Mia Hansen-Love: “Siento que hay una conexión entre el cine de Carla Simón y el mío”

BarcelonaEn 2011 el público catalán descubrió el cine de Mia Hansen-Love en la primera edición del Festival de A, que presentó la segunda película de la directora francesa, Le perde de más niños. Desde entonces, tanto el festival como la cineasta han crecido en importancia y son referentes esenciales para cualquier cinéfilo. Por tanto, el premio D'A que en esta 15ª edición del festival ha recibido Hansen-Love tiene algo de reconocimiento mutuo y celebración compartida. El cine necesita tanto el Festival D'A como Mia Hansen-Love.

Su visita Barcelona coincide con el estreno de una película de Pedro Almodóvar que se interroga sobre los peligros de la autoficción y el daño que puede ocasionar a las personas en las que se inspira. Usted utiliza a menudo su vida y la de los que le rodean para alimentar a sus ficciones. ¿Tiene alguna regla o línea roja para evitar dañar a las personas en las que se inspira?

— Sí que tengo. Hay líneas rojas que nunca cruzaré sobre cómo utilizar hechos o aspectos de la vida de la gente que me rodea. No he escrito ninguna película para hacer daño a nadie, pero soy consciente de que esto es sólo mi intención y que podría haber herido a alguien sin querer. Creo que la manera en que miro a la gente en mis películas no debería hacer daño a nadie, pero es cierto que alguien puede sentirse herido por el simple hecho de reconocerse en un personaje. Es una cuestión muy compleja. En mi cine hay personajes más o menos inspirados en personas que conozco y que son importantes para mí, pero siempre han sido un punto de partida y han acabado convirtiéndose en otra persona. Al final se trata de un proceso de transformación y por transformación no quiero decir traición. En Una mañana, Léa Seydoux interpreta a una mujer que, en muchos aspectos, está basada en mí, pero cuando veo a Léa en la pantalla no me veo a mí misma, veo a un personaje nuevo que es el resultado del encuentro entre Léa, yo misma y más gente que me ha inspirado.

¿Y ese es el objetivo que busca, al partir de la realidad?

— Suena paradójico, pero sí. Este proceso, la transformación de la realidad en ficción, es lo que más me gusta hacer cine. Y no tengo la sensación de estar cogiendo algo y llevándolo a otro sitio, no siento que esté traicionando la verdad. Es casi lo contrario: que para llegar a una verdad a través del cine y la ficción es necesario un proceso transformativo. Es como dar frescura o una nueva vida a una relación oa una persona que ya no está. Al reinventar a estos personajes aportas una nueva presencia. Es como un pintor que retrata un paisaje o unas frutas: el aspecto es similar, pero son cosas diferentes. Lo que nos gusta de la pintura es que nos hace mirar de otra forma el paisaje o las personas, con una nueva frescura en nuestra percepción. Y siento que mi trabajo como directora es crear esta frescura, y que incluso personajes que están inspirados en gente muy cercana se transformen en alguien distinto.

Cuando presentó Una mañana en Cannes, Léa Seydoux dijo que le estaba muy agradecida porque, finalmente, había podido interpretar "una persona normal". Me pareció un bonito elogio.

— Supongo que la Léa se refería a que, en esta película, no debía hacer escenas superdramáticas, y que desprende una sensación de cotidianidad y sencillez que contrasta con los personajes que suele interpretar, que son más sofisticados y excéntricos, y seguramente más alejados de su propio mundo. En el fondo, ¿es el personaje lo normal? ¿O es el mundo que habita, lo que hace que parezca diferente? El mismo personaje en un mundo extremadamente dramático y lleno de eventos y violencia no sería igual. Incluso si mantenemos el argumento, el de ese personaje que siente un extraño luto por su padre enfermo y que se enamora de un hombre casado.

Todo depende de cómo se cuenta la historia.

