Con el Werther de Jules Massenet hay que ir con pies de plomo, porque un exceso de azúcar puede producir diabetes crónica en los oyentes. Pero demasiado frialdad también puede serle contraproducente, porque los arrebatados motivos que atraviesan la ópera deben tener la justa fuerza emocional y expresiva para transmitir las desdichas del personaje titular, inspirado en la novela epistolar de Goethe. El director musical Henrik Nánási opta en el Liceo por una lectura amorfa, sin una visión clara de la partitura y con resultados desiguales, a pesar del buen papel de la orquesta titular y de los miembros del Cor Vivaldi Petits Cantors de Catalunya.Vocalmente, la ópera también es de máxima exigencia para los tres protagonistas: Werther, Charlotte y Sophie. Había expectación por ver en el teatro de la Rambla el debut de Xabier Anduaga al servicio del papel que da nombre a la obra y que resolvió con medios sobrados: fraseo sinuoso, bien trabajado, emisión generosa y pronunciación impecable. Sin embargo, el tenor vasco va todavía con pies de plomo. Y es normal que así sea, cosa que nos hace pensar que después de dos o tres producciones más acabará siendo un Werther de referencia.La mezzosoprano alemana Kristina Stanek abordó el papel de Charlotte desde el dominio absoluto de la situación dramática y musical. El aria de las cartas fue uno de los momentos culminantes de la noche, aparte de la escena final con Werther moribundo. A su lado, la Sophie de Sofía Esparza repartió belleza por los cuatro costados, sin caer en el retrato de la lechuga soleada con que algunas sopranos resuelven este rol tan significativo y que la producción de Christoph Loy refuerza de manera muy inteligente.Insuficiente el Albert de David Oller, con un timbre y un color impersonales y una emisión deshilachada. Veteranía sobrada la de Stefano Palatchi al servicio del alcalde y buena química y sentido justo de la comicidad la de dos cantantes bregados en el Liceo y que deberían tener más presencia en el escenario de la Rambla como son Josep Fadó (Schmidt) y Enric Martínez-Castignani (Johann).El espectáculo que firma Christoph Loy y estrenado hace un año en La Scala milanesa trabaja muy bien el retrato de personajes y refuerza su angulosa psicología, con escenas bien resueltas, como el enlace entre el tercer y el cuarto actos: no muere tan solo Werther, porque también se hunde el mundo de Albert, cosa que se muestra en un genial golpe de teatro. La fría pero eficiente escenografía de Johannes Leiacker con el muro que separa dos mundos juega un papel fundamental en un escenario bien iluminado por Roland Edrich y con vestuario funcional de Robby Duiveman. No es el mejor espectáculo de Loy, pero se apuntan buenas ideas y se dejan de lado los clichés asociados a la ópera y al trasfondo de la novela original. Se agradece.

La Òpera Nacional de París, la Scala de Milán, el Gran Teatre del Liceu, el Covent Garden de Londres, el Festival de Salzburgo, el Festival de Peralada... La agenda 2026 es bastante elocuente sobre el magnífico momento artístico de la soprano Sara Blanch (Darmós, Ribera d'Ebre, 1989). Hasta el 9 de mayo está interpretando en la Scala el papel femenino protagonista de la òpera Pelléas et Mélisande, de Debussy, buena prueba de la amplitud del repertorio que está asumiendo una cantante forjada en el bel canto y que a la vez se ha adentrado con autoridad en los universos de Gluck, Mozart, Richard Strauss y Britten, entre otros. "Me gusta trabajar repertorios diferentes, siempre que sean adecuados a mi voz, porque así voy explorando posibilidades. Se trata de mirar la evolución de la voz y hacia dónde puedo ir de acuerdo con las sensaciones físicas y vocales del momento", explica a el ARA por teléfono desde Milán. Sin duda, 2026 es el año de Sara Blanch, recompensa más que merecida al trabajo hecho y al que puede llegar a hacer.

