Recomiendo vivamente a quien vaya a ver la versión de Aida que firma Shirin Neshat y que inaugura temporada del Liceo que se lea el artículo "El imperio en acción: Aida de Verdi", de Edward W. Said, incluido en Culture and imperialism. Porque puede ayudar a entender la clave conceptual del espectáculo. Neshat interpreta la ópera de Verdi a partir de temas como el descolonialismo y el feminismo. Y lo hace con escenas sin concesiones a la galería, pero sin descartar un innegable sentido poético. De hecho, Aida nos habla del abuso de las teocracias, de la salvajada militarista y de los refugiados que huyen de las guerras para ir a parar a tierras de nadie. Nada demasiado alejado del catastrófico espectáculo que desde Occidente vemos cómodamente frente al televisor, apoltronados en los sofás de casa y con un mando a distancia para cambiar lo que resulta irresistible a nuestra mirada. En este sentido, la mirada de la iraní Shirin Neshat no tiene nada de compasiva, y por eso puede resultar incómoda.Sin embargo, el problema del espectáculo radica en el hecho de que el artista oriental domina el lenguaje videoartístico pero no el teatral. Y el resultado es excesivamente contrastado entre unos elementos performativos y conceptuales bien hallados y un movimiento escénico de cantantes estereotipado e incluso trasnochado o –en el caso de la gestualidad de Anna Netrebko— directamente ridículo. Tampoco ayudan unas escenas ubicadas en los entreactos que, si bien personalmente me han resultado estimulantes, pueden chocar con la tradición de una ópera que es la más vista y representada en el Liceu, siempre desde una óptica clásica y de artificioso historicismo. No obstante, hay que decir que el espectáculo es eficaz, arriesgado y de incuestionable categoría escénica.Aida no es una ópera de cámara, pero sí intimista a pesar de las escenas más célebres (especialmente la segunda del segundo acto), de gran espectacularidad. Pero el resto se concentra en una historia de amores y odios para la cual Verdi escribe una música sabia y sutil. Y hay que servirla con buen gusto y precisión. Y si bien la dirección de Antonello Manacorda nunca es descuidada, sí que al menos se ajusta bien a las directrices de la partitura y la sirve con detallismo y buen gusto. La respuesta de la orquesta de la casa estuvo a la altura, por no hablar de un coro sencillamente mayúsculo, especialmente el masculino (genial el cuadro del templo de Vulcano).

Salvador Alemany (Barcelona, 1944) cierra una etapa de diez años como presidente del Patronato del Gran Teatro del Liceo. El relevo lo tomará Helena Guardans, cuando el viernes sea ratificada por el patronato. Será el mismo día de la inauguración de la temporada 2026-2027 con la ópera Aida, y con la soprano rusa Anna Netrebko como estrella.

"Vivo en un país, los Estados Unidos, que junto con Israel ha atacado a mi país, Irán", dice la artista visual Shirin Neshat (Qazvin, 1957). Lo explica en una pausa de los ensayos de la producción de la ópera Aida, de Verdi, de la cual es directora escénica y con la cual se inaugurará la temporada 2026-2027 del Gran Teatre del Liceu el 25 de septiembre. Se harán diecisiete funciones hasta el 15 de octubre, incluida una para menores de 35 años el 23 de septiembre. "Aida es una princesa etíope enamorada de Radamés, un general egipcio que invadirá su país. Y los impuestos que yo pago a los Estados Unidos han servido para atacar a Irán, donde viven familiares míos", recuerda Neshat, conocida por obras sobre las mujeres de Oriente Medio, "situadas entre la tiranía política y el fanatismo religioso, que intentan defender a la vez su individualidad y su humanidad"; mujeres que, además de contextos de opresión, también sufren miradas occidentales alimentadas por los estereotipos orientalistas.