— Sí, de las situaciones que te interesa mostrar y de las que no. Para mí la clave es la simplicidad del personaje y las escenas, aunque los sentimientos no son necesariamente simples. Simplicidad no significa que no haya una gran complejidad enterrada. Ahora estoy trabajando en el casting de una nueva película, y es difícil encontrar a actores que digan las cosas de una manera simple, sin la necesidad de añadir nada para dar más intensidad o matices, o cosas que, simplemente, cuando las siento no acaban de encajarme. Al final, los que hablan de forma directa y simple son los que transmiten más verdad. De hecho, una de las cosas que más me gustaron trabajar con Léa es que puede llegar a parecer que no es actriz profesional, en el sentido de que tiene una manera muy cruda y directa de actuar, y esto es muy poco habitual en una actriz de su nivel.

Ya hace cinco años deUna mañana. ¿Qué puede contarnos de la nueva película que prepara?

— Me meteré en un lío, porque el productor me acaba de decir que no hable, pero es una película de época ambientada en el siglo XVII sobre la vida de Mary Wollstonecraft. ¿Sabes quién es ella?

Sí, la escritora y pensadora feminista, la madre de Mary Shelley.

— Llevo cuatro años intentando levantar esta película, y creo que finalmente las piezas están encajando. Es un proyecto muy difícil, porque la escalera es mayor que la de mis películas anteriores, incluso que Eden. Ah, y tiene producción española de Elastica Films.

Es la productora de las últimas películas de Carla Simón. ¿Conoce su trabajo?

— Sí, el cine de Carla me gusta mucho. Siento que hay una conexión entre su cine y el mío. Nos conocimos hace un par de años a través de Elastica Films, que también distribuía mis películas, y hemos estado en contacto desde entonces. No la conozco mucho, sólo un poco, pero creo que tenemos muchas cosas en común, sobre todo en la forma de aproximarnos al cine.

Una curiosidad. En La isla de Bergman, dos personajes secundarios eran críticos de cine y para interpretar uno usted fichó al crítico de cine Jordi Costa. Él y el dibujante Pep Brocal publicaron en el ARA una magnífica serie de historietas relatando esa experiencia, pero me sigue intrigando por qué eligió un crítico catalán con el que no tenía ninguna relación.

— [Ríe] ¿Que estás celoso que no te lo pidiera a ti? No, cuando elijo a una persona para hacer un papel pequeño no estoy buscando el intérprete más extraordinario, sólo caras, miradas y presencias que me gusten y que parezcan naturales para una escena, y ésta es una calidad que no necesariamente tiene que ver con la actuación. Estoy muy acostumbrada a trabajar con actores no profesionales. Yo había conocido a Jordi antes, me había entrevistado una o dos veces. Sabía cómo era físicamente, me gustaba la sinceridad y autenticidad que desprendía, encajaba en el personaje. Es una decisión muy instintiva, aquí no existe ninguna estrategia. ¡No lo hice para contentar a los cinéfilos catalanes! Sólo porque me gusta Jordi y su naturalidad, y tiene una presencia agradable que quería llevar a la película.

Si contaras la historia de cómo la hija de dos profesores de filosofía acabó convirtiéndose en una de las grandes cineastas de su generación, ¿cuál sería la primera escena?

— Si intento ir realmente a las raíces de mi relación con el cine, lo que me viene a la cabeza no es estar en el cine viendo una película increíble, sino los veranos en las montañas del Alto Loira, en el sur de Francia, donde pasé los veranos de pequeña. Mi abuela tenía una granja a la que íbamos durante las vacaciones, un lugar remoto y aislado con muy poca gente. Y creo que durante esos veranos nació mi relación con el tiempo, la naturaleza y lo invisible, con la belleza del mundo. Pasar las vacaciones en un sitio aburrido en el buen sentido, donde no había más que pasear por los caminos de montaña y nadar en los ríos, era una experiencia tan diferente de mi vida en París que me estructuró mentalmente y ha sido muy definitorio para convertirme en la directora que soy ahora. No te sé decir una escena, es más bien un contexto y una experiencia muy conectada con mi cine, también en el sentido de que esta relación con la infancia y la inocencia es esencial en mi manera de entender el cine.