Maika Makovski: "Estamos mirando hacia otro lado, como hacía Maria Antonieta ante la pobreza de su pueblo"

BarcelonaLa mallorquina Maika Makovski (Palma, 1983) sigue sumando capítulos notables a una discografía muy remarcable. Siempre singular en el rock de autora, hace unos meses dio un paso aún más interesante con el disco Bunker rococo (2024), reflejo de un universo en el que confluyen músicas y texturas sonoras diferentes que Makovski consigue que suenen plenamente coherentes. Lo presenta en directo en La Paloma de Barcelona el 6 de febrero, a las 20:30 h.

¿Por qué bunker rococó?

— Básicamente, parte de una sensación de aislamiento que era tan asfixiante como necesaria. Asfixiante por el siglo XXI y necesaria para el trabajo creativo. De ahí sale esa palabra, bunker. Y rococó es por una cuestión sonora, porque existen instrumentos clásicos mezclados con instrumentos eléctricos y sintéticos, pero también es una metáfora de la vida que nace de ese aislamiento que al principio parecía rudo y complicado. El rococó fue un momento muy expansivo, muy loco, muy vivo, también muy decadente y creo que el disco tiene todos estos puntos.

Pero el disco no me ha parecido decadente.

— Lo son más las letras, cuando charlo del mundo digital y en el que podemos convertirnos... Es un disco que es tan humanista como misántropo.

En la canción AI hay un verso que dice "el futuro acaba de ocurrir". ¿Te sientes superada por el presente?

— Es un momento muy raro para ser un biohumano [ríe]. Por una simple cuestión de evolución, estamos negando muchas de las cosas para las que estamos preparados y que nos hacen más felices. Sí da un poco de miedo. Yo no tengo miedo a la tecnología, me parece muy interesante, pero sin abusar de ella. Pero hay gente que no quiere un uso humanístico de la tecnología, quiere que se nos trague por completo.

Esto es un uso más capitalista que humanista.

— Sí, sí, exactamente. Creo que estamos en un momento de decadencia de un sistema que es evidente que no ha funcionado. Por eso también la historia con la peluca y la imagen de Maria Antonieta, y de nuevo el rococó. Pienso que estamos mirando hacia otro lado, como hacía María Antonieta frente a la pobreza de su pueblo. Estamos todos como pequeñas Maries Antonietes consumiendo hasta el final, hasta que todo estalle...

Hablabas de la combinación musical. Están las cuerdas del Quartet Brossa, pero hay también mucha parte sintética, como la almohada de sintetizadores que utilizas en My head is a vampire. ¿Tienes la sensación de que es el disco donde todos tus referentes musicales han confluido de forma más natural?

— Sí, ha sido un viaje trepidante, ese disco, porque cuando no partes de una fórmula, o no estás haciendo música de estilo, no tienes un mapa por delante. Entonces hay momentos de descubrimiento de caminos nuevos que son increíbles, pero también hay mucha incertidumbre, porque no sabes si llegarás a un lugar interesante. Sin embargo, cuando tienes ese miedo es una buena señal, porque significa que estás pisando unos caminos más interesantes. Y sí, tengo muchísimos referentes. He escuchado mucha música, mi padre es músico, me encantan muchos tipos de música, y no era fácil hacer un trabajo coherente con tantas sonoridades diferentes, pero creo que sí, que suena natural.

Me cuentas la historia de Justo a boy? ¿En qué te inspiraste para hacer una canción con este punto de vista?

— Hay una canción antigua, que la oí cantada por Dinah Washington, que se llama Mad about the boy. Es una anciana que está enamorada de un chico más joven. Y la mía es algo al contrario, es un chico más joven que está buscando mujeres mayores, el típico crápula de la noche.

Ocurre más a menudo que los hombres buscan mujeres más jóvenes...

— Ostras, yo pensaba que era así, pero he tenido amigos que tienen ese fetiche con las mujeres mayores y me hizo mucha gracia.

Y quiénes son o qué representan los personajes de The brotherhood? Jill, Alice, Terri, Carlos...

— Carlos es un personaje real, pero hay nombres que salen de una manera más novelada, historias que sí que son reales, que me han pasado o que le han pasado a gente que conozco o las he oído. Es una recopilación de historias que dan mucho miedo, historias de violencia machista. El foco de esta canción es la protección que se dan entre sí esos grupos de hombres que hacen estas cosas. Evidentemente, no es una crítica a todos los hombres, sino a los hombres que lo hacen ya los hombres que lo tapan porque son amigos suyos o porque son parte de su pandilla o hacen lobi, que hacen de muros de contención de historias verdaderamente podridas .

Esta canción comienza con un punto de gravedad, algo como hacía Johnny Cash en la versión de Hurt de Nine Inch Nails. Es una solemnidad dura.

— Me gustan mucho los discos de la serie American recordings de Johnny Cash. Sí, quizá se ha colado por ahí.

