Chiharu Shiota: "Después del cáncer volví a dibujar"

BarcelonaLa japonesa Chiharu Shiota (Osaka, 1972) se ha convertido en una de las grandes artistas globales. Y en una de las más populares, gracias a unas instalaciones gigantescas hechas con hilos que conjugan la admiración con temas existenciales, como las vicisitudes de la vida, la muerte y las relaciones humanas. Shiota ha atendido al ARA por correo electrónico unos días antes de revelar la gran exposición que estrenará en la Fundació Antoni Tàpies, a partir del jueves, dentro del Año Tàpies, titulada Cada uno, un universo.

En una de sus primeras performances se cubrió de pintura roja que no pudo sacarse del todo durante meses y que era tóxica.

— Quería convertirme en el cuadro. Normalmente pones pintura sobre la tela, pero yo quería que mi cuerpo fuera el lienzo. Soñé que formaba parte del cuadro. Me costaba respirar y estaba pensando en cómo podía moverme para crear el cuadro. Al día siguiente creé esta performance.

Se siente heredera de artistas como Ana Mendieta y Louise Bourgeois. ¿Cómo cree que le han influido?

— Tengo el mismo sentimiento que ellas, pero hablamos diferentes idiomas. No nos comunicábamos hablando, pero enseguida entendí lo que querían decir. Vivimos en el mismo mundo.

Dice que los hilos son el espejo de sus sentimientos. ¿En qué sentido?

— Cuando tengo una sensación negativa, enredo los hilos rápidamente. Y cuando estoy en calma lo hago más suavemente.

¿Cómo surgieron las colaboraciones con las comunidades que la proveen de objetos para sus instalaciones?

— Muchos de los objetos, los encuentro en los mercados viejos y en anticuarios, pero cuando hago una exposición en un museo pido a la comunidad de la ciudad que me envíen zapatos, cartas o llaves.

Sus obras son sobre todo rojas. Pero también las hay blancas y negras. ¿Cada color tiene un significado específico?

— Sí, el rojo es como el color de la sangre. La sangre contiene muchos significados como la familia, la nacionalidad, la religión y la relación con los demás. El rojo nos conecta como personas, pero a menudo es también como un límite. El negro es como el Universo, como el cielo nocturno, es abstracto e interminable. Y en Japón el blanco es la muerte, es el color que se utiliza en los funerales. El blanco simboliza el final, pero también un comienzo.

Vuelve a Barcelona después de la instalación que presentó en el Liceo en 2021. Y su primera instalación europea, In the begining was... es en el proyecto Planta de la Fundación Sorigué. ¿Cree que en Europa su obra es recibida de forma diferente que en otros lugares?

— Llevo veinticinco años viviendo en Europa, no veo la diferencia, hace tanto tiempo que trabajo aquí... Mi trabajo está hecho en Europa. Si la hago en Asia y después la llevo a Europa, quizás sí que hay una diferencia clara. Pero no sé verla. Para mí, el arte no tiene fronteras.

Se marchó de Japón porque se sentía incomprendida como artista y décadas después fue la artista seleccionada para el pabellón japonés de la Bienal de Arte de Venecia de 2015. ¿Cómo cree que su obra fue recibida en Japón?

— Representé Japón en la Bienal de Arte de Venecia, pero no me siento japonesa o que sólo haga arte japonés, yo muestro mi obra, mi arte. Era la primera vez que un artista que no vivía en Japón exponía en el pabellón japonés de la Bienal. Me sentí muy honrada. Quizás la gente de Japón pensaba que no era una obra realmente japonesa. Creo que encajaba con el tema de esa edición, que se titulaba Todos los futuros del mundo, por lo que no se centró en los países separadamente sino en el conjunto.

Sus trabajos tienen muchos puntos en común con los de Antoni Tàpies: el uso de objetos cotidianos, como las sillas y las mesas, y la importancia de la memoria.

— Lo de mi obra es la existencia en la ausencia: no hay nadie, pero hay alguien. No está el cuerpo, pero sí el universo interior de esa persona. Tàpies también utilizaba colores y objetos sencillos porque reconocía que todo el universo puede existir en un solo objeto. Es como un estado del alma.

¿Hay algún aspecto de la obra de Antoni Tàpies que le interese especialmente?

— Conocí su obra en la escuela de arte. Me gusta, y también cómo utiliza los materiales de una forma cruda, no decorativa.

Antoni Tàpies realizó sus primeros dibujos cuando estaba convaleciente de una grave enfermedad pulmonar. El cáncer que le diagnosticaron a usted hace unos años, ¿ha cambiado de algún modo su aproximación al arte?

— Dejé de pintar cuando estaba en la escuela de arte, no pude pintar más. Cuando me diagnosticaron el cáncer, llevaba diez años sin pintar. Pero después de la enfermedad volví a dibujar. Cuando estaba en la escuela de arte pensaba más en la técnica, pero después de estar tan cerca de la muerte empecé a pensar que la técnica no es importante, sino dibujar mis sentimientos.

Entonces volvió a dibujar y pintar. ¿Sigue haciéndolo?

— Sí, todavía pinto. Y dibujar ahora es como mi diario.

Su exposición en la Fundació Antoni Tàpies coincidirá con una exposición sobre la relación de Tàpies con el zen. ¿A usted también le ha inspirado?

— Nací en Japón y crecí, fui al templo, formaba parte de la vida, de mi cultura y de mi educación. No represento a la cultura japonesa ni a la cultura zen, pero ha sido una parte natural de mi vida.

Dice que sus obras están abiertas a la interpretación de cada uno de sus visitantes. ¿Existe alguna idea o alguna emoción específica que quiere transmitir?

— Creo que la gente puede emocionarse antes de que explique mi obra de arte.

¿Le preocupa que sus trabajos sean efímeros? ¿Conserva objetos o partes?

— Mis dibujos y objetos permanecen para siempre, pero las instalaciones son demasiado grandes, la mayoría son deconstruidas. No puedo conservarlas, pero van a quedar para siempre en la memoria de los visitantes.

¿Qué diría a la gente que cree que el arte contemporáneo es difícil?

— Si la gente sabe el significado por el que el artista crea la obra, entonces se interesa más por el arte contemporáneo. La gente lo encuentra difícil porque a veces es difícil conectar con la obra de arte sin explicación alguna. Cuando reciben más información, se sienten más conectados y lo comprenden más. Cuanto más significado tiene la obra, más interesados ​​están ahí.

¿Cuál cree que es el papel del artista hoy?

El artista tiene una visión del mundo distinta, nueva. Los artistas no siguen el orden, sencillamente crean. Creo que faltaría algo, si no hubiera los artistas. Los artistas trabajan fuera de la sociedad, esto les hace librepensadores, y creo que los humanos lo necesitamos.