se distancia de las grandes sagas narrativas que explican la historia de un país desde la particularidad extensiva de una familia. Y no sólo porque los grandes acontecimientos que marcan la Alemania del último siglo a duras penas se intuyen o se recogen sólo por la manera en que afectan indirectamente a los protagonistas. Sobre todo porque Schilinski pone en el centro la perspectiva de una serie de personajes femeninos que habitualmente no han protagonizado los grandes relatos históricos para componer una película en torno a la subjetividad femenina entendida también como una experiencia colectiva intergeneracional.

A Cédric Jimenez le fascinan las fuerzas del orden. O, más bien dicho, los rostros que hay detrás: sus rutinas, su dedicación, su noble falibilidad. Hasta ahora había abordado la cuestión desde los códigos del policíaco expeditivo y con cierta pretensión de realismo, hasta el punto de presentar, en Novembre, una recreación espectacular de la investigación posterior a los atentados de París de 2015. Zona 3 mantiene el motivo temático, pero cambia el enfoque para mirar hacia el mundo de anteayer: el gobierno francés, además de implementar un sistema de zonas que impide el acceso al núcleo urbano de la capital a los habitantes de la banlieue, deja la vigilancia y las investigaciones policiales en manos de una inteligencia artificial de la que es casi imposible escapar.

Qué película tan íntima y a la vez tan ambiciosa. Dentro de ella es como si diversas maneras de entender el cine estuvieran estirando una cuerda todo el rato, cada una hacia su lado. De esta tensión nace un film que nunca se encoge. A partir de las vivencias de un ingeniero ambiental portugués que viaja por un proyecto en Guinea-Bissau, La risa y la navaja toca diferentes temáticas siempre con mirada penetrante, sin querer quedarse a medias de nada –quizás por eso dura más de tres horas.

Comencemos por resolver el interrogante que seguramente les ha surgido al posar la vista sobre esta crítica: ¿quién demonios es Lee Cronin? Se trata de un director con dos largometrajes previos, A hole in the ground y el apreciable el apreciable Posesión infernal: el despertar. Unos créditos que difícilmente justifican la incorporación de nombre y apellidos al título de una obra, deferencia que se suele reservar a demiurgos como Fellini. Es posible, sin embargo, que este bautismo no tenga tanto que ver con el ego del realizador irlandés como con los malabarismos de marketing de Warner Bros. y Blumhouse para intentar retener el anzuelo de una figura icónica de lo fantástico como es la momia y, al mismo tiempo, desmarcarla de las recientes encarnaciones fílmicas, el fiasco protagonizado por Tom Cruise y la franquicia aventurera y apta para todos los públicos encabezada por Brendan Fraser.

El cineasta colombiano Simón Mesa Soto (Medellín, 1986) ganó la Palma de Oro al mejor corto del Festival de Cannes de 2014 con el proyecto de final de estudios del máster que cursaba en la London Film School, donde Carla Simón era una de sus compañeras. Una década después, las dificultades para levantar la segunda película hicieron aparecer las dudas y el miedo. ¿Y si su éxito inicial había sido un espejismo? ¿Acabaría siendo solo un profesor, una vez aparcado a la fuerza el sueño del cine? Estas inquietudes acabaron plasmándose en Un poeta, comedia divertidísima y a la vez muy amarga que se estrena este viernes y que tiene un protagonista maravilloso: Óscar Restrepo, un poeta que ganó muy joven un premio importante y que ya mayor y fracasado remoja la derrota vital en alcohol y autocompasión, vive de la pensión de una madre anciana y enferma y utiliza las aspiraciones literarias (“¡Yo soy un poeta!”) como trinchera donde resguardarse del trabajo. “Tú lo que eres es un desocupado”, le espeta con razón la hermana, que le empuja a aceptar un trabajo como maestro de literatura.