"El sonido de la Orquesta del Festival de Bayreuth es único en sí mismo, y hay que sumar la sonoridad del foso del teatro donde toca habitualmente", comenta Katharina Wagner (Bayreuth, 1978), bisnieta del compositor de la tetralogía El anillo del Nibelungo y polémica directora de escena, que ha encontrado un hueco en su apretadísima agenda –la 150ª edición del festival de Bayreuth, que actualmente dirige, arrancó el 24 de julio– para visitar el Palau de la Música Catalana, donde ha presentado la gira "excepcional" que arrancará en Barcelona el 29 de agosto. Se trata de una coproducción entre el Palau y el Festival de Peralada, que este año celebra su cuadragésimo aniversario.

El público terminó de pie, ovacionando la última actuación de Josep Pons como director musical del Gran Teatre del Liceu. La obra elegida para la ocasión no podía ser más acertada, como declaración de principios: la última sinfonía que Mahler estrenaría en vida, la Octava (todavía le faltaba la profunda contención de la Novena, estrenada póstumamente), conocida popularmente como Sinfonía de los mil y que es un canto al optimismo y al retorno a lo natural a través de la belleza fáustica. Podríamos discutir si realmente se trata de una sinfonía o de una cantata. Qué más da, porque la genialidad mahleriana se exhibe de cabo a cabo de una partitura que a veces cae en el exceso, pero que nunca deja indiferente.

"Mirad este atril, es histórico. Es muy bonito", dice Josep Pons (Puig-reig, 1957). Está en el foso del Liceu, el espacio elegido para una rueda de prensa "especial y sensible", tal como dice Víctor Garcia de Gomar, director artístico del teatro de La Rambla. Pons se despide de la dirección musical del Gran Teatre del Liceu después de catorce años de trabajo. La despedida es doble. Por un lado, desde el foso, con Falstaff, la ópera de Verdi que se representa hasta el 19 de julio; por otro, desde el escenario del Liceu, dirigiendo con Sinfonía núm. 8 de Mahler el 24 de julio.

Josep Pons se despide operísticamente del Gran Teatre del Liceu (aún queda el plato fuerte de la Octava sinfonía de Mahler el viernes 24 de julio) con el mismo título con que Verdi decía adiós al mundo del teatro: Falstaff, comedia lírica con texto de Arrigo Boito sobre Las alegres comadresde Windsor de William Shakespeare. Toda una declaración de principios en manos del casi octogenario compositor italiano, que en 1893 bajaba en la Scala milanesa el telón de su brillante carrera con una comedia repleta de sarcasmo y con dos principios básicos: 1) la vida es una broma y debemos saber jugarla y aceptar sus chistes; 2) hay que mirar atrás para progresar (“Torniamo all’antico e sarà progresso”, había escrito Verdi en 1871 en una carta a Francesco Florimo). De aquí la fuga final con que se cierra el tercer y último acto de Falstaff, verdadero manifiesto ético y estético frente a la “modernidad” de los compositores de la Giovane Scuola y que aboga por los maestros del pasado, tal como Wagner había hecho en los Meistersinger.A lo largo de catorce años, Josep Pons ha trabajado a fondo con una orquesta que ha renovado en fondo y en forma. Y que ha dado excelentes resultados, especialmente en Mozart y en títulos alemanes, eslavos y del siglo XX. Ahora bien, ¿es Falstaff la obra más adecuada para el director de Puig-Reig? Estas funciones han revelado una vez más el trabajo en el detallismo de las secciones y en la sonoridad generosa. Pero se ha echado en falta el temple teatral, aparte de puntuales imprecisiones en la concertación con los cantantes. Sin embargo, y dejando de lado cuestiones estilísticas del todo subjetivas, hay que reconocer que Pons no olvida el trasfondo preciosista (¿mozartiano?) de episodios como el del Parque de Windsor, donde la batuta se lució a fondo ante el excelente rendimiento de los músicos del foso, además del buen trabajo del coro.En el segundo reparto de los dos programados al final de la temporada liceísta, la autoridad indiscutible de Ambrogio Maestri ha vuelto a dar una lección con un Falstaff de manual en boca del cantante italiano: se las sabe todas y sabe llevar el agua a su molino cuando las condiciones vocales ya no son las de hace diez o quince años (Maestri cantó este título en el Liceo en 2010). El maestro Maestri domina el personaje, al que humaniza con gran intuición teatral y sabiduría musical. Lección de estilo, en definitiva.