Es inevitable que se cuelen todas las referencias que tienes. Estos días que he estado leyendo cosas que se han escrito sobre el disco, van apareciendo nombres como St. Vincent, obviamente, PJ Harvey, Nick Cave, Aldous Harding...

— Es curioso que lo digas, obviamente, porque nunca he escuchado un disco entero de St. Vincent. Es curioso que haya salido tanto como referente, pero estas cosas ocurren a menudo.

También puede ser una influencia inducida por la...

— Sí, sí. Es verdad que muchas veces escuchamos por los ojos.

A propósito de nombres. Está la voz del Howe Gelb en la canción B series, y la guitarra del Xarim Aresté, con quienes habías trabajado hace unos años.

— Xarim es un amigo muy querido y es un artista total, porque no se puede decir que sea sólo músico, o cantautor o guitarrista. Es un artista total. Siempre trabajaría con él. Siempre estaría contenta con él porque desde el principio he tenido una conexión que no es fácil de encontrar, sobre todo cuando haces música que no es de estilo. Cuando encuentras a alguien que entiende tu mundo y que lo sabe traducir... Y Xarim siempre suma. Es un tesoro que tiene. Está tocado por la varita.

Más aún en estos últimos discos que ha hecho con los músicos mallorquines que vienen del jazz.

— Es que tiene mucho sentido, porque tiene una forma de entender la música que es grande, amplia, muy libre. Bien, no hace jazz, hace canciones, pero que se acerque a un mundo tan abierto como el jazz tiene mucho sentido.

También tiene mucho sentido, en estos tiempos, una canción como The Spanish Inquisition, que es una reacción contra los discursos de odio. ¿Tú los has sufrido en primera persona?

— Sí. Fíjate que yo nací en Mallorca, pero sólo tienes que tener un apellido como el mío para que alguien te diga algo y te haga sentir que no eres de aquí. Me acuerdo de un médico que al leer mi nombre, que en el DNI es María del Carmen, así como muy folclórico: dijo: «María del Carmen, eso sí que es un número, no como tú apellido». Bien, ésta es pequeña, sutil. Pero a veces las historias sutiles son más violentas aún porque no puedes rebatirlas; parecen tan ligeras que parece que no puedas considerarlas un agravio. Salvo esto, mi historia está bien, todo OK. Lo que está ocurriendo con el resurgimiento de los extremos, eso sí es preocupante. Y por eso esta canción está en el disco. No por mis historias, sino por las de otros y por las cosas que sentimos todos los días.

Antes hablábamos de My head is a vampiro, una canción sobre cuando la mente te está carcomiendo por dentro. ¿Qué sensación es la que querías transmitir?

— La de la soledad, y la de la mente cuando se vuelve en tu contra, y eres tú mismo la persona que más daño te puede hacer. Sí, cuando parece que te estés vampirizando a ti mismo. Fue una letra difícil de hacer porque no quería que fuera autocompasiva, y al principio tenía algo ese tono. Quería que fuera una canción de buscar una salida de esa oscuridad. Siempre hay una puerta por la que puedes salir, pero a veces estamos de espaldas a la puerta y no la vemos. Quería reflejar esto, y transmitir que cuando piensas que estás sola no lo estás, que cuando piensas que no hay puertas, están ahí.

Escuchándola, a veces me venía a la cabeza la imagen de David Lynch haciendo postpunk.

— Puede ser por esas guitarras que grabó el Bobbi Relac, que tienen este twang típico de las Twin Peaks o de las bandas sonoras de David Lynch. Lo entiendo perfectamente.

¿Cuál es el mejor recuerdo que tienes relacionado con la música y cuál es lo que te gustaría olvidar?

— Es más fácil la segunda pregunta, por desgracia. Me gustaría olvidar una historia que tuve con un manager que fue muy dura, muy dura, muy dura. Es muy fácil que te tomen el pelo en una profesión en la que confías en la gente como si fueran familia. Y esto fue durísimo. Doce años después, a veces digo: uy, esto todavía tiene que cicatrizar por completo. Pero aprendí mucho también.

¿Y lo más feliz?

— He tenido muchos momentos maravillosos. Uno podría ser la sensación que tuve cuando, después de diez años escribiendo canciones, finalmente tuve el primer disco en mis manos.

¿Y tienes ninguna relacionada con la música cuando eras pequeña o escuchando alguna canción que no sea tuya?

— Bien, de pequeña tengo también muy duras. Me hacía muy feliz oír tocar a mi padre; me cuentan que me sentaba en la primera fila, venía gente a hacerme mimos y yo les jodía hostias para que salieran delante y me dejaran ver a mi padre. Pero después, como profesor de música, mi padre era horroroso. No tenía paciencia. Yo me iba a llorar un poco en el baño y volvía. También dicen que no comía sin música, que no abría la boca hasta que ponían música.