Carlos Marques-Marcet: “Pienso en la muerte todos los días desde los siete años”

BarcelonaCinco años después de ganar al Gaudí a la mejor película por Los días que vendrán (2019), Carlos Marcas-Marcet (Barcelona, ​​1983) vuelve a los cines con Polvo serán, un musical de ritmos y voces ancestrales sobre una pareja que quiere poner fin a su vida juntos y el impacto de esta decisión en sus hijos. La película, atrevida y singular como pocas en el cine catalán de los últimos años, es un salto adelante de escala y ambición para el director de 10.000 km (2014).

¿Cómo surgió el deseo de hablar sobre la muerte?

— Supongo que después de explorar el comienzo de la vida en Los días que vendrán queríamos mirar cómo era el final. Yo pienso en la muerte cada día desde los siete años, y pensar en la muerte me hace ser más vitalista y me recuerda la importancia de estar presente en el aquí y ahora. XX, o el XIX a lo sumo, la muerte era algo cotidiano, pero al caer el tabú del sexo la sociedad necesitaba un nuevo tabú Y, al fin y al cabo, la muerte es el espacio menos. productivo. Morir y dormir son las únicas actividades en las que dejas de producir.

¿Es cierto que Polvo serán ¿está inspirado en la historia de una pareja que conociste?

— Sí, son unos amigos que forman parte de una asociación de muerte asistida en Suiza y que querían morir juntos cuando uno de los dos se pusiera enfermo. sobre el tema. Estuvimos un mes improvisando y construyendo los personajes, como en Los días que vendrán, pero al final, a punto de rodar, no pudo ser por problemas de salud y reescribir el guión para hacerlo con otros actores. Pero la película ha acabado impregnando de esta línea inicial de metaficción y representación.

Empezaste a trabajar en el proyecto en 2018. Cuando en 2021 se aprobó la ley de eutanasia, ¿esto cómo afectó a la película?

— Tuvimos que cambiar el guión. Fue una noticia importante que celebramos mucho, aunque es una ley inicial que debe revisarse y ampliarse, claro. Pero al mismo tiempo era como: “Ostras, ahora no funciona la historia, debemos repensarla”.

En la película, en realidad, el derecho a la muerte digna es un debate superado. De hecho, vas un paso más allá y planteas una situación en la que el deseo de morir de un hombre puede resultar incluso antipático.

— Mi forma de hacer cine político es crear realidad, normalizar ciertas tendencias sociales y entonces cuestionarlas. Que estés a favor del derecho a la muerte asistida no significa que quieras hacerlo. La gente de las asociaciones de muerte asistida ya lo dice, que ellos mismos no saben si lo harían. La cuestión es tener el derecho a ello. Si decidimos tantas cosas importantes de la vida, ¿por qué no esto?

Rodó en una asociación real de muerte asistida, ¿verdad?

— Sí, en Dignitas, en la casa que tienen en Suiza y, de hecho, una de las personas que vemos es alguien que se dedica a acompañar a la gente en ese proceso. Y es un sitio con mucha paz. Tiene sentido, porque es un momento de paz y amor en el que la gente se despide de los seres queridos. En el fondo es bonito que suceda así; la alternativa es terrible. Sobre todo, tener esta opción te da tranquilidad: en Dignitas, el procedimiento para obtener la muerte asistida es muy largo, pero, cuando se consigue la luz verde, la mayoría de la gente no va. Y yo creo que, en parte, es porque en el proceso de hablar con los familiares se crean unos vínculos y afectos que quizás estaban dormidos.

Uno de los grandes temas del filme es cómo la decisión de los padres sacude la relación con los hijos.

— Sí. Más allá del derecho a la muerte digna, la cuestión es cómo gestionamos la muerte en comunidad en esta sociedad capitalista tan centrada en los derechos individuales. Queríamos poner esto frente al espectador, pero sin juzgar. Hay gente que tiene reacciones muy viscerales a uno u otro personaje. Pero los personajes son esto, un juego de posiciones morales y éticas enfrentadas que el espectador debe navegar sin darle respuestas. ¿Quién tiene razón? Yo no lo sé. No es una película de personajes que aprenden de los errores, sino algo más directo, como la vida misma, donde muchas veces no aprendemos nada, repetimos los mismos errores y al final se acaba.

¿Qué te llevó a querer que la película fuese un musical?