La soprano barcelonesa Maria Miró tiene cuatro citas en el Liceo, donde interpreta el papel de Nannetta en la ópera Falstaff, de Verdi, los días 10, 13, 16 y 19 de julio. "Me encanta debutar papeles", dice Miró, que se estrenó en el Liceo en 2013 en la cantata L'Atlàntida de Manuel de Falla y Ernesto Halffter. Volvió aquel mismo año con el papel Cendrillon, de Massenet, y después a I due Foscari (2015) y Il trovatore (2017), las dos de Verdi.

"Es un lujo poder tener esta despedida", dice en rueda de prensa el maestro Josep Pons, que este mes cierra su etapa como director musical del Gran Teatre del Liceu después de catorce años de trabajo. Es una despedida en dos fases: dirigiendo la orquesta del teatro de La Rambla en las ocho funciones de la ópera Falstaff de Verdi (del 9 al 19 de julio) y en el concierto dedicado a la Sinfonía n.º 8 'de los Mil' de Mahler (24 de julio). "Tengo tendencia a contener las emociones", dice Pons, que sí concede que se siente muy feliz. "Creo que el trabajo que se nos encomendó lo hemos hecho. Hemos creado una familia, y tenemos la suerte de estar entre buena gente. Me da mucha alegría acabar en un momento álgido", asegura justo después de explicar que "trabajar en un teatro de ópera es como entrar en un convento: es una absorción absoluta, dejas de vivir". Feliz y agradecido, Pons, sin embargo, no quiere que la despedida arrincone las funciones de Falstaff. "El último título escénico del maestro Pons, aunque cada año tendrá un título, como mínimo", matiza el director artístico del teatro, Víctor García de Gomar, que recuerda que a partir de la próxima temporada Pons será director musical honorario del Liceu.

La nave va con buen viento. El proyecto Òh!pera del Liceu y el DHub llega a la quinta edición con el estreno de tres microóperas de nueva creación en la Fabra i Coats del barrio barcelonés de Sant Andreu los días 2, 3, 4 y 5 de julio, dentro de la programación del Festival Grec. La idea original era "crear una nueva cantera de creadores que atraigan nuevos públicos", tal como aseguró en 2022 Àlex Ollé, director artístico de Òh!pera. El propósito se mantiene, y año tras año han pasado compositores, directores de escena y libretistas bien consolidados. Una de las tres obras del 2026 es "}Yo, nube, del compositor badaloní Sergi Puig Serna (que el año pasado estrenó Y al andar me pareció que el tiempo retrocedía a Austria), con dirección escénica de Lucia del Greco (que significa también el espectáculo inaugural del Mercat de Música Viva de Vic) y librito deAlicia Kopf (todavía reciente la publicación de la novela Memoria de Eco, en la cual se inspira la microópera). Otra es "La vida por los cuernos, una ópera-flamenco de la barcelonesa Anna Colom (participó en la gira deEl mal querer de Rosalía), con puesta en escena de Alexandre Rodríguez Fons (autor de Los hijos perdidos de Dios, estrenada en la Fundació Brossa) y libreto de Pablo Macho Otero (fundador de la compañía La Bella Otero). Y la tercera microópera del año es "}Opereta, del compositor barcelonés Arnau Brichs (que estrenó Grados de presencia a París en 2024), que cuenta con dirección escénica de Marc Salicrú (con experiencia en el Liceo como escenógrafo e iluminador) y libreto de Pol Guasch (que este año ha publicado Reliquia).

