Esta semana la Bienal de Venecia ha abierto sus puertas. Las del pabellón de Israel, sin embargo, estarán cerradas para pedir el alto el fuego y la liberación de los rehenes. El colectivo Art Not Genocide Alliance (ANGA), que había pedido que el estado de Israel fuera vetado en la Bienal, ha tildado la acción del artista y las comisarias israelíes de vacía y oportunista. No es suficiente con el cierre, nunca deberían haber montado la exposición —dice el suyo comunicado a Instagram. Esperamos mucho más del arte. Esperamos que —al menos— los agentes culturales implicados de algún modo hagan gestos claros. Porque el arte ha sido una gran fuerza motriz de cambio. En momentos clave de la historia se ha contrapuesto tanto a las inercias imperantes como a determinadas ideas de progreso afilando la herramienta más poderosa de todas: la imaginación. El arte nos ha hecho percibir el mundo de formas radicalmente diferentes. Nos ha permitido ensanchar horizontes, uno tras otro. Siempre ha encontrado nuevas rendijas para ofrecer alternativas a los relatos hegemónicos. Por eso seguimos confiando en el art. Por eso le exigimos tanto. ¿Pero hasta qué punto se puede, ahora, protestar con arte?
Hace un par de años, el Disseny Hub de Barcelona acogió una exposición internacional que tuvo un gran éxito de público en todas partes: Banksy. The art of protest. El espacio, el tipo de evento y el título lo dicen todo: la protesta hecha branding. La protesta como marca. El caso de Banksy —el artista británico delstencil que se mantiene en el anonimato— es paradigmático. Las ciudades en las que actuaba pasaron de borrar sus grafitis a convertirlos en objeto de peregrinación. Después de que una exposición oficial de Banksy recibiera cientos de miles de visitantes, en 2009 el Ayuntamiento de Bristol decidió que llevaría a cabo un referéndum online para cada graffiti significativo que encontraran en la ciudad: ¿lo conservamos o lo borramos? El arte de la protesta había sido institucionalizado. Ya no había vuelta atrás. Esta dinámica asimilativa se ha repetido una y otra vez durante las últimas décadas, por lo que los márgenes desde donde contrarrestar el centro cada vez se adelgazan más. Y si en el 2022 teníamos aquí una exposición comercial basada en la estetización de la protesta, el año pasado coincidieron en Londres dos exposiciones —de otro tipo— que también hacían una revisión de la relación entre la protesta y el arte . Mientras que en la Tate Britain se podía visitar hasta hace poco Women in Revolt (Mujeres en revuelta), en el Barbican Centre habían producido RE/SISTERS: En Lens on Gender and Ecology (Un prisma para el género y la ecología).
La coincidencia de estas dos exposiciones no es casual. Feminismo aparte refleja una confluencia de circunstancias —en parte— opuestas. Ineludiblemente, las exposiciones son producto del proceso de mercantilización de la protesta. Merchandising, publicaciones en las redes, exposiciones: la protesta vende, es un reclamo. Sin embargo, las exposiciones también son el testimonio de una necesidad real —entre tanto apocalipsis— de depositar esperanzas en el arte y en su potencial revolucionario. El texto introductorio del catálogo de RE/SISTERS es diáfano en sus intenciones: pide reteger la red de la ecopolítica feminista desde el arte. Como si se hubiese desfilado, como si hubiera que parchearla con un parche. Diría que ésta es una impresión generalizada: algo se ha roto en la articulación social de la protesta. Sintomáticamente, la imagen que acompaña a este texto es una obra icónica de Barbara Kruger (que contiene el mensaje “We won't play nature to your culture”). Durante los ochenta, artistas como Kruger y Jenny Holzer demostraron la efectividad radical del arte y, como consecuencia, se convirtieron en un ejemplo temprano del branding salvaje que sufriría el arte-protesta. Ambas artistas, que utilizaban el texto como base de sus obras, influenciaron a toda una generación de publicistas y diseñadores gráficos.
A su vez, la exposición Women in Revolt visibiliza obras creadas por mujeres durante los años setenta y ochenta que fueron descuidadas por el canon. O, visto desde otra perspectiva, que lograron rehuirlo. La exposición hace arqueología de la protesta británica con la voluntad de poner sobre el tablero de juego los métodos y las ideas de una comunidad de mujeres que fue altamente creativa y políticamente comprometida. Protestar con arte —hacerlo bien— nunca ha sido fácil, pero cada vez cuesta más encontrar las rendijas desde donde subvertir el orden establecido. El centro se ensancha. Los márgenes adelgazan. Sin embargo, las alternativas están ahí. O podemos crearlas. Recuperar el espíritu del arte-protesta de los ochenta pasa por encontrar estrategias que permitan esquivar las omnipresentes dinámicas del branding —el mercantilismo— y parte de la siempre creciente institucionalización del arte.