La temporada 2026-2027 del Gran Teatre del Liceu comenzará con las sopranos Anna Netrebko y Anna Pirozzi repartiéndose el papel de Aida en una producción de la ópera de Verdi dirigida por la artista iraní Shirin Neshat. Y la avalancha de grandes cantantes no se detendrá en una programación que incluye nueve óperas escenificadas, cuatro con versión concierto, cuatro espectáculos de danza y una docena de conciertos y recitales. Uno de los conciertos será el Rèquiem de Verdi (3 y 4 de noviembre) con la soprano noruega Lise Davidsen, la gran triunfadora del curso 2025-2026 por el memorable debut como Isolda en Tristan und Isolde. Otras voces destacadas de la temporada son Asmik Grigorian (aún muy presente el recuerdo de su sensacional Manon Lescaut), Ermonela Jaho, Nina Stemme, Sondra Radvanovsky, Sara Blanch, Serena Sáenz, Lisette Oropesa, Nadine Sierra, Piotr Beczała, Brian Jadge, Roberto Alagna, Carles Pachon, Roger Padullés...

La víspera de Sant Jordi, la FOC (Fundació Òpera Catalunya) ponía punto final a la temporada 2025-26 con una nueva producción de La traviata, una ópera que la entidad sabadellense ha montado en diversas ocasiones a lo largo de su dilatada carrera. Y aprovecho para sugerir que la FOC cree una fuente de consulta virtual donde consten los títulos y repartos programados desde 1982.En esta ocasión, la ópera de Verdi cuenta con un doble reparto, aunque puede acabar siendo triple si Maria Miró, inicialmente prevista como una de las Violetta anunciadas –la otra es Montserrat Seró–, se incorpora a las funciones previstas dentro y fuera de Sabadell, después de que una afección vocal la haya apartado. En la función de estreno, la soprano protagonista fue Tina Gorina. La cantante de Sant Feliu de Guíxols, que ya había cantado el rol titular en Valencia, desplegó una musicalidad sensacional, especialmente en un segundo acto lucido y con momentos inolvidables, como la manera de articular la frase “Dite alla giovine, si bella e pura”.Buen material, también, el del tenor mallorquín Antoni Lliteres, un Alfredo entregado, con cabaletta incluida en el segundo acto después de resolver con convicción y firmeza De miei bollenti spiriti.Por su parte, el barítono Luis Cansino exhibió muy buen gusto en el fraseo y en el uso de los reguladores en su duet con Violetta y la posterior ária (y también cabaletta) ante Alfredo. La voz es irregular, pero Cansino se las sabe todas y sacó buen partido del material de base.Buen material también el del foso, con una Simfònica del Vallès lucida y con momentos brillantes (también el Cor d’Amics de l’Òpera), aunque la dirección de Andrés Salado no siempre la acertó en la concertación y con alguna entrada en falso que puntualmente despistó a los intérpretes en el escenario.Carles Ortiz es un veterano director, que sabe escenificar muy bien y que cuenta con la complicidad de la concepción espacial de Jordi Galobart y del movimiento de Jaume Sangrà. En este caso, al servicio de un título archiconocido y sobre el cual ya se ha dicho prácticamente todo. Sin embargo, la idea de trasladar la acción original de la ópera (década de 1840) al glamour de la alta sociedad de 1950 no tan solo mantiene vivo y actual el espíritu de la trama original, sino que ayuda a enfatizar la soledad de la protagonista. Todo un acierto.Después de la gira que llevó el espectáculo a Manresa, Vic, Reus, Viladecans, Cornellà, Lleida, Sant Cugat del Vallès, Granollers, Girona, Tarragona y Barcelona, la FOC calienta ya motores para una nueva temporada, con obras como L’elisir d’amore, el binomio Cavalleria rusticana / Pagliacci, Cançó d’amor i de guerra y Aida. Dos de estos títulos, por cierto, también presentes la próxima temporada en el Liceu... ¿no se podrían poner de acuerdo?