La represión franquista y la lucha obrera son dos de los ejes de La rosa dels set pètals, la ópera comunitaria de nueva creación que se representará en el Liceu los días 4, 5 y 6 de junio del 2027. Se trata de la segunda obra del proyecto Òpera Prima impulsado por el teatro de La Rambla después de La gata perduda (2022), ambientada en El Raval. Los siete pétalos del título son los siete barrios del distrito barcelonés de Sant Andreu: Navas, La Sagrera, El Congrés i els Indians, Sant Andreu del Palomar, La Trinitat Vella, El Bon Pastor y Baró de Viver. Y la rosa evoca las flores de plástico que debían fabricar las presas de La Trinitat Vella, escenario de la represión penitenciaria contra las mujeres en Cataluña durante los últimos quince años del franquismo y donde era especialmente siniestro el papel reeducador impuesto por las monjas de las Cruzadas Evangélicas de Cristo Rey. "Libertad, mujeres, identidad y memoria" son los conceptos que unen el trabajo que ha hecho Blanca Bardagil en el libreto y que también empapa la composición musical de los hermanos Tomàs y Lucas Peire. Igualmente, se trasladará a la puesta en escena que dirigirá Israel Solà.

Con Le nozze di Figaro (1786), el poeta Lorenzo Da Ponte inició su colaboración con Wolfgang Amadeus Mozart, que continuaría con dos óperas más: Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790). Y hay que decir que la primera de las tres óperas es la más perfecta en cuanto al engranaje teatral. Es lógico, pues, que Marta Pazos haya abrazado con entusiasmo la propuesta hecha por el Liceo. Tres semanas antes de su debut en el Teatre Grec con L'òpera de tres rals (Dreigroschenoper), la directora gallega ha culminado un trabajo procesado a base de cocción lenta en cuanto a las ideas y al diseño global del espectáculo.

Hay ganas de jugar en la mirada traviesa de la directora escénica gallega Marta Pazos. Más que provocar, busca sorprender. "La risa tiene el origen en lo imprevisto", recuerda en rueda de prensa a propósito de la nueva producción de Le nozze di Figaro (1786), la primera obra maestra del tándem que formaron Mozart y el poeta Lorenzo Da Ponte. Del montaje, dirigido por Pazos y con Giovanni Antonini al frente de la orquesta, se harán catorce funciones del 4 al 21 de junio. "Me lo estoy pasando muy bien en esta producción de Marta que nos sorprendió tanto al principio", asegura la soprano ebrenca Sara Blanch, Susanna en un primer reparto compartido con el bajo-barítono italiano Luca Pisaroni (Figaro), la soprano rusa Julia Lezhneva (Cherubino), el barítono italiano Andrè Schuen (conde de Almaviva) y la soprano guatemalteca Adriana González (condesa de Almaviva), entre otros. "He cantado muchas veces el papel de Figaro, y he encontrado una producción muy fresca, con un enfoque muy nuevo", exclama Pisaroni, que actúa en sustitución del barítono Konstantin Krimmel, de baja a causa de una lesión en el pie. Todos coinciden: se lo están pasando muy bien. "Y espero que sea un éxito", dice Schuen, que por fin debuta en el Liceu en un papel operístico después de haber hecho bastantes recitales de lied por todo el país.

