Josep Julien: "El teatro catalán se reduce a un 'star system' que encuentro absurdo"

BarcelonaJosep Julien (Barcelona, ​​1966) debutó como dramaturgo en 1998 con Absolutamente lejos, pero un tiempo después dejó de escribir. Volvió en 2021 con Bonobo y, desde entonces, se ha convertido en un autor recurrente en la cartelera catalana. En paralelo, a lo largo de todas estas décadas, Julien se ha construido una sólida carrera como actor de teatro, cine y televisión. Ahora estreno en la Sala Atrium Carne humana, una comedia con Meritxell Calvo y Santi Ricart que aflora los pensamientos más oscuros de una pareja abocada a la competitividad por su hijo.

Carne humana es, según la hoja de sala, "una comedia negra sobre la deshumanización moderna". ¿Qué veremos en el escenario?

— Es un diálogo de una hora en tiempo real entre los dos miembros de una pareja que han adoptado a un niño procedente de una zona con una crisis humanitaria importante. Tanto ellos como su círculo social han hecho lo mismo. Se establece una especie de competencia entre este grupo, y aquí es donde entra la comedia, con situaciones muy grotescas y desmesuradas. Todos queremos que nuestros hijos sean los señores del mundo, pero en ese caso el espectáculo va un poco más allá. Es un espejo deformado de la sociedad líquida de Bauman, en la que todos los vínculos se han debilitado y los códigos que rigen las relaciones entre padres e hijos son también propios del mercado.

Atacas a la crianza, que no siempre es un territorio amable, y además lo haces a través de la adopción.

— He evocado contenidos que a mí mismo me hacían tener reservas. Soy consciente de que pueden generar controversia y ponerme en un lugar delicado, pero me da igual. Como dramaturgo, voy fuerte. Como actor estoy dispuesto a aceptar casi cualquier encargo, porque he aprendido a hacer de abogado de los personajes más inverosímiles. Será por la alopecia o por lo que sea, pero sólo me dan personajes malos. He tenido que hacer nazis, violadores... Y buscar cosas en mí que me ayudaran a entenderlos para defenderles.

Hace muchos años que empezaste a escribir, pero después dejaste de hacerlo. ¿Por qué?

— Me iba bien, me dieron algunos premios, pero entonces me di cuenta de que no quedaban plazas de dramaturgo en Catalunya y durante un tiempo paré. Lo que ocurre es que escribir no lo eliges, te elige a ti, y no podía aguantarme. Empecé a hacer teatro como actor a través de la literatura, porque sentía pasión por las historias, y supongo que esto de algún modo lo hago encima. Hacia 2021 volví a ponerme y salió Bonobo, sobre Younes Abouyaaqoub.

Decías que como actor sólo te dan personajes malos, pero cuando escribes tú también te fijas sobre todo en ellos. ¿Por qué?

— Cuando empecé a trabajar estaba la Jaula de Vic, el Tallaret de Salt, el Globo de Terrassa. Ahora, el teatro catalán es el teatro barcelonés. Por desgracia, todo se reduce en Barcelona y en una especie de star system que encuentro absurdo. En esa época la estrella del teatro eran las historias, no si el actor que salía al escenario protagonizaba la serie diaria de los mediodías o no. Se valoraba el trabajo de los actores, pero desde otro ángulo. Ahora se ponen sobre la mesa temas con un contenido de compromiso importante: agresiones, clasismo, machismo, xenofobia. Pero siempre nos ponemos, como no puede ser de otra forma, junto a la víctima. Se dibujan malos sin matices, que nos permiten salir del teatro mejorados. Yo entiendo la dramaturgia como herramienta de transformación. En Carne humana quiero conseguir que, a través de la risa, el público se identifique con unos personajes que son monstruos y que al salir piense que comparte determinados elementos para que esto sea el inicio de una eventual deconstrucción.

¿En qué momento profesional estás?

— Sé que es algo indecente, pero soy bastante feliz. He hecho las paces con una profesión que genera muchas inseguridades en la gente que la hacemos, que alimenta a menudo filias y fobias que salen de un sitio muy irracional y poco sano. Soy capaz de vivirla con cierta plenitud. Como actor he consolidado una voz que me permite enfrentarme a cualquier reto. ¡Estoy preparado para hacer papeles de buena persona! [ríe] Como actor estoy contento, aunque me gustaría poder elegir un poco más, y como autor estoy en una búsqueda incansable de la voz, con proyectos que me hacen mucha ilusión.

Hace 25 años hiciste un anuncio con Telefónica que tuvo un eco bestial. ¿Qué supuso, para ti, profesionalmente?

— Luego fue difícil desprenderme de ello. Cuando lo hice no era consciente de ello, me eché de cabeza porque económicamente era muy rentable. El anuncio se hizo muy popular. Tenía 30 o 35 años, llevaba diez haciendo teatro. A partir de aquello me salieron trabajos muy marcianos, como presentar un programa en Antena 3. Lo hice desde un ánimo lúdico, intentando pasármelo bien. Ahora estoy en un momento mucho más maduro de mi carrera. En esa época, en cambio, mataba moscas a tuberías. Ahora me miro todo con más calma y paz interior, soy consciente de lo que me interesa y que generar proyectos es lo que me hace feliz.

En casa sois una familia de artistas. De hecho, tienes una hija, Abril, que ya ha empezado a dar sus primeros pasos en el mundo del teatro. ¿Cómo lo ha gestionado?

— Abril ha conocido la cara A y la cara B de la profesión, y esto es una ventaja para ella, porque muchos jóvenes que quieren profesionalizarse sólo ven un determinado ángulo. Ella sabe lo duro que es. En este aspecto estoy tranquilo, aunque soy consciente de que es un trabajo difícil, y más para una mujer. Afortunadamente, esto está cambiando.

¿Se encontrará un sector mejor que el que te hallaste tú cuando empezaste?

— En algunos aspectos sí, en otros no. La generación de actores y actrices de ahora tienen las cosas mucho más claras que nosotros, que estábamos muy contaminados por determinadas ideas de la mitad del siglo pasado. Ellos están mucho más preparados técnicamente; nosotros éramos mucho más intuitivos. Pero en cuanto a los contenidos, paradigmáticamente, han adelgazado un poco las historias. El teatro catalán está tomado por la comedia burguesa. Los dos grandes teatros públicos están algo al margen de eso, por suerte, aunque no del todo. El resto de la producción se enfoca teniendo la taquilla como premisa única. Cuando empecé no era tan así. Se procuraba proponer debates de ideas y reflexiones a los receptores. Echo de menos concebir más nuestra profesión como un vehículo de cambio y transformación, de incidir en el contexto en el que nos inscribimos como artistas.