— Al principio del proceso nos dimos cuenta de que una cosa es hablar del duelo por la muerte de alguien y una muy diferente hablar de tu muerte. Son radicalmente diferentes: la muerte de uno mismo es rara. Si lo piensas, no podrás ni ponerte triste, porque ya no estarás. Es tan difícil de imaginar que cuesta poner en palabras, ya menudo acabábamos poniendo música y bailando durante las improvisaciones. De hecho, si estudias las tradiciones de la muerte tanto en Oriente como en Occidente, la música siempre juega un papel esencial. Hoy en día también se ve en los funerales laicos, todo gira en torno a qué música se pone. Es lo que nos ayuda a captar esto tan extraño, absurdo y cómico de la muerte.

Y cómo fue tu trabajo con Maria Arnal, que ha creado la música?

— Ha sido fascinante. Normalmente, la música se trabaja después, pero aquí necesitábamos la música antes para ensayar todos los números musicales. Teníamos claro que no queríamos la típica música de musical, sino una que conectara con un lugar ancestral, que dejara espacio para las coreografías y mirara al futuro. Y buscando la esencia de la vida, que es el aliento y el latido del corazón, decidimos hacer una banda sonora que fuera sólo voz y percusión. Además, María lleva mucho tiempo trabajando la voz como instrumento y la tiene sampleada en un instrumento. Así puede cantar mientras se acompaña a sí misma en un juego de mise en abyme muy divertido.

Hablamos también de los actores: Mònica Almirall, a la que das su primer papel en cine, es el descubrimiento de Polvo serán.

— Mònica Almirall es una bestia, una artista total. Una de las cosas de las que estoy más contento de esta película es ponerla por primera vez frente a la pantalla. Ella es directora de teatro y tiene una compañía, A Tres Bandes, que me gusta mucho lo que hacen. Y también la había visto con La Veronal en Opening night, donde desempeñaba un papel dificilísimo pero increíble, allí en medio de los bailarines. Dio el casting y sentí que era la única que podía hacer a la vez de madre y de hija de Ángela Molina. Y quizá por ser directora, he tenido en ella una aliada en todas las decisiones creativas. Y tengo muchas ganas de que la gente la vea y la conozca.

En 10.000 km pusiste ante la cámara de cine por primera vez como protagonista David Verdaguer, ya Los días que vendrán María Rodríguez.

— Con el tiempo aprendes a valorar tus virtudes y tus defectos, y algo que he aprendido es fiarme de mi intuición en el casting. Lo de fijarte en un detalle y decir: "Esta persona lo tiene, tiene lo que debe tener". Tengo buen ojo para esto. Me pasó con mi querida y buena amiga Vicky Luengo, la vi en su segunda obra de teatro, en la que desempeñaba un papel pequeño, y me di cuenta de que lo iba a petar. Mi productor [Tono Folguera] y yo antes nos peleábamos por el casting, porque yo siempre elijo la opción más difícil desde el punto de vista de producción. Cuando dije que quería David Verdaguer a 10.000 km, me decía: “Pero si es el reportero del bigote delAPM!”. Pero ahora ya me dice siempre: "Perfecto, Carlos, lo que tú digas".

¿Y cómo lleva Verdaguer que hayas hecho una película sin él?

— Bien, ¡pero no ha sido fácil! Me llamaba por teléfono y me decía: "¿Un papel?" Y yo: "Es que no tengo, David, ya me gustaría ponerte, pero... ¿Cómo llevas el acento chileno?" [Ríe]. Y David Verdaguer haciendo de chileno no colaba. Pero no importa, ya estará en la próxima.

Me decías antes de que piensas en la muerte desde los siete años, pero ¿cómo te ha afectado en este sentido hacer esta película? ¿Ha cambiado tu forma de relacionarte con la muerte?

— Creo que me siento más relajado. También me sigue haciendo angustia, pero... El otro día viajaba en avión y tuve un momento de esos en los que imaginas que el avión se cae. Y pensé que si esto ocurriera quisiera estar alerta, sin miedo, para disfrutar este último momento. En una película de John Ford que me gusta mucho, El fugitivo (1947), deben fusilar a un cura y la noche antes el guardia le da una botella de whisky, pero él la rechaza y le dice: “No, quiero vivir mi muerte”. Al final, es algo que sólo vivimos una vez. Y en este sentido, me hace estar siempre más presente en el ahora.