Con el Werther de Jules Massenet hay que ir con pies de plomo, porque un exceso de azúcar puede producir diabetes crónica en los oyentes. Pero demasiado frialdad también puede serle contraproducente, porque los arrebatados motivos que atraviesan la ópera deben tener la justa fuerza emocional y expresiva para transmitir las desdichas del personaje titular, inspirado en la novela epistolar de Goethe. El director musical Henrik Nánási opta en el Liceo por una lectura amorfa, sin una visión clara de la partitura y con resultados desiguales, a pesar del buen papel de la orquesta titular y de los miembros del Cor Vivaldi Petits Cantors de Catalunya.Vocalmente, la ópera también es de máxima exigencia para los tres protagonistas: Werther, Charlotte y Sophie. Había expectación por ver en el teatro de la Rambla el debut de Xabier Anduaga al servicio del papel que da nombre a la obra y que resolvió con medios sobrados: fraseo sinuoso, bien trabajado, emisión generosa y pronunciación impecable. Sin embargo, el tenor vasco va todavía con pies de plomo. Y es normal que así sea, cosa que nos hace pensar que después de dos o tres producciones más acabará siendo un Werther de referencia.La mezzosoprano alemana Kristina Stanek abordó el papel de Charlotte desde el dominio absoluto de la situación dramática y musical. El aria de las cartas fue uno de los momentos culminantes de la noche, aparte de la escena final con Werther moribundo. A su lado, la Sophie de Sofía Esparza repartió belleza por los cuatro costados, sin caer en el retrato de la lechuga soleada con que algunas sopranos resuelven este rol tan significativo y que la producción de Christoph Loy refuerza de manera muy inteligente.Insuficiente el Albert de David Oller, con un timbre y un color impersonales y una emisión deshilachada. Veteranía sobrada la de Stefano Palatchi al servicio del alcalde y buena química y sentido justo de la comicidad la de dos cantantes bregados en el Liceo y que deberían tener más presencia en el escenario de la Rambla como son Josep Fadó (Schmidt) y Enric Martínez-Castignani (Johann).El espectáculo que firma Christoph Loy y estrenado hace un año en La Scala milanesa trabaja muy bien el retrato de personajes y refuerza su angulosa psicología, con escenas bien resueltas, como el enlace entre el tercer y el cuarto actos: no muere tan solo Werther, porque también se hunde el mundo de Albert, cosa que se muestra en un genial golpe de teatro. La fría pero eficiente escenografía de Johannes Leiacker con el muro que separa dos mundos juega un papel fundamental en un escenario bien iluminado por Roland Edrich y con vestuario funcional de Robby Duiveman. No es el mejor espectáculo de Loy, pero se apuntan buenas ideas y se dejan de lado los clichés asociados a la ópera y al trasfondo de la novela original. Se agradece.

La temporada 2026-2027 del Gran Teatre del Liceu comenzará con las sopranos Anna Netrebko y Anna Pirozzi repartiéndose el papel de Aida en una producción de la ópera de Verdi dirigida por la artista iraní Shirin Neshat. Y la avalancha de grandes cantantes no se detendrá en una programación que incluye nueve óperas escenificadas, cuatro con versión concierto, cuatro espectáculos de danza y una docena de conciertos y recitales. Uno de los conciertos será el Rèquiem de Verdi (3 y 4 de noviembre) con la soprano noruega Lise Davidsen, la gran triunfadora del curso 2025-2026 por el memorable debut como Isolda en Tristan und Isolde. Otras voces destacadas de la temporada son Asmik Grigorian (aún muy presente el recuerdo de su sensacional Manon Lescaut), Ermonela Jaho, Nina Stemme, Sondra Radvanovsky, Sara Blanch, Serena Sáenz, Lisette Oropesa, Nadine Sierra, Piotr Beczała, Brian Jadge, Roberto Alagna, Carles Pachon, Roger Padullés...

El director de escena alemán Christof Loy cerró la temporada pasada del Liceo con una brillante producción de Rusalka, de Antonín Dvořák, con Piotr Beczala y Asmik Grigorian como protagonistas, todos ellos en estado de gracia. Loy tuvo como cómplice necesario al escenógrafo Johannes Leiacker, otro maestro de la línea clara y la emoción contenida con quien también ha trabajado en la puesta en escena del montaje de la ópera Werther, de Jules Massenet, de la que se harán diez representaciones en el Liceo del 2 al 17 de mayo, con un reparto doble. En el primero (los días 4, 7, 9, 14 y 17), dos cantantes que debutan en el papel: el tenor vasco Xabier Anduaga como Werther y la mezzosoprano alemana Kristina Stanek como Charlotte; dos papeles que en el segundo reparto (los días 2, 5, 8, 11 y 16) cantan el norteamericano Matthew Polenzani y la azerbaiyanaElmina Hasan.

