Serge Attukwei Clottey: "No me interesa el precio de las obras, sino lo que comunican"

BarcelonaUna piel hecha con miles de plásticos amarillos cambia radicalmente la imagen de la sede de la Fundació Antoni Tàpies, un edificio icónico de Lluís Domènech i Montaner. Se trata de la instalación del artista ghanés Serge Attukwei Clottey (Accra, 1985) Viaje al más allá, con la que denuncia los estragos del colonialismo a partir de un objeto corriente: un bidón de plástico. Estos bidones llegan a Ghana desde Occidente, se convierten en desechos y el artista los devuelve a Europa ya Estados Unidos convertidos en obras de arte. Coincidiendo con la presentación de la instalación, la directora de la institución, Imma Prieto, y el presidente, Ferran Rodés, han anunciado el cambio de nombre de la Fundació Antoni Tàpies por Museu Tàpies. "La palabra museo comunica muy directamente lo que somos –dice Prieto–. Somos el Museu Tàpies, trabajamos no sólo a partir de su colección sino también de sus principios".

Por qué ha titulado la instalación de la fachada del Museu Tàpies Viaje al más allá, dentro del proyecto Más allá de la piel?

— La instalación está hecha con los mismos plásticos que una obra anterior que se pudo ver en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2023. Algunas piezas se rompieron y se perdieron, así que llevar esta obra a Barcelona para reconfigurarla la es como resucitarla. Con su trasfondo sobre la migración, la obra habla de cómo cambia el valor de una persona, porque cuando eres un migrante sabes que debes adaptarte a la cultura del lugar. La obra ha cambiado de Venecia a Barcelona y ha adquirido una forma distinta. Me interesa el movimiento de los objetos por diferentes partes del mundo y las migraciones, por eso he titulado así la instalación.

Pintor, escultor, fotógrafo, performer… ¿Cómo dialogan las distintas vertientes de su trabajo?

— Vengo de la tradición pictórica. Mi formación fue como pintor, pero después mi obra evolucionó en la medida en que me interesé por otros temas como las migraciones y las cuestiones ambientales y de género. Vivo en una comunidad en la que tuve que utilizar mi arte como una herramienta para enfrentarme a problemas del país ya los globales. También me interesan los materiales que utilizo porque el proceso de conseguirlos se convierte en una performance: cuando vamos a recogerlos a diferentes lugares nos vestimos de mujer para abrir una conversación más amplia sobre el género, porque las mujeres son quienes utilizan más estos plásticos. Usamos el plástico como una piel, y por eso he titulado este proyecto Más allá de la piel, porque es una metáfora que permite que se inscriba a gente de diferentes partes del mundo.

La comunidad se beneficia de su trabajo porque les compra los bidones. ¿Ha creado una red de trabajo?

— El trabajo con la comunidad es una parte central de mi trabajo. Tengo unos veinte asistentes que trabajan localmente con la comunidad. No son artistas, pero los he contratado como parte del proyecto durante más de diez años. Tengo gente alrededor que me procura los objetos, algunos los compro y otros me los dan porque han visto que mi obra ha creado una cadena de valor, porque la gente gana dinero recogiendo los bidones; y también compro otros que llevan muchos años usándose, porque me interesa la textura, y cómo ha vivido este objeto durante bastante tiempo, porque cada bidón tiene una experiencia diferente. La gente todavía los utiliza para sobrevivir a la escasez de agua, así que se trata de cómo puedo hacerlo mejor, más funcional para la comunidad. Por eso nos planteamos hacer casas móviles; utilizar los bidones como material de construcción es la mejor manera de explorar las posibilidades de este objeto, porque beneficiará tanto a la comunidad como al país.

Tiene un conjunto de retratos de hombres y mujeres negras titulado Retratos de cinta americana. ¿Por qué les puso ese título?

— Son retratos inspirados en la fotografía africana de mediados del siglo pasado. Me interesa el tema de las migraciones, y la cinta americana se utiliza para envolver paquetes y cajas que viajan por todo el mundo. Por otra parte, cuando estaba haciendo una residencia en Viena hace unos años, hubo una manifestación contra la deportación de migrantes africanos en Nigeria y entonces entendí que la cinta americana también es un símbolo de violencia, porque ellos le ataron las manos y le amordazaron con cinta americana y murió en el avión. Así que me planteé cómo podía convertirlo en un símbolo de fortaleza usándola para pintar los trajes de los personajes.

Su récord en las subastas es el retrato doble Iconos de la moda, vendido por unos 400.000 euros en la casa Philips hace tres años. ¿Cómo le hace sentir este resultado?

— No me interesa el precio, sino lo que comunica la obra, porque son figuras negras y también porque representa a sujetos negros vestidos con moda africana. Los pinto porque hacen una gran contribución a la industria de la moda, pero no siento que ni se les reconozca lo suficiente ni que sean apreciados. A través de estos retratos a los sujetos negros se les identifica como poderosos e innovadores y se reconoce la aportación que realizan en la moda occidental.

¿Ha tenido el escultor ghanés El Anatsui como referente en algún momento?

— Aunque somos del mismo país, no conocía su obra y no me familiaricé con ella hasta que publiqué una parte importante de mi trabajo hacia 2010 y los comisarios de Ghana y de todas partes me dijeron que lo que hacía era como su obra. Sí me inspiró en la cuestión de la escalera, porque la idea que tenía cuando empecé a trabajar con el plástico era pintar con los materiales que tenía al alcance. Así que El Anatsui me influyó en mi habilidad para trabajar con la comunidad. Empecé a explorar por qué la comunidad consumía este objeto, porque está causando muchos problemas de salud, y pude hacérselo ver. Entonces me planteé cómo podemos unirnos para profundizar en la idea de eliminarlos del sistema cortándolos. Porque una vez los tallas ya no sirven para almacenar nada, así que cambio su forma y valor.