El director de escena alemán Christof Loy cerró la temporada pasada del Liceo con una brillante producción de Rusalka, de Antonín Dvořák, con Piotr Beczala y Asmik Grigorian como protagonistas, todos ellos en estado de gracia. Loy tuvo como cómplice necesario al escenógrafo Johannes Leiacker, otro maestro de la línea clara y la emoción contenida con quien también ha trabajado en la puesta en escena del montaje de la ópera Werther, de Jules Massenet, de la que se harán diez representaciones en el Liceo del 2 al 17 de mayo, con un reparto doble. En el primero (los días 4, 7, 9, 14 y 17), dos cantantes que debutan en el papel: el tenor vasco Xabier Anduaga como Werther y la mezzosoprano alemana Kristina Stanek como Charlotte; dos papeles que en el segundo reparto (los días 2, 5, 8, 11 y 16) cantan el norteamericano Matthew Polenzani y la azerbaiyanaElmina Hasan.

"Nos excita la idea del riesgo, pensar que nos podemos equivocar y que esto puede ser un motor creativo", afirma el actor y director Nao Albet para explicar por qué, junto con su compañero de aventuras profesionales Marcel Borràs, ha decidido lanzarse a la ópera. El dúo artístico —responsable de espectáculos como Falsestuff (2018, Premio Max)— ha escrito, dirige y representa del 15 de abril al 3 de mayo Els Estunmen al Teatro Lliure de Montjuïc. Se trata de una ópera contemporánea con música de Fernando Velázquez, una formación orquestal del Gran Teatro del Liceu en directo y 21 personas en el escenario.

Manon Lescaut siempre funciona si se apuesta por esta ópera en un espectáculo que rellene el clavo de lo que es: apoteosis del melodrama, como la práctica totalidad del catálogo pucciniano. En los últimos veinte años, el Liceu ha presentado tres producciones distintas de la tercera ópera de Puccini, basada en la novela El historial du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut delabad Prévost. Un relato objeto igualmente de las óperas de Auber, Massenet y Henze. Ahora ha vuelto a la Rambla la versión pucciniana en una producción de la Ópera de Frankfurt, con dirección escénica de Àlex Ollé y parte de su equipo habitual: el escenógrafo Alfons Flores, el vestuario de Lluc Castells y la iluminación de Joachim Klein.

El público que vaya a ver Manon Lescaut en el Liceu encontrará primero la proyección de un vídeo. Manon es una inmigrante sin papeles que atraviesa una frontera para llegar a Europa. A continuación, trabajará en un taller clandestino de ropa. Con este prólogo, el director de escena Àlex Ollé traslada al presente la ópera de Giacomo Puccini estrenada en 1893 e inspirada en la novela La historia del caballero Des Grieux y de Manon Lescaut (1731), del abad Prévost. "Funciona perfectamente", aseguró Ollé este miércoles en rueda de prensa. "El gran amor de Manon es ese amor del que no quiere renunciar a un futuro mejor, y eso encaja con nuestra versión, con una chica inmigrante sin papeles que entra en Europa para encontrarse con su hermano", añade.

"Dios ha muerto". La máxima fatalista-liberadora de Nietzsche aparece pintada de color amarillo en una iglesia gótica. Alberich, el nibelungo, es un punk tronado que roba el oro del Rin que estaba escondido en la misma iglesia donde hay un gran retablo reservado a los dioses. En cambio, Wotan, el dios, va vestido como dicta la mitología medieval, incluso con el casco alado. Así, ligando nihilismo, realismo y mito, como el director de escena alemán Tobias Kratzer hace arrancar Das Rheingold (El oro del Rin), la primera de las cuatro óperas del ciclo del Anillo de Richard Wagner. La estrenó en el 2024 en la Ópera Estatal de Baviera, y llegará al Gran Teatre del Liceu a principios del 2027.

La ópera más conocida de Amilcare Ponchielli es difícilmente defendible. Dejando a un lado la intensidad de algunas arias, La Gioconda no cuenta con atractivos dramáticos que permitan una escenificación que vaya más allá del historicismo más tronado. El pretencioso libreto de Arrigo Boito, camuflado bajo el anagrama de Tobia Gorrio, no da para más.