Claudio Monteverdi (1567-1643) reunió a lo largo de su vida diversos madrigales, divididos en nueve libros, el último de los cuales se publicó póstumamente. El quinto, escrito en 1605, marca un punto de inflexión porque el músico de Cremona incorpora la conocida como seconda prattica, en la que la palabra y la música se imbrican en una voluntad expresiva –cosa que incluye recursos como las disonancias– que pronto hará eclosión en la ópera: no olvidemos que dos años después de aquel libro-recopilatorio, escrito para la corte de Mantua y la familia Gonzaga, Monteverdi estrenaría en aquella ciudad y en el palacio ducal La favola d’Orfeo, en la que el compositor demuestra haber asumido los principios que regirán a partir de entonces la opera per musica, propia y ajena.El Liceu ofrece desde la temporada 2020-2021 las diversas series de libros de madrigales monteverdianos y hasta ahora se habían podido escuchar el segundo, el tercero, el cuarto, el sexto, el séptimo y el octavo. Ahora le ha tocado al quinto, sin que se entienda mucho esta disposición ordinal. Seguramente, Rinaldo Alessandrini tiene algo que ver. Pero tanto le da que el orden no sea el establecido, porque de lo que se trata es de disfrutar de estas sesiones de cámara en un foyer muy apropiado para este tipo de veladas.Una vez más, el conjunto que dirige el maestro italiano demuestra su compromiso con la música monteverdiana, con rigor, precisión y elegancia. Y, en el caso que nos ocupa, con la mesurada teatralidad de un compendio de piezas que prefiguran el gran hombre de teatro que llegaría a ser Monteverdi, a pesar de habernos legado tan solo tres óperas completas.Frente al Concerto Italiano, que cuenta con tiorba, dos violines, dos violas y un violonchelo, y con la presencia de Alessandrini al clave, el equipo vocal supo transmitir los contrastes, las luces y las sombras de las diecinueve piezas que integran el compendio.Sobrio en el gesto y generoso en la transmisión expresiva, Rinaldo Alessandrini volvió a demostrar que no tan solo es una autoridad en el estilo monteverdiano, sino que ha sabido transmitir la modernidad, gracias a una escritura que pide también imaginación expresiva. Y de esta la hubo mucha el miércoles por la noche en el foyer del Gran Teatre del Liceu.

El Gran Teatro del Liceo ya sabe cuáles son los cinco estudios de arquitectura finalistas del concurso para la construcción del . Son los siguientes: Sanaa, el estudio fundado por los japoneses Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, premio Pritzker 2010, con CFA; Batlle i Roig asociado con el noruego Snøhetta, diseñador de la Ópera de Oslo; Barozzi Veiga con Maio y Burgos Garrido; el japonés Sou Fujimoto con Gras y Aldayjover; y b720 con Decas, el estudio del británico y responsable de la Ciudad de la Justicia de Barcelona.Es decir, cinco candidaturas con presencia catalana: el estudio gerundense CFA, de y Josep Camps;

"Las fábricas de vinilo van lentas", dijo Silvia Pérez Cruz para explicar la singular naturaleza del concierto del miércoles en el Liceu. Efectivamente, el disco Oral_Abisal (Sony), que lleva tiempo registrado, se publicará el 8 de mayo. Por tanto, salvo los temas Moreno, Capitana y Líquido que ha lanzado como anticipo, el público que llenaba el teatro no conocía buena parte del repertorio que interpretó. Todo ello añadía un grado de expectación a los espectadores, y seguramente algo de inquietud al artista de Palafrugell.

Manon Lescaut siempre funciona si se apuesta por esta ópera en un espectáculo que rellene el clavo de lo que es: apoteosis del melodrama, como la práctica totalidad del catálogo pucciniano. En los últimos veinte años, el Liceu ha presentado tres producciones distintas de la tercera ópera de Puccini, basada en la novela El historial du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut delabad Prévost. Un relato objeto igualmente de las óperas de Auber, Massenet y Henze. Ahora ha vuelto a la Rambla la versión pucciniana en una producción de la Ópera de Frankfurt, con dirección escénica de Àlex Ollé y parte de su equipo habitual: el escenógrafo Alfons Flores, el vestuario de Lluc Castells y la iluminación de Joachim Klein.