Ruth Asawa: el viaje de los campos de concentración a los grandes museos

BilbaoLa artista japonesa norteamericana Ruth Asawa (1926-2013) lo tenía todo en contra para salir adelante. Pero lo consiguió, y se convirtió en una de las escultoras norteamericanas más importantes de la segunda mitad del siglo XX, tal como se puede ver en la retrospectiva que le dedica el museo Guggenheim de Bilbao hasta el 13 de septiembre, organizada por el MoMA de San Francisco y el MoMA de Nueva York, en colaboración con el Guggenheim de Nueva York. Asawa se hizo un lugar propio con unas esculturas ingrávidas hechas con alambre tejido, evocadoras de formas vegetales y marinas. Se trata de unos trabajos transparentes, porosos. Muy a menudo están colgados del techo. Y un rasgo extraordinario de su manera de trabajar es que la integró en la vida familiar.

Asawa tenía un estudio en casa, pero prefería trabajar en el salón, junto a la cocina, así que podía trabajar mientras cocinaba o preparaba un sándwich a algunos de sus seis hijos, que también la ayudaban. "Uno de sus hijos me dijo que no la interrumpiera si necesitabas algo, sino que a menudo te daba alambre y tú ibas trabajando mientras hablabas con ella y le decías qué necesitabas", explica Janet Bishop, conservadora jefa del MoMA de San Francisco y comisaria de la muestra, junto con Cara Manes, conservadora asociada de pintura y escultura del MoMA de Nueva York, y la conservadora del Guggenheim de Bilbao Geaninne Gutiérrez-Guimarães. "La práctica de estudio y la vida familiar estaban completamente integradas. Nunca tuvo un estudio fuera de casa; su hogar fue siempre su estudio, y esto lo hizo de manera intencionada", remacha Bishop.

"Un artista no es alguien especial; es una persona corriente capaz de convertir cosas corrientes en algo especial", decía Ruth Asawa. Su obra cayó en un cierto olvido en los años 70, pero volvió a tener reconocimiento hace unos veinte años. "Fue una precursora del minimalismo", dice Gutiérrez-Guimarães. "Sus ideas son tan radicales como las de Alexander Calder, Naum Gabo y Gego", subraya. La muestra, titulada sencillamente Ruth Asawa: Retrospectiva, incluye unas 250 obras, entre esculturas, dibujos, grabados, fotografías y documentos.

Asawa creció en una granja en Newark, California, a unos 27 kilómetros al sureste de Los Ángeles. Sus padres eran agricultores inmigrantes japoneses y, de pequeña, Asawa tuvo que compaginar las tareas escolares con el trabajo en la granja. "Esta experiencia fue fundamental para lo que después fue como artista. Desde muy pronto desarrolló una ética de trabajo muy importante que mantuvo a lo largo de su vida. Creía que todos los minutos que estamos en la Tierra deberíamos estar haciendo algo y también desarrolló una gran apreciación por la naturaleza", explica Bishop.

Más adelante, Asawa y su familia sufrieron de lleno el impacto de la Segunda Guerra Mundial en los Estados Unidos. Cuando era una adolescente fue internada en un campo de concentración, en una represalia por el bombardeo de Pearl Harbor, que afectó a unas 120.000 personas más de origen japonés. Primero la enviaron a un campo de concentración en Arkansas, y fue entonces cuando empezó a dedicarse al arte: dio clases con otras personas que estaban detenidas y que eran animadores de los estudios Disney. Como dijo ella misma, el hecho de poder dibujar y encontrar esa puerta de entrada al arte es lo que le permitió "mantener la esperanza", dice Cara Manes. "Fue durante este período cuando decidió convertirse en artista. Fue a través de esta experiencia horrorosa que encontró su camino hacia el arte", añade Manes.

Los grandes maestros en el Black Mountain College

Asawa no pudo cumplir el deseo de ser profesora a raíz de la discriminación contra los japoneses, pero sí que pudo estudiar durante tres años en el Black Mountain College, donde asistió a clases de grandes nombres como el coreógrafo Merce Cunningham, el arquitecte Richard Buckminster Fuller y el también artista Josef Albers. "La universidad no tenía mucho dinero, así que había que utilizar todos los recursos disponibles como estudiantes en cuanto a los materiales –recuerda Bishop–. Y Asawa, como ya hemos dicho, era una gran trabajadora. Cortaba el pelo a otros alumnos, también trabajaba en la lavandería y no podía parar de trabajar. Tal como dice su hija, era un poco obsesiva. Siempre que tenía tiempo libre, hacía algo, creaba; la creación le salía de dentro". Fruto de este frenesí creativo se puede ver en un dibujo hecho con el sello que se hacía para marcar las sábanas de la lavandería.

La trayectoria de Asawa dio un giro en los años 80 después de que le diagnosticaran lupus. La enfermedad hizo que se centrara en el dibujo, pero no dejó de crear. Concretamente, se dedicó a dibujar las plantas y las flores de su jardín. "A pesar del deterioro físico, su creatividad se mantuvo intensa. Trabajaba a menudo con tinta, empezando desde el centro y expandiéndose hacia afuera, observando las plantas en todas sus fases", dice Manes. "Una de las ideas clave de su obra es la interconexión –añade–: entre disciplinas, entre formas, entre momentos de su vida. Un dibujo puede conectar con una escultura de cincuenta años antes. Su filosofía artística se mantiene coherente y profunda a lo largo del tiempo. Como decía Asawa, ver es hacer: el acto de mirar es también un acto creativo", recuerda Manes. Después de Bilbao se podrá ver en la Fundación Beyeler de Basilea.