La Gioconda, uno de los grandes dramas operísticos sobre la soledad, vuelve al Liceu, donde se han realizado más de 150 funciones desde 1883. Las últimas, en el 2019, fueron las de la reposición del montaje que Pier Luigi Pizzi ya había dirigido al teatro de la Rambla en el 2005. Hace siete años un triunfo estallante de la soprano Anna Pirozzi y del tenor Brian Jagde como Gioconda y Enzo, respectivamente. Ahora los mismos papeles serán interpretados por la madrileña Saioa Hernández y el estadounidense Michael Fabiano en una coproducción del Liceo y el Teatro di San Carlo de Nápoles, con dirección escénica del francés Romain Gilbert, que se estrenó en la ciudad italiana en el 2024 con los cantantes Anna Netrebko, Jonas Kauf. En Barcelona se realizarán diez funciones del 17 de febrero al 2 de marzo, y una undécima para público de menos de 35 años el 16 de febrero.

Buenas palabras y mejores intenciones en la presentación del británico Jonathan Nott (Solihull, 1962) como nuevo director musical del Gran Teatre del Liceu a partir de la temporada 2026-2027, y hasta la 2030-2031. "Es una figura central de la dirección contemporánea y con una concepción musical de una lucidez intelectual excepcional y una intensidad expresiva que conjuga rigor analítico e impulso poético", elogia Víctor Garcia de Gomar, director artístico del Liceu. "El Liceu y todo lo que representa forma parte de mí desde pequeño. Cuando esta invitación me llegó, de repente, me pasó algo que no me esperaba: sentí que era una señal fantástica, la intuición clara de que un nuevo hogar me estaba esperando", asegura Nott, que toma el reto de sustituir a Josep Pons, el la Rambla hasta alcanzar la solidez actual. "Evidentemente que pesa mucho sustituir a Josep Pons. Es una responsabilidad enorme", admite el director británico, que a partir de la próxima temporada llevará la batuta en una nueva producción de la tetralogía wagneriana, El anillo del nibelungo, coproducida por el Liceo y la Ópera Estatal de Baviera, en Múnich, y con dirección escénica del alemán Tobias Kratzer. "Hablaré con Josep Pons, de la tetralogía. Y también habrá intercambio de ideas sobre la orquesta", avanza.

El estatus de Marina Abramović (Belgrado, 1946) en el mundo del arte es de tal reconocimiento internacional que puede plantearse hacer prácticamente cualquier cosa y encontrar el apoyo para conseguirlo. Es el caso de un montaje multidisciplinar, multitudinario y sexualmente explícito como Balkan Erotic Epic (Epopeya erótica balcánica), coproducido por seis instituciones culturales internacionales, que llega al Gran Teatro del Liceo del 24 al 30 de enero. Después de estrenarse en Manchester con setenta artistas interpretando a su vez todas las escenas, en Barcelona se verá una versión teatral reducida, con 34 intérpretes dando vida a trece escenas consecutivas que remiten a la historia y las tradiciones folclóricas yugoslavas, que en muchos casos tienen que ver con el vago y las vacas vía de conexión con el universo. Con el cambio, el espectáculo se alarga hasta las cuatro horas, en las que el público podrá entrar y salir de la sala, pero se les obligará a precintar los móviles; sólo se admite la entrada a mayores de 18 años por los nudos y las escenas sexuales simuladas.

Gran Teatre del Liceu, Barcelona, 12 de enero de 2026. 23.05 h. Lise Davidsen aborda los primeros compases de Mild und leise, el Liebestod con el que Wagner cierra la ópera Tristan und Isolde. Es el broche de oro de una noche musicalmente histórica en el teatro de la Rambla: la del nacimiento de una nueva Isolda, después de la generación de Flagstad, Nilsson, Behrens o Meier. El trono de soprano wagneriana lo ocupa ahora y sin lugar a dudas una joven noruega (38 años), que vuelve a subir por primera vez a un escenario tras dar a luz gemelos. Un honor y un privilegio que haya escogido nuestro teatro para esa reaparición y para el debut de un papel que próximamente cantará en el Metropolitan. La expectación era obvia, con un grupo extraordinario de periodistas y críticos musicales de todo el mundo presentes en el Liceu. Y Davidsen no solo no decepcionó, sino que lo dio todo: la suya es una Isolda expresiva, implicada, musicalmente perfecta, técnicamente inmaculada y además de voz redonda, compacta y bellísima. Frases como Der Mutter Rat gemahnt mi recht en el primer acto o lo hace sostenido en pianísimo sobre el Lust! conclusivo del número que cierra la ópera permanecerá en la memoria de muchos, especialmente de quienes, de pie, jalearon repetidamente una interpretación de ensueño.

Todo apunta a hito histórico. El Gran Teatre del Liceu estrena el lunes 12 de enero a las 18.30 h una producción propia de Tristan und Isolde, la ópera de Wagner que marcó "un punto de no retorno", tal y como ha recordado el director artístico del Liceu, Víctor Garcia de Gomar, este jueves en rueda de prensa. Un estreno mundial, pues, y con un reparto de lujo que ha atraído a periodistas de medios internacionales como The Guardian y Le Figaro. La noruega Lise Davidsen, la mejor soprano de su generación, debutará en el papel de Isolda. "Es un personaje que han interpretado a todas las cantantes que admiro", admite Davidsen. También wagneriano por naturaleza, el tenor estadounidense Clay Hilley, que hace unos meses cantó Tannhäuser en Viena, será Tristán, un personaje que ha abordado una quincena de veces. "Es el papel más depresivo de la ópera, y la primera vez que lo canté fue en el 2022", recuerda Hilley, quien no olvida la exigencia que pide la obra de Wagner: "No hay margen de error, cualquier desviación te mata. Es necesario mucho trabajo preparatorio, y nada de socialización las 48 horas previas. Y nada de alcohol".

Estaba en boca de todo el mundo que la Fundación Ópera de Cataluña hacía historia incorporando a su amplio listado de títulos programados a lo largo de más de cuarenta años su primer Wagner. Y, aunque Der fliegende Holländer bebe mucho del romanticismo alemán del primer tercio del siglo XIX, y que los nibelungos quedan todavía lejos, Wagner siempre pide un sobreesfuerzo artístico que en este caso no ha terminado de lograr. Y no es que este espectáculo haya naufragado, pero tristemente no ha llegado a buen puerto, si se nos permiten los símiles marineros que proceden a la cuarta ópera del catálogo wagneriano.

Por quinta vez, el Gran Teatre del Liceu repone la producción de Mario Gas sobre El elisir de amore, de Gaetano Donizetti, uno de los espectáculos más icónicos de la casa. Cuando se representó por primera vez –en pleno exilio postincendio y en el Teatre Victòria–, el montaje ya se había visto en el Grec (1983) y, diez años más tarde, en el Festival de Peralada, hasta que en el 2005 subió al escenario de la Rambla.

¿Cuál es el secreto para que un espectáculo estrenado en 1983 siga triunfando cuatro décadas después? El director de escena Mario Gas no guarda la fórmula mágica, pero cree que tiene algo que ver con "hacer una comedia costumbrista que da mucho juego escénico, pero que no es solo puro divertimento". Él es el artífice de la producción de El elisir de amore, de Donizetti, que el Gran Teatro del Liceo vuelve a acoger esta temporada, después de años cautivando al público una y otra vez. Con el maestro venezolano Diego Matheuz como director de orquesta, el montaje ofrecerá una paleta de intérpretes de primer nivel, encabezada por las sopranos Pretty Yende, Serena Sáenz y Marina Monzó y los tenores Javier Camarena, Michael Spyres y Filipe Manu. El elisir de amore se estrena este sábado —en una velada que coincidirá con el encendido de luces de Navidad del Liceu— y podrá verse hasta el 15 de diciembre.

La tradición operística ligada a temas del Antiguo Egipto ha dado, a lo largo de la historia del género, frutos sabrosos como Giulio Cesare en Egitto de Händel o Aida de Verdi, además de Sestri de nuestro Domènec Terradellas o creaciones contemporáneas al estilo deAnthony and Cleopatra de John Adams (que el Liceu acogió en el 2023).

Le nozze di Figaro es una de las óperas más difíciles del repertorio. Y, a pesar de su aparente ligereza, no puede tomarse a la ligera (valga la redundancia). A Sabadell la conocen bien, porque es un título programado en varias ocasiones por los Amigos de la Ópera, ahora bajo el amparo de la FOC (Fundación Ópera Cataluña). Pero en esta ocasión no puede decirse que el matrimonio entre el título mozartiano que abre la trilogía Da Ponte y la entidad vallesana haya terminado de funcionar.